有意研究歷史和社會變遷的人，絕對不會遺漏建築的存在，不同於食器、衣飾等這類小巧且更替快速的物件，建築的量體龐大、占地廣闊，而且當中所牽涉的成員眾多，若要更動其型態，往往不是一朝一夕可以進行，因此可以透過建築參照過往，甚至通過身在其中的感受去揣測古人的心情和思維。 《看懂建築，從故事開始》，黎辛斯基（Witold Rybczynski），貓頭鷹出版。 英語世界中被評價為最優秀的建築作家黎辛斯基（Witold Rybczynski），以79歲高齡，在建築、歷史文物保護與城市設計領域多有貢獻，至今仍筆耕不輟，他精心挑選了西方世界影響深遠，且如今還能造訪的百座經典建築，秉持「人才是建築中心」的理念，描述他舉出的案例所產生的背景條件、結構與用途，探索建築理念如何受到社會、技術、經濟和品味變化的影響，且反映人類對於美與秩序的追求，以及最重要的：經典建築之所以能持續供人使用的價值。  建築物與人有著密切的連繫，唯有建築物中有人，建築物才能合理存在。—黎辛斯基（Witold Rybczynski） 書中以建築為核心，根據人類文明發展的過程列出六大篇章：「古代」、「中世紀」、「重構的世界」、「第一批現代人」、「新建築」和「後現代主義」，每個章節的篇幅和遣詞均有力精簡，橫跨西元前5世紀到21世紀，內含民眾耳熟能詳的萬神殿、聖母百花大教堂、桂離宮、阿爾罕布拉宮、林肯紀念堂、雪梨歌劇院等，從建造背景和技術知識，引導讀者由淺入深，認識這些建築的形式結構及其轉變。 國民議會廳，達卡。 搭配每個章節所陳述，他不是用眾多建築表現時代的百花齊放，而是根據是否樹立一個時代的代表性為挑選基準，以百裡挑一的經典案例，聚焦說明一個時期產生變化的關鍵，以及創造力顯現的起源，著眼於一個時代如何開始，而非寫盡整個時代的興衰起落。 巴恩內茲石塚。 建築，是建築師、工匠、投資者等人合作與妥協的成果，因此一棟建築的存在，從發想初始，一直到歷經數個時代的變動後、仍持續投入使用的現在，反映的不僅止於當時的思想，也見證了不同時期的價值觀傳承，本書以經典為媒介，引領讀者探討如何真正地看待一棟建築，並在不同的建築師和風格之間建立富有意義的對話。 洛克斐勒中心。 19世紀，水晶宮。 古根漢美術館。 資料及圖片提供」貓頭鷹出版 編輯」江瑜

Chapter Italia集團旗下首座以完整水療為概念的F.A.R.M. Social，其名寓意為「永恆的悠然心境」，坐落於莊園內17世紀古村落、佔地500平方公尺的水療殿堂，將全人式放鬆與高效能設施巧妙融合，把莊園改造為放慢步調而生的療癒場域。 客房保留舊有拱形結構，並以石牆的粗獷與線條的簡潔形塑對比，在歷史建築中展現當代表情。 Chapter Chianti本身是場新舊交融的設計實踐。這座擁有82間客房的旅宿，坐落於奇揚第丘陵、橄欖園與葡萄園之間，由南非室內設計師Tristan Du Plessis操刀，將當代設計融入原始石牆、拱形天花與數百年建築肌理，在歷史底蘊與現代美學之間取得平衡，重新詮釋義大利鄉村元素。餐飲方面，4間餐廳與酒吧由米其林星級主廚Daniele Auricchio領軍，以拿坡里背景結合托斯卡尼在地食材，從傳統義式餐館、地中海風池畔酒吧到紐約風格酒廊，展現多元面貌。 餐廳規劃4間風格各異的餐廳與酒吧。 餐廳涵蓋經典義式料理、地中海風池畔酒吧與都會感酒廊，展現義大利文化的豐富層次。 位於古村落中的F.A.R.M. Social，以古羅馬浴場為靈感，打造室內水療循環池，5座特色泳池依序鋪展，引領旅人緩步體驗不同水溫與空間節奏，同時搭配土耳其蒸汽浴、芬蘭桑拿與乾式土耳其浴，構築完整熱療體驗。藉由水氣、溫度與材質彼此交織，讓身體在循序漸進的感官變化中逐漸放鬆，重新找回與自身節奏相處的餘裕。 療程室以托斯卡尼的自然元素為靈感，將其風情轉化為觸感與氣味，讓護理儀式在此與土地相互對話。 3間療程室提供Spa招牌儀式與111SKIN客製化臉部護理，靈感取自托斯卡尼風土的豐潤橄欖、馥郁薰衣草、深沉火山石，以及夕陽下丘陵起伏的韻律，並將其轉化為細膩的觸感與氣息，讓自然景致以另一種方式融入肌膚與身心，每一項療程都像一場與土地之間的感官對話。對於偏好活力節奏的旅人，F.A.R.M. Social亦設有130平方公尺的Panatta Fitness Centre，配備高規格健身器材，搭配戶外板式網球場，讓運動成為療癒體驗的另一種延伸。 療程室。 在這裡，住宿、設計、餐飲與水療彼此串聯，構成一幅完整的托斯卡尼生活圖景。無論沉浸於古羅馬浴場的溫潤水氣，或是在橄欖園與葡萄園環抱的丘陵間醒來，旅人都能在歷史與自然交織的莊園中，重新感受身心的和諧與甦醒。 資料及圖片提供」Chapter Chianti 編輯」林靖諺

新北市美術館近日推出的展覽「冥王星在天蠍座」，以星辰的走向為名，暗喻1983至1995年間的世代，這不僅是創作者劉玗與吳思嶔出生和長大的時代背景，也是一個全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代。 展場布置就像一場微縮的公路旅行，懸空的玻璃板和布幕提供主視角變化旅途的風景。（攝影：王世邦） 在生活遇到困難，或者人生走向低潮時，人們難免需要求助；隨著年齡漸長、遇到的困難增加甚至難度升級，可以傾訴煩惱的對象也逐漸減少，是以投向信仰或占卜，尋求更高位者的指引，找到生命的出路。劉玗與吳思嶔共同創作的「冥王星在天蠍座」，從世代生命經驗出發，寄託於星象，透過錄像、聲音、燈光與物件等多元媒材，展開一場關於旅行、逃逸與感知的自我探索。 劉玗與吳思嶔結合影像敘事、文字和雕塑作品，建立一個完整的敘事語境。（攝影：王世邦） 時代與個人的認知 新北市美術館自創館以來特別著重於促進當代藝術的跨域創作，期以藝術為媒介，引入公共參與、知識生成，並反映社會變化和當代議題，秉持藉由藝術串聯不同領域交流的宗旨，規劃4A展間作為計畫空間（Project Space），透過在此辦展為大眾呈現具研究性、實驗性與合作性的創作形式，實踐創新手法，並深化藝術實驗與全民藝術推廣之間的連結。 文字投影打在玻璃版面上，以公路無盡向前延伸的畫面為背景，像是凌空書寫的日記。（攝影：王世邦） 本展邀請專注於以敘事影像結合空間裝置進行創作的藝術家劉玗與吳思嶔，以自身的成長經驗為題，運⽤⼤尺⼨投影與多媒體技術，將展覽空間轉化為沉浸式的環境。在展覽設定中，冥王星象徵「毀滅與重生」，在這段時間，台灣經歷了90年代的股市泡沫、台海危機、移民潮與資金外移等動盪，許多固有認知隨著不同區域之間的壁壘爭議而打破，整體的社會氛圍也因此朝向未知前進，時人陷入外在環境的混亂以及自我認知的動盪。 雕塑小丘上插著餐具，一如小小的格柵，守望展區內的風景。（攝影：王世邦） 與其說本展的作品意圖引領觀眾回顧歷史，不如說是透過影像、燈光、聲⾳和雕塑裝置所建構的空間敘事，轉譯藝術家當年生長的情緒和感知，將過往打磨成一面抽象的鏡子，映照現代同樣感到混亂、徬徨的人們，探討特定時代背景養成的虛無精神。 投映在地面的火光折射於玻璃板上，呈現多層角度，在夜幕下靜靜燃燒虛擬的營火。（攝影：王世邦） 解構記憶的時空之旅 劉玗與吳思嶔從個人的旅行記憶出發，以文字、雕塑與影像等多元媒材共構展場，整理不同時間的切片，順應影片播放的過程徐徐釋放資訊，並逐漸延伸至一個世代在成長過程中共同面對的處境與心境，利用私密的記憶觸發社會經驗的彼此共鳴，透過觀看、甚至沉浸式體驗本展的方式，進而理解藝術家意圖表達的現實，轉而思考個人如何被時代所形塑、又如何在日復一日中共同構成這個時代的模樣。 將日常隨處可見的小物件串聯起來，轉化為展覽的敘事線索，開啟對自由與虛無的想像。（攝影：王世邦） 值得注意的是，「冥王星在天蠍座」以「旅行」作為觀眾進入整體敘事的切入點，不僅是取用星星在軌道上的移動與周期性的變化等素材，旅行同時具有離開一個熟悉的環境、並透過客觀視角觀察或體驗他人日常的特性，疊加「觀展」的行為動機，作品如同一本被拆解的旅行日誌，從踏入展間伊始，每個細節均是這趟旅行的切片，引領觀眾在不同感官訊息的交錯中，逐步進入藝術家所建構的旅程。 懸空的圓形投影布幕，在不同場景的變化間，有時擔綱日月，有時又彷彿是通往舊日時空的出入口。（攝影：王世邦） 在深入了解他人的生命經驗時，情感也會觸動觀者自身的記憶，在移動、離開與返回之間，目光所及自然將觀者帶入非線性敘事與多層次感知的「旅行」，本展透過感官與精神的交互體現⼈類與外在世界的細膩連結，邀請觀眾在每分每秒都持續在變化的世界中，回顧自身與外界的互動與帶給彼此的影響，重新思考自身的定位。 「冥王星在天蠍座」展覽主視覺。 資料及圖片提供」新北市美術館 編輯」江瑜

HBA旗下產品設計工作室HBA Product攜手義大利設計品牌Giorgetti推出全新家具系列KUMIKI（組木），包括休閒扶手椅及餐椅兩款，於2026年米蘭設計週正式亮相，這也是雙方繼2024年HIKARI系列後的第二次合作，持續探索工藝、材料和結構之間的關係。   HBA Product × Giorgetti 推出KUMIKI組木家具系列。 以工藝開啟對話 不同於以裝飾建立視覺焦點，KUMIKI將家具本身的結構置於設計核心。名稱取自日本傳統木作工藝，無須釘子、螺絲或膠水，僅透過木材彼此精準嵌合即可組裝完成。扶手椅與餐椅皆採用Canaletto胡桃木作為框架，木材本身的紋理及溫潤質感使每個構件都成為獨特的美學語言，成就沉穩細膩又歷久彌新的家具作品。 KUMIKI休閒扶手椅手繪圖。 KUMIKI餐椅手繪圖。   義大利和日本兩種文化在精準、材料與手工技藝的重視上產生了交集，嚴謹的比例與簡潔外形讓胡桃木躍為視覺主角，隨著使用或歲月累積，木材的質地也逐漸沉澱，呈現不同於初始狀態的風貌。   榫接細節化為視覺 KUMIKI最鮮明的特色，在於毫不掩飾結構的存在，每一個榫卯接合皆清晰可見，充分體現背後的工藝巧思。所有構件皆依實際需求而存在，沒有多餘裝飾，對HBA Product而言，這種直接的結構表達正是作品敘事的一部分。 KUMIKI休閒扶手椅應用情境。 KUMIKI餐椅應用情境。   在造型之外，舒適度同樣建立於結構邏輯之上，休閒扶手椅注重舒展的坐姿和放鬆感，餐椅則以更精練的輪廓回應日常使用需求；軟墊順著木質框架自然貼合，使硬朗構架和柔軟觸感取得平衡。 KUMIKI休閒扶手椅細節。 KUMIKI餐椅細節。   從室內走向戶外 KUMIKI克制的設計手法同樣延伸至同系列的戶外版本。以耐候性較佳的柚木取代胡桃木，並搭配專業戶外面料、快乾坐墊及抗腐蝕不鏽鋼組件，在忠於設計初衷的同時，也確保家具能適應不同使用情境。   利用功能為本的設計思維，以及對材質的尊重，KUMIKI以內斂的姿態融入住宅、飯店或室外場域，透過坦誠展現結構之美，印證了一個樸實而深刻的理念：當結構回歸本質，設計才能經得起時間考驗。   資料及圖片提供」HBA Product 編輯」陳映蓁

雕塑承載了審美和紀念性質，秉其高度、寬度與深度，佔據真實的物理空間，銘刻人們的思念，隨著雕塑的用材和技法持續精進，人們對雕塑的期待也不再僅止於逼真寫實，也延伸發展抽象的主題。   《Cos_è successo》，椴木、壓克力顏料、青銅，90 x 19 x 29 cm，2026年。 也趣藝廊近日推出藝術家Willy VERGINER的個展就是超現實雕塑的優美詮釋者，他接受Val Gardena木雕傳統培訓，但其作品並非傳統聖像，而是立足於傳統技能、延伸自我理解，傳達對環境、社會與心理等等主題的觀察和疑問的呈現，在第54屆威尼斯雙年展（La Biennale di Venezia）深受肯定，以開創性雕塑語彙聞名國際。   《Foie gras》，椴木、壓克力顏料，128 x 38 x 58 cm，2025年。 雕塑抽象的世界 Willy VERGINER出生於1957年的義大利，從傳統木雕出發，後來刻意脫離傳統，最後又重新回到具象雕塑，形成現在非常個人化的風格，作品並獲歐洲、美洲及亞洲多家重要美術館與藝術機構收藏，在當代藝術領域占有重要地位。 《Homage to francesco vezzoli》，椴木、壓克力顏料、棉花，33 x 23 x 22 cm，2025年。 他的作品乍看寫實，實則結合天馬行空的想像，時常將人物置身於不同尋常、甚至有點荒誕的情境中。木頭本身的天然質感也會被保留，同時局部塗上鮮豔的壓克力顏料，利用人物、動物、植物、樹木、工業物件等元素，創造一種美麗與不穩定並具的世界，而在創作選材方面，他經常從文學出發，在雕塑與文字之間尋找相互映照的美學路徑。   《Ricordi e pensieri》，不同木材、壓克力顏料，154 x 70 x 58 cm，79 kg，2026年。 本展的精神核心取材自阿根廷作家胡利奧・科塔薩爾（Julio Cortázar）的經典文本，Willy VERGINER並非如插畫般忠實復刻文學作品中所描述的情境，而是以文字為引，延伸他自己對其內容的理解和想像，創造出展中的13件作品，透過雕塑與文字的相互映照，探討平日的習慣背後所潛藏的感知經驗，打開現實與想像之間的觀看邊界。 哭泣的行為指導 胡利奧於作品中一本正經地將「哭泣」的動作分解，寫下通過四個步驟去完成的行為指南，通過儀式性的描述，將自然而然的情緒流露，轉化為一套可以被精準仿效和實行的程序；情緒是抽象的、屬於個人的，哭泣的行為卻是具體的、可以被他人感知和關照，也對外傳達出哭泣者的情緒和狀態，胡利奧的作品在日常與荒謬之間，讓讀者看到情緒行為因為被凝視而呈現出被規範的模樣。   《Sakura》，青銅、壓克力顏料，170 x 53 x 42 cm，2026年。 Willy VERGINER延續了這種因為被凝視而異化的情感表達，投入作品的塑形，通過分解和重組日常經驗，將荒誕隱藏於熟悉之中，透過展中的13件作品，組成用物質反映心理狀態、宛如夢境一樣的小世界。 《Tapar con decoro el rostro》，椴木、壓克力顏料，67 x 40 x 22 cm，2025年。 在本展展出的作品中，可以看到有人以衣袖遮住臉，有人將臉藏在布料之後，有人低頭、閉眼，或停留在情緒發生之前，眼淚不再只是從眼中落下的液體，而化為臉上的枝葉、露珠般的圓點與綿延的白色線條，在身體與自然之間生長。以人們習以為常的行為作基底，延展奇異的型態，不是為了定義這些情感，而是邀請觀眾一起發散新的觀看角度和想像。 玩味現實與想像 Willy VERGINER多以椴木、青銅與壓克力顏料塑造介於寫實和夢境之間的場景，經過自然乾燥多年的木料，降低了木材後續變形的問題；雕刻時先用鏈鋸、斧頭處理大形，再用鑿刀等工具處理眼瞼、耳朵等細節，讓木材保留清晰的鑿刻痕跡，通過寫實的造型和木質粗糙的自然肌理，利用輪廓和質地的對比形塑超現實的張力。   《Ubuntu (pig)》，青銅、壓克力顏料，217 x 83 x 78 cm，2024年。 此外，他的雕塑藉由色彩橫越人物、動物與物件的邊界，將原本完整的形體切分為不同的心理區域，在作品中樹立鮮明的辨識度，當天然木紋與人工色彩並置於同一身體之上，被顏料「浸泡」的部分宛如展現在不同緯度的形貌，挑戰觀者對眼前所見的理解，讓角色同時存在於物理與想像世界之間。 《Volo e tutto sembra blu》，椴木、金屬，壓克力顏料，36 x 84 x 37 cm，2026年。 資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

勤美草悟夏祭「BOOM ART！藝術不設限」四大展區同步開展，主展場勤美術館2026夏季展集結「EVERYDAY ART 藝術計畫」（以下簡稱EDA）入選藝術家40組，以每日必備的藝術為策展概念，發揮跨界平台號召力，攜手FamilyMart全家便利商店打造全台首座「美術館便利商店計畫」。 2026勤美草悟夏祭串聯勤美術館、勤美誠品、金典綠園道與PARK2四大展區，將藝術創作延伸至整個草悟道生活圈。   勤美術館總監胡忻儀認為，勤美草悟本身就是一座生活中的美術館，本次以美術館為起點，攜手EDA藝術計畫，把「美術館便利商店」的概念延伸至整個街區體驗；大家不用刻意走進美術館，也能在逛街、散步的過程中與藝術不期而遇。當藝術能像便利商店一樣貼近日常，它就能真正成為人們的日常養分。   美術館便利商店設計了許多現場消費、看展的體驗細節，傳達「藝術，你的每日必備」理念與精神。 《凌晨五點零四分的便利商店》 主展場勤美術館以便利商店的入口、貨架、收銀台等空間語彙重新設計。藝術家賈茜茹規劃藝術體驗《凌晨五點零四分的便利商店》，引導觀者一步步展開屬於自己的藝術收藏之旅，可透過「收藏清單」直覺挑選自己喜愛的事物，循著線索走進展場尋找對應作品，並利用「推薦小卡」分享心得；最後邀請觀者回應「你想在便利商店裡買到什麼樣的藝術」，動手創作充滿靈感的「大發布丁」，重新拆解習以為常的生活經驗。 勤美術館本次選出40位藝術家的60組作品，你我熟悉的日常轉化成藝術家的靈感。   「差一點就正常」的日常 走進這家最藝術的便利商店，熟悉的秩序因藝術介入而有了細微偏移──展示設計刻意翻轉招牌方向、調整貨架高度，改變人們習慣的身體尺度和觀看方式。創作者們也從各自的生活出發，展開對日常物件的翻轉與想像。 勤美術館B1結帳台把菸品架化為藝術品選購單，鼓勵大家入手喜歡的藝術品。 葉姵萱《完蛋_刷牙時間道》巧妙融合全家便利商店的蛋品販售，搭配藝術家聯名商品。   「南島星人工作室」以《凝固的日常》、《沁涼的夏日》與《今天好好吃顆蛋》為題，利用生活陶將冷凍包、霜淇淋和茶葉蛋等稍縱即逝的消費物品轉化為能夠被收藏、反覆品味的器物。 南島星人工作室利用生活陶轉譯便利商店常見的冷凍包包裝。   陳政維的《Beeping Tempo Ready Go》則將結帳行為的刷載具、機械式Beep音響化為身體律動的引導，把超商消費的流程化為健身操動作。 陳政維《Beeping Tempo Ready Go》把超商的消費流程化為健身操動作。   楊馥嘉《成分表讀者》將商品包裝反向陳列，讓平時最少人閱讀的成分標示成為視覺主角，突顯商品標示與美術館作品說明之間微妙而有趣的對照關係。 楊馥嘉《成分表讀者》。   從公開徵件到作品「上架」，EDA藝術計畫持續位創作者打開被看見的機會，不論是輕鬆入手的出版品、可以融入居家場景的立體雕塑，或是打開不同視野的畫作，如同勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育所言：「藝術是很好的濾鏡，能探索已知與未知，也能表達人性癲狂的那一面；收藏不為追大師或增值，而是人與作品的情感連結。」，在這間最藝術的便利商店裡，都能找到值得收藏的創作。 馬春風《地拖》。從閒置物品進行發想，拖把可自由穿插，飛翔於城市中。     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

八月盛夏，JOSUIa GALLERY舉辦《FinnSummer***｜芬蘭設計、藝術與夏日浪漫》特展，將芬蘭的森林、湖泊與桑拿文化帶進台北。展覽不只是設計與藝術的陳列，更是一段跨越展期的合作起點。 展覽現場。呈現來自芬蘭的家具、織品與當代藝術品，並搭配主視覺中的芬蘭湖面，置身其中沁人心脾。 8組來自芬蘭的品牌、設計師與藝術家，從實木家具、紙紗織品、玻璃與陶藝，到曾於米蘭設計週Alcova、哥本哈根3daysofdesign登場的作品，共同勾勒當代芬蘭創作的多元面貌。 展覽現場。 實木與紙紗 經典延續於日常 創立於1967年、即將迎來60週年的NIKARI，曾與Alvar Aalto等大師合作，如今仍於芬蘭Fiskars小鎮，由工坊匠師從選木、裁切、接榫到表面修整，完整參與家具製作。設計精準內斂，不以張揚造型取勝，而在比例與細節中展現深厚底蘊。作為JOSUIa長期獨家代理品牌，NIKARI串起芬蘭現代設計跨越世代的精神。 餐桌區放置NIKARI的ALVAR托盤。選用芬蘭樺木實木框邊，搭配白色高壓積層板，以簡練優雅的線條，體現純粹的芬蘭職人手作與機能主義精神。   同樣取材自森林的WOODNOTES，由織品藝術家Ritva Puotila於1987年創立，是全球首個將紙紗應用於空間織品的品牌。以天然木材纖維製成的紙紗，經高密度織造與特殊處理，具耐用、抗靜電、不易積塵等特性，其地毯亦可依空間需求訂製尺寸，部分系列最長可達10公尺。此次JOSUIa更正式引進完整系列，從紙紗地毯、窗簾到餐墊，展後仍將持續作推廣。 展覽入口區懸掛WOODNOTES地毯，搭配右下角NIKARI的DECEMBER休閒椅。   從工藝到藝術 自由探索創作邊界 具Master Cabinetmaker資格的Antrei Hartikainen，以木頭與玻璃跨足家具、雕塑與空間裝置，且曾與Cappellini、NIKARI合作，並獲Maison&Objet Rising Talent Awards 2024、Pro Arte Award 2025等肯定。此次展出的口吹玻璃雕塑《MELT》，以及《HATTU》、《KUKKII》等木藝作品，將對植物生長與材料流動的觀察，轉化為獨特輪廓與節奏。 藝術家Antrei Hartikainen從左至右為：口吹玻璃雕塑《MELT》、木藝作品《HATTU》。   由Aino Michelsen與Ville Auvinen共同發起的massaproject，以芬蘭在地紅土發展家具與空間構件，2025年入選Habitare《Materials & Objects》，並登上米蘭設計週Alcova。   左：BRACKET 層架；右：REVOLVE屏風。massaproject利用芬蘭在地紅土製造家具物件，近年受到國際設計舞台關注的材料計畫。 REVOLVE由可旋轉陶土元件組成，透過角度變化創造光影；BRACKET則從擠製實驗發展而來。本次展出的REVOLVE屏風與壁飾皆曾於Alcova亮相，未來亦可依場域尺度發展。 立面懸掛REVOLVE以紅土做成的壁飾。右下角則為NIKARI的Linea RMT3椅子。 REVOLVE屏風不僅是裝飾，亦是場域界線，未來可依展覽需求作調整。 Santeri Mortti則以有機形態遊走雕塑與生活物件之間，花形立燈與層架透過手工雕刻及組構，呈現彷彿持續生長的枝葉輪廓。Antrei Hartikainen與Santeri Mortti皆首次在台展出，JOSUIa後續也將規劃兩人的個展。   藝術家Santeri Mortti的《Flower層架》與《Flower立燈》。 循環思維與跨文化視角 成立於1990年的DURAT，將工業塑膠餘料再製成人造石，使用後仍可回收；超過三百種基底色搭配不同顆粒色彩與密度，展現高度自由的色彩可能。Palapeli層架、Pikkupikku洗手台與Pukki邊桌皆於哥本哈根3daysofdesign展出後來台，將原本多用於大型空間的材料帶入生活尺度。   DURAT展區。 Palapeli層架以工業塑膠原料重新再製為人造石，可回收再利用，達到永續目標。 由田宜巧、陳又嘉與楊睿帆三位台灣設計師於赫爾辛基成立的D-ja，是芬蘭設計圈的新銳品牌。Dango Lamp曾從276件作品中獲得2024 Young Finnish Design居家類首獎，後由Aarikka量產。此次展出的TEX系列以紙材進行編織、連結與塑形，首度在台亮相並同步預購。   D-ja 團隊，由左至右田宜巧、楊睿帆、陳又嘉三位台灣設計師於赫爾辛基成立，TEX系列以紙材為核心，透過編織、連結與塑形的手法，發展出壁燈與桌燈兩種結構形式。 旅芬藝術家June Seo則從食物與器皿出發，以芬蘭天然陶土結合韓國粉青沙器技法創作Apple Collection，保留手工塑形的細微差異。   二樓展區。右下角為旅居芬蘭的藝術家June Seo，以食物與器皿為題，將芬蘭陶土與韓國傳統技法結合，完成Apple Collection。 展覽不以單一風格概括芬蘭，而是透過8組不同世代與背景的創作者，呈現當代芬蘭設計、藝術與生活文化的豐富面貌。除了JOSUIa長期獨家代理的 NIKARI與完整引進的WOODNOTES，其餘參展單位也已展開正式合作，未來將持續在台灣推廣。展場中的相遇不隨八月落幕，更多跨文化合作正由此展開。 《FinnSummer***｜芬蘭設計、藝術與夏日浪漫》 時間」2026年8月30日前（周四至周日開放） 地點」JOSUIa GALLERY（台北市大安區仁愛路三段26-3號7樓） 展覽詳情與預約請見>>https://lin.ee/QtheMwZ（免費全預約制）   資料及圖片提供」JOSUIa GALLERY 攝影」狐色影像製作 編輯」林靖諺

人類通過將生活環境中的事物分門別類，建立秩序和法則，據此有效管理時間和資源，但是所謂秩序，並不是將一切資訊根據個別屬性全部切割，而是根據其特質和功能，安排適當的距離和主次，讓不同個體都能在同一個場域裡自然生長、又彼此相輔相成，進而形成完整的生活圈。 丁建中〈浮游II〉隨風、濕度、光線與人流持續變化，讓觀眾在穿行之間感受光線與空間流動的節奏。 高雄市立美術館推出《2026 縫隙計畫 KMFA: In-Between》，將展覽重點放在建築、森林、埤塘與城市的交界，徵集7組跨域藝術家，重新審視這些看似無為、被視作過渡地帶的角落，點亮它們獨有的空間特質、以及不同領域彼此展開對話的方式，讓藝術的創作與欣賞走出固定展區和既定角度，在移動間活絡嶄新的觀看方式和藝術思維。 城市藝術空間 高美館建館32年，不僅與城市共生，隨長久經營，館舍建築亦自然融入於森林、埤塘與生態園區中，形成兼具藝術、人文與自然的獨特場域。高美館藝術生態園區作為市民散步、休憩及親近自然的重要公共空間，內含下沉式廣場、迴廊、蜿蜒小徑、坡地、水岸與湖畔等種種豐富場景，這些為人所忽視的角落，在漫長時光中與自然交織煥發出新的生命力。 趙尉翔〈露銀計畫──縫隙中霧露均霑的交織地景〉運用水霧與鋁板裝置重現內惟埤濕地曾有的氤氳景象。 《縫隙計畫》嘗試拓展參訪美術館的新路線，透過裝置、霧幕、光影等多元環境藝術形式，串起建築、地景與市民之間的關係，讓美術館不僅止於展示作品的場所，亦隨著人為動態組織藝術與自然的共同發生，形成多方互動的美學平台。 森屾創作設計有限公司的〈迷霧林〉藉由木構空間模擬陽光穿透森林樹冠的光影變化。 與環境對話 展中7件作品因應園區自然生態、建築肌理與天候環境，呈現不同藝術家的獨特詮釋。如丁建中〈浮游II〉，地處美術館迴廊外樹林，隨風、濕度、光線與人流持續變化，於白天與夜晚展現不同樣貌；草坡上的趙尉翔作品〈露銀計畫──縫隙中霧露均霑的交織地景〉，則運用水霧與鋁板裝置，重現內惟埤濕地曾有的氤氳景象，讓地方自然記憶與當代建築語彙交織。 蔡旻翰〈內惟埤考2026—臨時考掘站001號〉打造一處虛構考古現場，帶觀眾思考藏於建築褶皺中的時間痕跡。 此外，高美館建築中的轉折、邊界與過渡空間，亦是創作者的靈感來源。森屾創作設計有限公司活用美術館的下沉廣場，在三秌茶屋前打造作品〈迷霧林〉，藉由木構空間模擬陽光穿透森林樹冠的綠蔭，突出自然和建築的互動。蔡旻翰的〈內惟埤考2026—臨時考掘站001號〉利用廣場樓梯下方的空隙，打造一處虛構考古現場，讓建築肌理和時間的鑿痕化為邀請群眾挖掘的寶物。 著陸方法工作室〈相縫之處〉於湖畔駁坎之間架設竹構編織天幕，重新定義人們停留與穿越空間的方式。 重建觀看視角 館前廣場的駁坎階梯依循內惟埤湖畔的範圍徐徐展開，提供市民休憩和眺望湖景。著陸方法工作室作品〈相縫之處〉於駁坎之間架設竹構編織天幕，不僅緩和高雄夏季炎熱氣候，宛如小山洞的結構也重新定義了人們停留與穿越空間的節點。 簡莉芸、黃婕瑛共同創作的〈落入水面：軌跡到餘響〉從內惟埤的歷史出發，以金屬構件、光線與聲響回應地方水文記憶。 簡莉芸與黃婕瑛共同創作〈落入水面：軌跡到餘響〉，取材內惟埤的歷史，以金屬構件、光線與聲響，勾勒落葉點水、水面泛起漣漪的抽象畫面，喚起對地方水文的聯想，使觀者在作品中感受時間與空間層層的擴散。Jerry與簡妤珊的〈尚未翻譯的自然〉透過風鳴裝置與葉綠素感光球體，邀天氣參與共創，作品隨展覽期間流動的人群以及四季變化持續生成，呈現自然生命不斷成長演化的樣貌。 Jerry與簡妤珊的〈尚未翻譯的自然〉透過風鳴裝置與葉綠素感光球體，讓風吹、日照與雨水共同參與創作，作品亦將隨展期及四季變化持續生成。 《縫隙計畫》展出建築與環境間縫隙，寄託人們對環境的感知，展中的作品亦如放大鏡，在高美館的地圖上，放大建築、地景與自然生態不為人知的細節，隨著時間流轉，每一次停留、穿行與回望，都將生成不同的觀看經驗，也在展出的過程中，引導來賓重新思考人與環境的關係。 資料及圖片提供」高雄市立美術館 編輯」江瑜

在台灣、韓國、泰國與香港，這片區域有時被暱稱為「奶茶聯盟」──擁有著相似的奶茶愛好，也相似地面對著高度不確定性。10餘組來自奶茶聯盟區域的新銳設計團隊不約而同，以臨時公共空間作為執業的起手式。 《臨時公共空間的臨時展覽》在松山文創園區・台灣設計館01展間開展。   在不確定中應變 《臨時公共空間的臨時展覽》2026年10月4日前於松山文創園區・台灣設計館（01 展間）登場，匯集新一代設計者的作品，展覽的核心是一個簡單的概念：在持續的不確定之中，短促的工期、紛擾的政治、地震與氣候風險，設計師們汲取島嶼和濱海地理長久以來的營建智慧，使用細小、就地拾得的材料，以及一套精密的共享、修補與再利用機制，擴充成當代設計的語彙，提供當今技術掛帥的韌性跟永續的另一種可能；這份應變智慧便成為可以與人分享的經驗──如何在充滿風險的世界裡，把日子過好。 匯聚10餘組來自台灣、韓國、泰國、香港的新銳設計團隊作品。 以台北作為亞洲巡迴首站，隨後前往香港、曼谷與首爾。   本展於2026年春季首度於哈佛大學設計學院展出，台北是亞洲巡迴的首站，隨後將前往香港、曼谷及首爾。台北場與台灣設計研究院合作，並由傅雲（哈佛大學設計學院教師、SEMESTER設計研究工作室合夥人）、Yona Chung（將於2026年秋加入哈佛設計學院教師團隊）與高采薇（哈佛大學畢業的台灣建築師、高采薇建築師事務所負責人）共同策展，展場設計由原研組（Prototype Architecture Office）擔綱。 展覽一隅。 展覽一隅。   創造場所的五種方法 展出的30件作品，每件都以一件實物片段與一張現場的紀實照片呈現，一片可以觸摸的磁磚、一張可以坐下的沙發、一把可以拿在手上的摺疊陽傘。這些片段皆來自作品本身，被設計者裝進隨身行李、親手帶過太平洋；如今，它們回到初始點。展覽由五個主題串起：「尋找舒適」、「快幀與慢幀」、「許多小東西」、「從圖像到場所」、「一期一會」，將在接下來的各展區中逐一展開。 展場本身也延續同一個想法：以瓦楞紙箱與橙色貨運綁帶構成。 展場本身也延續同一個想法：以瓦楞紙箱與橙色貨運綁帶構成。   臨時公共空間的臨時展覽 日期」2026年10月4日前 地點」台北松山文創園區・台灣設計館01展間 參展團隊」一起設計、艸執荒地質造所、Bangkok Tokyo Architecture、FHHH friends、嶼人設計工作室、HYPERSPANDREL、噢親愛的工作室、PRAUD/domansa、SEMESTER學期工作室、偶然設計、沈庭增建築師事務所、Sher Maker、本事空間製作所、長短樹鄉村研究所、蘇暢設計研究室     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁