坐落於海南澄邁海濱的城市游牧美術館，作為Also Architects創作的模組化藝術裝置，秉持游牧美術館「無界策展」的精神為宗旨，通過巧妙的模塊化設計，實踐可靈活組裝與持續使用的機能，並放眼未來更多元化的場景使用，期待在滿足便於拆解變化的彈性之餘，同時保有可以觸發群眾共鳴的藝術性。 模組化裝置藝術。     便於組合排列的模組化型態。     觸發心靈共鳴   音樂與話語的連結，以聲波為媒介，搭起人與人之間溝通的橋樑。Also Architects解構聲波的特性，提取靈感創造本案設計概念，通過捕捉聲音傳播和擴散的軌跡，引用抽象的振動頻率，拓展為具象開放的空間場域；張開傘狀結構，在沙灘上宛如盛放的白花，以燈光為圓心，六邊形輪廓進一步讓人意會聲波擴散的同心圓結構，並以頂部帆布的起伏皺褶對應聲音振動的頻率變化。     作為音樂節的一部分，以聲波為靈感，結合科技與藝術裝置。     因應現場不同功能需求，游牧美術館的模組化單元通過線性陣列、環形圍合、自由散點等三種基礎模式，同時達到聚焦人群的互動，以及連結不同群體的作用。     傘狀結構搭起彼此之間的聯繫，庇蔭傘下的遊人。     與不同環境對話的可能性   六邊形模組造型源自蜂巢與龜甲的幾何型態，這種最接近圓的棱角，兼具理性秩序，又暗含拆解重組的自由基因，正如遊牧民族隨季節遷徙時，能夠快速移動重建的樣貌，始終不變的，是人類強韌的適應力和生活的可塑性，將「流動基因」與「包容性」編碼進幾何秩序。     採用可循環利用的自然材質，打破藝術只是一次性作品的刻板印象。     通過增減數量、旋轉角度、變換陣列密度，定義音樂節上熱鬧卻不混亂的場景，市集區採用連續傘群形成半遮蔽廊道，演出區通過單元錯位創造聲場反射面，休憩區則以鬆散佈局保留海風穿行的孔隙。保留市集、休閒區、聚會區以及展覽區之間的關聯性，同時以包容的態度連結各區特色，共構一個完整的藝術生活體驗場景，不僅能夠從容應對現場隨時更改的多重變數，同時也在可預見的未來回應不同場景的需求變化。     架構設計中所包含的自然循環理念，與工業手法共生。     鋼、竹與帆布三者形塑精妙的動態平衡。     可循環的藝術理念   結構設計與使用的建材體現自然與工業邏輯的共生，主體以熱彎工藝處理的竹材打造基礎骨架，隨後再用中央鋼質圓環固定核心，並利用竹材天然的柔韌性形塑流暢弧度，同時通過模組化節點與金屬構件精密銜接，讓木質類的溫潤與金屬碰撞出建材的溫差。     因應環境建構生活場景。     頂部繃緊固定的帆布並非簡單覆蓋，而是通過鋼管預先施加的精准拉力形成懸浮感，刻意保留的縫隙既減輕風壓擾動，又為陽光與海風留下滲透通道，回應沙灘特有的氣候。鋼、竹、帆布三種材質形成精妙的動態平衡，構築起一座既具雕塑感又能呼吸的臨時構築物，輕質金屬連接細節，確保模組化快速組裝的效率，也預留了異地重組的可能性。     取材蜂巢與龜甲的有機幾何型態。     選擇竹材為載體，不僅是取用其東方古典的詩韻，同時內蘊設計師對於臨時建築的生命週期與友善環境的生態考量，當音樂節落幕，這些裝置將被拆解為獨立零件，帆布回收再製為文創衍生品，竹材轉化為家具用材，「可逆性建造」的思維，擺脫一次性消耗的宿命，轉而成為可迴圈的文化載體，游牧美術館也因此延續了它的生命力，在不斷變化的型態中，讓藝術與生活的不同面向交織共生。     城市游牧美術館藝術裝置市集。 資料及圖片提供」Also Architects、城市遊牧美術館 編輯」江瑜

來自英國的「光之雕塑家」安東尼．麥考爾（Anthony McCall），以「固體光」（Solid Light）藝術裝置聞名國際，被譽為跨越當代藝術與實驗電影的先驅，首度在台個展日前揭幕，內容涵蓋9件精彩作品、18件檔案文件，以及素描、攝影與錄像作品，展覽重點正是其近年備受國際肯定的「固體光」系列，完整呈現麥考爾從平面到立體、從二維到三維，乃至從電影到裝置的創作脈絡。     「光之雕塑家」安東尼・麥考爾首度在台個展，聚焦呈現麥考爾固體光系列代表作。     解構電影與雕塑   實驗電影自名稱回溯，「實驗」一詞就概括了整個領域的顯著特徵：例如非常規的敘事順序，故意的失焦、快速的剪輯，與畫面不同步的音軌等等，透過這些實驗性的拍攝手法，促使觀眾更加主動去思考觀看體驗，挑戰主流審美、探討電影的娛樂性和藝術性。作為一名實驗電影人，麥考爾自70年代就開始嘗試變化創作形式，受拍攝過程所啟發，他發覺經過攝影的框架與解讀，使作品呈現和觀眾所接收到的內容再一次出現了變化，以此延伸思考：是否能有一種創作方法，可以消解鏡頭語言的過渡，讓觀眾直觀地走進他所建構的作品畫面？     麥考爾固體光系列作品打破電影、雕塑與裝置的界線，在黑暗中帶領觀眾穿梭於光線、空間與時間之間，探索存在與感知的邊界，並與作品互動、融為一體。     展中必看的亮點之一《描述一個圓錐之線》（Line Describing a Cone），便是他在1973年搬遷至紐約定居、並投入「固體光」系列的首件作品，被視為當代藝術與實驗電影領域的重要里程碑，藝術家本人稱之為「第一部存在於真實三維空間中的電影」，捨棄主觀敘事，牽引觀眾與之互動。結合現代科技，此作以16厘米攝影機拍攝，一開始觀者會看見螢幕上呈現一個白點，緊接著以光為筆，描畫點、線、面，隨時間推進，延伸繪出完整的圓形線條，在螢幕與投影機之間的空間內，透過光束形塑立體的圓錐，打破抽象與具體的觀念。     探索光與時間的互動   展覽重點聚焦於橫向投影、結合聲音與空間感知的藝術裝置，在展場幽暗的環境中，利用投影光束和煙霧，呈現光的形體和可以觸摸的質地。除了《描述一個圓錐之線》(Line Describing a Cone)，亦呈現2000年後創作的3件橫向固體光系列作品，以及垂直投影之作，讓觀眾走入光中、融入作品的動態。同時，麥考爾的素描、攝影、手稿、錄像等作品，則自多維角度呈現其創作理念的不同面向。     《離去（靜默兩分鐘）》（Leaving (With Two-Minute Silence)）。當觀眾置身於黑暗空間中，在煙霧的輔助下，眼前的三維形體將更加清晰浮現，彷彿一座由光構成的雕塑。     若問藝術家如何看待自己的作品，麥考爾表示，他會採用Circle與Loop為其分類。Circle是結構型的循環，透過首尾相連的敘事，如《面對面I》（Face to Face 1, 2013）讓光等速重複的移動路徑，重點是讓觀眾自由穿梭在光牆間，自行決定體驗的始終；與之相對，Loop則有絕對的開始，此類項目以作品《離去(靜默兩分鐘)》(Leaving (With Two-Minute Silence)為代表，探索投影變化的節奏。在走進展場前，藝術家也提醒觀眾，不妨先看向投影機再轉身，自探索光錐所形塑的大型空間結構，再轉向研究螢幕上揭示的線描圖形，以便更加全面地將整體畫面收入視野。     視覺的革新體驗   綜觀安東尼．麥考爾的創作歷程，他橫跨繪畫、雕塑和攝影的領域，結合科技手法給予觀眾心靈上的觸動，不斷拓展藝術的邊界，這樣的挑戰精神不僅限於對外，也同樣對自身發起。一如展中的垂直投影作品《天光》（Sky Light），相較於其他作品橫向投影呼應電影播放的水平性，麥考爾轉而利用垂直投影，展現出另一種雕塑性的特質，此作以投射在基座上的方式呈現，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態，彷彿獨立演出的自然劇場。     垂直投影《天光》（Sky Light）模型，以投射在基座上的方式，展現固體光的雕塑性，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態。     黑格爾曾說：「身在純粹的光明，就如處於純粹的黑暗中一樣，什麼也看不見。」麥考爾無意將自己的作品限定在某個標籤中，透過創作不斷探索固有思維的邊界。在他創作的世界裡，「固體光」因應所在環境與觀眾的肢體語言相互對話，交織生命的動態，光的推進與退卻，不僅是物理現象，也象徵著人與人之間的際遇與流動，每一刻的珍貴，既是因為當下的獨一無二，也因為它銜接著下一刻嶄新的未知。     資料及圖片提供」富邦美術館 採訪」江瑜

藝術來源於生活，透過藝術創作所反映的型態不僅限於作者的個人狀態和情懷，同時也在不同展演形式中紀錄其誕生的時代背景，以供觀者欣賞深思。 許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     臺北市立美術館（北美館）秉持推動台灣當代藝術的保存、研究、發展和推動的宗旨，建立藝術與社會大眾多元交流的管道，回應數位時代，啟動全新平台——「北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open」。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     於夏秋之際，本計畫前後推出線下與線上兩檔展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）與「消失的反動」（Vanishing Acts），經由虛擬載體，以記憶畫面和人工重構的記錄為探討主題，聚焦「消失與挖掘」的概念，面對數位時代資訊流動與記憶重構的解讀，期待與數位科技結合、拓展展覽的場域和定義，打破不同社群的壁壘，促進跨領域創作和藝術發展的多元可能性。     許家維，《沉沒的聲音》(影像截圖)，混合實境、聲納裝置、六頻道錄像裝置，2025。混合實境版本體驗長度50分鐘，錄像裝置版本片長14分30秒。     線下展覽：「沉沒的聲音」（The Sound of Sinking）   「沉沒的聲音」取材澎湖周邊海域的沉船為創作靈感，對比軍事防護巡洋船艦的「廣丙艦」，以及二戰時期被日本政府徵用為運輸船的「滿星丸」與「山藤丸」等不同時期和不同區域的沉船研究，並與國立清華大學水下考古學暨水下文化資產研究中心合作，藉由水下拍攝與聲音採集技術，重構虛實交錯的歷史現場。     線下計畫「沉沒的聲音」水下考古資料場景照，20世紀初銅製圓形窗框，出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。     藝術家許家維醞釀三年，於首展中梳理三件沉船水下考古文物及研究資料，如1930年代出土自滿星丸，印有山下汽船商標之青花瓷；19世紀末出土自廣丙艦沉船的子彈；20世紀初出土自山藤丸沉船的船艙圓窗構件。邀請觀眾進入一場多人連線的MR混合實境，將文字與圖片資訊化為親身體驗，展開橫跨時空的視覺與聲響航程。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     除了配合展覽空間敘事節奏，可見影像裝置播放包含潛水員定期監看「山藤丸」的水下作業過程、澎湖耆老葉成仁即興吟唱褒歌〈討海歌〉的演出，以及表演者潛入海中演奏自製螺旋槳樂器等等片段，天花不定時閃爍的聲納水箱，以及香港作曲家許德彰協作編制的實驗聲響環繞，讓觀眾化身為5位虛擬角色，如清朝水師、二戰日本海軍軍官、兩個早期潛水員、清代傳說生物海和尚，搭乘虛擬船艦穿梭於三艘沉船的故事背景。     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     線下計畫「沉沒的聲音」音效裝置。     線上展覽：「消失的反動」（Vanishing Acts）   緊接其後的展覽由墨西哥籍策展人、數位藝術與文化研究者多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）策劃，邀請費德里科・佩雷斯・維洛羅（Federico Pérez Villoro）、徐容、安娜・里德勒（Anna Ridler）與奧莉亞・黎亞莉娜（Olia Lialina）等四組國內外藝術家，推出全新委託創作。透過數位平台，展示當代藝術如何介入資訊流動、社群關係與歷史意識，透過作品拋出提問：「我們能否在由策略性不穩定、崩解與抽離所開啟的灰色地帶中，找到與科技共處的另一種關係？」     線上展覽「消失的反動」，策展人納多琳．理奧斯（Doreen A. Ríos）開幕致詞（線上影像截圖）。     策展人多琳．理奧斯長期關注當代藝術中的科技技術不服從、戰術媒體和新物質性，針對AI、5G、物聯網⋯⋯等科技技術的快速發展對社會的影響，通過虛擬媒介所建構的人際關係，同樣影響了人類對情感的認知、催生新的美學，藝術的存在，於此既是賞心悅目的作品，同時也是回應時代的鏡子，引導觀眾一同探討人與技術之間的關係，反思網路媒介中「物質、記憶、幽靈、脆弱性」等問題意識。     放眼藝術未來發展   北美館副館長蔣雨芳表示:「『北美館開放網絡計畫 TFAM Net.Open』所持續實驗與推動的，不僅是展示形式的創新，而是透過實驗性創作，思考數位趨勢如何生成觀念、重構關係與形塑公共性，拓展觀眾對藝術、網路與時空關係的想像，進一步回應文化機構於數位轉型時代可發揮的影響力。」     線下計畫「沉沒的聲音」場景照。     藉由線下與線上、挖掘沉船的歷史，以及欣賞數位藝術展陳，挑戰對於藝術的認知和慣性，觸發五感與作品的互動，更進一步滲透觀眾的思維，探索真實與虛無的邊界，在快速變動且逐步改變的數位環境中，重新思考文化存續對當代社會的定義與價值。     2025北美館開放網絡計畫，線下計畫「沉沒的聲音」主視覺。     2025北美館開放網絡計畫，線上展覽「消失的反動」主視覺。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

啟德體育園的開幕標誌著香港體育與娛樂設施邁向新紀元，而其中主場館的酒吧及餐飲空間，成為連結城市過去與未來的文化載體。梁志天設計集團（SLD）以創新的「時空對話」理念，將退役啟德機場的歷史記憶巧妙轉化，透過「金、銀、銅」三色體系與航空元素的重新演繹，賦予這座國際級體育地標獨特的情感深度與視覺張力。 「The Champion」運動酒吧位於二樓南面，挑高與46公尺長的雙面吧台如機場的航站大樓般恢弘矗立。 啟德體育園佔地28公頃，其核心主場館可容納50,000名觀眾，配備開合式上蓋與靈活草坪系統，足以舉辦世界級賽事與娛樂盛事。梁志天設計集團（SLD）負責主場館內二至五樓的餐飲空間設計，涵蓋33個酒吧及餐飲設施，包括五個大型運動酒吧。設計團隊從啟德機場的文化遺產中汲取靈感，將航空歷史與體育競技精神交融，創造出兼具功能性與敘事性的空間體驗。 金色榮耀：競技巔峰的時空致敬 二樓東面的「The Champion」運動酒吧以金色為主調，象徵運動員的最高榮耀。6.8公尺挑高的空間內，46公尺長的雙面吧台成為亞洲最長的運動酒吧之一，其設計靈感源自啟德機場航站大樓。金色邊框條紋玻璃嵌有「The Champion」標誌，復古的自動翻牌式航班顯示板與電子屏幕並置，營造新舊交織的氛圍。 「The Champion」運動酒吧以金色為基底，表現運動員的最高榮耀，搭配45公尺的訂製吊燈，描繪如飛行軌跡般的穿梭場景。 令人矚目的是，設計團隊將啟德機場座標（22° 19’43.80″ N 114° 11’39.56″E）轉化為摩斯電碼，打造兩組長達45公尺的訂製吊燈，層疊的金屬圓環宛如飛行軌跡，彷彿舊日航班仍在時空中穿梭，隱喻著城市記憶的延續。 銀翼歸航：行李輸送帶的美學昇華 五樓的「Muse Bar」與「Sports Bar」以銀色為基調，呼應體育競技中的銀牌意象。設計團隊將機場行李輸送帶的機械美學轉化為層疊式天花板，流線型銀色鋁板勾勒出動感線條。 「Muse Bar」與「Sports Bar」以銀色為基調，表現銀牌意象；末端布劃玻璃帷幕引戶外景觀與室內進行對話。 5.5公尺挑高的空間中，吧台如同無限延伸的航站廊橋，引導賓客進入「歸航」的儀式場景。酒吧末端設計玻璃帷幕，使維港景觀與室內設計形成對話，既是小酌之地，亦是凝視城市的窗口。 布劃層疊式天花形塑行李輸送帶般的景象，吧台的流線型銀色鋁板勾勒出流動感。 青銅跑道：維港天際線的燈光敘事 三樓南看台的「Loong」與「White Tiger」酒吧，以青銅色調象徵銅牌的堅韌精神。背靠巨幅玻璃幕牆，俯瞰維多利亞港的天際線，設計團隊將機場跑道指示燈系統解構重組，頂部半透明樹脂板內嵌LED陣列，當燈光點亮時，從對面看台遠眺，如置身飛機內循著跑道燈光啟程。這一設計不僅致敬啟德機場的航空歷史，更隱喻香港從「空中門戶」蛻變為「國際盛事之地」的進程。 「Loong」酒吧以青銅色為基調比喻銅牌，頂部嵌入LED燈重現啟德機場的跑道燈光。 主場館內標準餐飲區的設計同樣充滿巧思，機場登機流程被轉譯為餐飲體驗。櫃台化身點單窗口，餐飲區鋪上橘紅色調激發食慾，深灰色調的酒吧則營造出機艙般的未來感。金屬飾面與LED光帶的運用，重現啟德機場離境大廳的繁忙節奏，喚起香港人對航站大樓的集體記憶。從自動翻牌式航班顯示板到跑道燈光，設計團隊以設計重塑啟德機場的歷史基因，使其在當代空間中再生。啟德體育園的酒吧及餐飲設施，不僅是對香港黃金時代的致敬，更展現設計驅動城市蛻變的力量，成為連結過去與未來的時空樞紐。 資料及圖片提供」Steve Leung Design Group Ltd. 編輯」林靖諺

「2025香港室內設計周」於6月19日在香港西九文化區正式揭幕。本屆重點活動之一為「Urban Reflection展覽」，匯集十組香港知名室內設計師與家具製造商的合作作品，早前於義大利米蘭設計展廣受好評，如今載譽歸來，向當地觀眾展示香港設計的獨特魅力。 「Urban Reflection展覽」現場。 十組作品展現香港城市精神 「Urban Reflection 展覽」以香港獨特的城市景觀為靈感，探索高密度生活與摩天大樓交織下的光影互動，參展作品涵蓋家具與燈飾，不僅反映都市活力，更體現設計師對文化傳承與可持續發展的思考。 《時代椅子》Gud Gud Studio / Stepan Angus Gudev。 參展設計組合包括：凝態建築設計有限公司與瑆源設計有限公司聯手打造的《四葉・合聚》；Bean Buro與達藝家具有限公司的《Stoneflow Sofa》；Studio RYTE與Ricardo Lighting Co. Ltd合作的《柔竹燈》；P A L Design Group與西德寶富麗（遠東）有限公司創作的《蛋形搖椅》；Gud Gud Studio與弦制作（國際）有限公司帶來的《時代椅子》；一持工作室與radd合作的《乙巳》。 《Moon Series》Craft of Both / Christina Standaloft, Jay Jordan。 Craft of Both與MADE聯名的《Moon Series》；林子康設計有限公司與廿一由八的作品《O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK》；瑆珀設計有限公司（瑆集團）與健林牆紙的《It's Caffeine》；Bill's Design Limited與 CycleCore Limited的《叮叮》。這些作品不僅融合中西文化元素，更運用再生紗線、回收電車玻璃等環保材質，展現香港設計師對可持續發展的重視。 《It's Caffeine》瑆珀設計有限公司（瑆集團）/ 梁家耀 莫詩韻。 除大型展覽的盛會，亦在M+博物館大台階舉行的設計論壇，邀集參展設計師分享創作理念與米蘭參展經驗。論壇深入探討香港室內設計如何透過國際合作，呈現獨特的都市文化特色，並促進業界交流與創新思維。「2025香港室內設計周」透過「Urban Reflection 展覽」，不僅展示設計師的創意與工藝，更向世界證明香港作為國際設計樞紐的地位。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」林靖諺

2025年盛夏，倫敦肯辛頓花園迎來一場跨越文化與時空的建築對話。孟加拉建築師Marina Tabassum以獨特的建築語言，為蛇形藝廊展亭（Serpentine Pavilion）二十五週年創作了《時光膠囊》，這不僅是一座臨時建築，更是一封寫給未來的立體書信，邀請人們在光影流轉間思考永恆與瞬息間的關係。 建築師精心布局，使展亭的南北軸線與南館遙相呼應，構成完美的視覺對位。 Marina Tabassum的設計哲學始終圍繞「切題的建築」展開，擅長將現代建築設計，巧妙融入當地文化。今年利用木材構組四個獨立拱門，描摹出膠囊狀的展亭外觀；外部覆上半透明立面，使陽光如細紗般濾入，在內部空間織就斑駁的光影錦緞。這種對自然光的運用，靈感源自南亞傳統婚禮中的「Shamiana」帳篷，那些由竹結構與織品構成的臨時建築，見證了相聚的喜悅時刻。Marina Tabassum將集體記憶移植至倫敦公園，讓展亭成為容納多元文化的當代「Shamiana」。 動態空間中的知識共構 展亭的南北向延伸軸線與蛇形藝廊南館精確對位，中央環抱一棵半成熟的銀杏樹，其源自侏羅紀時期的活化石樹種，既象徵著時間的韌性，亦隱喻建築師對氣候變遷的思考。隨著展期從夏入秋，銀杏葉片將由翠綠漸變為燦金，為建築增添第四維度的時間層次。展亭結束使命後，這棵見證過無數對話的樹木將被移植回公園，完成一場自然與人文的交錯循環。 展亭中央的銀杏古樹，隨季節變換葉色，以生命韻律為建築增添時光維度。 有別於傳統展亭的靜態形式，Marina Tabassum引入可動態調整的膠囊結構，使空間能隨使用需求轉換配置，在流動間呼應座談、表演等活動，「空間應當成為促進人類交流的催化劑。」另外，展亭內置書架精心選藏關於孟加拉文化、文學與生態的書籍，隱含知識分享所帶來的永續價值。 動態膠囊結構突破傳統展亭框架，讓空間隨活動需求靈活變形，成為人際互動的催化劑。 建築師構想展亭未來遷離後，可轉為向公眾開放的社區圖書館，使這座《時光膠囊》成為真正穿越時空的文化載體。這座展亭延續了歷屆作品的實驗精神，尤其呼應2006年荷蘭建築師Rem Koolhaas的《OMA》環狀展亭，以流動結構展現鮮明的動態特質，此外亦透過銀杏樹與大地的連結，展現Marina Tabassum對人與環境關係的深刻思考，完美體現「實驗不應有止境」的核心理念。 展亭書架精選孟加拉文化典籍，未來將轉化為社區圖書館，讓時光膠囊實現跨世代對話。 《時光膠囊》是2025年夏季倫敦最富活力的文化樞紐，包含「公園之夜（Serpentine Park Nights）」系列演出、詩歌朗誦、家庭工作坊等多元活動。值得關注的是《The Shape of a Circle in the Mind of a Fish》新書發表會，該著作探討超人類意識與生態哲學，恰與展亭的環境關懷形成思想共振，另外亦安排策展人導覽，帶領觀眾深入解讀展亭設計與歷史脈絡。Marina Tabassum特別創作的限量版畫作於開幕週發行，藝術品如同展亭本身，凝結建築師對時間、光影與空間關係的思考。 建築作為社會實踐的延伸 這位2024年《時代》百大影響力人物始終將建築視為社會變革的媒介。Marina Tabassum所創立的非營利組織F.A.C.E專注氣候調適議題，在孟加拉地區推廣可移動模組化住宅「Khudi Bari」。這種社會責任感體現在展亭設計中，從本地採購的木材到可移植的銀杏樹，每個細節都訴說著對永續發展的堅持。 以木構工藝打造四座獨立拱門，勾勒出膠囊般的展亭輪廓。 作為首位完全以木材構築蛇形展亭的建築師，Marina Tabassum突破了材料運用的傳統框架。技術顧問AECOM總監Jon Leach坦言，這個「工程獨特」的作品為團隊帶來意想不到的豐碩收穫。 半透立面篩落斑駁天光，靈感源自南亞「Shamiana」喜帳，以光影織就空間的溫度。 而負責建造的Stage One團隊更讚譽其「強烈的造型結合動態元素」，創造了展亭史上又一里程碑。當陽光穿過木結構，在展亭地面繪製出瞬息萬變的光影圖騰，訪客將切身感受「建築感官與精神的連繫」。這座位於肯辛頓花園的《時光膠囊》，既是建築師獻給倫敦的夏日情書，也是留給未來世代的文化遺產，期待透過設計連結彼此，並在變動時代中尋找恆常價值。 Marina Tabassum Architects（MTA） / Marina Tabassum Marina Tabassum 是國際知名的孟加拉建築師與教育家，以其融合當代設計與地方文化、氣候及歷史的建築理念著稱。她於1995年畢業於孟加拉工程技術大學，並在2009 年創立個人事務所Marina Tabassum Architects（MTA）之前，曾與Kashef Chowdhury共同創辦URBANA建築事務所，參與設計孟加拉獨立紀念碑等國家級項目。現為荷蘭台夫特理工大學教授，曾任教於耶魯大學、哈佛大學設計學院等多所頂尖學府，且獲德國慕尼黑工業大學榮譽博士學位。她的作品屢獲國際獎項，包括2016年阿卡汗建築獎、英國The Soane Medal及法國建築學院金獎等，並於2024年入選《時代》雜誌「全球百大影響力人物」。除了建築實踐，Marina Tabassum積極推動社會公益，主持非營利組織F.A.C.E，為邊緣社群建造模組化住宅（Khudi Bari），並領導公平貿易組織Prokritee，支持孟加拉女性手工藝者。她的作品巡展於慕尼黑、里斯本等地，持續影響全球建築思潮。 資料及圖片提供」Serpentine Pavilion 撰文」林靖諺

勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》由來自奧地利維也納、活躍於概念藝術與空間實驗領域的設計團體 Numen / For Use首度來台展出，以全球巡迴經典〈Net〉與〈String〉系列全新版本，量身打造勤美場域限定的裝置創作，帶來一場體感與結構交織的當代藝術實驗。本次展覽以兩件裝置作品《Net Taichung》與《String Taichung》連動呈現，是團隊迄今最大規模的空間裝置嘗試，參與者可實際穿越、攀爬、匍匐於作品之中，讓身體不再是旁觀的工具，而是觸發空間變化的關鍵。 勤美術館2025夏季展《Net & String Taichung》主視覺。©勤美術館   重拾純粹而好奇的童心 Numen / For Use成立於1998年，由斯帆．瓊克（Sven Jonke）、克里斯托夫．卡茲勒（Christoph Katzler）和尼古拉．拉德利科維奇（Nikola Radeljković）三位工業設計師共同創立，以極簡主義出發再加入實驗與創意，長年致力於探討觀眾、身體、材料與空間之間的詩性關係，並模糊建築、雕塑與舞台之間的界線。團隊的共同創辦人、也是本次策展人卡茲勒對場域與建築結構有敏銳的知覺，延伸勤美術館的建築視覺語言，打造出有彈性、有回應性的空間體驗。 奧地利藝術團隊Numen / For Use。©Numen / For Use，攝影：Aurélie Cenno   勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育說明，勤美術館成立的初衷就是希望大家打開想像、用不同角度看事情，期待這檔展覽可以從材料實驗、身體參與到空間互動，打開觀者全新的感官邊界。畢卡索曾言：「我能用很短的時間就畫的像一位大師，卻要用一生去學習畫的像一個兒童」，他認為，這件作品就像一件巨大的包裹，未打開前無法預期其中的內容，但當作品完成、觀眾走入時，即可深刻體驗如孩童般的興奮感，從認識自己的肢體動作、在網中遊走、甚至躺下休息，都是一種與空間重新建立關係的過程。 《Net Taichung》作品外觀。©勤美術館，攝影：楊承   懸浮之網 觸發感知 策展人卡茲勒分享，此次特意讓兩件作品融合成一個連續的感官旅程，得先開啟兩扇門才得以進入其中，考量氣體、氣壓等條件，門片為技術上必須存在的物件，Numen / For Use賦予其更深層的意象，開啟便就如同進入未知的世界，讓觀者在過渡空間轉換心境。先在以兩層繩網構築出懸浮平台的《Net Taichung》裡解放身體；再於《String Taichung》中沉浸視覺，透過解構和重組日常素材，創造全新意義。 觀眾穿梭於《Net Taichung》層層堆疊的空間，成為作品的一部份。©勤美術館，攝影：楊承 要將這麼大型的裝置帶入精準限制的美術館中絕非易事，從外觀看，充氣體彷彿白色浮動有機物般，《Net Taichung》的創作靈感來自勤美術館入口的線條，是個自撐式、可進入的社會雕塑，以充氣裝置呈現的網，是《Net》系列在結構與外觀上的進化版，透過充氣，提供表面足夠張力，進而拉緊內側連接的網織結構，無需其他外力支撐，形成一個柔軟的型態，隨觀眾移動而變化，外膜同時具有攝影學裡「柔光箱」的擴散效果。 三層網狀結構在數個節點交織，產生類似電腦建模的3D線框模型的變形效果，看似數位生成物，但其實整個過程是奠基於團隊對於空間的親身體驗和思考，透過實際的模型不斷實驗和精進，最終才成就這個虛擬感強烈卻又非常具體的作品。 作品《String Taichung》，體驗虛實間的雙重情境。©勤美術館，攝影：楊承   《String Taichung》的靈感則源自勤美術館屋頂的斜線格柵，平行輪廓的反覆出現，正好啟發了編織繩線的三維線性空間。藝術家某次參與充氣結構工作坊，當時，有個作品原型是常被用來展示Logo或廣告的立方體充氣物，其特別之處並非在於外觀，而是內部，那裡面是由密集筆直的繩索所構成的空間，使人聯想到極簡藝術，這種偶然的美感是實用物件的隱藏之美。因此，《String》可以視為「現成物」（objet trouvé）藝術，亦即將現成品加以改造，在藝術脈絡下重新架構，使其脫離原有功能，變身為沉浸式空間裝置。 《String Taichung》利用線條打造立體且沉浸式的極簡藝術。攝影：顏嘉蒂   策展人進一步說明，2023年9月開始團隊即與勤美術館展開合作的前期溝通，也於奧地利多次技術模擬，歷經形體測試、材質拉力調整、視覺範圍校正等步驟，才得以精準安裝於美術館的挑空區與室內樓層之中。不僅巧妙延伸館體獨特的建築語言，以極具彈性與張力的構造形式呼應建築結構，更轉譯為觀者可親身介入的空間體驗，進一步形塑出具回應性的感知場域。     資料及圖片提供」勤美術館 撰文」陳映蓁

作為「台灣四大名泉」之一，與北投、礁溪、關子嶺等並列的台東知本，其名源自卑南語Katratripulr（卡大地布部落；有團結、在一起之意），對性格強悍且向心力強的卑南族人而言，哺育其祖先成長茁壯的知本溪，在部落文化裡不僅是天然劃分的地界，更是生活和文化場域。     峇岦嵐偲．旮札涅灆，《似水的記憶》，2025年，樹皮、竹片、鐵、LED燈，500 × 500 × 300 cm。     隨時代變遷，這片山林與泉水交會的土地之美更加廣為人知，舉辦光祭，不僅是藝術展演，同時也是推動知本山林文化與自然風貌進行一次深層連結。本屆光祭以《沐光泉》為主題，邀請來自台灣與國際各地的藝術家匯聚於此，以光與水的共舞為媒材、注入個人對在地元素的詮釋，偕同地景打造燈光藝術裝置，邀請民眾一同踏入知本走訪光雕秀、參與手作體驗，品嚐在地美食，欣賞以夏夜溫泉為舞台所展演的夢幻光影。     米類．瑪法琉，《落憶》，2025年，竹枝、鐵件、LED燈，尺寸依實際現況而定。     今年光祭分為三大展區：「泉湧」、「光現」、「永續」，取材溫泉自地脈湧現的流動型態，帶領觀眾由淺入深地踏入知本特有的敘事語境、再從來自地底的水元素和地面天光接觸的變化，欣賞感官與光的交會；之後帶入人與自然的互動，一邊回顧在地社區記憶、一邊展望永續未來。展中呈現12件大型裝置作品，不僅是讓人欣賞藝術家的巧思和台灣與國際的連結，同時也通過這些對在地景觀的重新解讀，讓觀者在對美的驚嘆中，同時也透過在光祭中所經歷的人、事、時、地、物，對知本有更深層次的了解。     點亮在地文化   《沐光泉》作品分布在知本溪畔與勇男橋，在夏季的日夜相互輝映，這些藝術裝置的佇立，不僅是透過意象與在地精神互動，同時也是形塑一個個吸睛的地標，讓民眾在欣賞藝術品的過程中，透過腳步的移動加深對知本環境的印象。如每日在勇男橋上演的光雕秀《光湧．界》，藝術家胡縉祥、郭彥宏及韓承燁揉合水的自然流動與數位粒子的光影，借橋為載體，以投影與雷射技術創造出一座「穿越感知」的時空之門，讓觀者站於橋下，沐浴在瀑流之中，透過數位編織的空間，與自然進行對話。     路瓦．里維拉，《沐光耀》，2025年，布料、PVC、LED燈，1000 × 250 × 350 cm。     來自卑南族卡大地布部落藝術家米類．瑪法琉，其作《落憶》以線性時光為軸，描繪創作場地範圍內的萬物生長動態，結合圖騰投影創造抽象的詩性記憶，以空間的自然風貌回應時間變遷，邀請世代族人的步履與當代觀者的身體記憶彼此交會聚合。而同樣是部落記憶，水也是排灣族人重要的生命循環媒介，出生時用水標記家裡的味道，死亡時會用水為死者送行，峇岦嵐偲．旮札涅灆秉持排灣族對水的理解，透過《似水的記憶》，傳遞生命的連結。     李蕢至，《氣鏡之門》，2025年，竹子、鋼筋、LED燈具、噴霧機，1500 × 1100 × 600 cm。     巴西藝術家大岩奧斯卡的《光之橋》以光為媒介，更進一步將「連結」的概念具象—通過在知本溪上建造一座「光之橋」，讓這個超越功能性的結構在視覺上橫跨遼闊的距離，串聯思想、物質，與自然之間的關係性。與這個開闊的作品相對，日本藝術家吉井宏的《野豬寶寶爬上來了》取材山豬與知本山林間共處的趣味故事，將視覺聚焦於泡在溫泉裡的野豬寶寶形象，彷彿在邀請他人一同享受溫泉，以療癒筆法描繪自然與人親密共融的趣味意象。     詹維欣，《地脈》，2025年，鐵件、LED燈具，480 × 60 × 380 cm。     感知在地歷史深度   在欣賞夏夜燦爛的地景藝術與溫泉之餘，活動也特別設置「回溫・知本」微型展，透過老照片與居民口述的過往，宛如回到古老部落，圍著營火傾聽長者的故事；回顧知本從部落秘境逐步轉化為觀光溫泉勝地的過程，遊玩的體驗只是讓人淺嚐一口知本現在的美好，了解背後的歷史，才會體味到這份美好此前經歷多少人的努力、奠基了此刻的難得。光祭的體驗不僅是給予感官上的滿足，同時善用活動安排沉澱情感的後韻，以此深化觀眾對在地的理解，透過美好記憶，牽起造訪者與知本之間的連繫。     微型展《回溫．知本》展場照。     資料及圖片提供」臺東縣政府 編輯」江瑜

對於自身長居的環境，人們往往最熟悉又最陌生，熟悉每天應對的疲勞、陌生在地本身的美好，尤其生活在當代的人們，習於將大部分注意力投入手機裡無限的虛擬世界，更容易忽略身邊觸手可及的場景。藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）秉持自身生命經驗與對自然環境的觀察，組織建築、公益和技術專項等各領域人才，橫跨裝置、繪畫、雕塑與攝影等多樣媒材進行創作，藉由作品觸動觀眾的知覺、進一步轉向對環境的思考。     「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」展覽場景照。     臺北市立美術館於今夏所推出的「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」，攜手「奧拉弗・埃利亞松工作室（Studio Olafur Eliasson，SOE）」，回顧其30年的藝術生涯，展出17件代表性作品，聚焦於身體感知、參與協作、生態與非人類視角等重要主題，以觀者自身的感知為出發點，突出對認知的重塑，透過沉浸式的藝術體驗，展開一場難忘旅程。     家鄉的啟蒙   埃利亞松生於1967年，在冰島與丹麥成長，自然環境啟蒙了他最初對「美」的認知，因此延伸至人類之於環境、氣候、空間、感知經驗等多重面向的思考，自丹麥皇家美術學院畢業後，在柏林開創辦公室並潛心於創作，其作以挑戰感官、強調與環境共創享譽國際。     藝術家奧拉弗・埃利亞松（Olafur Eliasson）。     如2003年曾代表丹麥參加第50屆威尼斯雙年展、同年於倫敦泰特現代美術館展出的《天氣計畫》，透過黃色燈光及鏡面創造人工太陽般的光感，探索氣候變遷的議題。2008年《紐約瀑布》（The New York City Waterfalls），在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布；2014至2018年將格陵蘭冰川的碎冰分別帶至哥本哈根市中心、巴黎和倫敦的《觀冰》（Ice Watch），見證冰川的融化消逝。     《循環扇》，1997。紐約現代藝術博物館典藏。© 1997奧拉弗・埃利亞松。     埃利亞松通過學者和科學的觀測，取材自然環境，在美術館進行藝術化的呈現，透過知識的分析和現代科技模擬，將發生在城市之外的自然生態重新帶回現代人的視野，或還原、或放大，比對現代社會追求更高效的人工環境，在情感與思維方面重構人類與環境議題的距離。     詩意感知   本次展出作品，透過氣流、水和光影等生活中少有人主動意識或感知的存在為切入點，將這些細微元素透過藝術手法嶄新詮釋，帶來令人驚嘆的效果。一如懸於臺北市立美術館大廳上空、垂落自轉的《循環扇》（1997），是本展的第一印象，因其位於展場入口之外，初時可能還不能意會到這是一件作品，別具一番遊戲趣味。     《被活動定義的物體（當時）》，2009。作品由藝術家；柏林neugerriemschneider；紐約／洛杉磯Tanya Bonakdar Gallery 提供。© 2009 奧拉弗・埃利亞松。     最受矚目的作品當數1993年《美》。此作為奧拉弗・埃利亞松早期的代表作之一，作品位於一片黑暗當中，唯有一道光束和水霧共舞，將視線聚焦於透過自然反射營造跳動的虹彩。當觀者移動或靠近影響水霧的波動，隨著視角變化，每個人觀看到的色彩、形狀也會形成差異，讓觀者與作品共同形塑自身與藝術品的感知經驗，展示美的多重樣貌以及不同可能性。     《單色房間》，1997。Angsuvarnsiri 收藏。© 1997 奧拉弗・埃利亞松。     《被活動定義的物體（當時）》以投影和水流聲響，利用視覺殘留現象，透過頻閃燈規律性的閃爍，使噴泉水流看似凝固在空中，挑戰觀者對於「眼見為憑」和現實的認知；《單色房間》為巡迴展中空間最為寬廣的一站，不同於其他展間，這裡展示的重點在於抽離其他色彩訊息形成灰階對比，限制眼睛感知的色覺範圍，讓空間中僅剩明暗對比，以此促進身在展間中的觀眾重新思考視覺經驗的本質和可塑性。     《環星共振器》，2018。作品由藝術家；柏林neugerriemschneider；紐約／洛杉磯Tanya Bonakdar Gallery提供。© 2018 奧拉弗・埃利亞松。     最後則是近代作品，2024年的《冰河的最後七天》。此作按大小依序列出七個青銅雕塑，造型取材自埃利亞松與團隊在冰島鑽石沙灘上發現的冰塊碎片，透過數位掃描保留冰塊融化前的形狀，展示消融的過程。每塊青銅雕塑旁分別搭配一顆透明玻璃球，隨冰塊消融、玻璃球由小變大，具象融化後的水量，提醒所有人全球升溫加速的冰川消退。     探索未知的驚喜   埃利亞松表示：「這場展覽是很多『旅程』的組成，從柏林工作室出發來到台北，是一段旅程；觀眾從家中移動展場中亦是一段旅程，從這些期望、體驗到回應，都是一段新的旅程。在旅程中我們可以看到很多變化，人們習慣了一切如常，依循日常的規律，讓我們感到安心，一切都無須改變。但旅程是充滿意外、不可預期的，如果能夠接受這些，會有機會擁抱更多不同。」     《美》，1993。洛杉磯當代藝術館典藏。© 1993 奧拉弗・埃利亞松。     在各國間穿梭辦展，來自北國的埃利亞松為世界呈獻他對家鄉的理解，同時也吸收各地給他留下的印象，化為養分和橋樑，建構他與世界各地的對話。本展名為「你的好奇旅程」，因為整個展覽都是動態的、經過與觀眾的互動才能完整，將觀眾設置為展覽的主角，以踏入展場為起點，因對陌生的場景感到好奇、衍生前進的動力，通過不同思想和觀察角度的對比，一點點揭開慣性的面紗，看清自己在世界上的定位與外在環境的聯繫，讓每一次意外都是驚喜，直到完成整個探索的過程。     「奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程」展覽主視覺。   奧拉弗・埃利亞松：你的好奇旅程 時間」2025年6月21日至9月21日 地點」臺北市立美術館 一樓1A、1B展覽室   資料及圖片提供」臺北市立美術館 撰文」江瑜