忠泰美術館今夏首度於台灣推出芬蘭國寶級建築師大型回顧展《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》，衛星展區日前於在 NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny登場，進一步延伸探討展覽核心命題「創造即生活」。展期至2025年11月30日。 《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》衛星展區。©忠泰美術館   衛星展區聚焦阿爾托夫婦家具設計的實驗精神、專利技術與創新成果，並介紹其共同創立的設計品牌「Artek」。現場展出多件經典作品與設計結構物件，包括1930年代突破曲木技術極限的懸臂椅（The Cantilevered Chair）以及被譽為「圓凳之王」的60號圓凳（Stool 60）等，揭示他們如何以設計連結個人、家庭與國家文化價值，同時帶領觀者見證芬蘭現代設計跨越地域文化，延續發展近百年的雋永魅力。 衛星展區囊括了手工製品到量產家具的介紹。©忠泰美術館   家具是建築的縮影 阿爾托夫婦在建築創作中不僅關注空間形式，也透過材質與細節的實驗，賦予生活更豐富的質感和感知體驗。衛星展區呈現他們成立事務所初期、面對20世紀工業化浪潮下，家具設計的創新實踐，挑戰傳統木作技術，發展膠合板曲木工藝，突破木材彎曲極限，打造輕盈有機且具量產可能的家具。在1934至1965年間，阿爾托更以七項專利展現家具實驗技術突破，成為北歐現代家具發展的重要典範。 阿爾托發明的專利「L型支撐腳彎曲法」，有相當廣泛的應用，亦衍生出多樣變體。©忠泰美術館   對阿爾托夫婦而言，家具是建築的縮影，也是與日常最直接的對話。許多作品源於大型建築計畫，卻逐漸成為獨立經典，並透過他們於1935年創立的Artek公司推向全球，至今仍在生產並廣受喜愛。 Artek結合了「藝術」（Art）與「科技」（Technology）。©Alvar Aalto Foundation   Artek的名稱源自「藝術」（Art）與「科技」（Technology）的結合，由阿爾瓦與愛諾．阿爾托及其友人在赫爾辛基創立。Artek不僅管理阿爾托家具出口、推廣優質家居產品，也在店中舉辦現代藝術展覽，成為當時前衛的室內設計藝術中心。 可堆疊式的611號椅，後由愛諾改造為兒童款（右）。©忠泰美術館 愛諾同時也擔任Artek首任藝術總監，專注於室內設計，並將阿爾托家具的設計語彙轉化為現代產品風貌，奠定品牌的設計準則與形象，並於今年迎來成立90週年。   懸臂椅（The Cantilevered Chair） 懸臂椅系列401號椅，剖面呈現局部內裏。©忠泰美術館 於1932年北歐建築論壇首度亮相，以模具塑形的彎曲木材所製成的家具框架，這種框架可同時作為椅子的扶手和椅腳，又稱為「彈性木椅」。此設計衍生多款阿爾托家具，至今仍持續生產。 阿爾瓦．阿爾托在維堡圖書館測試懸臂椅設計。©Alvar Aalto Foundation   層架支撐（Shelf Bracket） 1935至1936年間設計出環形樺木支撐層架。©Alvar Aalto Foundation 阿爾托於1935至1936年間設計環形樺木支撐，由Artek進一步發展為多款式，廣泛應用於層架、衣帽架、壁掛收納與傘架，展現結構的多功能與延展性。 環形樺木支撐層架。©忠泰美術館   60號圓凳（Stool 60） 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳，採用專利曲木技術打造L型支撐腳，三腳結構即使在不平表面也能保持穩固，且可堆疊收納節省空間。簡潔的木質平面易於清潔，完美展現功能主義精神；而L型支撐腳亦持續衍生出Y型、X型、V型等多樣變體，成為品牌經典的設計語彙。 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館     資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

在繁忙的生活中，總有一些片刻能讓人暫時停下腳步，一杯茶、一段靜默，或僅僅是凝視光影的移動，都足以讓心安定下來。以此為核心意象，策展人許哲瑜、郭中元與日本陶藝家大谷哲也共同策劃的《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》日本工藝家聯展，於台中大屯郡守官舍盛大展出。 參展工藝家與策展團隊合影。 策展團隊歷經一年多的踏查與紀錄，集結11位來自日本各地的工藝家，包含陶瓷、玻璃、剪刀、金工、木工、和紙、焙茶、和菓子及花藝等作家，跨領域探討工藝與日常生活的想像與力量，並同步出版專書。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   工藝與生活的交會 「Ippuku／一服」在日語裡意味著忙碌中的一段小歇。策展團隊走訪日本九州、金澤、新潟、能登半島，與工藝家們對話，發現「Ippuku」並不是單純的休憩，而是創作與生活交融的一種狀態──在工藝家的日常裡，休息即創作，創作亦是休息。  《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 展覽的出發點，不是遙遠的藝術理念，而是生活本身，以「生活即創作」為主軸，這些看似日常的物件，其實蘊含工藝家最專注的創作心境。角田淳從料理與家人餐桌出發設計器皿，大谷哲也以「白」詮釋極簡瓷器的澄澈，大谷桃子將田園風景轉化為器物紋樣；京都的ハタノワタル（Hatano Wataru）讓和紙溫潤延展於空間，來自能登半島的有永浩太以口吹玻璃展現透明與堅韌，多鹿治夫鋏製作所傳承各種生活工具歷史與創新，金澤的竹俣勇壱則以金工勾勒餐具的優雅姿態，所有的精彩皆呈現於每件作品中。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   和紙的柔光 其中，ハタノワタル（Hatano Wataru）的創作以日本傳統和紙文化為核心，但卻不侷限於傳統用途，而是將其拓展至建材與空間應用。大眾常認為紙材脆弱、遇水容易破，但他認為，和紙的本質就是「樹皮」的延續──經由多道製作程序再重生，正因如此，和紙其實是一種堅韌且充滿可能性的媒材。 ハタノワタル（Hatano Wataru）。   製紙過程。 製紙過程。 在空間應用上，和紙最動人之處在於光，等於將柔和的時間帶入其中。和紙會先吸納光線，再柔和地反射，形成一種獨特的光暈，他解釋道：「和紙讓光線變得不那麼直接，反而能將擺放於空間中的事物襯托得更漂亮。」有鑑於此，當和紙作為建材時，透過光影與材質特性的協作，不僅能營造溫潤氛圍，同時也讓物件和空間獲得了新的詮釋，既能呼應傳統文化，也能對話當代生活。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 除了創作，ハタノワタル（Hatano Wataru）也將心力投注於傳承，他的工坊目前已有八名學徒，期許未來能以團隊方式持續運作、推廣和紙文化；他強調，和紙作為日本傳統工藝，必須在當代被延續與拓展，而非僅僅停留在過往的記憶中。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 鏈結傳統與現代 策展人許哲瑜則回憶參訪ハタノワタル（Hatano Wataru）的工坊時，對於他從原料種植、製紙到作品完成皆一手包辦的流程印象深刻，完整掌握每一道環節。許哲瑜指出，ハタノワタル（Hatano Wataru）的價值不只在於製紙，更在於把傳統的媒材重新詮釋，運用在多元的生活層面中。「他在傳統與現代之間找到了平衡點」，策展人表示，隨著時代演進，越來越少人使用早期的自然材料，但ハタノワタル（Hatano Wataru）卻能在傳統技藝中注入當代對藝術的追尋，展現成熟且成功的轉譯力。他尤其欣賞和紙因光線而展現的多變表情──同一張和紙，在不同光線與天氣下皆能呈現截然不同的氛圍，這是其他建材較難達到的效果。  和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 和紙藝術品。   片刻停歇的光影 《Ippuku》不只是一場工藝聯展，更像是一場關於「如何生活」的提案，邀請觀者暫時停下腳步，透過器物感受溫度。這些作品之所以動人，是因為它們真正回到日常，提醒我們生活中仍可留白、能慢下來，找到屬於自己的「一服」片刻。   Ippuku：生活與工藝的片刻對話 日期」2025年10月1日至2025年11月16日 地點」台中市西區林森路40號（林森40 / 台中大屯郡守官舍）     資料及圖片提供」中島GLAb、藝術家Hatano Wataru 採訪」陳映蓁  

理事長的話—寫在TID頒獎典禮之後     自2007年創辦以來，TID台灣室內設計大獎已經走過18個年頭。年輕時第一次領到獎的悸動，並不是加冕或被肯定的喜悅，而是心中明白：我可以繼續走這條路。也因此，我很清楚這是屬於設計師的榮耀舞台，是設計人心中的聖殿。   跟著前輩和趙哥（趙璽）學習 6 年，自己戰戰兢兢經營 2 年。我很開心看到這個舞台、這場典禮、這束聚光燈，能打在每一位上台領獎的設計師身上。這一刻正是我們想實現的目標——讓設計師被大眾看見，讓社會更加尊重這個專業。這是我努力提升室內設計師社會地位的初衷。   許多人以為「上台得獎」就是一切，但當我看著台下數百位設計師時，腦海裡浮現的卻是另一個場景：工地的粉塵與噪音、石灰和水泥的氣味、收音機播放的廣告聲、被泥灰磨破的圖紙邊角。設計師穿梭其中，蹲在地上與工班討論細節，搬運材料、協助施工，全身灰頭土臉是日常。出了差錯被罵首當其衝，現場工人疏忽也要立刻糾正。台灣的設計師，跟著工地團隊上山下海，親身經歷水深火熱。     這，才是設計師的日常   每一個案子的完成，往往凝聚數十甚至上百人的努力。設計師面對業主、工班、管委會、鄰居，總是第一個到現場、最後一個離開。不是因為我們是超人，而是因為我們必須盡全力，讓作品落地、讓夢想成真。   最讓我感動的是，年輕設計師不是為了舞台而來，而是為了挑戰自己的極限。就算疲憊，也要做出更好的作品；就算今天獲得掌聲，或今天沒有得獎，明天依然回到天昏地暗的工地，繼續做一個好設計師。這就是我在大家身上看到的氣魄與決心。   年復一年，當舞台燈光熄滅、布幕降下，我依然對台灣一代代前仆後繼的室內設計師充滿敬意。你們是讓台灣室內設計持續進步、被世界看見的關鍵，也是所有後進的榜樣。做一個好設計師，就是不斷挑戰限制、突破框架，才能創造更好的作品，推動社會進步。     這，就是 TID 的意義   它不只是讓設計師登上舞台，更是幫助每一位設計師在專業裡找到屬於自己的高光時刻，並持續引領台灣設計往前走。   最後，感謝咫想團隊，每年在有限的資源下創造無限可能（也先預告，預算依然有限、可能還要再「無限」）。感謝張基義院長為設計界挹注實質的支持，給我們最溫暖的後盾。感謝趙哥，我永遠的導師，引領我們一路走到今天。感謝秘書處忍受與包容我，完成每一個挑戰。感謝理監事們，在我心中你們永遠是舞台上的明星。因為有你們的熱情與專業，台灣才充滿希望。其他關心與支持我們的朋友與前輩，也一併致上最深的謝意。   撰文」CSID理事長林彥穎

台北表演藝術中心球劇場再次迎來室內設計界的年度盛事—第十八屆台灣室內設計大獎（Taiwan Interior Design Award, TID Award）頒獎典禮，現場齊聚台灣頂尖設計師、產學代表與來自亞太各國的貴賓，共同見證台灣設計產業的重要時刻，本屆TID大獎頒發了9個金獎、2個新銳設計師獎及評審團特別獎，充分展現台灣室內設計的多元與深度。   恰逢Asia-Pacific Space Designers Association (APSDA) 亞太空間設計師協會 GA 會員大會於台灣舉行，由中華民國室內設計協會（CSID）理事長林彥穎接任下一屆APSDA主席。林彥穎理事長表示：「能在台灣接下APSDA主席的重任，是一份榮譽，更是一份責任。未來我們將持續推動台灣設計與國際接軌，讓世界看到台灣設計的價值與力量。」這不僅象徵台灣設計產業向國際邁出關鍵一步，也展現CSID在亞太設計領域的專業影響力與領導地位。許多國際友人因此親臨現場，與台灣設計圈一同慶賀，豐富典禮的國際視野。   今年評審團特別獎授予Morpho-Design形構設計的「三重商工機械工廠改造」。評審團盛讚其打破傳統高職機械科「黑手」刻板印象，透過場域再造，在作品中昇華學生作業的意義，透過教學場地潛移默化地影響，培養兼具技術與品格的專才，讓人看見設計產業的文化傳承。   新銳設計師獎則花落平原集設計的「覓境．祕境」和艾洛設計的「山頂有風」，前者以細膩空間分配與自然光引入，打造舒適且高效的小宅居所；後者則以光影與形體的對話，呈現雕塑感與靜謐感並存的個人工作空間，成為創意與專注的容器。   秉持對於設計力量的信念，為社群之間創造連結，進一步改善大眾生活環境，2025 TID頒獎典禮不僅是榮耀的舞台，更是台灣設計邁向國際的重要里程碑，宣告台灣設計能量與國際交流的無限可能。 （獲獎名單依據TID Award及CSID官網公布為準）     TID 評審特別獎 三重商工 機械工廠改造 Morpho- Design 形構設計 / 方俊能 方俊傑 江佶洋 設計理念源於對職人工藝精神的尊重與重現，僅以數控技術獨立完成的入口雕塑裝置，傳遞數位加工技藝的藝術精神，將原車洗床教室轉型為自動化數控教室，兼具考場功能。中軸對稱的燈架將天花一分為二，行走於如運輸帶的光廊下，空中漂浮燈架劃分領域，也兼顧照明；手臂作業區上方挑空，引入大量自然光，側邊廊道化身藝廊，提升學生作品藝術價值。設計整合多元機能與抽象精神，讓空間精神帶動學生心靈，提升學子為所學技藝的自豪感與對未來創作的想像力。     新銳設計師獎 覓境．祕境 平原集設計 / 柯明恩 本案為短向採光，透過軟裝元素替代隔牆，配合拼貼與重疊手法，劃分場域，使光線能夠深入家中的每個場景。於轉折與收放之處，透過大小空間自然對比，形塑日常的輕與重，在尺度的變化中，置入漸變的風景，在每個場域嵌入以黑色的家具，為空間的連貫與自明性注腳，隱喻著連續空間中的公私有別，拼貼以不同的材質語彙，描繪生活情境的有機時序。     新銳設計師獎  山頂有風 艾洛設計 / 楊雪婉 「山頂有風」攝影藝術空間，坐落於大理洱海畔，在蒼山與洱海的交匯間，「AURORA DESIGN」團隊承襲地域文化脈絡，以簡約、純粹的設計語言，打造兼具藝術展覽、文化沙龍及創意工作坊功能的沉浸式空間。設計師尊重原建築結構，一方面以白色石磚外立面呼應洱海雲影，頎長開窗引風光入室，延續自然意境，模糊建築與環境的界限。另一方面在拍攝區與工作區大量運用自然採光，應用泥土、軟木、石材等自然材質，與在地環境相互呼應。     品牌傳達類品牌設計 金獎  金水361. META Space 康爾富照明股份有限公司 / 鄭遠揚 以空間作為溝通的載體，重新詮釋台電予人的印象，運用台電退役材料，將台電舊建物改造成具有展覽、咖啡、商店等功能的複合式體驗空間，遵循設計團隊走訪全台台電場域所見的專業景象，打造空間細節和使用方向。內含結合退役礙子與石英石技術開發的再生建材，以及其他台電退役材料再生的多樣性：如運用台電再生家具打造咖啡廳座位區、可以走進去的變電箱改裝裝置等，結合藝術裝置與實際使用，和山海環景的地理條件，表達台電與在地的連結。     商業空間類/零售空間 金獎 accessory 初向設計 / 曾國峰 王子昀 以品牌理念為設計核心，傳遞讓客人在配戴品牌飾品的同時觸發即刻假期的聯想，從而放鬆身心感受，期待在熙來攘往的商圈中，創造一個安穩的場所。半透的布幕圍塑場域，並開口讓內外產生有趣的窺看關係，透由行走路徑的體驗使空間與時間產生置換與抽離，空間中的道具以萬物皆平衡才存在為概念製作，宛如匠人的工作室，展現安定與寧靜的場景氛圍。     商業空間類/餐飲空間 金獎  無微 十幸制作 / 蔡昀修 趙玗 林宛蓁 陳炫積 案件位於高雄鳳山黃埔新村的咖啡店，為台灣最早期眷村。設計以「克制」為主要策略，保留建築原有的框架與居住格局，同時回應現今場域，將品牌精神與商業需求巧妙融入其中。入口處的霓虹燈裝置描繪了動態的「時間軌跡」，保留原有隔間及材質調性，將設計重心聚焦於家具。桌椅造型的靈感源由屋頂木桁架結構，也回應空間的多樣需求，透過不同的座椅高度和形式串連新與舊的對話，希望整體設計在歷史與滿足功能之間達成和諧。     政府單位整合設計 金獎  小芳堂 乙乙設計事業有限公司 / 吳聿 陳彥儒 簡琳儒 鐘啓彰 芳和實中隨教育模式創新陸續改造，唯獨歷史49年的穿堂遲未升級。隨現代化教育模式的變革，校園已成社區一部分，打造友善多元環境勢在必行。改造方向由外而內，首先移除原門扇，模糊校園與城市邊界，其次改造旋轉樓梯區凝聚空間核心，結合展示、公告與休憩功能，促進學生互動交流，最後於樓梯下植入以回收橡膠面材，連結綠地與廣場。透過介於遊樂場與藝術裝置之間的互動場景，回應芳和實中勇於探索與挑戰的勇氣。     公共空間/文化空間 金獎  醉語與光影的共舞-雲上美術館 竹工凡木設計研究室 / 邵唯晏 呂孟樺 這棟位於大型生態園區的雲上美術館原為酒廠的儲酒廠，特意保留四個既存的鋼製儲酒槽，承載企業精神和歷史故事。偌大建築以清水混凝土為主體結構，僅頂部凸出於屋頂花園外，室內透過牆面與天花上道道裂隙般的開口，串連天光流動的途徑；室外則在館外水池的反射照拂下，每塊混凝土結構都猶如一朵朵漂浮水面的祥雲，創造了實與虛之間的視覺情境轉換。採光和地景藝術的功能，回應了新舊對話、建築融合地景的設計策略。     居住空間/單層住宅 金獎  新的旅程 瑋奕國際設計工程有限公司 / 方信原 洪于茹 鄭乃慈 如何延續這座居所歷經50年光陰的獨特印記，是案件規劃的重點，經過分析過往的生活模式，定調主線規劃、動線規劃及場域界定、機能設定要素。原被視為缺陷的T字樑，透過十字形框架形塑斜面天花板，增加空間高度及層次。表面輔以回收檜木轉譯情感表達，大弧形牆面的規劃，使得空間的視覺延伸最大化，對稱結構與單一色系不同材質的協調運用，平衡整體調性，重啟生活與空間相伴的下一段旅程。     居住空間/複層住宅 金獎  觀樾天湖．靜嶼 朴悅設計 / 郭子偉 以專案獨特的湖景資源為核心，摒棄傳統豪宅的符號化表達，通過空間敘事與功能革新，結合「物理容器」與「精神載體」。空間規劃聚焦「療癒」與「交互」雙重維度：設計客廳與茶室等不同氛圍的家庭聚場，平衡熱鬧與私密；同時以藝術化手法重構社交場景，打造獨立動線確保多代生活互不干擾。設計細節強調「隱性奢華」，頂級材質配合智慧化系統的無聲嵌入，共同服務于居者的精神共鳴與生活質感回應對自然、藝術與身份的深層訴求。     居住空間/微型住宅 金獎  隨寓 德沃空間設計有限公司 / 蔡松霈 位於美術館蛋黃區的14坪公寓，承載著從事美學設計工作的業主對心靈棲居的渴望。設計師打破傳統隔間的框架，採用連續的圓弧線條，將各功能區自然串聯，營造光影通透、動線流暢的居住體驗。牆面與柱體以溫潤米色礦物塗料覆蓋，輔以木質、金屬及織品的搭配，在剛柔之間展現深邃質感。開放式環繞動線打破封閉格局，讓動線的每個環節都能體現自在韻味。在流動與留白中，塑造出一個既舒適又充滿詩意的居所，讓人徹底「隨寓而安」。     居住空間/獨棟住宅 金獎 大家的森林 查少峪建築空間研究室 / 查少峪 曾郁涵 日本有一句諺語「屋根の下」（under one roof），寓意將多元相異的事物匯聚於一處，而本案正是這句諺語的具象化，建築主體採用日本檜木，呈現充滿木質香氣的住家空間。主體結構使用清水模承重牆和檜木製CLT屋頂板，清水模的冷冽整齊性和木材的溫暖交織出空間的對比性質。隨著建築內部空間單元的變化，轉45度的曲面大屋頂會與正交系統的空間產生多元雙斜屋頂型態，隨光影移動，演繹生動豐富的日常面貌。   資料及圖片提供」中華民國室內設計協會CSID、本屆獲獎各大事務所 採訪」江瑜

在紛雜的世界中，複雜的商場上，總是有著這樣的一群人，在各自領域深耕有成，動力並非為了獨善其身，而是懷抱兼善社會的願景，他們以己身之力滋養孕育自己的土地。「楠弘」集團蘇振輝董事長，正是一位擁有特別靈魂的企業家，他自小我立念，到大我實現，默默為台灣社會付出，誠心的希望這片土地更加美好，一路點滴累積，書寫成這位企業家動人的故事。     楠弘集團蘇振輝董事長。     讓質精底蘊深植人心   蘇振輝董事長成長於嘉義偏鄉，個性早慧聰敏，因為希望給家人更好的生活，年紀輕輕就投入工作。年輕的異鄉遊子總是善感的，踏入社會後，深感城鄉資源差距懸殊，偏鄉資源缺乏，於是立下心願：日後事業有成、羽翼豐厚之時，希望回饋社會並將資源引進家鄉。     收藏藝術《炁之巡》，蕭勤作品。     在22歲時，他懷著無畏之心創業，一如台灣早期企業家們的勇敢堅韌，為了生意拎著行李箱穿梭於海內外各大城市，卻也在一次次的歐洲差旅中，逐漸開闊了自身的眼界，磨練對衛廚精品的精準眼光，理解美學對生活的深遠影響。 自1979年楠弘集團從高雄起家，至今已發展成全台七座城市，超過200多名員工的規模，代理品牌包含Villeroy & Boch, bulthaup, Dornbracht與GROHE，這些各具特色且底蘊深厚的品牌，無不透露出他在審美與工藝品味日益洗鍊的功底，不但一次次開拓台灣高端消費者對廚衛精品的眼界，也宣示著「楠弘」積極將歐洲美學與嚴謹工藝引進台灣市場，把歐洲的「質精」內涵深植人心，讓生活美學滲透台灣社會的企圖。     蘇振輝董事長與藝術家蕭勤合影。     用音樂藝術傳播理想   「楠弘」一名，寄寓著在南部生根茁壯，弘大理想願景的期許。在事業輝煌的同時，蘇振輝董事長並未忘懷創業之初許下的願望：將美好事物引入台灣，讓資源潤澤偏鄉。音樂、藝術、自然，不僅是他由衷的熱愛，也是他傳播理想的渠道。     2021年蘇振輝董事長獲頒文化部首屆文協獎章。     楠弘集團數十年來持續資助藝文活動，鼎力支持台灣藝文推廣，期許拋磚引玉，將美與善的精神傳遞給台灣大眾，而一切作為都源自於蘇振輝董事長心念台灣文化，希望為本土人才灌溉資源的心意。像是，長期贊助「台灣獨奏家交響樂團」，除了擔任團長積極為樂團媒合機會，給予音樂家展現才華的舞台，每年也舉辦多場巡迴演出，將音樂帶到各個城市。     2018年楠弘與「台灣獨奏家交響樂團」舉辦新年音樂會。     或者，帶領舞蹈團體深入偏鄉小學，讓偏鄉孩童認識肢體律動，感受舞蹈之美的滋養。又或，以實質的收藏行動支持藝術家，贊助藝術專冊編印，自主發起各種形式的藝文活動，帶領設計圈人士走入展演現場，浸享藝文美好。 方方面面都是集團用實際行動向藝術靈魂致意，表達由衷喜愛的行動，而藝文活動融入企業內涵的實績，也成了楠弘集團別具辨識的獨特標誌，集團員工不僅在潛移默化中持續豐實知識、提升自我，集團每位成員也有如承載美與善的種子，在生活的應對與舉止中，將美學傳播予他人。     2025年楠弘新年音樂會台北場蘇振輝董事長與熱情支持的設計師們合影。     這些「思行合一」，從自身作起，進而發揚的體現，均是因愛鄉心念而生的行動，它們純誠熱烈且不含雜質，當蘇振輝董事長談起「台灣獨奏家交響樂團」，談起藝術收藏與畫冊內容時，眼神閃耀的光芒，言談中對台灣藝文能量的自信，足以說明一切，它早已跳脫商業經營上投資報酬的現實考量，而是一位企業家心懷回饋，裨益他人的胸襟。     2025年楠弘新年音樂會高雄場邀請娜瑪夏偏鄉學童參加,為藝術教育扎根。     視大自然為師   蘇振輝董事長回憶，在一次鎮西堡山林活動，觸動他對自然的嚮往，猶記20多年前登上百岳，親見台灣壯闊動人的自然景致，當時的感動讓他立下推廣台灣的山林之美的心願，期望讓大眾認識台灣大地的生命力與美好。     楠弘集團號召藝文參觀活動，圖為2022年高美館《光展》。     有感於大眾對於台灣土地之美的忽視，蘇振輝董事長不僅加入陳玉峯教授開創的「山林書院」，參與「環境佈道」志業，持續傳播自然生態與土地倫理知識。也與朋友共創「地球公民基金會」，警示環境污染、鼓吹保護山林水地與自然永續。他也組織山林活動，帶領集團員工、好友們親近自然，重新認識台灣土地與山林，分享台灣原生的自然之美。     蘇振輝董事長參與地球公民基金會，推廣環境佈道。     他認為，大自然是生命的導師，無垠大地、山林古樹與自然力量，無不提醒著個人歲月有如大千世界的滄海一栗，僅是自然萬物中的短暫過客，應心懷謙卑、莫妄莫驕。登高時與自我對話的漫長過程，更讓他領悟凡事靜心勿躁的智慧，誠心盡力亦順隨緣份的豁達。因認知了生命的短暫，更加提醒自己珍惜時光，把握機會良善社會。     野鶴無糧天地寬   在訪談間，蘇振輝董事長分享一幅他喜愛的作品《野鶴無糧天地寬》，說到：野鶴雖然無人餵養牠，看似清苦，卻也跳脫了一地侷限，有寬廣天地任其遨遊，可享環境資源的生命力。生命的清寂或富裕，從不在虛浮表象中，而是在自我心證的滿足裡。     將藝文活動納入楠弘集團企業文化活動中，圖為2023年高美館《江賢二個展》。     回顧來時，或許最初一如野鶴般啟航，在遨遊天地後，卻也為家鄉帶回了不同的資源與視界。正如在複雜商場上持續無畏地破浪而行，背後動力並非為了獨善其身，而是懷抱兼善社會的心念，希望以己身之力滋養家鄉的企圖。蘇振輝董事長的理性經營、感性分享，對台灣情感的深厚關懷，展現了有別傳統的企業風範，孕養出楠弘集團最動人的精神內核。   資料及圖片提供」楠弘集團 採訪」室內雜誌編輯部

在無邊無際的靜默沙漠中，天地彷彿連成一線，偶爾點綴的綠色植物，像孤獨旅人般堅定而悠然地生長於此，見證建築與大地之間一場跨越時空的對話。《CASA ESTRATO 巖上居》並非凌駕於自然之上，而是像地質沉積般從這片土地中自然生長的建築。 在沙漠中，建築如地質沉積般自然生長，透過材質與空間的交融，將蒼茫景致化為獨特的生活場景，描摹時光的悠遠痕跡​。 透過材質的運用與空間的巧妙結合，將沙漠的蒼茫與對居住的期待融為一體，呈現出既獨特又生動的生活場景。設計團隊不追求征服自然，而是透過夯土的溫潤、混凝土的純粹和鏽鐵的滄桑，層層展現人與土地之間質樸而永恆的連結。在這裡，建築成為一種隱喻，一種對起源的追尋，更是對「居於大地」的深刻回應。   二樓以雙層鏽鐵量體疊加，飾以玻璃與格柵，外觀莊重封閉，內向庭園則轉為通透開朗，讓輕盈與溫潤並存。 建築底層採用厚重的夯土牆，赭紅與黃褐的色澤，如同沙漠在光影下的細膩變化。多孔的牆面質感既描摹原始穴居的庇護感，又與廣闊沙漠形成柔和對比，讓建築彷彿扎根於大地，以沉靜而溫暖的姿態，為空間注入記憶與溫度。 建築外觀以夯土為基底構組而成，異材交織點綴，在沙漠的光影下，倒映出細膩層次。 材質的過渡與敘事張力 步入室內，主要選用清水混凝土鋪覆牆面，展現本質結構的溫潤，營塑純粹而質樸的氛圍。從夯土到混凝土的材質轉換，表現從外到內的自然過渡，形塑和諧的居家視景。   入口處三扇巨大的鏽鐵旋轉門，宛如自地底掘出的金屬岩塊，以沉穩而流暢的姿態，引導訪客動線。 入口裝設三扇巨大的鏽鐵旋轉門，如同從地底挖掘而出的金屬岩塊流暢地引導動線，搭配玻璃地坪讓地下酒窖若隱若現，形成充滿探索趣味的空間體驗。懸空的金屬樓梯和不鏽鋼通道延續異材質間的對話，讓夯土的厚實、混凝土的質樸與鋼鐵的冷冽融合，形塑連貫的空間語言。 以清水混凝土鋪陳牆面，展現結構的本質之美；從外部夯土過渡至室內混凝土，材質轉換自然，營造純粹和諧的居家氛圍。 二樓由兩個鏽鐵量體疊加而成，並裝飾玻璃與格柵點綴輕盈與溫潤。從外觀看，金屬盒體顯得封閉而莊重；面向內庭時，則轉換為通透玻璃，勾勒開闊的明朗視野。設計團隊利用玻璃通道將場域串聯，構建一座透明橋樑，在行走移動時，彷彿懸浮於天地之間，既能感受鏽鐵的古樸沉穩，亦能體驗光線與空氣的輕柔流動。 玻璃通道如透明橋樑般串聯空間，行走其上，彷彿懸浮天地間，體驗豐富的感官層次。 二樓廊道以人字拼木地板延伸空間，幾何線條勾勒復古韻味；天花虛實交錯，光影透過玻璃輕灑，注入滿室溫煦。 建築後方朝向生態保護區，設置不鏽鋼垂直格柵，讓沙漠景觀與室內空間自由交融，同時調節光線與熱能，展現與自然共生的智慧，在開放與遮護之間取得巧妙平衡。特別的是，經過設計團隊的精妙布劃，每一個玻璃立面皆與空間和諧相搭，並藉其反射投映，細膩而含蓄地穿針引光，將場域自然銜接、連繫，在交相輝映間給予極佳採光，觸及材質肌理倒映豐富疊影，為視覺增添多元的雅緻情調。 雙洗手台以木質量體呈現，縱向線條與地坪呼應；四面橢圓鏡面柔和空間表情，於幾何構圖中增添視覺層次。 《CASA ESTRATO 巖上居》就像一首從地層中昇華的詩篇。從夯土到鐵件，每種材質都在訴說起源、停留與蛻變的故事。不僅是安憩居所，亦是一種隱喻，搭建起通往自然與心靈深處的橋樑，訴說著建築深植於土地，可以如此優雅地承載生活。 雙面櫃體巧妙區隔了洗手台與淋浴區，框構出更衣場景，當陽光灑落，格柵光影與木質櫃體紋理交織，彼此共鳴。 資料及圖片提供」BLENDING DOTS ARQUITECTOS + ARQ. ROGELIO CASTILLO. 編輯」林靖諺

記得奧罕．帕慕克的《純真博物館》，故事主旨以男主角凱末爾對女主角芙頌的愛為核心，透過不斷收集她使用過的物品，以填補得而復失的遺憾；作者收集現實中對應的物件，蓋起一座真正的博物館，透過這些觸手可及的物件，就像故事中的情節落入現實。如果愛一個人，就連她遺落的菸蒂都是可愛的，只因那些菸蒂牽引過她不同時間和不同地點的情緒變化，看到那些遺落的物件，彷彿就看到通往特定回憶的鑰匙。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《軀幹》，2023，無聚氨酯泡膠塗佈於無酸紙，69.1 x 54公分。     臺北市立美術館兒童藝術教育中心（簡稱北美館兒藝中心）近期推出的展覽「痕跡悄悄話」，就像是屬於大眾回憶的「純真博物館」，策展靈感源自於日常中不經意留下的痕跡：床單的褶痕、地上的腳印、揉成一團的紙張，或衣物上的汙漬……這些常常為人忽略的細節，無聲地訴說著生活的軌跡。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《憂慮》，2023-2025，布料、發泡膠、鋼繩與金屬結構，330 x 174 x 180公分。     由館內策展人郭姿瑩策劃，邀請法國藝術家戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé），以及台灣藝術家劉書妤與蕭禹琦共同參與，以「痕跡」為主軸，作品涵蓋立體、陶土、錄像與空間裝置等多元形式，另外包含兩件委託創作。邀請觀者透過藝術的角度，重新凝視生活片段，在日常細節裡尋覓那些悄然留下的印記，細品那些無聲遺留在時光中的意義。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《敏捷#4》，2016-2025，布料、發泡膠、塗層、環氧樹脂、木結構與人造草皮，100 x 135 x 179公分。     個體和外在環境的對話與連結   三位藝術家透過自身的生命經驗和獨特的眼光，將抽象的回憶轉化為具體的藝術裝置，引導大小觀眾與其互動，觸發自身的情感共鳴。如法國藝術家戴爾芬・普伊耶，她的作品聚焦於肢體移動與環境互動的軌跡，利用拓印與雕塑般的造型，定格瞬間的動態。作品《軀幹》和《憂慮》皆取材自引體向上的動作，呈現身體繃緊的肌肉張力。     蕭禹琦《棉被山景》（螢幕截圖），2020，錄像，3分10秒，循環播放。   《敏捷#4》則表現身體伏倒在橫桿上，彷彿摔倒或是力竭的瞬間。她先繪製圖案、剪出模板，再以發泡膠壓製身形，透過手作過程的手部力道差異，留下獨特痕跡，形成懸浮於二維與三維之間的人形印記，凝聚時間、動作與材料的交會。   蕭禹琦《蔓延攀爬》，2025，二手衣料、布料，尺寸依空間而定。     蕭禹琦的創作則捕捉日常中易被忽略的細節為靈感，以臥房為舞台，展現作品如錄像《棉被山景》，每天為起床後凌亂的棉被拍照，串聯每天不斷變化的「棉被山」，將時間的流動轉化為可見可感的影像。     劉書妤《裊裊：或者目送一顆蘋果》，2023，瓷土、色料、釉，10 x 10 x 10公分。   《蔓延攀爬》則是邀請觀眾共同參與的限地製作，也是為回應本展覽創作的委託新作，藝術家向大眾募集舊衣，將貼合身體的布料剪開、編織，重構為自牆面垂降到地面、如同瀑布般的布料地景，不僅富有視覺衝擊，同時也將眾人的舊衣背後的回憶、生活與思緒悄然交織。   劉書妤《漫遊者：地理》，2025，台灣陶土、八里山土、砂、木作、不鏽鋼網、紗布、聲音裝置，尺寸依空間而定。     《裊裊：或者目送一顆蘋果》創作靈感源自藝術家劉書妤在外公告別式期間，注視著煙霧一縷縷消散於空氣中，感受時間和生命無聲地流逝的經驗。以蘋果象徵時間與記憶，螺旋狀的蘋果皮造型仿擬繚繞的煙，從新鮮到腐壞的過程，映照出生命的脆弱與無常，也引發觀者對告別與失落的共鳴。     「痕跡悄悄話」展場照。   《漫遊者：地理》則以陶土版畫組構出城市風景，窗戶、磚牆、路標與欄杆……將心理狀態轉化為日常景象的立體地圖。對劉書妤而言，創作是一場「漫遊」——以身體與感官重新感知熟悉的街道，並將個人記憶與地方經驗凝結於作品中，讓平凡場景成為獨特而私密的思想痕跡。   「痕跡悄悄話」觀眾創作區。     展覽的動態延伸   在藝術家的作品展陳之外，本展還有特別為觀眾設置的互動創作區域，邀請展出藝術家戴爾芬・普伊耶與劉書妤將作品概念延伸，以及特別委託藝術家廖祈羽與張暉明共同設計「時間碰碰撞撞」體驗裝置空間，透過親身體驗貫徹展覽的核心主旨，邀請觀眾實際動手參與，從中探索行為與痕跡的關係。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     展期間舉辦多場定時導覽、團體導覽、故事日，同時也和野孩子肢體劇場、展出藝術家蕭禹琦、劉書妤合作推出「我們曾經坐在這」默劇表演、「影子的房間」夜光工作坊及「我的美術館遊記」拓印工作坊等適合不同年齡層的工作坊與演出，透過更加多元化的形式，以及更加生動的表現，探索生活中的藝術。   「痕跡悄悄話」 展期」2025年9月27日至2026年2月22日 地點」臺北市立美術館 兒童藝術教育中心   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

時值初秋，新加坡濱海灣金沙會展中心再次迎來設計界焦點盛事。FIND－Design Fair Asia第四屆展覽於近期盛大落幕，匯聚來自22國、超過250個頂尖品牌，五座國家級展館，以及85位世界級講者，共同勾勒亞洲設計的未來藍圖。 「2025 FIND－Design Fair Asia亞洲設計展」主視覺。 作為新加坡設計周的重要環節，不僅是設計成果的展示場，更是數千名設計師、創新者與產業領袖進行深度對話、激盪創意的核心平台。從國際設計巨擘到嶄露頭角的在地創意工作者，FIND體現設計領域中全球化與本土性的共榮。   國家展館：設計文化的多元敘事 展場中，五座國家館以其獨特的文化底蘊與設計哲學，成為訪客探索世界設計脈動的窗口。   左：Fas Pendezza；右上：Il Giardino di Legno；右下：Swan。 義大利館彰顯「義大利製造」的極致工藝與創新精神，從FAS Pendezza精緻的經典遊戲桌、Il Giardino di Legno量身打造的戶外家具，到Swan永恆的軟裝家具與Composit的現代廚房與室內設計，義大利品牌持續引領卓越的全球潮流。特別的是，展館內陳列奢華皮革配件、織品、手工寢具、裝飾塗料及威尼斯玻璃等，充分展現傳統與創新並存、工藝與科技共舞的設計價值。   左上：Wasoo；左下：Mobella​；右上：PDM；右下：Res。 泰國館以「Living Thai Space: The Absence of Power」為題，呈現一場融合傳統、創新與永續性的動態展演。Mobella將舒適感與國際美學融入家具設計；PDM則將泰國文化轉譯為當代設計語言。RES展現鋁製工藝的專業，WASOO則以稻稈等生物材料突破永續設計邊界。 左：Maison Craft；右上：Bendi-Bangkok；右下：Sculpture。 此外，Maison Craft與在地社區合作，發揚自然材質的工藝傳統；Sculpture展出包括聞名世界的Sexy Chair在內的未來家具；Bendi-Bangkok則以永續實踐進行實木彎曲技術的創新，共同刻劃出當代泰國設計的豐富面貌。 Knights Craft。 印尼館以「Embracing the Earth Society」為核心概念，透過九家參展商展示該國文化活力、創新實力與永續理念，聚焦於尖端材料與中小企業的成果，反映印尼在全球設計舞台上日益重要的地位。 捷克家具品牌mmcite。 展會現場亦匯集來自捷克、香港、法國、日本及中國等地的優秀品牌，形成一股強大的全球創造力浪潮。捷克館的Hunat、mmcite等品牌，香港集合CSI Floorings等團體、法國Casamance、日本Anonimo Design與Sanyei Corporation、中國的Bonas與JNJ Mosaic等，均在此齊聚，共赴設計界盛事。   捷克玻璃工藝品牌Hunat。 另外，由獲獎工作室A Life by Design設計的FIND全球高峰會會場，本身即是一件沉浸式裝置藝術，其以「設計國度」為主題，運用新加坡代表性的紅色為主調，搭配季節色彩、未來感入口，以及超過千公尺的精細布料構組而成。Anonimo Design的漸變弦線屏幕、Events Partners的座椅，以及Mill利用回收材料製成的地毯與家具，共同將新加坡推向全球設計前沿，創造既具象徵意義又充滿轉化能量的空間。   Anonimo Design。 設計靈感在一個個精心打造的展位中具體成形。義大利品牌Danilo以其藝術性牆面飾材聞名，此次展位靈感源自森林的層次生態與羅馬競技場的宏偉，引領訪客深入其設計世界。牆面藝術專家Arte則將展位構思為一座自然綠洲，有機形態、綠意點綴與設計師家具共塑出精緻而溫馨的氛圍，促進探索與交流。   左上：AID；左下：Arte；右：Deluxe Systems。 思想交鋒：全球高峰會的深度對談 為期三天的FIND全球設計峰會，匯集了來自23國、超過80位業界領袖，針對建築、酒店、地產與創新等領域議題進行演講。議題涵蓋城市韌性、人工智慧創新、具意義的奢華設計與文化認同等。 從左至右依序：Mario Cucinella Architects創辦人Mario Cucinella、Keiji Ashizawa Design創辦人Keiji Ashizawa、Ramboll的全球設計總監Hossein Rezai-Jorabi、 札哈．哈蒂建築事務所（Zaha Hadid Architects）Simon Yu總監。 重磅講者包括Mario Cucinella探討「創造性同理心」、札哈．哈蒂建築事務所的Simon Yu論述「都市轉型：建築作為變革催化劑」、Ramboll的Hossein Rezai-Jorabi分享「一個過去，多種未來，多重現在」以及Keiji Ashizawa闡釋「量體的層疊：空間與物件的整體觀」。 左：Gensler常務經理Angela Spathonis；右上：EDG Design設計總監Erin Juhl；右下：SOM副主理人Shumin Zheng。 今年高峰會亦引入關鍵女性視角，如Gensler的Angela Spathonis、SOM的Shumin Zheng及EDG Design的Erin Juhl，共同探討設計如何回應當今社會、文化與環境的挑戰。國際照明設計師協會（IALD）、亞太空間設計師協會（APSDA）及新加坡室內設計師協會（SIDS）等專業組織亦帶來專題討論，從光線在空間中的塑造，到文化遺產推動科技永續，乃至彌合設計教育與業界實踐的落差，內容十分多元豐富。為支持專業發展，所有峰會環節均提供免費的SIDAC持續專業發展積分。   新銳發聲：EMERGE @ FIND的視野拓展 由新加坡設計理事會呈現、FIND支持的EMERGE @ FIND，本屆以「設計中的對話」為主題，迎來最大規模展覽，從東南亞擴展至泛亞洲舞台。新加坡品牌SUPERMAMA創辦人Edwin Low首度擔任聯合策展人，與Suzy Annetta共同策劃。 左：SUPERMAMA創辦人Edwin Low；右：Design Anthology總編輯Suzy Annetta。 展區匯集超過75位設計師與百件作品，迎來自中國、香港、日本、韓國及台灣的新聲音，與東南亞的知名創作者並列。其中七位設計師更獲選為年度「FIND社會先驅者」，包括韓國OK Kim、印尼Threadapeutic、菲律賓Meyte Chen等，為展區注入大膽新穎的觀點。   從左至右：韓國設計師OK Kim、印尼設計師AlvinT、菲律賓設計師Myte Chen。 FIND－Design Fair Asia的VIP買家計畫，專注於為頂尖設計、家具及燈飾品牌，與東南亞地區的優質買家進行精準商務匹配，透過客製化議程與預先安排的一對一會議，協助品牌與分銷商、設計公司、地產開發商及酒店業領袖建立深度連結，除了發掘新品，更能參與高峰會與導覽考察，掌握產業趨勢。在250個國際品牌支持下，展會成為全球品牌，向東盟及亞太地區邁進，創造顯著的商業價值。   2025 EMERGE@FIND參展作品。 資料及圖片提供」Fiera Milano、dmg events 編輯」林靖諺

利用影像記錄生活已經是日常中不可或缺的一部分，無數拍攝上傳的畫面，就此拼湊出一個人的小世界，然而無論是現實中抑或虛擬，保存的空間終究有限，在整理影像的去留時，一幕幕過往的回憶又觸動了多少心弦？     《新店 直到她跟鏡子說話，我們開始變成朋友》，2021，45 x 60cm。     《相機不見了》是攝影師陳建維在谷公館的首次個展，展覽內容一百多幅攝影作品，有些臉孔是他熟悉的親友，有些只是旅途中共享片刻擦肩的過客；有些場景熟悉一如台灣民眾的日常，有些畫面卻來自地球另一端，對觀眾來說連在網路上都不會刻意去查詢背後的資訊。這些零星的光影相互串連，橫貫2020至2025五年的時光，展現攝影師所踏足的國家與經歷的人事物，將喜怒哀樂定格於畫面中，成為永恆的風景。     《台北 嗨！法蘭～》，2022，120 x 60cm。     《台北 認識的小女孩長大了》，2022，45 x 60cm。     失而復得的紀錄   曾在音樂界、時尚名人圈拍攝眾多作品的攝影師陳建維，主修電影出身，後專職於平面攝影，在作品中融入電影般的敘事氛圍。本展以《相機不見了》同名創作命名，靈感源於他遺失相機的真實經歷，他形容當下的心情：「記憶像著急的跑馬燈」，過去曾經紀錄的種種畫面，那些曾經的光影、心跳與呼吸，一瞬間全都宛如當場蒸發。     《東京 以後盡可能不住在澀谷》，2023，60 x 45cm。     原來一台相機能裝下的，不只是影像，而是這幾年所記錄的自己，器材的遺失，不僅是物理上損失了一個工具，更象徵著個人視覺記憶的斷裂，失去相機的佐證，連帶記憶的細節也變得不再篤定。陳建維先生於心頭許願，如果失而復得，期待以此舉辦一場派對、或者準備一個擁抱，贈與陪伴自己多年的親朋好友，意外的是，隔天就在與家人翻找過數次的桌邊角落尋得相機的蹤影。     《台北 她問大人，不能多說點好話嗎》，2023，45 x 60cm。     如此戲劇性的失與得，觸動了陳建維攝影師。多年職涯，初期以拍攝人與土地為主的他，後逐漸延伸至流行雜誌、唱片、時尚與廣告等領域，跨過平實的民眾日常和炫目的商業場景，他都能從中找到激發強烈情緒與姿態的觀察角度。對陳建維攝影師來說，攝影不只是工作，更像是一場蒐集畫面的遊戲，在為作品起名的過程裡，他曾說：「相機是一種幻術，真正生活的人比較重要。」如此在鏡頭下捕捉無數光影的變幻，也拼湊人們在當中生活的真實。     《聖米歇爾 真正生活的人比較重要》，2023，90 x 120cm。     《墨爾本 山丘上的盤絲洞》，2023，60 x 120cm。     情感與記憶的重構   《相機不見了》是一場關於失去與重逢的影像敘事，也是一場重構視覺認知與縫合時間的行動，步入數位影像時代，人們一邊從拍攝的畫面中尋求真實，一邊又再加以精工修飾。當記錄的過程因突如其來的意外被迫中斷，記憶與觀看也隨之產生裂縫；影像的存在，見證了一段被打斷、又重新串起的記錄旅程，以記憶為軸，在整理影像的同時，對過往所發生過的一切進行再拼貼與再詮釋。     《墨爾本 我最喜歡的位子》，2023，45 x 60cm。     在這五年當中，陳建維攝影師將所見所聞編織成一首影像敘事詩，笑與淚在畫面背後的事件裡交錯，內容包含家人的失智、因此淡化雙方的衝突和對立，反而讓他與對方重拾親情，得以建立新的情感聯繫，成為可以互相微笑的朋友。還有在法國記錄好友謝淑薇重返網壇的心路歷程，以及騎著單車追逐陳彥博在巴黎公園訓練跑步的軌跡。跟曾寶儀是小學同學的他，曾相約一同去阿里山採藍莓，好友燦笑的臉龐，也為陳建維攝影展點綴了美麗的光彩……在這當中流動的情感與時光背景，也等待著與有過相同情感經驗的來賓與其產生共鳴。     《新店 他找了一整天的相機》，2024，80 x 120cm。 《萬里 消失的海邊泳池，有小黑在》，2024，60 x 90cm。     與其合作超過25年的音樂人李宗盛曾形容陳建維攝影師拍照偏向單純喜歡這件事，而非著重於留下自我的證明，在按下快門的瞬間，不知道且不理會，時間的長河將賦予這瞬間怎樣的意義。「失而復得」反映的是一種普遍而深刻的人類經驗，這些影像中的人與物已經隨時光長河沖刷至無法回返的彼岸，然而留下的記錄仍如許真實、觸手可及，創造第二次擁有和失去的可能性，是否仍舊保有最初的情感與意志，抑或已然成為新的記憶？     《彰化 有光》，2024，45 x 60cm。     照片中發生過的事件已然發生，但人們觀看的視角卻已經不同，經歷疫情爆發、解封，世界又恢復自由的日常，而生活仍在繼續、記錄不曾停止。   《相機不見了：陳建維》 展期」2025年8月30日至2025年11月1日 地點」谷公館 MICHAEL KU GALLERY（台北市敦化南路一段21號4樓之2）   資料及圖片提供」谷公館Michael Ku Gallery 編輯」江瑜