《Fashion Eye》系列攝影書透過攝影師的目光，以時裝攝影師眼中的世界為題，演繹一個國家、區域、城市或地方的風貌，發揚路易威登自1854年推崇至今的旅行藝術文化。 正逢今秋巴黎攝影展，推出兩部新作，一是以瑞典為主題，茱莉亞．海塔（Julia Hetta）透過拍立得照片以詩意感性捕捉野性而靈動的自然； 一是以印度拉賈斯坦邦為題，巴拉特．西卡 （BHARAT SIKKA）善用攝影與拼貼手法，凝視這個浸潤於神話的土地與其強烈的生命力。 左圖 《Fashion Eye》攝影書：拉賈斯坦邦。右圖《Fashion Eye》 攝影書：瑞典。 將對一片土地的探索，透過照片的形式表達個人觀點，隨景點的視角變換，都會風光、自然地景、當地生活剪影，以及諸多彩色與黑白的當代攝影作品，伴隨傳記資訊、 攝影師訪談或評論專文一一收錄成冊，宛如人類集體記憶的萬花筒般，讓人目不暇接。路易威登為每一本《Fashion Eye》 系列的旅遊攝影集量身訂製所有實體細節，每種紙張、裝訂、排版、甚至印刷流程，一律遵循工藝傳統，呼應各冊主題。 《Fashion Eye》攝影書：瑞典 瑞典攝影師茱莉亞．海塔（Julia Hetta）始終以自然光線、材質的律動與長時間曝光技術為核心，透過視覺語彙為影像注入文學維度，與多本雜誌以及Armani、Balenciaga、Hermès等時尚品牌合作出版了多部著作，在鏡頭中呈現低調卻強烈、 溫婉而戲劇化的個人特色。 那些在廣袤斯堪地那維亞王國四季更迭間拍攝的拍立得照片，保存了散落在漫長旅途間的浮光掠影，秉持減法思維，專注於北方晦暗莫測的光影，忠實呈現內斂克制的色調與稀疏簡約的場景，捕捉萬物內在的本質。 Fashion Eye Sweden。 她在工作室的幽靜中拍攝自肖像，為影像構圖增添「私人日記」的意涵，隨氣溫而變化的「色階」，放大了畫面的懷舊感， 延長的曝光時間，則為那些歲月最終會模糊的瞬間定格。苔蘚與雪毯、蓬亂的髮絲與麥田、波動的水面、白樺荒野……這些高度電影化的拼貼為觀眾呈現肢體移動的片段與風景碎片的互動，以摺頁式形式展開，無聲訴說著深冬沒有台詞的故事。 Fashion Eye Sweden。 《Fashion Eye》攝影書：拉賈斯坦邦 巴拉特．西卡（Bharat Sikka）生長於印度的背景與受紐約設計學院所培養的審美，令其視覺敘事融合奇異與日常，重塑出帶有自身經驗烙印的現實。回應印度不斷自我革新重塑，同時又深深紮根於傳統的文化衝突，採納菲利普-洛爾卡．迪科西亞（Philip-Lorca diCorcia）「真實卻經設計」的手法，細緻捕捉其形體、習俗與城市中最細微的變化。 Fashion Eye Rajasthan。 在王者之地拉賈斯坦，萬物皆不浪費，一切均可轉化，所有事物共存於此，從寺廟到聖湖，從風箏到木偶，從瑜伽行者到街頭小販，西卡抗拒以觀眾熟悉的民俗風情與「狹隘的異國情調棱鏡」 作為切入點，更傾向以寫實電影的視角講述這個他熟悉的國度。 其用色帶有愛德華．霍普（Edward Hopper）畫布般的「沉靜張力」，著重於主觀重塑而非單純直白的描繪，塑膠與布料、貧民窟與宮殿、大象與摩托車……種種元素依循他整理的敘事脈絡，在玩味十足的拼貼作品裡，各類檔案、 繪圖與材質層疊交錯，藉此解構既有的再現，傳遞他獨特的文化觀點。 Fashion Eye Rajasthan。   資料及圖片提供」路易威登（Louis Vuitton） 編輯」江瑜

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）今年經過複、決審，共429件來自台灣、中國大陸、香港、泰國、日本、新加坡、波蘭、馬來西亞、菲律賓、澳洲、美國與德國等13地的作品脫穎而出，榮獲金點設計獎標章肯定；後續更選出90件入圍年度大獎「年度最佳設計獎」名單，並預計於12月5日的頒獎典禮揭曉最終得獎結果。《室內interior》作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，將帶來連續三期的深度報導。 成立於2010年的META Design，在台灣設計領域裡是一個出眾的存在。他們由燈具代工專業轉型為當代創作團隊，持續拆解議題，重組更多可能性，十多年來用木頭這項原料發展出具辨識度的品牌語彙，更逐步跨足異業合作、材料循環到大型企業的專案，以「換一個角度看事情」為核心信念，試圖思索更深層的問題，並提出解答──設計與材料之間的關係是什麼？設計又能為社會留下什麼？   近年來，他們陸續與台電、遠雄企業等機關團體合作，其中，《金水361. META Space》不僅入圍金點設計獎年度最佳設計獎，亦榮獲TID Award金獎，從廢棄物料切入空間陳述、從產業範疇擴展至公共理解，《金水361. META Space》讓大眾重新看見材料背後的人文溫度，也理解設計如何在框架中找到最真實的出口。 《金水361. META Space》將閒置建築轉為台電的實驗基地。木橫擔堆疊的吧檯彰顯台電員工嚴謹的做事態度；端景牆以木橫擔的餘料拼組，上方的顏色則為台電物料系統的分類記號。   從工廠到品牌 總監鄭遠揚（Yaungo Cheng）回憶，品牌的創立，其實是始於一次深刻的反思。過往的代工產業面臨削價競爭的考驗，既定的商業模式難以持續，他不禁思考：「如果接下來必須不停重複這些狀況，真的有辦法走得下去嗎？」於是，在重新審視物力、技術與能力後，他選擇相對熟悉、具自然溫度，也能承載創意的材料──木材為主，成立了META Design，初期以曲木燈具作為對外溝通的媒介，逐漸打開海外市場的知名度，不過，高昂的運輸成本以及關稅、缺乏貿易協定等現實因素，同樣使產品面臨極大的交易阻礙；Yaungo認為降價策略非長久之計，而是應堅定傳達產品的「價值」，因此，他再次調整方向，將目光轉回台灣，期待藉由累積更多的能量再重返國際市場。 總監與META Design團隊的工作側拍。 由於經營品牌必須高度專注，他也觀察到自己內心對於設計的欲望深受壓抑，只能在每次的參展中，運用回收材料構建展位，宣洩滿腔的創作熱情。直至約莫2020年他因市場趨勢、外在變遷感到焦慮時，突然意識到「回望內在本質」才是關鍵，遂決定放下所有既有框架，將真正想做的事放進品牌營運裡，以此發展META Design的新階段。   超越視角再造 英國當代文壇大師符傲思所撰寫的《蝴蝶春夢》，是Yaungo將品牌命名為META的啟發。作者所使用的寫作手法被稱為「後設小說Metafiction」，meta本身有超越、在……之上的意思，正好符合他初離代工世界的心境：「要用不同角度看事情，才有機會超越它」，時刻提醒自己不要被任何形式綁住、不要被材料侷限，將「看待事情的角度」作為所有行動的核心，這也成為META Design創辦至今一路貫徹的精神：超越既有觀點，才能創造新的可能。 總監與META Design團隊的工作側拍。   多數人談永續或回收材，都聚焦於「廢棄物可以再生為什麼商品」，但對META Design而言，這是一個錯誤的出發點。在他們眼中，永續不是潮流、不是表象，而是基於人類使用地球資源後的自覺：既然大量擷取了材料，就應該讓它們獲得最有效的利用，因此，真正的循環不是將廢料變漂亮，而是理解材料從何而來，也應回到產業解決問題。這樣的主張讓META擁有更深入的材料觀，它們富含知識、工法甚至是企業的文化態度，如果不能把這些內涵帶回設計，那回收就只是流於形式；團隊爬梳背後的生成過程、找出困難、再用設計使其以另一種方式重回大眾視線，並嘗試結合敘事，讓材料的意義不止於物質本身，而是能傳遞價值、紀錄人文、改善產業，重新塑造人與環境的關係。   以空間開啟公共溝通 根據台電統計，2024年退役的礙子（支撐電線與絕緣）高達663公噸，尚未包含橫擔、變電箱與電纜等，如何妥善處理這些無法透過回收系統進行再運用的材料，一直是極為棘手的課題。而此次榮獲金點設計獎的《金水361. META Space》，則是台電首個與民眾對接的實驗基地，將位在瑞芳水湳洞的閒置建築、運用台電退役材料將空間活化，兼具展覽、咖啡與商店等功能，邀請觀者透過體驗認識不同面向的台電；META Design協助回應「公共溝通」與「退役材料再利用」的領域，將原本的廢棄物轉化為再生家具、再生建材、藝術裝置等，並回到台電的所屬場域之中。 來自基隆的退役變電箱門板，巧妙地化為牆面裝置。   空間整體設計以台電第一線工作現場為靈感，META Design跟著台電走訪全台各地的發電廠、工作站和材料倉庫，親眼見證第一線工作人員的專業與敬業，這是大眾平常難以接觸的面向，有鑑於此，便將這些觀察化為室內語彙，展現員工的專業，也提供另一個看見台電的面向。一樓咖啡吧的設計概念，即是轉譯自倉庫中整齊堆放、綑綁的木橫擔並堆疊而成，呈現第一線作業的秩序和嚴謹，讓人走入其中便能感受濃厚的職人精神，同時兼具收銀、備餐及收納等實際機能。背景牆巧妙地向民眾分享平常不易接觸到的電業知識，由600顆退役木橫擔裁切下來的端部餘料，矩陣排列出台電Logo上的閃電意象，顏色則為台電物料系統中的分類記號：紅色是未經任何處理的素木木橫擔，白色浸泡過防腐藥水，黃色是以檜木等針葉樹種製成，目前已極為少見。 以「雜貨電」為概念，將各式退役材料直接作為商品販售。   另一方面，也運用退役的木橫擔、輕鋼橫擔和變電箱，打造一系列再生家具，用於二樓座位區。這些材料在台電物料系統中本來就有嚴謹的規範，具備系統性與規格化的特性，因此在製作再生家具時，這些既有的規格都成為部件之間自然的連結方式。後續亦可延伸應用至全台各地的營業處和服務所，讓民眾更加理解材料與故事。   退役的木橫擔、輕鋼橫擔與變電箱成為組成再生家具的重要元素。 實現資源循環 台電一年產出的退役礙子約有600多噸，這種高溫燒結的陶瓷無法回收再製，如何去化成為挑戰。META Design在人造石英石的基礎之上研發出「礙子石」，每片有60%成份來自退役礙子，先將礙子破碎成顆粒，轉化為具備量化比例的再生建材，同時也保留部分礙子原貌，讓表面呈現出礙子的輪廓圖樣。每5片礙子石可以去化1噸的退役礙子，這是一種務實的循環，不創造額外商品，而是讓廢棄物回到它能真正發揮效益的地方。 無法回收再製的礙子，META Design在人造石英石的基礎之上研發「礙子石」，成功解決去化難題。   除了硬體本身，同樣關注藝術情感面，藉由退役材料塑造台電獨有的藝術裝置，其中，不乏將原本屬於鄰避設施的變電箱重新演繹為可自由走入的載體，讓觀者由不同角度認識台電和各式配電材料。而頂樓的燈光裝置《把自己活成一道光》，則是將變電箱切割後的餘料作為創作媒材，透過精心設計的結構，將材料堆疊成立方體，並在內部配置光源，夜晚光線從內部洩出，投射出意想不到的光影。嚴謹的立面象徵台電員工的敬業與默默付出，無形的光影則代表著對每個平凡角色的致意──人們都在各自的世界努力，不知不覺中成了照亮他人的力量。 頂樓的《把自己活成一道光》裝置。利用變電箱切割後的餘料製作，嚴謹有序的立方體象徵台電第一線員工的敬業精神。   入夜後光影亮起，暗喻每個人帶給社會的溫暖及貢獻。 最終，構建《金水361. META Space》總計使用15,487公斤的台電退役材料，相當於減少3,232公斤的二氧化碳排放量，緊扣Yaungo的理念：不使用新資源的前提下，依舊能將內心對設計的熱情化為現實。 2023年3月，第一次基地場勘。   聚焦脈絡 重塑可能 針對實驗性和商品化的平衡拿捏，Yaungo則以兩個方向並行，一是持續試驗多元回收材料，建立資料庫，探究是否有再詮釋的機會；二是持續創作，並在脈絡中尋找「具商品化潛力」的物件，拉近與大眾的距離。此舉並非迎合市場，而是替議題鋪更多入口，舉例來說，或許許多建商也有意願執行永續循環領域，但資源不及大型企業，若能將創作規格化，就可以大幅降低門檻，不需曠日廢時與設計團隊磨合商討；而消費者也能更輕鬆的購入，確保議題直面社會層面，讓每一次的製造都具有意義。 將原先作為廢棄物的退役材料視為資源，轉變成再生建材、家具等，並重回原本的空間中。   回望品牌歷程，Yaungo最先想到的並不是作品或獎項，而是一路陪伴他探索的夥伴。META Design之所以能站穩腳步，是因為團隊始終秉持三項核心精神──「實驗、實踐、實在」。實驗代表不斷挑戰未知；實踐意指讓想法真正落地；而實在則提醒他們保持純粹，不以過度的視覺效果掩蓋概念。這樣的想法並非口號，而是在拆屋工地裡、滿身灰塵的現場、在一次次艱難的材料轉譯中被真正驗證；這些願意為理念付出、一起奮鬥與承擔的同事，是Yaungo創立品牌以來最大的收穫，他也始終站在第一線與大夥並肩，這份共同前行的力量正是他最珍貴的成就。 將原先作為廢棄物的退役材料視為資源，轉變成再生建材、家具等，並重回原本的空間中。   談及未來欲嘗試的方向，並不是限定於某種具體物質，而是一個更大的格局：產業。在團隊眼中，材料從來都不是單獨存在，它可能來自系統，也來自人類需求的累積，因此，他們關注的不是單一物件，而是整個大環境，META的設計方法一向是從理解開始，經過討論後再重譯為向外傳遞的媒材。這樣的想法，也延伸到META Design的藍圖願景，Yaungo分享，他心中一直有個畫面，那並不是更完整的產品序列，而是一個「場域」，在這裡，創作者、設計師、工藝職人能一起共處與共創，作品能被市場看見，也能被產業採納，進一步對社會產生實質幫助，這種有機且多元的聚落狀態是他心中的美好狀態。同時，他依然期許能與業界深度互動，因為框架和限制反而能促使他持續突破，鞭策他前進的不是無際的自由，而是在約束中找到重新剖析的切點。   META Design堅持初心，不以喧嘩高調的姿態示人，而是回歸本質，用最誠實的步伐牽起現實和理想。若用一句話定義META Design的價值，或許不是抵達某個標竿，而是讓更多人因為他們的存在，願意重新看見材料、產業和環境之間那些被忽略的友善連結。     工地計劃 2020年，META Design發起「工地計劃」，以策略思維、設計轉譯與工藝實踐等方式，將營建廢棄物轉化為再生家具、建材與藝術作品，並送回完工後的建築空間中，實際成為人們生活的一部分。透過這種「回到建物本體」的循環設計，期望啟發更多人，在丟棄之前重新看見材料的潛力；也希望協助建設公司與公共機關，透過具體案例落實 ESG 與循環經濟，成為產業鏈永續轉型的催化劑。 工地計劃。   截至目前已成功轉化40噸營建廢棄物，實質回應聯合國永續發展目標，同時協助企業提出ESG永續指標的對應政策，並可作為都市資源管理、營建政策、以及綠色採購制度的實證案例。未來若能進一步結合公部門政策工具，如容積獎勵、標案加分或再利用材料標章制度，將有助於建立制度化的資源循環平台，促進更多產業投入再利用體系，擴大其社會與環境效益。  工地計劃。   數字狂想曲 META為上海商業儲蓄銀行總行大樓所創作的樓層指標系統，運用9類回收物、14種工藝手法與15個創作概念，打造22個數字創品。所有回收物均由企業同仁收集而來，包括制服、鈕扣、廢棄公文紙、信封與海報、鍵盤與滑鼠、寶特瓶等。META從銀行本身的特質與各樓層單位的特性，進行多元的概念發想與創作，歸納出交流、累積、謹慎、數位、創造與引領等15個創作概念，運用多種工藝手法，並與不同領域的職人合作，將原本認知的廢棄物，轉化成工作場所中的作品，激發企業同仁看待廢棄物的另一個視角。 數字狂想曲。 數字狂想曲。   META Design / 鄭遠揚Yaungo Cheng META Design 成立於2010年，為台灣傳統產業轉型而成之當代創作團隊，以「既然已經從地球上擷取這麼多的資源，就應該將資源做最有效運用」的理念，透過廢棄資源再運用的表現方式，梳理各產業領域議題，探尋潛藏於背後的人文價值。   資料及圖片提供」META Design 採訪」陳映蓁

設計的存在意義源於需求，探索當下的需求、揣想未來使用的可能性，以此構想設計的功能與樣貌，從手邊的工具到大型公共設施，在根據現有環境條件而為設計做出的每一個選擇中，也塑造了未來生活的可能性。   今年的展覽主題《DESIGN NEXT 進未來》，懸立於暗色空間的白色字體，打造入口處第一個視覺焦點。     今年的台灣設計週邁入第三屆，吸收往年經驗，以「DESIGN NEXT 進未來」為主題，偕國際設計研究盛會IASDR 2025，邀請全球設計學者、業者，愛好者等關心設計領域的人們齊聚台北松山文創園區，思考設計如何回應現代社會與環境的種種議題。   從展場入口往內探索，廊道兩側內置27個國內外設計案例，呈現設計在當今的不同領域中，如何為這個世界帶來進入未來的具體想像。   展覽匯聚31組團隊，包括23組台灣設計與跨界能量，與8組國際創意團隊，總計帶來27件深具啟發性的案例作品。參與台灣設計週的來賓既是提問者，亦是解題者，展覽目的並非提供一個放諸四海皆準的標準答案，而是以設計為媒介，橫貫設計的歷史，搭起不同領域連接的橋樑，讓參與者可以一同在此探索人類社會的未來樣貌。 踏入展區，空間以日常物件作為代表，呈現設計議題，階段性介紹從「物」到「人」、再到「系統」的演化。   生活中的設計   現場規劃兩大展區，分別是DESIGN NOW（設計現在式）與DESIGN NEXT（設計未來式），透過DESIGN NOW的開場，向觀眾展示日常用品中所反映出過去的生活經驗和設計思維，過渡至現代的過程中經歷哪些變化，同時也在向觀眾訴說現代設計所涉及的範疇。     在充滿台味的《夕陽小鎮》中，透過虛擬平台結合電子遊戲與影像敘事，展現設計、藝術與科技的創意聯動與商業潛力。   從日常用品到城市系統，從文化敘事、民主科技到城市永續，「設計」的概念在此解構，重塑，展陳重點不僅止於固有思維裡的物質功能和美觀視覺，而是回應大眾的多面鏡像。 《民主相機計畫》以設計反思科技與倫理的關係，透明的機身象徵著民主過程的開放與透明，觀眾可以按下快門，拍攝心中的民主模樣。     展場入口設立一面玻璃窗，將展覽的核心以白色字體懸浮於來賓面前，深長的廊道兩側依序安置27個國內外設計案例，呈現當今不同領域中的設計如何發揮其作用，涵蓋台灣設計師對應當代趨勢的巧思，以及全球面對的現實挑戰。 以文化IP「a-We」的設計打造國家品牌形象的〈We TAIWAN〉，在日本掀起強大「台流」風潮，向世界訴說「明亮、溫暖、善良」的台灣故事。 其中有多項國內設計，是展中引人矚目的亮點，如以文化IP「a-We」打造國家品牌形象的 〈We TAIWAN 臺灣文化in大阪・關西世博〉，透過打造可愛的卡通形象，以設計語言向外傳遞台灣熱情的特色與人文敘事；以及重新定義民主價值的〈Made in Democracy 民主相機計畫〉，透過透明相機與來賓的互動，定格當下的心情與台灣作為民主社會發展的現狀。 《沉積場：Fragments of Now》將冰冷的「科技化石」，搭配在地植物、織材和花藝手法，轉化為充滿詩意的、增添生活情趣的美感物件。     此外，還有結合虛擬與音樂的〈夕陽小鎮〉虛擬音樂節，以及以回收家電轉化為藝術的〈沉積場 Fragments of Now〉和提出永續中繼住宅新思維的 〈台灣厝 1 House for All〉。透過選擇創作的媒材，既有科技營造的虛擬實境，也有從回收廢品給予新生命的創見，透過設計師的聯想，串起不同領域之間的關聯性，也帶動觀眾的腳步與視線，讓觀眾看到台灣生活中的不同議題，構築一場從個體到社會、從物件到價值的設計旅程。   《台灣厝》以模組化、可重複拆組的永續設計，降低建築的「隱含碳」與能源消耗，解決都市更新時的「中繼住宅」浪費問題。   展覽邀請七位跨領域專家，包括林磐聳、龔書章、黃謙智等，探討對未來趨勢的洞察與所堅信的核心價值，以影片形式作為展陳的一部分。     構築未來的想像   在欣賞完所有的案例後，觀眾將邁入展覽的第二部曲：「DESIGN NEXT」。 環繞「什麼是設計的未來？」的提問，請出七位跨領域專家的影像分享自身對設計的理念和心得作為開場，引導來人深入展場加入「價值選擇光譜」互動遊戲，通過一面列舉八項關於永續發展與氣候正義、性別平等、數位倫理與資料隱私、多元與包容……等等當代重大議題的牆面，邀請觀眾在此投票、留下自己的意見，透過來自不同價值觀的不同視角，讓群眾的意見在此交織，共塑民眾對未來的期待。   「價值選擇光譜」牆提供八個核心價值觀的提問，讓觀眾通過蓋下印記表達自己的觀點，同時也學習傾聽來自其他觀眾的不同聲音。     在觀展之餘，同樣不可錯過的部分還有廣受好評的設計論壇，策劃「台捷設計對話 3×3」不僅特邀三位捷克跨領域設計師與三位台灣設計師，以三場主題對談形式展開國際交流，藉由探討設計跨域、永續創新與多元共融這撒大主題，深化台捷設計關係。 同時也配合「IASDR 2025 國際設計研究研討會」的舉辦，吸引來自 47 國、497 所院校與85家國際企業共同參與，展現台灣設計界在全球創意網絡中的積極角色。     來自各地的資深設計人於此分享他們的創作背景和思維，與現場作品、觀眾，進行跨越時空限制的對話。 2025 台灣設計周 時間」2025年11月29日至12月7日 地點」松山文創園區 更多活動詳情請見>>「2025台灣設計週」社群平台（Facebook、Instagram ）   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」江瑜

在台灣這片充滿生命力的土地上，有一群孩子用琴弦奏出夢想，用雙手築起未來，他們是「親愛愛樂」，由一群平均年齡不到20歲的年輕學子所組成，不僅以音樂感動人心，更以實作精神展現驚人生命力。當琴音與永續理念相遇，當回收材料與教育實踐交融，一座名為《大用食光》的餐廳，在竹東寫下動人篇章。 META Design以永續共享作為設計主軸，並參考製琴房工藝語彙，將其融入空間，構築激發潛能的創新舞台。 「親愛愛樂」的動人之處，不僅在於舞台上精湛的演奏與自創曲目，更在於他們親手打造生活場域的實踐精神。走進園區，處處可見孩子們學習裝修、鋪地、接電、烹飪的痕跡，表現其將音樂陶冶與實作技能並重的教育理念，期待每個孩子在琴音之外，培養出面對未來生活的堅實能力。這種全人教育的實踐，正是「親愛愛樂」最珍貴的生命力展現。   前院重複運用枕木搭建戶外用餐區，從細節處展現紋理間的時光痕跡。 永續餐廳的誕生 隨著「親愛愛樂」遷址竹東新園區，一個獨特的空間構想應運而生。《大用食光》餐廳，不僅是孩子們發揮烹飪、服務、經營等第二專長的舞台，更是將環保理念與教育實踐完美結合的典範。因此，META Design秉承「永續、共享」的精神，從「親愛愛樂」製琴工藝中汲取靈感，將其語彙巧妙融入空間設計，創造一個既熟悉又創新的學習環境。 兩幅以工地回收零件構組而成的立體畫作，透過將廢棄材料重構小提琴、樂譜等印象，呈現音樂與永續的美妙交融。 空間中最引人注目的，是兩幅以工地回收零件創作的立體藝術作品。設計團隊運用巧思，將廢棄的建築材料轉化為藝術語言，拼貼出解構的小提琴與飛揚樂譜。這些作品不僅是裝飾，更象徵著音樂與永續在此空間的美妙相遇，訴說資源再生與藝術創生的無限可能。每一片回收材料都承載著故事，在新的舞台上繼續傳遞溫暖與感動。 以懸掛、擺設樂器的方式，為空間注入充滿韻律的悠然面貌。 資源再生的設計實踐 META Design秉持「將既有資源做最有效運用」的信念，與遠雄建設攜手，將老屋回收的木桁架、工地板模、再生粒料、鋼筋與花崗岩餘料等材料，轉化為餐廳家具與空間元素，為清水模建築注入溫潤沉靜的時間感。琴房結構以十字搭接的方式，架起三米高的結構，並融合新舊榫頭，其銜接處延續原有金屬蓋板，而三角桁架上被截斷的桁條則以三角形方塊形式保留，補強整體結構。   設計團隊高效運用既有資源，將工地板模、再生粒料、鋼筋與花崗岩餘料等材料，轉化為餐廳家具語彙。 室內所配置的桌椅，皆取自回收材料，像是木衍架的短料，以及混合不同石材餘料的桌面，形塑豐富的視覺層次。特別的是，椅子利用遠雄建設的工地回收鋼筋材料搭組結構，並經過多次調整與測試，打造椅腳穩固、椅背富有彈性的坐具，其線條勾勒出輕盈通透之感，塑造開闊的空間視野。除桌椅外，收銀台、出餐台、回收台等亦以回收板模製作，部分檯面則使用遠雄建設辦公室改裝時所拆除的舊花崗岩，描繪充滿時間軌跡的場域氛圍。 將不同石材回收材料混合，共組成層次豐富的桌面，從細節中蘊藏驚喜與質感。   值得一提的是，設計團隊運用台鐵提供的退役枕木，在前後院搭建出獨特的戶外用餐區。然而，原有戶外區是一片泥地，下雨容易積水、滋生蚊蟲，因此地坪鋪設再生粒料，改善整體環境。此外，基於餐廳營業夜間，設計團隊以枕木餘料製作戶外燈，安置於建築周邊與枕木階梯。這些承載著歷史軌跡的枕木，不僅勾勒出獨特韻味，更讓來訪民眾在用餐之餘，能夠欣賞竹東火車站的風景，感受時光流轉的美好。整體空間運用22.8噸的回收材料，構建匯聚企業資源、社會善意與永續理念的教育場所。   後院用餐區以退役枕木搭建，承載著時光底蘊，與竹東車站風景共構獨特場域，讓訪客在用餐之餘，靜賞車站風華與光陰之美。 《大用食光》餐廳坐落於「親愛愛樂」打造的竹東音樂巷內，緊鄰竹東火車站的優越位置，讓空間成為孩子們與社會連結的重要起點。在這裡，孩子們不僅生活、練琴，更透過餐飲服務與商店營運的實作過程，學習烹飪技巧、服務精神、經營管理與團隊合作。這些寶貴經驗，將成為他們未來步入社會的重要養分，讓每個孩子在音樂之外，培養出自立與合作的關鍵能力。 為解決戶外泥地積水與蚊蟲問題，地坪鋪設再生粒料，更以枕木餘料打造戶外燈，為夜間營業的餐廳點綴溫暖光暈。   「親愛愛樂」園區不定期舉辦的音樂會與各類活動，讓這個空間始終充滿活力與創意。「大用食光」餐廳不僅是孩子們實踐夢想的舞台，更是大眾認識這群用音樂與雙手改變生活的年輕學子的重要窗口。在此人們能夠享用美食、聆聽動人樂音，感受永續理念與教育實踐的完美融合。   資料及圖片提供」META Design 編輯」林靖諺

2025年台灣建築獎於日前揭曉得獎名單，經過現場實勘與決選會議後，本屆評審團提出「美感以外的時代看法及創新見解」、「作品背後清晰的問題意識」、「以人為本的社會及土地關懷」、「具當代性與集體記憶的城市紋理」作為評選原則，並從10件入圍作品中，擇定脫穎而出的精彩之作。此外，今年亦針對作品性質與特色，增設「都市觸媒特別獎」，給予參賽作品更多機會以做鼓勵。 2025台灣建築獲獎團隊大合照。    首獎  新北市美術館 / 姚仁喜｜大元建築工場 圖片提供」大元建築工場 ©姚仁喜—大元建築工場&Iwan Baan。 坐落於鶯歌溪與大漢溪匯流處的三鶯新生地，新北市美術館以基地常見的蘆葦為意象，透過高低錯落、節奏變化的噴砂鋁管構成外牆，形塑猶如隱身蘆葦叢間的當代美術館形象。特別的是，建築師將地面層完全敞開，使民眾能沿著地勢緩步登至坡頂眺望山河，亦能順著地景步向親水區域。大階梯引導訪客至二樓展廳，讓藝術展覽與自然動線相互交融，布劃具高度公共性的場域經驗。   圖片提供」大元建築工場 ©姚仁喜—大元建築工場&Iwan Baan。 評審認為本案成功改造過去被作為廢棄物堆置場的基地，使地景重新被看見，同時重塑從火車站通往溪岸的日常路徑。設計精準回應基地高差、水岸與城市邊陲位置的性格，再加上當代藝術展示方式從封閉博物館逐漸走向開放自然的趨勢，美術館以「野地中的藝術場域」作為定位，展現創新的文化空間型態。外牆系統、結構技術與可視化的工法皆達到高度工藝水準，別具教育意義。值得一提的是，此案是台灣建築師首次贏得國際競圖的作品，極具歷史意涵。    佳作  育賢二期社會住宅 / 戴育澤建築師事務所 圖片提供」戴育澤建築師事務所。 育賢二期社宅位於台中舊大里溪河道重劃區，設計以延伸河道紋理為概念，使建築量體自然融入地景。公共廊道串連街廓以及一至三期社宅，地面層形成兼具公共性與社會性的開放空間；統一模矩的立面則為周邊環境建立秩序感，使建築與社區關係緊密而和諧。   圖片提供」戴育澤建築師事務所。 評審特別關注其塔樓與廊道組成的P字形標準層平面構成，量體透過重複、轉折與嵌合形成類合院式的空間架構，有效改善通風採光。廊道亦提供推輪椅等生活需求，並呼應後疫情時代對通風半戶外空間的期待。另外，基地開放空間可供舉辦市集、節慶與兒童遊戲，展現引領未來社宅發展的能量，同時反映建築師在有限預算下仍竭力推動公共住宅品質的理念。 上海商業儲蓄銀行總行大樓 / 潘冀聯合建築師事務所 圖片提供」潘冀聯合建築師事務所。 位於民權東路與中山北路交界的上海商銀總行，面臨航高與都市退縮的多重限制。因此，設計者以斜交網格結構統整建築系統，使支撐柱分散並與幕牆整合，創造近27米的無柱室內空間，使辦公空間擁有高度彈性。高效率的幾何結構不僅回應百年建築壽命的期待，亦為未來使用需求預留調整彈性。 圖片提供」潘冀聯合建築師事務所。   本案成功發揮角地優勢，以斜交網格的外結構系統，展現工藝性的外觀語彙，並妥善處理畸零量體，極致表現結構系統，形成秩序之美，為城市注入嶄新活力。建築師在基地侷限中仍創造自由平面，展現當代建築高度整合的專業能力，成為優秀的城市建築典範。   宜蘭轉運站 / 田中央聯合建築師事務所 圖片提供」田中央聯合建築師事務所。 宜蘭轉運站作為年服務量達300萬人次的交通樞紐，因既有設施飽和而進行原地重建。田中央聯合建築師事務所以「輕觸大地」的態度重塑轉運站，使其成為都市綠中軸的延續與留白。   圖片提供」田中央聯合建築師事務所。 評審肯定其以流動性的空間性格，回應交通建築高度人流與車流的本質。鋼棚架與混凝土牆體交織出的空間具開放感與舒適度，上方厚實覆土則提供良好的節能環境。設計者以宏觀視野思考基地的現在與未來，並以長期關懷城市與社會的態度持續投入，作品呈現一貫的自在、含蓄與深度。    都市觸媒特別獎  基隆山海城再造串聯計畫（基隆塔） / 邱文傑建築師事務所 圖片提供」邱文傑建築師事務所。 基隆塔是「大基隆計畫」的重要項目，由林右昌市長與團隊推動，並由建築師以港邊大吊車為意象提出直立塔橋設計。塔橋垂直串連希望之丘主普壇後院，成為市民與觀光客往返山城的便捷立體通道，使山、海、城得以重新連結。 圖片提供」邱文傑建築師事務所。   本案源於精準的都市研究，透過拆除原警察分局取得基地，再以塔橋構築上下動線，形成獨特而難得的城市空間經驗。從地面商店街到塔橋高處，再經由表參道回到防空洞，步行動線交織出城市的多層次記憶，其中隱藏著地方使用者、設計者、執政者互動之下，一個恰到好處的結果。塔橋不僅完成必要的公共連結，亦成為亮眼地標，成功帶動地方觀光與商業機能。   資料及圖片提供」中華民國全國建築師公會 編輯」林靖諺

彰化是台灣傳統製造的關鍵據點，也是許多日常生活用品的誕生地。社頭的織襪產業自 1980 年代起崛起，成為全球毛襪供應的重要重鎮；田尾地區除了以花卉著名，周邊也聚集了精密金屬加工與園藝工具廠；鹿港延續數十年的木作技藝，在信仰家具與精緻木工領域佔有重要地位；北斗則是少數仍保有顏料研發與製造能力的地區。這些產業長期在國際市場以代工形式存在，技術實力堅強，卻少有機會以品牌姿態直接面對消費者，近年全球製造業重組與零售品牌崛起，使這些中小型企業面臨轉型契機，經營團隊不再滿足於「接單加工」，而是主動尋求新的市場語言，讓傳統製造能與生活、設計、品牌產生連結，展現設計驅動產業創新的品牌活力，正是彰化在地產業邁向新階段的起點。   「COC城市產業創新」為經濟部產業發展署推動、台灣設計研究院執行的跨域共創計畫，核心在於透過設計思維導入產業體系，提升製造業的創新品牌力與市場連結。本次深入彰化製造聚落，鎖定襪子、顏料、金工與木工四個代表性產業聚落，攜手在地企業與設計團隊進行產品再定義與品牌升級，描繪「彰化製造」從代工轉向品牌、從工廠走進生活場景的轉型願景。   義豐靜器製作所 × 工一設計：傳統神桌工藝走進生活 義豐木業是深耕鹿港30年神桌製作工藝世家，為回應現代居家空間與信仰形式的轉變，創立品牌「義豐靜器製作所」，傳承榫卯工法，並引入磁鐵木榫、隱形扣件定位、板件解構等現代技術，以當代視角重新詮釋傳統神桌，成為兼具文化意涵與設計語境的現代信仰代表品牌。義豐團隊表示：「我們希望信仰的意涵可以融入生活，而不只是被擺在牆角。」   此次COC城市產業創新計畫與「工一設計」共同合作，跳脫傳統神桌的大件形式，從室內設計趨勢與使用者需求出發，打造符合現代生活比例的儀式載體「心居」：天然實木穩定、不易變形、不隨時間褪色特性，展現對信仰的敬重。透過設計導入，以模組化設計，「心居」上下座可各自對應不同使用空間安排，搭配多元材質、簡化安裝程序並保留細節工藝，讓信仰家具不再侷限於傳統樣式，也讓「心居」以更加當代的樣貌走進每個家庭。 煒展國際 × 加拾有限公司：機能織襪的新輪廓 煒展國際擁有30年深厚的製襪經驗，2010年創立品牌「TRUST ME」，聚焦機能襪款開發。本次與「加拾有限公司」跨域合作，導入趨勢觀察與使用者需求研究，從一體成型工法、體能回復纖維、足弓提拉到織盾球結構，開發「TRUST ME織盾球」機能襪，以立體織盾球結構與中高襪筒比例，搭配不對稱羅紋設計作為視覺主軸，實現機能與風格兼具的日常單品。   御麟企業 × 粹美設計：親子共學的色彩提案 深耕水性顏料近40年的御麟企業，是全台少數通過歐、美安全無毒認證的水性彩繪顏料製造商，並於2014年成立觀光工廠「愛玩色創意館」。以水性安全配方與歐美多國檢測為基礎，攜手「粹美設計」共同開發專屬親子共玩的「迷你指尖美術館」，重新定義「COLOR FUN可剝式水指彩」系列產品。將原有顏料技術導入設計思維，以「迷你指尖美術館」為發想核心，透過六幅「名畫靈感」與六種親子共玩的「趣味情境」，搭配水性無毒、可剝式的指甲彩繪設計，開發具有藝術啟蒙意義的親子美術商品。   亞迦國際 × 粹美設計：重新定義專業園藝工具 以高端金屬研磨技術起家的亞迦國際，擁有30多年園藝剪刀的金屬加工經驗，精準掌握園藝剪刀對於不同枝條粗細所需刀片的理想角度。2017年創立「HOKAS」品牌，致力從使用者出發，重新定義園藝工具的品質與價值。此次亦與「粹美設計」合作，推出全新「本色系列ORIGIN」，打造兼具機能與風格的園藝工具。此系列以不同刀型對應整理剪、花藝剪與修枝剪的專用任務，設計以 Less is Living 為理念，將剪刀視為生活整理的工具，從植栽到花藝、從修枝到造型，皆有專屬對應刀型。產品包裝透過直覺式插圖明確傳達功能，搭配不同使用者情境，讓每一把刀化身為專精任務的「植物職人」。     資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

以化繁為簡、比例精準為設計理念，追求「簡單卻不單調」，王大閎被視為台灣現代建築的引路人。結合華人傳統元素與現代主義，他見證了台灣50、60年代建築文化的重要發展，也經手眾多台灣的重要建築。     《挑剔的美：王大閎家具設計經典復刻24選》     如今人們對他的興趣從公共設計轉了方向，聚焦王大閎親自設計的三棟私宅建國南路自宅（1953）、虹廬（1964）、弘英別墅（1979），期待從中閱讀他對建築美學的思考，以及對理想生活的定義。   “服裝是我們身體的外殼；建築是我們生活的外殼。我們依照自己身體的外型來設計衣服；我們根據自己生活的內容來設計房屋。”–王大閎   在賞析過建築外型與住宅設計的結構之後，為了更加深入解構王大閎的創作版圖，長年研究王大閎的建築學者徐明松與黃瑋庭將目光聚焦於他對家具的創意；以完美主義、挑剔眼光著稱的王大閎，對家具的要求不惜時間與成本，也要一一親自校準每一件家具的尺寸和設計，藉此完善室內空間的分寸。     王大閎獨照。徐明松提供，鄒昌銘攝影。     基於王大閎親手設計的家具大多已毀損或不知去向，如今僅存零星舊照與久遠記憶，製作過程涉及木作、鐵工、漆藝與織品等多項工藝，且並未留下原件的設計圖紙。兩位學者結合歷史文獻、舊照考證、家屬訪談與3D建模實作，以務實態度抽絲剝繭，還原其工法與建築語彙，完成《挑剔的美：王大閎家具設計經典復刻24選》。     重建的建國南路自宅，客廳一景。白儀芳攝影。     王大閎強調建築是理想與現實之間的橋樑，須兼具精神性與生活性，並將此精神延伸至三棟自宅的家具，種種細節與建築相互呼應，構築完整的生活美學。本書以建國南路自宅（1953）、虹廬（1964）、弘英別墅（1979）三棟住宅為核心，收錄各空間由王大閎設計的代表性家具，包括貝殼茶几、太師椅、八角餐桌、金箔矮櫃、紅黑白沙發、花瓶章魚腳立燈、雙面屏風等共24件。     虹廬舊照，月門望向起居室。王守正提供，朗靜山攝影。     以此為定錨，追溯其設計脈絡，並通過近三十年的設計比較與分析，探問王大閎對理想生活的想像和審美標準，期以研究團隊復刻與重造的過程，明晰這些家具的結構和年代背景，梳理出一套理解王大閎的方法脈絡。   資料及圖片提供」木馬文化 編輯」江瑜

如北京這樣熱鬧的大城市，在大眾印象中總是與高樓林立和積極開發等詞彙相連，卻漸漸忽略了，原來城市周邊仍保有樸實寧靜的鄉村風景。《耒宿》正是一座位於北京平谷區郊外的民宿，身在此處，周邊放眼便是典型的北方平原聚落，可見新舊房舍錯落，紅磚與鋼板交織出一種時代轉換的肌理，無聲向來往的人們默默展示時代變遷所遺留的鑿痕。   透過實牆與建築外部相隔，餐廳磚牆順應空間設置長向窗口，與內側朝向庭院的大幅落地窗相對，使採光與空氣得以流通。     「耒」，源於古代農具，象徵著人與田土的親近；而其字形中藏著「三木」，恰如這座房子的三位老前輩：兩棵柿子樹、一棵核桃樹，它們是業主父親童年的記憶，是家族歲月的根，也是本案設計的起點和敘事核心。   參考周圍民居型態打造建築外型，採用舊磚砌築立面，融入在地氣質。     與老樹共築的記憶   整體格局由兩座天井定義，宛若空間的呼吸洞孔。前段天井與庭院結合，當中有兩棵老樹錯落而立，枝影隨風搖曳，這裡不僅是光與風的入口，更是社交與休閒的重點場所，庭院旁即是體量規整修長的客餐廳，裡外之間以落地窗相隔，賓客可選擇在院中烤肉、或在室內圍聚於長桌共餐，陽光照亮眾人共聚的場景，在木質餐桌上暈染溫暖紋理與人情氣味。   影視廳旁側的排水溝種滿一排青翠綠竹，讓主建築與鄰棟之間的狹窄邊角化為一幅文雅景畫。     自客廳往後探去，穿越光影交錯的廊道，第二座天井就此進入視野。此處只保留一棵老樹，以其為軸心，周圍圍繞著一間唯一設置於一樓的客臥、客用衛浴、娛樂間與影音室等等相對獨立的空間，屬性更偏向私密的生活領域，卻仍透過天井的開口與外界保持聯繫。樓梯位於建築內部深處，由於空間前後的牆面都採用玻璃取代，反而成為視覺亮點，這座佇於室內的光井，串構成垂直動線，引導視線向上，並將動線延伸至二樓的休憩區域。   庭院的樹木自樹根延展至樹冠，串起不同房間的窗口視野，不僅維繫全作設計的整體感，同時也是聚焦住客彼此互動的重點空間。     二樓維持整體通透的設計原則，配合簾幕平衡開闊視野和個人隱私，每間臥室面向庭院的一側皆採用落地窗取代實牆，讓陽光灑入，使四季之景映入室內。連通臥室的走道懸浮於一樓大廳上方，隔著鐵件扶手向下看望，樓層之間的視線得以貫穿。上方傾斜的木質天花與橫樑交錯，呈現樸實卻富節奏的空間秩序，透過材質語彙傳遞質樸氣息與溫暖韻味。   套房結合床頭櫃與階梯，透過置物櫃將第二張床的位置墊高，確保多人使用時也能維護個體起居隱私。     木構的詩意與理性   此作運用木質肌理的溫潤與呼吸感，讓賓客在穿梭空間動線時，能隨著腳步移動欣賞到木構的多樣造型，既與庭院的綠植彼此呼應，也和石板、鐵件等質材相互對比。設計團隊同時考量實際使用的安全性，特別針對二樓設計了透明玻璃板，以避免幼兒在錯層之間跌落的風險，同時維持上下光線的流動。部分牆體開設圓形窗洞，既彌補光照的死角，也為整體空間注入一絲趣味與輕盈，夜幕降臨時，柔和燈光隱於結構與夾縫之間，讓牆面與天光成為空間主角，展現出自然素雅的寧靜氣質。   二樓走道的金屬扶手與木作房樑共構秩序，突出建材冷暖的質感對比。     面向外側的牆體多由舊磚砌築，保留村落原有的質地與記憶，屋頂覆以灰色瀝青瓦，延伸至二層牆面，整體如一座漂浮於圍牆之上的「灰色之屋」，低調地融入在地環境，同時獨具辨識度。室內隔牆以建築與室內一體化的方式構成，減少二次裝修，讓空間輪廓更加純粹，正如業主所言：「這是一座會呼吸的房子。」本案令其引以為傲的地方不在於以宏大形象壓迫土地，而是在呼吸與光影之間謙和的相融環境，讓建築與自然達到平衡。   空間內的木質紋理與窗外的樹冠對話，透過樹蔭篩落的光影，讓置身室內的使用者宛如身處林間小路。     從村落深處萌芽   當城市的旅人步入此地，在空間裡外穿行時，能感受樹葉與土壤的氣味和天光流動，體會業主期待分享的悠然情致。作為一間民宿，《耒宿》並非單純的商業空間，而是一個社區活力的載體，同時也是一個促進交流的平台，遊客與村民相遇、對話，為鄉間的日常營造新的話題與人際關係，邀請城市旅人進入鄉村的節奏，於庭院喝茶、在樹影中散步，讓城市與鄉村在此產生新的交集。   穿插錯落的空間體塊構成光影和空間流通的路徑，圍合中央的老樹，強調全案的精神核心。     這樣的更新並非推倒重來，而是透過設計與時間的對話，讓傳統格局在當代語境下重生。《耒宿》對外擷取針對周遭建築變化的觀察與相應，對內則以兩座天井串起自然與人心，核心是三棵老樹所喚起的世代記憶。以謙和姿態回應土地，延續了傳統院落的格局，透過當代木構語彙重新書寫；它承載了個人記憶，又開放給公共生活，不張揚、不矯飾，而是以一種自然的姿態，喚醒人們對「生活本真」的想像。   資料及圖片提供」建築營設計工作室  編輯」江瑜

時值深秋，正逢台灣藝術氛圍最為濃厚的時刻，向來重視藝術與生活結合的易雅居，策劃了一場視覺盛宴，邀請12位台灣藝術收藏家精選一件私人收藏，以「Living with Art」的理念為核心，演繹藝術與日常的交會。     文心藝術基金會創辦人葉曉甄收藏，藝術家李元佳《無題》。     本次展覽由易雅居創辦人易英謨女士、張增偉先生與國際知名策展人曾文泉先生共同策劃。邀請多位收藏家參與，讓藝術品與易雅居的精品家具和諧並呈，佐以收藏者的訪談錄像，引導觀眾一探藝術品與收藏家之間的緣份，以及收藏者獨特的藝術觸動。     資深藏家相互交會   藝術品展現的不僅是視覺上的賞心悅目，同時也向觀者傳遞藝術家本人的創作理念，以及收藏者所看重的精神內涵，作品與所在環境的精神互動亦值得一觀。策展人曾文泉先生於本展首度公開德國藝術家沃爾夫岡．萊布（Wolfgang Laib）的經典作品牛奶石（Milk Stone），結合牛奶的流體印象與大理石流光溢彩的固體質地，喚起對「美」的再思與感知邊界的突破。     易雅居館藏，藝術家Anish Kapoor《Sky Mirror》，Antony Gormley《Shrive VI》。     除了在型態與概念上的衝擊，還有跨時代的藝術表現。比如，璞永建設董事長楊岳虎先生所出借的巨幅畫作《Nives》，創作者荷蘭藝術家卡雷爾．阿佩爾（Karel Appel）活躍於1950年代至2000年代，此作屬於阿佩爾的「裸體系列」之一，將身體抽象化為兼具力量與性感的形象，曾於紐約、科隆、巴塞隆納與海牙等地巡迴展出，可見在國際藝術史上的重要地位，楊岳虎先生此次出借，讓觀眾得以一窺戰後歐洲現代藝術精神的核心。     葡眾企業執行長曾美菁收藏，藝術家Christo & Jeanne-Claude《The Pont Neuf Wrapped》。     而針對肢體藝術，自戰後年代至現今的創作變化，對比西方鮮明外放的筆觸設色，知名電視節目製作人王偉忠先生與夫人出借的中國當代藝術家王克平之作，融合東西方雕塑語言，透過木雕立體的形象，形構身體、語言與權力之間的張力。   將目光轉向台灣當代藝術，恆成紙業董事長鄭宗杰先生持續用收藏行動支持年輕的創作者，既是藝術家創作歷程的見證，也展現了他對藝術實踐的深度參與。此次出借黃麗音（Steph Huang）的作品《櫻桃杏仁派風聖代（Cherry Bakewell Sundae）》，為少數曾同時亮相倫敦泰特與台北市立美術館的代表之作，延續藝術家對食品加工產業所折射的現代生活框架的思索，並進一步探討飲食文化中的資本與勞動系統。     馨昌股份有限公司董事長鄧傳馨先生，藝術家朱德群《落霞之外》。     文心藝術基金會創辦人葉曉甄女士為這場展覽提供藝術家李元佳的三件作品，可見李元佳跨越台灣、義大利與倫敦，融合東方哲思與西方現代主義的藝術風格，其中有二屬於他1957年創立「東方畫會」的時期，流露對中國書法與甲骨文的探索；另一件義大利時期的作品則轉向極簡抽象，表現出沉靜的美學張力。     易雅居Living with Art 的品牌理念   藝術品出於個人對世界的觀察，也透過藏家的理解延伸作品的存在意義，經過時間的積累，沉澱其背景故事。就像葡眾企業執行長曾美菁女士所出借的著名藝術家雙人組Christo & Jeanne-Claude相關文件作品，內含《包裹新橋（The Pont Neuf Wrapped）》和《包裹凱旋門（L’Arc de Triomphe, Wrapped）》，傳遞對空間、物質與時間的深刻探索，突破傳統公共藝術的界限，不僅豐富了本展的空間美學與思想衝擊，也讓觀眾更深入理解這些行動的歷史意義。     璞永建設董事長楊岳虎收藏，藝術家Karel Appel《Nives》。以及室內建築師楊岸收藏，藝術家林明弘《無題》。     室內建築師楊岸先生，提供台灣藝術家林明弘早期具觀念性探索的作品，證券商公會榮譽理事長賀鳴珩先生則出借了松浦浩之（Hiroyuki Matsuura）的作品；馨昌股份有限公司董事長鄧傳馨先生亦提供了朱德群等藝術家作品 ，他們拓展了展覽的藝術語境，呈現當代藝術多元共融的面貌，為觀眾提供更多跨文化與時代的欣賞角度。     易雅居館藏，藝術家杉本博司《Lightning Fields》。     在藏家提供的精彩呈現之外，易雅居此次亦不藏私，展出包括阿尼什．卡普爾（Anish Kapoor）的《天空之鏡（Sky Mirror）》、安東尼．戈姆雷（Antony Gormley）的《虛無VI（Shrive VI）》、伊恩．納瓦羅（Ian Navarro）的《重擔（Burden）》，以及達米恩．赫斯特（Damien Hirst）的《黑暗日子（Dark Days）》等當代藝術經典。這些作品並置於易雅居的生活場域之中，營造出跨越私人與公共、美學與日常的多重對話，落實「Living with Art」的策展理念，道出藝術並非少數群體的精神享受，它亦能走下嚴肅殿堂融入生活場境，觸發自身與他人的心靈共鳴。   資料及圖片提供」易雅居Yi&C. 編輯」江瑜