珠寶從來不只是物件，當中承載著文化、記憶，也映照佩戴者對美與自我風格的想像，中國高級珠寶品牌Qeelin以當代視角重新詮釋中華文化，將麒麟、葫蘆等承載吉祥寓意的傳統符號轉化為摩登珠寶語彙。其中代表性的Wulu葫蘆系列，以簡潔而圓潤的線條演繹福氣、平衡與和諧，讓古老文化以輕盈而時尚的姿態走入當代生活。 Qeelin House旗艦店坐落於上海新天地的歷史石庫門建築群內，樓高兩層。入口以其標誌性 Wulu造型打造雕塑門廊，於街道與Qeelin House之間構築具儀式感的過渡。 坐落於歷史石庫門建築群中的上海新天地的Qeelin House旗艦店，延伸了品牌「文藝賦新」的精神，由梁志天設計集團（SLD）旗下、梁志天酒店設計首席創意總監張培成領銜設計，讓品牌與歷史在光影、材質與動線之間彼此對話，將Qeelin的東方美學、珠寶工藝與老上海的城市記憶揉合其中。 Qeelin House以當代「光影劇場」為設計概念，讓Qeelin融合東方符號與現代美學的玩味精神，與石庫門獨特的建築語境展開對話。 轉譯文化符號 設計首要著眼於品牌與場地之間微妙而重要的關係，取材青磚、門廊與歷史肌理等構成老上海獨有的空間語彙，讓新與舊並置，在衝突與融合之間產生新的美學，賓客的探索旅程由街道開始，並融入Qeelin標誌性的Wulu葫蘆造型雕塑門廊，成為城市與品牌空間之間的第一道界面。 曲面木牆以Qeelin標誌性熊貓角色Bo Bo鍾愛的翠竹為靈感，環繞中央零售展示區，宛如隨風輕晃的竹影，營造溫暖而富有韻律的探索氛圍。上方的高光紅漆天花與Sans Souci水晶雕塑吊燈構成空間的的視覺焦點。 後方石庫門牆面以紅黑漸變的垂直飾條重新構成視覺層次，飾條之間露出的青磚，保留了建築歷經歲月的痕跡，鮮明的品牌色彩與斑駁的歷史質感並置，恰好形成新舊交織的門庭景致，正如Wulu從吉祥象徵轉化為當代珠寶，石庫門的青磚與歷史肌理，也在新的設計介入下成為品牌故事的一部分。 飾以多個精緻Wulu紋樣構成的天窗引入自然光，讓賓客感受日夜光影的變化。 漸進連動遊逛體感 內部空間包含兩層，推開Wulu弧線造型的門把手，空間由城市逐漸轉入品牌世界，透過流暢的布局串起不同展示區域，中央零售展示區上方，一片高光紅漆天花成為醒目的視覺焦點；由Sans Souci打造的水晶雕塑吊燈垂懸其下，結合燈光設計師關永權（Tino Kwan）的用心，取材皮影戲的光影藝術，將珠寶襯托得更為璀璨，也賦予整個空間劇場般的戲劇性。 香水吧的展示牆由一排圓潤柱體組成，在柔光下延續竹林意象，為香氛作品構築溫暖而富有節奏的背景。 環繞中央展示區的曲面木牆，則從Qeelin知名的熊貓角色Bo Bo所喜愛的翠竹汲取靈感，以象徵性手法轉化為柔和的曲線與連續的空間界面；零售區右側，無數精緻的Wulu紋樣裝飾天窗、篩入自然光。向內延伸，Qeelin首個香水系列「循香絲路」將品牌的文化敘事連結嗅覺，圓潤柱體組成展示牆，呼應竹林意象，珠寶、建築與香氣因此不再各自獨立，於此共構一段多感官的品牌體驗。 Wulu無限階廳以逾二千片半葫蘆造型的紋理玻璃鑲嵌於茶色古銅鏡上，藉重複排列與層層反射，令樓梯彷彿在鏡像中不斷延伸，成為串連零售層與私密尊享空間的沉浸式過渡。 連接上下兩層的樓梯，採用逾二千片半葫蘆造型的紋理玻璃鑲嵌於茶色古銅鏡，透過重複排列與鏡像反射，為樓梯形塑彷彿無限延伸的視覺效果；原本單純垂直承載交通功能的樓梯，在此被轉化為一件大型空間藝術裝置，也為賓客從開放的展示空間走向更為私密的鑑賞區域進行流暢過渡。 重塑品牌空間敘事 對比入室首層承擔品牌予人的第一印象，腳步依循階梯向上，整體感將漸進導向更精緻的珠寶鑑賞，上層設有高級珠寶沙龍與VIP尊享室，對應高級珠寶消費對私密性、舒適度與個人化服務的需求。 上海木拼花工藝、古銅色調與一抹高光紅，為高級珠寶沙龍增添溫度，並呼應 Qeelin 的品牌視覺。 沙龍中央展櫃置於圓形天花造型之下，天花邊緣以花瓣形倒角勾勒細節，讓展櫃與上方天花形成完整的視覺焦點。相鄰的VIP尊享室則將尺度進一步收斂，弧形座椅、富有觸感的飾面，以及暖中性色與Qeelin醉紅的搭配，搭配室內橢圓形旋轉珠寶展示台更可依照賓客喜好調整作品的展示角度，提供多元鑑賞，使空間從展示轉向款待，營造近似居所般的鬆弛感受。 VIP尊享室以弧形座椅、富有觸感的飾面，以及暖中性色與 Qeelin 醉紅的搭配，營造如家般的休憩氛圍。橢圓形旋轉珠寶展示台可按賓客喜好調整每件作品的展示角度，讓鑑賞體驗更個人化。 回顧全作，設計團隊專注打造的不僅止於一間精緻的珠寶店，而是一段被精心編排的遊逛旅程，自Wulu門廊起步、穿越石庫門的歷史肌理，經歷紅色天花與水晶光影，再沿著如無限延伸般的樓梯向上，最後進入高級珠寶沙龍與私人空間。光影負責引導情緒，材質承接文化，曲線串連動線，而珠寶則始終是這場劇場中的主角，將一次購物轉化為一場關於文化、工藝與美的探索。 資料及圖片提供」梁志天設計集團 (SLD) 編輯」江瑜

伴隨基礎生活機能的逐步優化，人們的精神追求也在時間長河留下豐富的傳承，經由多元形式，傳達創作者對生存的洞見與經驗，也透過慧眼獨具者對藝術家的發掘、以及藝術品的保存，在時代沖刷下留下無法磨滅的痕跡。 《羅浮宮800年》，詹姆斯．賈德納（James Gardner），原點出版。 一如羅浮宮的存在，不僅匯聚來自世界各地的藝術珍品，與此同時，羅浮宮本身作為建築的空間定位在執政者的更迭間不斷轉變，亦濃縮了巴黎步步走向世界級大都會的過程。  這些東西絕不是憑空出現，每一件文物的背後，都有著巨大的歷史和文化力量推動這一切發生。 —詹姆斯．賈德納（James Gardner） 作為一座博物館，世人的目光往往落在當中展示的作品，反而遺忘了承載和容納作品的空間，800多年以來，羅浮宮經歷戰亂、廢棄，歷經多次用途轉變，甚至曾於14世紀至18世紀間間歇作為法國王室居所。 女像柱廳，大約1550年由萊斯科設計，約莫1625年由勒梅西耶配置了石造拱頂。現在陳列羅馬時代複製的希臘雕像。 這座舉世聞名的歷史景點，孕育期如此漫長、過程如此曲折，至少經過20次以上不同的營建工程成果，和數十名專長各異、才華不一的建築師的設計，館藏跨越8個世紀的作品，人們仍對它知之甚少。 1753年的沙龍展景象，加布里耶．德．聖歐邦（Gabriel de Saint-Aubin）所繪，地點為羅浮宮的方形沙龍。往上堆疊多達六張畫的掛畫方式，是此一年度展覽的特色，這種展覽方式也稱作「沙龍風格」。 從防範敵人入侵的碉堡，到歡迎各地民眾參觀的博物館，時而被破壞、時而被擴建，羅浮宮始終屹立於塞納河畔，積累自12世紀末至今的多樣建築工藝和獨特型態，反映不同朝代的空間規劃和社會重心傾向。 1553年的巴黎地圖，奧利維耶．圖榭（Olivier Truschet）與傑曼．瓦猷（Germain Hoyau）所繪。圖中最顯眼的大橢圓形即包圍城市的查理五世城牆，羅浮宮在橢圓形的底部，靠近塞納河畔。 歷史學家詹姆斯．賈德納（James Gardner）以羅浮宮為主軸，梳理與其交織的社會變遷、建築知識和藝術收藏等等繁複資訊，首次以英語為讀者完整呈現屬於羅浮宮的歷史，一磚一瓦皆是故事。 杜樂麗宮，以瑟列．西爾維斯特（Israel Silvestre）繪製。這張畫大體保存了德洛姆的設計原貌，尚未經過1660 年代路易．勒沃的增建。 自法蘭索瓦一世、亨利四世、路易十三、路易十四、拿破崙一世到拿破崙三世，賈德納列出時間線，將時代的起伏作為綱要，追蹤羅浮宮的每一次蛻變，揭露其轉變過程的精采細節，包含參與其中的建築師增減了哪些更動、變化背景，結合當中的重要典藏如何出入，反映了法國在政治，知性，和美學史上的轉變，講述一座不起眼的城堡，如何逐步成為巴黎的心臟，乃至於法國甚至全世界的文化中心。 資料及圖片提供」原點出版 編輯」江瑜

因應秋季收穫的氣息、取意自然的豐沛創意，丹麥設計師精品GEORG JENSEN喬治傑生於台北遠東Garden City喬治傑生珠寶名品店，舉辦2026秋冬銀雕藝展，集結年度銀雕新作、傳世典藏以及 MOONLIGHT BLOSSOM 古典珠寶，經典作品和現代創意在此相互輝映，為觀眾呈現品牌傳承百年的金屬工藝。 純銀果缽。 適逢品牌創辦人喬治傑生大師 ( GEORG JENSEN ) 160 週年誕辰，取材兩項於1918、1919 年出品的原創設計，注入當代審美意趣，化作新的作品，致敬百年前的新藝術風格；這兩件作品分別為1918年設計的180A純銀蓋缽，以及1919年設計的296C純銀果缽。 藍白月光石純銀胸針。 承繼前人經典的設計，蓋缽缽身打磨出優雅弧度，上蓋順應器身的柔和弧線，並綴以銀球與植物造型雕飾，由葉片與圓珠構成的基座安穩承托，亦透過其圓潤輪廓致敬榮獲巴黎羅浮宮裝飾藝術美術館納為永久收藏的19A羅浮缽。 藍玉髓純銀項鍊。 果缽則沿用「GRAPES 葡萄系列」的經典語彙，以立體藤蔓及飽滿果實裝飾環形底座，缽緣點綴垂墜葡萄，將枝藤盤繞、果實纍纍的自然景象化為銀質雕塑，原為糖果缽為目的而設，如今亦可因應不同用途靈活使用，兼具賞鑑意趣與實用機能。 琥珀綠瑪瑙寶石鑲嵌浮雕銀蛋。 在欣賞新作之餘，本展亦匯聚三件由喬治傑生大師原創的經典銀雕，從Bonbonniére 鑲嵌寶石的浮雕銀蛋，到以 GRAPES 葡萄系列燭台為靈感設計的高腳酒杯，透過多樣形態，結合動植物的生命力，喬治傑生大師對自然的想像，亦在精微尺度間展現另一番迷人風貌。 純銀蓋缽。 此外，MOONLIGHT BLOSSOM古典珠寶亦流露大師在日常器物之外的美學意識，從銀雕器物延伸至珠寶創作，純銀藍玉髓項鍊的立體與鏤空的交錯鋪陳、純銀太陽石傑生之鴿胸針的太陽石與鴿子共構豐沛意象，以及純銀月光石胸針以月光石打造的朦朧意境，以華麗結構承托寶石的斑斕光澤，展現古典工藝的詩意。 紅寶石純銀酒杯。 資料及圖片提供」喬治傑生 編輯」江瑜

台南中西區作為台南歷史文化薈萃之地，亦是繁華熱鬧、充滿活力的商業樞紐。寶島鐘錶於新光三越台南新天地的全新勞力士專門店坐落於主要入口，占地99平方公尺，賓客得以優雅探索勞力士世界，一覽眾多精品佳作。 寶島鐘錶全新勞力士專門店位於新光三越台南新天地一樓。   專門店與勞力士設計師緊密合作，每個細節均彰顯品牌矢志追求卓越的理念。店內氛圍舒適愜意，環境寧靜優雅，可從容欣賞各系列臻品及新款腕錶、選購心儀款式。   彰顯勞力士世界 全新專門店以當代奢華設計語彙匠心打造，營造溫暖雅致、聚焦腕錶之美的空間調性。淺色洞石憑藉天然紋理與歷久彌新的質感，描繪出明亮而寧靜的氣息；美國胡桃木跟垂直木格柵為貴賓區及洽談空間注入溫潤感受，材質之間的悉心鋪陳和轉換，引領賓客由開放明朗的接待區自然步入適合交流、探索與細賞腕錶的專屬場域。 透過當代奢華語彙，營造溫暖雅致的情境。   古銅色金屬細節貫穿店內，見於門框、展示櫃、材質交接處及照明裝置，成為精準且優雅的點睛之筆。勞力士標誌性的綠色則見於特色牆面和精心挑選的陳設上，在由石材與木材構築的溫暖色調間，勾勒內斂而鮮明的品牌印記。 勞力士標誌性的綠色呈現於特色牆面和精心挑選的陳設上。   弧形展示櫃、橢圓形地毯、框景式天花設計及展示牆相互呼應，交織出和諧流暢的視覺節奏。層次豐富的照明設計涵蓋了間接洗牆照明、聚焦展示燈光與柔和的環境光線，巧妙映照每枚腕錶的精緻細節。 材質間的鋪陳與轉換，引領賓客由開放的接待區步入細賞腕錶的專屬空間。 從材質運用、金屬細節的修飾，到展示櫃跟家具的比例，店內每一處設計皆經過深思熟慮，緊扣勞力士所代表的精準、高雅、舒適及自信，讓賓客享受尊爵不凡的體驗。 從材質和細節的修飾，到展示櫃與家具的比例，共同構築和諧一致的畫面。     資料及圖片提供」寶島鐘錶、勞力士台灣 編輯」陳映蓁

「2026台灣設計展」首度登陸桃園，以青埔、中壢為兩大主展區，展場涵蓋桃園會展中心、桃園市立圖書館青埔智慧科技分館、中原文創園區等地，共規劃16個主題展。本屆以「桃園流」為主題，源自桃園具有千塘之鄉的地景底蘊，也是多元匯流的節點；水文流動劃過埤塘和台地，在地產業流通接軌全球供應，文化在此交織，讓桃園成為台灣與世界之間的重要接口。 2026台灣設計展「桃園流」主視覺。   人們每次的流動往返，都持續形成桃園的樣貌，作為台灣成長最快速的城市之一，桃園具有國門樞紐的交通優勢，擁有豐富文化族群生根，近年也持續推動智慧交通、數位治理及產業升級，透過科技利驅動城市運作。期待藉由台灣設計展向外宣告桃園的新階段，透過交通流動、產業流通、文化匯流、接軌世界，用設計打開桃園，引領大眾看見「桃園流」的創意能量。 桃園會展中心入口意象。   桃園會展中心內共有13個主題展，包含A1桃園流，回歸人的核心意象，述說人們疊合出的獨特城市張力和文化韌性，並收攏產業、文化、未來等面向，轉化成引領未來的設計動力。A2城市脈搏・跳動未來，以「人人都是2040未來城市設計師」為主軸，將桃園城市模型結合光影劇場，透過沉浸式體驗、互動設計與全民共創，將都市規劃從政策展式轉化為人人皆可參與的議題。A3匯流之橋串聯「探索北橫」、「珍珠海岸」及「大龍門」三大桃園觀光亮點，將彩色玻璃橋視為載體，結合數位媒材、互動感測及環境音效等技術，隨著觀者的移動，玻璃橋呈現橋上俯瞰、橋下仰望的多層次視角， 深入體驗桃園魅力。 A1桃園流。 A2城市脈搏・跳動未來。  A3匯流之橋。 A4日常動力學，以移動為概念，不只回應交通大城桃園的移動意象，更指向品牌和個人如何透過設計、創新跟行動選擇，讓深耕台灣的製造品牌以設計實力創造品牌價值，將在地產業推向世界舞台。A5產業新態聚焦經濟部產發署的IDDI計畫，藉由「提升附加價值、跨域共創升級、商業模式創新」等核心，根據產業需求，看見設計如何在嘗試與實踐中累積出改變的力量。A6桃〇計畫－未來循環園，突破傳統展示形式，改利用「Play & Imagination」為策展精神，透過互動裝置、動態展演與開放式空間，打造跨世代共遊的場域。展場大量採租借式系統構件與可循環材料，讓空間轉化為循環實踐的具體示範。 A4日常動力學。 A5產業新態。 A6桃〇計畫－未來循環園。   A7好市有戲，走進台灣代表性商圈跟市場，從經營者、消費者、設計師等不同視角，看見設計驅動商圈脈動，共同展現好市齊鳴。A8 24HR運轉全世界，循著「登機、滑行、校準、推進、起飛」的航空節奏，盤點製造業四大系統跟七大產業面向，涵蓋民生製造、高科技製造、交通、物流與航空等不同領域；產業彼此串聯，形成完整供應鏈，彰顯桃園連結台灣與世界的重要角色。A9桃園演算室，將觀眾選擇轉為城市尺度的數據脈動，利用「集體演算」、「動態演算」與「行動演算」三展區讓觀眾成為城市系統的參與者，重新編寫城市的淨零未來。 A7好市有戲。 A8 24HR運轉全世界。 A9桃園演算室。   A10水之道，結合大型水影像裝置，呈現水滴從山林到城市的旅程；運用影像生成藝術，依據觀者的日常用水情境，塑造專屬個人水圖像。觀眾也可化身污水工程師，親身體驗污水淨化及再生流程；並透過再生水灌溉的水耕蔬菜展示，看見水資源循環再利用的成果。A11 文化Well-being・＿ ＿ 生成中，藉由田野調查將多元世代的生活經驗轉譯為桃園的宜居風景；標題刻意留下底線，期待交予每一位定居或造訪此地的人共同填寫，成為持續生成的城市命題。A12漸構桃園：造城進行式，以與桃園具有連結的45歲以下青年設計師為核心，透過設計作品、城市觀察與創新實踐，回應城市發展、社會需求與未來生活，並邀請國際策展人以導師角色參與共創，引導青年重新理解城市、提出屬於桃園的設計觀點。 A10水之道。 A11 文化Well-being・＿ ＿ 生成中。   A12漸構桃園：造城進行式。 A13 #桃園POV，邀請國際設計師、台灣設計人才跟在地創作者，藉著不同文化背景與專業視角的交流，重新描繪桃園的城市意象，在多元能量的交會中展現新的可能，建立具有國際辨識度的城市形象。A14智匯生城市，將平時看不見的數據，透過「汲生之地」、「續流之境」、「洄應小徑」與「共衍之城」子題，帶領觀眾從城市的思考、發展、回應一路走向共創，並理解便利的城市背後，是多層系統運作的結果。 A13 #桃園POV。 A14智匯生城市。   B1匯流城市・文化共生，策展團隊選擇不以族群分類的方式規劃，而是回到信仰、飲食、服裝這三個最貼近民眾生活的入口，讓各自的生命經驗自然交會。展區採「虛實整合」策略，結合實體文本器物、聲光裝置與互動科技，建構沉浸式旅程。B2青春匯萃，集結桃園高中職和大專院校徵件作品、桃園設計獎，以及ADA ISDW 2026台日韓國際學生設計研習營成果，呈現青年設計從在地培育到國際交流的完整軌跡，讓桃園成為青年創意聚集、交流與向世界發聲的重要舞台。 B1匯流城市・文化共生。 B2青春匯萃。     2026台灣設計展「桃園流」 青埔展區｜桃園會展中心、桃園市立圖書館青埔智慧科技分館 中壢展區｜中原文創園區 衛星展區｜桃園市立美術館戶外空間、桃園市兒童美術館、橫山書法藝術館、原民展區、大溪木藝生態博物館 日期」2026年10月11日前   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

中秋將至，月圓人團圓，在台北微風廣場的Bluerider ART，展開了一場名為《銀河脈輪》的群展，以藝術為媒介，邀請觀者凝望自身與宇宙之間那條隱而未顯的臍帶。展覽集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際創作者，共同叩問一個古老而恆新的命題：宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。 《銀河脈輪》群展以藝術為媒介，引領觀者回望自身與宇宙之間隱約相連的臍帶。 卷軸兩面 內外對望 展覽焦點是美術館級、9米長卷軸雙面畫作品《Strange Attractors》。Carol Prusa以銀針筆的精密與洗鍊灰階，一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡；另一面，則以詩句與弗里德曼方程式（Friedmann Equations）相對論框架下，描述宇宙均勻與空間擴展的方程式對話。 Carol Prusa作品《Strange Attractors》，以銀針筆畫出9米長的卷軸雙面畫，其壯麗之姿成為展覽的視覺焦點，予人感受浩瀚之感。 作品的另一面，以詩句與弗里德曼方程式展開對話，在相對論的框架中，描繪宇宙的均質與空間的擴展。 內在的脈輪能量線，與外在的宇宙演化方程式，在卷軸的兩面對望，恰似中秋夜，人望向月亮，月亮也望回人間。小宇宙與大宇宙，本是同一次呼吸。Carol Prusa自述：「我尋求傳達看不見但能感受到的振動，包括億萬年前的回聲。像科學家一樣，我尋找解釋我們所處位置的新方法，並實現對世界的最完整理解。」 後方長卷軸為Carol Prusa的作品《Wellspring》。   頻率與幾何 振動的秩序 環繞這件焦點作品，Eberhard Ross以極簡卻細微的筆觸，回應宇宙中的頻率震動。他長期致力於繪畫與素描創作，作品融合禪宗哲學與極簡美學，透過極具冥想性的創作過程，回應自然的秩序與節奏。 從左至右為：Jan Kaláb《Vibrating Red Egg 0123》、Eberhard Ross 《On the nature of daylight》、Eberhard Ross 《Speicher 05415》、Wolfgang Flad 《Untitled (Dark side of the moon)》、Eberhard Ross《Speicher 03813》。 左方球體則為Carol Prusa作品《Aurora》，右方球體為Carol Prusa作品《Massa Confusa》。 Jan Kaláb則以幾何抽象探索色彩與空間的振動秩序。作為捷克塗鴉先驅，他30年來持續走在一條非傳統藝術家之路上，以點出發，發展出圓的形變及3D立體雕塑，將戶外狂放濃縮在幾何形變畫布上。展覽由此展開脈輪所描繪的內在能量地圖，與宇宙演化的外在方程式，在不同藝術家手中，反覆被重新描繪、重新提問。 Jan Kaláb以幾何抽象為語言，探尋色彩與空間的振動秩序。從一個點開始，延伸出圓的形變與3D雕塑，將戶外的奔放濃縮為畫布上的幾何律動。 《銀河脈輪》不只是一場展覽，更像是一趟靜默的航行。在銀針筆的微光、極簡的震動與幾何的秩序之間，觀者得以窺見那條隱藏在身體深處、卻又與億萬光年外的星系相連的能量線。中秋夜，人望向月亮，月亮也望回人間，而藝術，正是那面讓兩者得以對望的鏡子。   《銀河脈輪》 時間」2026年9月11日至12月31日 地點」Bluerider ART台北．微風廣場（台北市復興南路一段39號） 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

臺北市立美術館（北美館）近日推出《王雅慧：旅行者》回顧展，由館內策展人雷逸婷、林宣君共同策劃，回顧藝術家王雅慧生前逾20年（2002年至2022年）的創作歷程，透過25組/件作品，代表藝術家歷經不同階段對生活、對藝術的想法，以及回應社會的方式，以此梳理其創作脈絡。 〈旅行者〉，2019年，單頻道錄像（黑白、無聲）、木板、玻璃、紙，29分12秒，臺北市立美術館典藏。 本展以王雅慧後期重要代表作〈旅行者〉（2019）為題，引用美國太空總署在1977年發射「旅行者號」探索星際的漫長過程，隱喻王雅慧長期以來的創作軌跡，在觀展過程中，觀眾不僅在欣賞藝術家自身對外在環境和自我的鑽研，也藉「旅行」的概念，延伸探索藝術家的創作語境。 〈一個人的房間〉，2003/2026年修復版，機械動力結合投影影像裝置，尺寸依場地而定。 非線性的交流 王雅慧的作品以影像創作為主，使用媒材包含錄像、動力裝置、攝影，融入文學經典意象和繪畫形式，取材她對現實的細緻觀察，以抽象、動態的畫面，為觀者提供她的獨特視角，展現精神與物理彼此之間的虛實映照。 〈海〉，2020年，噴墨輸出、半光面相紙、實木層板、玻璃杯、水、時鐘機芯，86.3 x 112 x 20 cm，高雄市立美術館典藏。 不同於單純的繪畫或照片，錄影保存的是一段完整的狀態、移動中變化的過程，以及攝影者自己可能都沒能在過程中發現的情緒細節。王雅慧曾言：「宇宙之大以距離測量來計，人力之不可及與渺小，然而人的精神卻可能在某個瞬間便感受到全宇宙的品質。」在她的眼中，時間並非一條筆直向前的道路，而是在相遇之間，不斷生成新的軌跡。 〈葉洞〉，2011年，噴墨輸出、紙，37.5 x 50 cm (6)，臺北市立美術館典藏。 詩化日常 若從「個人房間與物」、「自然、世界」兩個展區出發，可以看到王雅慧的創作取材多以日常為主，長期對人與空間的關注，延伸人與自然的關係，透過錄像，讓她自時間的長河中打撈片段，擷取當中的詩意。她的早期創作經常透過影像與機械裝置，重構熟悉的空間，如〈一個人的房間〉（2003），通過縮小1/14的房間模型，讓觀者在感應裝置四周移動，對比同一個空間的尺度差異，帶來的光影和體感變化。 〈時間之書 #1〉，2019年，單頻道錄像（彩色、無聲）、木板、蜂巢紙板、CD封套，6分56秒，裝置木板：171 × 304 × 150 cm，臺中市立美術館典藏。 即便藝術家的聲音和生命已經就此定格，通過錄像，她對世界的關懷和觀察，仍會在持續不斷的播放中觸碰到某人的內心深處，建立起新的橋樑；此次回顧展沒有固定的時間線，而是列出「個人房間與物」、「自然、世界」、「時空、宇宙」、「繪畫性、影像空間」四個母題，讓觀者在展中自由穿梭間，自行建構認識這位藝術家的角度和歷程。 〈返影入深林 #3〉、〈返影入深林 #11〉，2015、2016年，噴墨輸出、紙，100 x 100 cm，臺北市立美術館典藏。 2006年之後，王雅慧轉而關注「自然景象」，著重光線與聲音、視覺與知覺的感官體驗，以微小物件為錨點，輻射對自然萬物的凝視，自然與空間原只是客觀存在，卻因為人的凝視和或生活的介入，儲存了日常的意義。如〈葉洞〉（2011）拾起地上的落葉，以其破損的漏洞為畫框，不規則地框出遠處的高樓大廈，讓自然中的脆弱與快速變動中的城市景觀形成鮮明對比。 〈問影#1〉、〈問影#2〉，2017年，噴墨輸出、紙，120 x 120 cm，臺北市立美術館典藏。 多元的觀看路徑 來到「時空、宇宙」和「繪畫性、影像空間」，前者反映王雅慧自過往中提煉出對時間與空間因素的觀察，聚焦宇宙運行的秩序與人類生命經驗的對應。〈二十億光年的孤獨〉（2009）命名引用日本詩人谷川俊太郎的同名詩作，拍攝城市夜晚燈光的明滅變化，串起星辰的想像，地上燈火與天上星月，均是宇宙事物運行的一部份。 《王雅慧：旅行者》展場照「藝術家檔案」區。 後者反思創作媒材與作品的關係，思考觀看經驗如何在畫面中被建構。王雅慧從影像再現，再回到空間本身，「觀看」逐漸成為後期創作的重要主軸，反映於〈返影入深林〉系列及〈林中路〉等作品，在攝影、錄像與手繪之間展開新的嘗試，加入中國詩詞與書畫的元素，透過影像形塑空間的方式，延伸思考虛實如何具象的表現。 《王雅慧：旅行者》展覽主視覺。 展場深處以藝術家多年創作的草稿、筆記和影像紀錄做收尾，回望王雅慧的創作路程，她始終以影像作為探索世界的方式，以影像為媒介，探索空間、時間、物件與繪畫性的邊界；通往四個展間的路徑和意象彼此交錯循環，橫跨不同年代和生與死的邊界、往返於日常與想像，在建構影像和觀看影像之間，成就一段持續移動的旅程。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

「2026台灣設計展」將於9月24日至10月11日盛大開展。今年以《桃園流》為主題，邀集超過700位設計師和1600多家企業共同展現桃園作為國門之都，從水文地景、人流物流、多元文化到產業，持續創新流動的城市魅力。   本次台灣設計展以桃園青埔、中壢為兩大主展區，共16個主題展覽，另有5處衛星展區與一系列設計響應活動，更創下歷屆最大國際交流規模，共有來自16個國家、近50組國際設計團隊參與展出。 2026台灣設計展主視覺應用範例。 青埔展區 以桃園會展中心、桃園市立圖書館青埔智慧科技分館為核心，策劃14大主題展覽，串聯產業設計力、城市治理、國際交流和永續循環等面向，突顯桃園多元跨域製造力且豐沛設計能量，引領觀者走入這座城市的未來願景想像。   A1桃園流：桃園是一座由人集結而成的匯流之城，不僅是地理的入口，更是情感的觸點。所有流動都是為了在此定錨。這是一場由眾人手寫的城市進化論，感受充滿生命動能的桃園引力。   A2城市脈搏・跳動未來：化身2040未來城市設計師，透過沉浸式劇場、互動探索與城市共創，感受設計如何改變城市。   A3匯流之橋：展覽以「匯流」為核心精神，利用「彩色玻璃橋」結合「數位媒材」作為展演形式，串聯「探索北橫」、「珍珠海岸」及「大龍門」三大觀光亮點，運用光影、色彩、聲音、氣味與觸覺等元素，展現桃園作為「匯流之都」的魅力。   A4日常動力學：以企業發展的動能為主軸，拆解複雜細膩的動力學，並讓人看見品牌跟個人如何透過設計、創新與行動選擇，化為朝理想生活前進的力量。   A5產業新態：經濟部產發署推動的 IDDI計畫，旨在陪伴企業重新盤點需求、串聯資源、跳脫既有框框，讓每一次的改變，都成為產業邁向未來的契機。   A6桃〇計畫－未來循環園：以桃園為起點，串接在地產業、設計創新及循環實踐，透過互動體驗與空間設計，描繪持續生成的未來想像。展覽從生活循環和產業循環出發，探索材料創新、綠色製程跟日常行動如何共同形塑永續未來。   A7好市有戲：從桃園出發，走進台灣代表性商圈和市場，透過經營者、消費者、設計師等不同視角，看見設計驅動商圈脈動，連結人、場域與服務，凝聚多元角色，共同展現好市齊鳴。   A8 24HR運轉全世界：桃園作為台灣重要的製造基地及對外連結城市，本區盤點製造產業四大系統與七大產業面向，涵蓋民生製造、高科技製造，到能源、交通、物流與航空等領域，讓桃園從製造基地逐步成為連結台灣與世界的重要節點。   A9桃園演算室：利用數據轉譯能源及碳排，讓觀者成為演算員，透過選擇即時影響結果，將個體行動匯聚成集體力量，重新編碼城市的淨零未來。   A10水之道：循著水之道，看見水如何在城市被留下、被使用，也讓用過的水回到土地跟生活，展開新的循環。桃園在思考與行動中持續尋找與水共生的平衡，讓一滴水的旅程，延伸出永續的無限可能。   A11文化Well-being・＿ ＿生成中：以人為本，設計正走入桃園的街廓日常，將多元世代的生活經驗轉譯為宜居的幸福風景。   A12漸構桃園：造城進行式：召集青年設計、國際視野與城市行動，藉由展覽、共創工作坊及論壇交流，呈現青年世代如何以設計回應城市發展、社會需求與未來生活，共同探索桃園的城市特色和願景。   A13 #桃園POV：桃園是世界進入台灣的重要入口，也是台灣向世界交流的起點。本展聚集全球與在地設計觀點，透過不同文化背景與創意思維的交會，重新描繪城市意象。   A14智匯生城市：視「匯流」為起點，透過設計轉譯，將抽象的流動轉化為可被看見的城市型態。利用視覺化呈現，讓觀者理解城市便利背後，是多層系統運作的結果，描繪跨領域共同建構的城市景象。   中標：中壢展區 以中原文創園區為核心，策劃兩大主題展覽，聚焦閩南、客家、原民、眷村與新住民等多元族群文化，以及青年設計創作成果，展現桃園世代共創、文化共融的能量。   B1匯流城市・文化共生：打破界線，從信仰、飲食與服裝穿透日常；交織原住民族、閩南、客家、眷村、閩東、新住民的生命經驗，邀請觀眾走入這座共生共榮的城市。   B2青春匯萃：集結桃園學生徵件、桃園設計獎及ADA ISDW 2026成果，呈現青年設計多元創作與國際交流成果。   衛星展區 包含桃園市立美術館戶外空間、桃園市兒童美術館、橫山書法藝術館、Pyasan泰雅文化館及大溪木藝生態博物館，共有1場光雕展演及4場展覽，透過設計鏈結藝術、文化與地方特色，結合聲響與光影共振效果，展現桃園多元場域的創新活力。     2026台灣設計展「桃園流」 日期」2026年9月24日至10月11日 更多介紹請詳官網     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

有些房子收藏歲月，有些房子則在歲月之中，悄悄收藏了一個人的夢。50年老宅《仙納度》由陳連武設計師操刀，外觀依「修舊如舊」原則悉心修復，延續社區尺度、立面語彙與集體記憶；跨過門檻，室內卻轉入截然不同的想像，以屋主Dr. Wang所喜愛的超現實物件及空間敘事，構築屬於他的私人仙納度。 設計師讓外部的克制與內在的幻想並存，使「保留」與「更新」在同一住宅中交會，亦讓門檻成為從日常走入奇幻的儀式。而這場轉化，並非單方面的設計主張，而是與屋主在一次次對話、理解與碰撞中，共同走出的路。 當初吸引Dr. Wang定居於此的，是對社區生活氛圍的認同。成排老屋保留著歷史紋理、濃厚鄰里情感與安定氣質，而房屋本身的結構潛力，亦恰好承載設計師與屋主共同想像的生活。一樓客廳是整體敘事的核心舞台，亦是家人情感交會之處。 Baxter的Chester Moon拉扣沙發以沉穩量體安定空間，如寬厚懷抱，平衡奇幻物件的張力，保留家的安穩。Gufram的MAgriTTA蘋果椅以幽默姿態向馬格利特致敬，將不願長大的童心藏入角落；Roche Bobois SINAPSE畫作則以交錯線條與色塊鋪展神經網絡般的想像，串起家的記憶。Paradisoterrestre綠唇鏡子添入俏皮溫柔，而Qeeboo長頸鹿燈以誇張尺度成為視線焦點，如寓言中的朋友，守護家的日與夜。 由客廳向內延伸， 書房選用Baxter的Lagos工作桌作為安定核心，搭配Driade的NEMO人臉椅，如同一座可被使用的面具雕塑，讓閱讀與思考氛圍多了神祕的劇場感，而Flos的Arco立燈以經典弧線跨越空間，將光溫柔地落在書頁與思緒之間。 設計師特別與屋主討論工作桌的訂製細節，從排插位置到日常使用習慣，皆納入考量，讓這張桌子兼具美學與機能。書房的寧靜與客廳的奇幻相互映照，讓一樓在動靜之間，鋪展出完整的生活場景。 二樓的紅脣椅來自BD Barcelona，以達利式的唇形造型，呈現強烈的感官意象，像夢境中被放大的身體符號，帶著一點張揚、一點挑釁，亦帶著對生活毫不掩飾的熱情。Dr. Wang對這張椅子又愛又猶豫，擔心會過於搶眼。 然而，陳連武設計師並未急著說服，而是帶他回想自己最初被吸引的瞬間，那個「第一眼」的悸動，才是這個家應該留住的情感。小孩房中的Casamania人形椅，則像一個安靜坐在房裡的角色，陪伴孩子成長，聆聽那些只有童年才懂得的祕密。 三樓氛圍轉為柔和而流動。以實邁爾．蘭道．威克斯（Ismael Lagares Weeks）的《黑板屏風（Chalkboard Biombo）》為引，在遮蔽與開放之間流動，既像家具又似建築，隨晨光、燈影與家人身影，每日變換樣貌。 HORM寫字台以細緻結構勾勒雕塑般輪廓，帶來優雅秩序；Qeeboo蝴蝶結椅甜美而誇張，如穿越時光而來的禮物，增添驚喜與童趣；樓梯間mammalampa 盤髮吊燈則以蓬鬆層疊的形體，如新娘髮髻與柔軟雲朵，讓光影、行走與生活交織，每一次經過，都成為被溫柔包覆的旅程。從二樓的張揚到三樓的輕柔，空間節奏在此悄然轉換。 陳連武設計師相信，每件物件都是家的角色，以「主配角」安排彼此關係，讓色彩與造型相互支撐，而非堆砌亮點。他更將屋主置於共同創作的位置，引導Dr. Wang從「喜不喜歡」走向對空間邏輯與美學的理解。當屋主真正走進設計，家的故事才真正開始。 最初Dr. Wang和許多人一樣，容易被色彩強烈、造型搶眼的單品所吸引，然而設計師並未立即否定，而是與他談「主配角」的關係：「空間像一齣戲，每個物件都是角色，若人人爭當主角，戲就亂了。」這番對話讓Dr. Wang逐漸理解，喜愛的紅色不必獨自亮眼，唯有找到合適的背景與對手，彼此拉鋸、相互成就，才能成為真正動人的美。當屋主真正走進設計，家的故事才真正開始。 這份共創的默契，在餐廳區尤為鮮明。Fiam的Coral Beach餐桌以透明材質呈現凝結水面般的輕盈感，搭配Moooi的金色餐椅，打造宛如從夢境走出的宴會場景；Vibia的小吊燈輕盈地懸浮其上，如一群跳動的小精靈，為每一次團聚，灑落細緻而溫暖的微光。 這些物件的選擇，陳連武設計師都曾與Dr. Wang逐一討論，屋主更在過程中，從「被說服」轉為「共同挑選」，甚至會主動提出想法，為空間注入更多個性色彩。餐廳的夢幻與客廳的奇幻相互呼應，讓公領域在敘事上更加完整。 除了美學與敘事的鋪陳，設計師同時細膩考量老屋的體質與未來的居住品質。長年困擾的漏水問題全面整治，防水、管線與設備重新梳理，為老宅溫柔療傷。此外亦增設電梯，為一家人預留從容；全屋導入智能住宅系統，整合照明、窗簾、空調、影音與安全監控，讓科技無聲融入日常。Dr. Wang希望這個家能陪他走得長久，設計師便將這份心意，化為一處處細膩而長遠的安排。這些看不見的工夫，恰恰撐起了所有看得見的美好。 而設計師與屋主之間那些反覆的對話、那些關於美與生活的碰撞，最終都成為空間裡看不見的線，把每一個物件、每一段記憶，溫柔地縫合在一起。從客廳的奇幻、書房的寧靜、二樓的張揚、三樓的輕柔，到餐廳的夢幻，每一層樓都有各自的情緒節奏，卻又透過一致的設計哲學與共創精神，串聯成一個完整而動人的故事。 旅程的終點，也是回家的起點。地下一樓以一隻凝視空間的眼睛為主軸。玄關Paradisoterre的Le Témoin穿鞋椅，以超現實造型營造神祕戲劇感，彷彿房子正用安靜的目光，迎接每個歸來的人。視聽室裡，Eero Aarnio的Bubble透明球體吊椅如漂浮夢境艙溫柔包覆，讓屋主在柔光中卸下疲憊；EDRA北極熊沙發則像童話裡的守護者，使空間成為家人的私人劇場，承載著笑聲、擁抱與相依的夜晚。 牆面上的Masiero眼睛壁燈呼應影像、光線與觀看，讓牆面不再只是背景，而是成為溫柔凝視日常的眼睛，靜靜陪伴每個片刻。外在延續歷史，內在迎向未來。這座屬於屋主的私人仙納度，由愛、夢、記憶、科技與想像力共構而成，在歲月的沉澱裡溫柔發光，在超現實的細節裡藏著真實情感。 陳連武 城市設計 設計總監 德國iF設計獎、德國red dot紅點設計大獎、日本G-mark Good Design Award、美國 IDEA傑出工業設計獎。 出生藝術世家，父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系，並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷，養成其獨樹一格的設計風貌。於1999年成立城市設計，定位為專業的室內設計司，提倡『後風格主義』，主張設計不該被風格所侷限，而是挑戰曾經的創意，顛覆已發展的形式與思維，注重將設計概念的完整且流暢地體現於空間中。 資料及圖片提供」城市設計 攝影」沈仲達 李侃修 謝小柯 採訪」林靖諺