利用影像記錄生活已經是日常中不可或缺的一部分，無數拍攝上傳的畫面，就此拼湊出一個人的小世界，然而無論是現實中抑或虛擬，保存的空間終究有限，在整理影像的去留時，一幕幕過往的回憶又觸動了多少心弦？     《新店 直到她跟鏡子說話，我們開始變成朋友》，2021，45 x 60cm。     《相機不見了》是攝影師陳建維在谷公館的首次個展，展覽內容一百多幅攝影作品，有些臉孔是他熟悉的親友，有些只是旅途中共享片刻擦肩的過客；有些場景熟悉一如台灣民眾的日常，有些畫面卻來自地球另一端，對觀眾來說連在網路上都不會刻意去查詢背後的資訊。這些零星的光影相互串連，橫貫2020至2025五年的時光，展現攝影師所踏足的國家與經歷的人事物，將喜怒哀樂定格於畫面中，成為永恆的風景。     《台北 嗨！法蘭～》，2022，120 x 60cm。     《台北 認識的小女孩長大了》，2022，45 x 60cm。     失而復得的紀錄   曾在音樂界、時尚名人圈拍攝眾多作品的攝影師陳建維，主修電影出身，後專職於平面攝影，在作品中融入電影般的敘事氛圍。本展以《相機不見了》同名創作命名，靈感源於他遺失相機的真實經歷，他形容當下的心情：「記憶像著急的跑馬燈」，過去曾經紀錄的種種畫面，那些曾經的光影、心跳與呼吸，一瞬間全都宛如當場蒸發。     《東京 以後盡可能不住在澀谷》，2023，60 x 45cm。     原來一台相機能裝下的，不只是影像，而是這幾年所記錄的自己，器材的遺失，不僅是物理上損失了一個工具，更象徵著個人視覺記憶的斷裂，失去相機的佐證，連帶記憶的細節也變得不再篤定。陳建維先生於心頭許願，如果失而復得，期待以此舉辦一場派對、或者準備一個擁抱，贈與陪伴自己多年的親朋好友，意外的是，隔天就在與家人翻找過數次的桌邊角落尋得相機的蹤影。     《台北 她問大人，不能多說點好話嗎》，2023，45 x 60cm。     如此戲劇性的失與得，觸動了陳建維攝影師。多年職涯，初期以拍攝人與土地為主的他，後逐漸延伸至流行雜誌、唱片、時尚與廣告等領域，跨過平實的民眾日常和炫目的商業場景，他都能從中找到激發強烈情緒與姿態的觀察角度。對陳建維攝影師來說，攝影不只是工作，更像是一場蒐集畫面的遊戲，在為作品起名的過程裡，他曾說：「相機是一種幻術，真正生活的人比較重要。」如此在鏡頭下捕捉無數光影的變幻，也拼湊人們在當中生活的真實。     《聖米歇爾 真正生活的人比較重要》，2023，90 x 120cm。     《墨爾本 山丘上的盤絲洞》，2023，60 x 120cm。     情感與記憶的重構   《相機不見了》是一場關於失去與重逢的影像敘事，也是一場重構視覺認知與縫合時間的行動，步入數位影像時代，人們一邊從拍攝的畫面中尋求真實，一邊又再加以精工修飾。當記錄的過程因突如其來的意外被迫中斷，記憶與觀看也隨之產生裂縫；影像的存在，見證了一段被打斷、又重新串起的記錄旅程，以記憶為軸，在整理影像的同時，對過往所發生過的一切進行再拼貼與再詮釋。     《墨爾本 我最喜歡的位子》，2023，45 x 60cm。     在這五年當中，陳建維攝影師將所見所聞編織成一首影像敘事詩，笑與淚在畫面背後的事件裡交錯，內容包含家人的失智、因此淡化雙方的衝突和對立，反而讓他與對方重拾親情，得以建立新的情感聯繫，成為可以互相微笑的朋友。還有在法國記錄好友謝淑薇重返網壇的心路歷程，以及騎著單車追逐陳彥博在巴黎公園訓練跑步的軌跡。跟曾寶儀是小學同學的他，曾相約一同去阿里山採藍莓，好友燦笑的臉龐，也為陳建維攝影展點綴了美麗的光彩……在這當中流動的情感與時光背景，也等待著與有過相同情感經驗的來賓與其產生共鳴。     《新店 他找了一整天的相機》，2024，80 x 120cm。 《萬里 消失的海邊泳池，有小黑在》，2024，60 x 90cm。     與其合作超過25年的音樂人李宗盛曾形容陳建維攝影師拍照偏向單純喜歡這件事，而非著重於留下自我的證明，在按下快門的瞬間，不知道且不理會，時間的長河將賦予這瞬間怎樣的意義。「失而復得」反映的是一種普遍而深刻的人類經驗，這些影像中的人與物已經隨時光長河沖刷至無法回返的彼岸，然而留下的記錄仍如許真實、觸手可及，創造第二次擁有和失去的可能性，是否仍舊保有最初的情感與意志，抑或已然成為新的記憶？     《彰化 有光》，2024，45 x 60cm。     照片中發生過的事件已然發生，但人們觀看的視角卻已經不同，經歷疫情爆發、解封，世界又恢復自由的日常，而生活仍在繼續、記錄不曾停止。   《相機不見了：陳建維》 展期」2025年8月30日至2025年11月1日 地點」谷公館 MICHAEL KU GALLERY（台北市敦化南路一段21號4樓之2）   資料及圖片提供」谷公館Michael Ku Gallery 編輯」江瑜

家具是人們生活的友伴，是刻劃生活溫度的承載器具。一件心愛的木家具，就像貼心的知己般，陪你度過歲月時光，溫柔承接你疲憊的身軀，給你安心的依靠。   在重視量產與速度的時代，台灣各地有一群真心熱愛木家具的匠人，日日親手打磨每一件木家具，呈現它最動人的紋理與姿態，給予每件家具獨特的靈魂，讓它們跳脫了一般家具的定位，升華為可長久傳家，蓄含生活故事的器物。   財團法人新光三越文教基金會與路力家器具攜手舉辦的2025木質生活展《未定的輪廓》，將台灣木作工坊與木作匠人的精彩作品同場並呈，9月26日至10月6日於新光三越台北信義新天地A9九樓宴會展演館，帶領觀眾進入木作人的世界，踏入一場融合產地故事、工坊製程，到創意設計的旅程。        木創作的感官旅程 2025木質生活展《未定的輪廓》帶領觀眾走進木家具的前身至成型，從沉浸式的參觀過程裡，感受木作人的世界，體會他們對木家具創作的執著與熱愛，從木香氣味到輪廓紋理，探訪手工木家具最動人的溫度。   展區一：尚未成形　回溯源頭的產地故事 走進原木的世界，回到雕琢前的真實面貌，從木種原貌、紋理到氣味，感受它最純樸的質感，各具特色的紋理與節點，呈現每塊木材獨一無二的特色。   展區二：未成之聲　工坊製程的沉浸式體驗 捕捉創作過程的瞬間，透過工坊內的聲音、景象、設計原稿的交織，重溫創作過程的一抺光景及木家具成型的瞬間。   展區三：日常輪廓　創意設計落實成型 精選品牌原創家具與小木器，展現它最具生命力的美好樣態，呈現每件手作的內涵與故事，實木不同的色澤和質感，傳遞工坊的創作哲學。 特色看點 木作職人不僅是木藝的創作者，更是促進自然原物與時光對話的書寫者，每件作品都注入了他們對於木頭的熱愛、對環境與時光的禮敬、對創作的堅持與鑽研，透過2025木質生活展《未定的輪廓》精選作品，並呈著他們的理念與個性。   雙手創造的美麗之物　路力家器具 重視細節、觸感的「路力家器具」，從設計到工藝，專注於家具的榫接與流暢曲線，細心傳遞實木溫潤質地與獨特紋理，讓它成為療癒人心與留存情感美麗收藏。 作品：Y4 休憩椅 - 單人款 介於沙發與餐椅之間，外露的結構設計，結合舒適面料的包覆，厚度僅不到5公分的曲面變化薄型背墊，呈現視覺輕盈且予人高舒適度的乘坐體驗。（路力家器具）   木工與木雕並治的結晶　木夫 「木夫」作品樸實、低調且溫潤，融合木工與木雕專長，重視留白與簡約線條，賦予木創作功能與詩意的平衡，讓自然原料隨著歲月積累蓄存溫度，化為生活裡最動人的陪伴。 作品：Woody 掛勾 造型簡單趣味，像是牆上冒出來的小鬼或是探出頭來的毛毛蟲。吊掛功能性之外，也以小型雕塑作品融入家中。（木夫）   用永續理念讓木作新生　even 重視自然永續的木藝工作室「even」，擅長讓回收木轉化新生，保留其歲月痕跡，將生活感觸融入家具與藝術之間，製作令人莞爾且友愛環境的個性作品。 作品：果樹盤 可擺放水果、點心或各種小物，為餐桌與空間增添可愛趣味。（even）   讓台灣檜木綻放新生　w2 wood work 「w2 woodwork」從台灣檜木出發，重視永續環保及木料循環利用，以「reuse + rebirth」的精神，把檜木的清新與自然帶進居家生活，連結人與土地的記憶。 作品：台灣檜木 格柵電視櫃 格柵門片有著散熱功用，同時將檜木香更好地傳散於居家，為生活中增添木質的美麗與香氣，予人來自森林的清新氣息。（w2 wood work）   實用本質精工入裡　微一設計 「微一設計」致力於將傳統工藝結合當代美學，採用天然木材結合車枳、雕刻、鑲嵌等技法，融合台南傳統的「茄苳入石柳」鑲嵌工藝，讓木製品不只有實用性，也是長存於生活的美麗愛物。 作品：花瓶鳥｜大．小 用木藝精工創作的花器，將花草化為鳥類頭冠，在變換花瓶鳥的髮型中，增添生活樂趣。（微一設計）   集結城市力量的推廣平台　優木良品 「優木良品」由嘉義市政府文化局推動，藉由木產品認證機制，為優質木產品與品牌形象加值，透過創新設計、生活論壇等多元切角，推廣臺灣木產業、木工藝與木教育領域，形塑臺灣木產品生活風景。   作品：STAND Series－C型邊桌・胡桃木 簡約線條與輕盈造型，讓木家具擺脫厚重印象，有了融入多種風格空間的可能。細節上呈現的榫接工藝與天然木紋理，訴說了它出眾的精緻質感。（優木良品—卓恩研究室）   作品：優木良品—來嘉座 以螺旋形路線及之字型折返鐵道呈現生動的視覺姿態，融合舒適與功能的單椅展現積層曲木的工藝與職人精神。（優木良品）     木工藝，有著歷久彌新的經典魅力，透過一代又一代的木藝匠人，傳承精要、探索新藝，媒合了傳統元素與當代美學，創造合於需求且具收藏樂趣的木作，讓自然與永續成為可親近可實踐的進行式，2025木質生活展《未定的輪廓》透過展覽忠實展現了台灣當代木作人的情感、溫度與那些值得收藏的品牌臉譜。   2025 木質生活展《未定的輪廓》 展期」2025年9月26日至10月6日 地點」新光三越臺北信義新天地A9 九樓宴會展演館 ※ 每日開放時間依百貨營業時間為主。 了解更多活動資訊：https://reurl.cc/EQm8Rn 

劇場是一個有趣的平台，不僅是呈現藝術的所在，同時也讓觀眾與表演者所闡述的故事在此交會，透過講述與演繹，或寫實、或抽象，讓觀眾得以自由選擇站在抽離或投入的角度，去觀看每個事件的來龍去脈。臺北表演藝術中心以台北這座城市為出發點，通過每一次的表演與策展，嘗試與世界建立對話的橋樑，就在不斷的對話與想像反覆辯證的過程中，這座城市的外在形象與內部本質逐漸清晰成形。     蘇文琪、YILAB一當代舞團，《暗宇之感》。     第27屆台北藝術節以「超限動」為主題，有感於現代生活中的食衣住行皆經過資訊數字化，長期沉浸在串流、訊息與可編輯圖像，人們的思維不斷被真假資訊填充；期待透過科技、身體、記憶、地景的交織，邀請民眾走入劇場，重拾感受與思辨的力量。8檔精選作品，橫跨劇場、舞蹈、影像等多元形式，展現當代表演藝術的豐富面貌，在無法重來的演出中，鼓勵觀眾關閉手機，敞開與生俱來的感官與心靈，以便盡情感受每一分每一秒都無法複製的真實經驗，深入藝術的觸動與城市的溫度。     蘇文琪、YILAB一當代舞團，《暗宇之感》。     真實與虛擬的交織   北藝中心逐步拓展「亞洲共製中心」角色，透過與國際機構的合作，以及跨國藝術家的創作計畫，帶來《暗宇之感》、《旅行的舌頭》、《黏著的手、縫合的山體》等作品，跨國合作的展演於國際連結等面向展現文化活力。藝術家蘇文琪與YILAB一當代舞團 《暗宇之感》邀請觀眾潛入黑暗、釋放五感，「體感」是這趟旅程的核心，是一場身體的深潛與感知的航行，在抽離視覺干擾後，透過每一次呼吸，重新憶起肉體與意識之間的聯繫。     蘇文琪、YILAB一當代舞團，《暗宇之感》。     《旅行的舌頭》集結台灣劇場導演李銘宸、作家溫又柔、日本劇場導演張碁（Jang-Chi）和菲律賓藝術家奈絲．蘿柯（Ness Roque），以「食物」為主題，反思食物如何反映國家和不同文化中的轉譯。《黏著的手、縫合的山體》則由泰雅族視覺藝術家林安琪Ciwas Tahos與日本舞蹈藝術家松本奈奈子，以「迭馬哈霍伊」和「山姥」兩個分屬不同脈絡的傳說，向觀眾闡述來自不同母系文化的女性力量。     蘇珊娜．甘迺迪，《安琪拉拉拉（無限循環中）》。     《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》，由三位藝術家洪千涵、洪唯堯、曾睿琁共創，歷時四年的梳理彼此的真實關係，解構姊弟、伴侶、姻親等社會身分，重新解讀倫理議題，看似單純針對生殖技術的疑問，細密牽動著情感、倫理與責任的細線。     林安琪Ciwas Tahos、松本奈奈子，《黏著的手、縫合的山體》。     《演算混亂ㄐㄧㄑㄧˋㄖㄣˊ》（jactynogg zontaanaco ジャkuティー乃愚・存taアkoコ）的創作者日本剛左小組（contact Gonzo），透過即興結合打鬥、武術元素的演出形式，融合藝術家yang02以人工智慧、機器學習為主的藝術創作，透過AI機器技術重新詮釋人類的生活慣性，從中觸發不同的思考方向。     洪千涵、洪唯堯、曾睿琁，《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》。     集結國際共創   作為集體協作的社群實踐，台北藝術節聚集多位國際藝術家的支持與共製，呈現多部國內外首演作品，內容涵蓋AI實驗、親密關係、生態神話、表演與語言的多重維度，經由藝術家的眼光令繁複的主題相互交織，呈現獨一無二的精采，折射現實的感官記憶。     洪千涵、洪唯堯、曾睿琁，《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》。     德國別具代表性的劇場導演蘇珊娜．甘迺迪（Susanne Kennedy）與藝術家馬庫斯．塞爾格（Markus Selg）的《安琪拉拉拉（無限循環中）》（ANGELA (a strange loop)），呈現在鏡頭前看似完美無缺的網紅生活，鉅細靡遺地循環日常，既是一場映照人類數位生存處境的鏡子，也是一趟深入後人類意識核心的感官旅程。     麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo），《斷片》（LAPSE）。     印尼國寶級行為藝術家麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo）的《斷片》（LAPSE）製造了一個暫時的避難所，在這段時空的間隔中，引領觀眾關注當代社會秩序走向混亂、連結逐漸消失的狀態；也將混亂與失敗轉化成詩意的能量，讓感官引領眾人經驗一場深刻的擾動與釋放。     麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo），《斷片》（LAPSE）。     《此時此地》（On Stage）的創作者瑪麗亞．哈薩比（Maria Hassabi）是一位來自賽普勒斯、現居紐約與雅典的藝術家，透過肢體動作釋放訊息，將空間與身體視為整體，觀眾眼前所見的一切，既是過程，也是結果，讓觀眾一同進入這份安靜與專注，不只是一支舞作，更是一場集體凝視的行為藝術。     瑪麗亞．哈薩比（Maria Hassabi），《此時此地》（On Stage）。     透過這次台北藝術節，自當代藝術出發，在劇場中編織連結，不同文化背景與議題得以同台共構，體現劇場不只是表演，更是「共創與共生」的場景，藉此串連人與人之間的共性，在盛大的虛擬敘事中，摸索真實的存在意義。   資料及圖片提供」臺北表演藝術中心 編輯」江瑜

北師美術館與國家文化藝術基金會「策展人培力＠美術館」合作，2025年11月2日前推出由新生代策展團隊Nn̄g Project策劃的「亂流：半睡飛行夢」展覽。 展場照。攝影：dulub studio 在飛行成為日常的年代，天空同時覆載著航空科技、資訊網絡與人類情感的流動，策展人張文豪、黃羿瑄及黃銘樂以「天空、飛行、航空、機場」為出發點，邀集來自南韓、香港與台灣的九位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時也思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化。 展場照。攝影：dulub studio   展覽靈感源自英語諺語 The Sky’s the Limit（無可限量），策展團隊卻將其顛倒為 The Limit’s the Skies（極限就是天空），拋出提問：「當全球移動與資訊傳輸如呼吸般頻繁時，我們是否還能共享同一片天空？」在這個被衛星監控、訊號交織的時代，天空早已成為無形網格的一部分，而飛行經驗也不再只是浪漫自由的隱喻。 展場照。攝影：dulub studio   機場場域的再造 展覽以「機場」為策展核心，四件特別委託製作的新作圍繞「流動」展開，呼應機場作為跨界節點的複合意義──既是不同區域交會的運輸節點，也是許多法律與管理程序的執行地。 展場照。攝影：dulub studio   一樓大廳由台灣藝術家張庭甄以《祝福是不幸的尾巴》系列揭開序幕，模擬航班顯示器與虛構太空垃圾的起降時間，並結合聲音與報刊的裝置，建構出一個平行時空的「出發──抵達」場景。香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》將窗外雲海化作流動的內心劇場，讓觀者在視覺與情感的交錯中遊走；同樣來自香港的徐皓霖，則以《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。 張庭甄《祝福是不幸的尾巴》系列。攝影：dulub studio   李鈺淇《把我的眼睛沉入你的眼睛》。攝影：dulub studio 進入二樓，曾彥翔的裝置《Wet Edge of A Circle》利用幾何結構呼應塔台與航廈物件，營造靜止卻不斷延展的「流動」感；而林彥翔的兩組作品分別以成田與桃園兩座機場為起點，交織出個人視角與區域地緣、歷史記憶與當代空間再造之間的張力；新作《來自塔的預言》則追溯成田機場抗爭的歷史，將個人經驗、地緣政治與土地記憶疊合，讓飛行不僅僅是抽象的旅程，而是與現實衝突交織的辯證。 曾彥翔《Wet Edge of a Circle》。攝影：dulub studio   首次來台的南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安 v2.0》重現匿名影像網站的社群機制，挑戰演算法宰制的網路生態；勞麗麗的《飛行備忘》則將候鳥遷徙與田野影像並置，探索落地與飛行之間的情感協商。 洪辰煊，《午安，晚上好，晚安 v2.0》。   李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則如旅途中隨筆般，以紙張與廣告片段拼貼出漂浮的時空。台灣藝術家羅懿君的作品更直接觸及物質與政治的交錯，將甘蔗、農具與健身器械轉化為《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機──紫電號》，指涉資源、戰爭與身體之間的矛盾平衡。 李秉璈，《滯緩與神遊：空船》。   在亂流中尋找航向 「亂流」不僅象徵飛行的突發狀態，更是策展團隊對當代處境的隱喻。當人們穿梭於跨境流動與資訊網絡之間，飛行已成為觀看社會景觀、身體狀態與文化記憶的折射鏡，展覽藉由機場的場域轉換，召喚觀者對「天空」的凝視與反思，重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。   亂流：半睡飛行夢 日期」2025年11月2日前 地點」北師美術館     資料及圖片提供」北師美術館 撰文」陳映蓁

在四川眉山的土地上，Club Med地中海鄰境．黑龍灘度假村坐擁5.6萬平方米的建築面積，紮根於龍泉山脈的層巒疊嶂與黑龍灘水域的靈動氣韻，以酒店為核心，向外延伸餐廳、泳池、遊樂園和水療SPA等等功能，空間中的每個面相皆鉅細靡遺地體現Biophilia（親生物性）的創作理念。     結合地形高低差，透過樓梯安排下沉景觀，環繞樓梯的巨型穹頂式環形螢幕，豐富通行路徑的樂趣。     通過系統性分析所在地的水文、地貌、植被等特徵，設計團隊將在地印象轉化為空間元素，以黑龍灘獨特的山水地形為基底，將自然意象注入設計中的每個環節，讓建築的骨架與地勢交織共生，在人文生活理念與自然環境之間建構有機對話。     大堂以航行於水面上的船隻作為主題，裸露的天花和木質結構帶來古時船艙的聯想，同時帶來通透的空氣感。     倚山擁翠 內外交融   全案主架構的設計靈感源自川西傳統的林盤聚落，受其不拘一格的體量布局、遍地綠色庭院、田野和山林所啟發，描繪了一幅建築與自然和諧共生的生態畫卷。在黑龍灘度假村的建築群間，交錯縱橫的植物與水池安於梯田般的結構上綻放，令建築塊體宛如於山野間生長，在美觀之餘，這些綠植也構成大堂中心串接不同區域的廊道，將各處獨立場域連動為一個整體，空間多採用大幅落地窗，降低室內外的隔閡，沿著不規則的建築走勢，視野轉折錯落，橫看成嶺側成峰，隨腳步移動，人為設計的符號與在地生態種種對應，令每個角度都可自成風景。     水的元素貫穿整體，蜿蜒步道輔以造型燈條，描繪有機流動的曲線。     大堂揚棄冗餘的裝飾性元素，利用空間架構表現雕塑般的震撼視覺，裸露的屋頂搭起宛如山脈般的形象，更通過其富有韻律的結構線條，強化場所精神，室內空間戲劇性的起伏與外部的自然景觀形成和諧奇妙的對照。兩側天花挑高夾道，效法層巒疊嶂的山體輪廓，配合頂部天窗陣列投下自然光，錯落疊映的天花縫隙和異材拼接，篩落層次豐富的光影肌理，宛如在山林漫步時，穿透樹梢和林蔭的細碎陽光。     雕塑如樹冠舒展、藤蔓延伸般的立柱造型，線條指向天花、往外漫擴，拉高整體視覺。     流動不息 自成脈絡   回顧黑龍灘的起源，素有「川西第一海」的美稱，基於大型人工水庫的修建，灌溉此地的生機，才扭轉了在地原先十年九旱的地理條件，成就如今的美麗風景。這段歷史淵源同樣深入黑龍灘度假村的設計，主建築體塊懸浮於人工營造的水面，輔以玻璃與落地窗，形塑湖水漫入空間的視覺幻象，水體的靜謐特性，既如鏡面倒映雲影與建築輪廓，同時隨風舞動漣漪與波光，為沉靜的空間捎來動態景色。     簡化樹木結構，構成餐廳的視覺焦點，木質立柱搭配藤蔓狀金屬裝置，拉近自然生態與一日三餐的關聯性。     前台設計如一葉扁舟，引人意會到度假村即是一處迎接無數船舟停泊於此方水域的寧靜港灣，跟隨大堂樓梯的引導，螺旋下沉的環形動線串連其他功能區域，環繞巨型穹頂螢幕以數位影像構建的海底世界，人群匯聚於此、川流不息，深入空間內部的過程既如步步走向地心、又似是探索地下深海。經過山水的滋養，生命得以破土而出，全日餐廳因而化為山林的姿態呈現，通過木質鋪陳，以及宛如樹木枝枒的立柱、天花結構，賦予空間野生的呼吸感，與窗外的樹頂相映成趣，也讓用餐的來賓化為森林生態的一份子。     水療區提取抽象化的竹子造型環繞坐區，間隙加入小巧照明，搭配牆面的竹葉圖紋，讓人彷彿置身於竹林間聽風小憩。     化山水於一隅偏安   流水意象如同無形筆觸，既串連起室內外的場景互動，同時又因應不同環境條件形塑不同場域樣貌，室外無邊泳池以台地式布局鋪展，鏡面水體與天際線相接，承襲天空的無邊壯闊；室內恆溫水樂園內含巨型葉脈天花、植物造型噴水裝置與滑梯，建構宛如童話世界般的雨林景觀。水療靜池則藏身於「水岸竹隱」之中，取用巴蜀竹林意象，在竹影婆娑間融入天然屏障，為放鬆身心的環境維護使用隱私。     酒店中的350間客房皆附設陽台，藉戶外風光豐富場景，進一步呼應人文與自然共處的主題。     圓形草坪作為室外活動區域，寬闊的空間富有多樣可能性，可舉辦派對或搭建休閒帳篷，與全通透玻璃幕牆的多功能廳形成可自由切換的使用彈性。350間客房均設陽台，邀請窗外的山景入室，寢區背景牆以「流雲」為主題意象，淺竹青與水墨線條交織，在坐臥起居的細節中感受自然的詩意。     衛浴間採用長虹玻璃作為隔板，平衡採光和使用隱私，在整體簡潔的設色背景中，白瓷浴缸和石紋地板的質感豐富了空間層次。     資料及圖片提供」P A L DESIGN GROUP  編輯」江瑜

台灣輕奢家飾選品品牌INLUXE CASA，近期獨家引進享譽國際、來自英國倫敦的藝術骨瓷品牌Rory Dobner，成為Rory Dobner官方唯一認證的台灣總代理，此次合作不僅是雙方近九年合作默契的深化，更為台灣居家風格注入一抹獨特的英倫藝術想像。 INLUXE CASA店內陳設。   藝術與生活的交會 來自倫敦的Rory Dobner，曾於1998年榮獲「Burns Young Artist of the Year」年度藝術家榮譽，擅長運用不同媒材創作風格鮮明的作品，而他與妻子Claire共同成立的同名品牌更以細膩的手繪插畫風格聞名，作品多源於與孩子的日常互動，將想像力轉化為令人著迷的視覺語言。 Rory Dobner。 品牌特色在於將藝術細節與實用設計結合，採用高級骨瓷瓷器與 22K鍍金材質，於倫敦工坊中純手工繪製完成；不論是22K鍍金骨瓷杯盤到香氛蠟燭、家飾物件，皆具收藏價值，也能融入日常生活。 手繪過程。   其中最受矚目的《愛麗絲夢遊仙境》系列，以Lewis Carroll的經典文學為靈感，將故事中的角色融合Rory Dobner招牌的黑白線條插畫，重新演繹奇幻場景；柴郡貓的神秘微笑、瘋狂帽客的天馬行空，都化為細膩線條，呈現於馬克杯、點心盤與燭台之上。喚起童年幻想之餘，也象徵當代人對「情緒價值」的追尋──對新世代的消費者而言，商品不再只是物件，而是一種情感寄託與自我風格的展現。Rory Dobner的愛麗絲系列，正巧用其迷幻與童趣風格，加上鮮明的故事，喚起人們的內在療癒感與想像力。 愛麗絲馬克杯禮盒組。   INLUXE CASA總監Brenda提到：「我們希望藉由這個系列提醒大家，錯誤與徬徨並不可怕，反而是生命養分。就像愛麗絲的旅程，每一次跌撞其實都開啟了未知的可能，堆疊出獨一無二的生命價值與意義。」 瘋狂帽子先生咖啡杯禮盒組。   爵士和愛麗絲點心盤中( 21公分)。 Brenda進一步分享，與Rory Dobner的緣分從一開始的選品引進，到今日成為官方唯一認證的台灣總代理，是一段跨國信任與美學理念深度結合的歷程。INLUXE CASA深耕歐美十年，期許能將更多優秀的品牌和創作精神引進台灣，也希望讓台灣品牌透過再造，與海外品牌展開更密切的合作，這樣的雙向交流一直是她打造輕奢生活新視野的核心信念。這份理念，也映照於品牌持續推動的跨界合作，此次攜手台灣男裝選品店 「Mr. Manners禮貌先生」與桃園複合式家居店「青苑昕」，藉由主題聯展、限定展示空間與品牌共創計畫，共同詮釋Rory Dobner的倫敦紳士精神與當代生活品味。 居家應用情境。   INLUXE CASA晶華麗晶精品旗艦店 地址」台北市中山區中山北路二段39巷3號B2     資料及圖片提供」INLUXE CASA 撰文」陳映蓁

當布魯克林的楓葉染紅窗框時，台北的晨光正穿透101大樓的玻璃帷幕，位於紐約布魯克林的工作室裡，周大鈞正用鉛筆勾勒草圖，窗外即是充滿活力的街區；同一時刻，台北晨光穿透玻璃帷幕，許育嘉在案前審閱著尼泊爾寺廟的修復照片。12小時的時差，30幾年的默契，這對設計夥伴以「跨時區接力」的方式，將東方的細膩與西方的邏輯編織成獨特的空間詩篇。 周大鈞 LEED認證建築設計師、東海大學建築學士，以及紐約哥倫比亞大學建築暨都市設計碩士，其國際作品橫跨商業與住宅領域，展現出對尺度與細節的高度掌握。周大鈞的住宅與商業設計遍及亞洲與北美，享譽國際。其設計語彙以文化細節與風格張力之間的流暢交融為特色，精緻地融合東方與西方、傳統與現代，更在沉靜中展現力度，體現國際視野與永恆美學的完美結合。 許育嘉 在建築和室內設計方面已有20多年的經驗。作品由於類型、地點及客戶的多樣性而深受肯定。許育嘉成長於台灣，在台灣及美國受教育及工作。因著東西方文化的互相影響，非常活躍地參與各地的多元文化項目，足跡遍及紐約、洛杉磯、台灣、上海和尼泊爾等地，同時也是台灣的註冊建築師、東海大學建築學士，以及紐約哥倫比亞大學建築暨都市設計碩士。 從東海建築系到紐約天際線 1992年，那是一個尋常的午後，東海大學建築系的樓梯間，學長周大鈞從五樓走下來，隨口問了學弟許育嘉：「要不要去買飲料？」誰也沒想到，這句簡單的邀約，成了兩人30 幾年友誼與合作的開始。許育嘉回憶初遇片段，笑稱彼此履歷相似得「只要換名字就能用」。周大鈞不僅帶領他踏入建築世界，後來更成為人生摯友，從哥倫比亞大學研究所、紐約職場，再到共同創立公司，他們的合作像一場即興爵士，主旋律是信任與玩心。從台灣到紐約，從建築到室內設計，兩人的旅程像是一場精心設計的空間敘事，充滿默契、挑戰，與對生活的深刻理解。 在哥倫比亞大學與教授的合照。從右到左分別為：許育嘉、Brian McGrath教授、周大鈞、學弟黃金樺（前彰化青年處處長）。 周大鈞形容：「我們像兩個小孩在玩設計。」許育嘉笑著補充：「但我們從不吵架，可能上輩子是兄弟吧！頂多他假裝生氣說『待會你主講』，最後還是自己跳上場。」這種默契源自大學畢製，當年周大鈞的畢業製作需成立一個團隊，彷若擔任一間小公司的「老闆」，而許育嘉就是成員之一，他們大膽找來不同科系的夥伴加入，像是請美術系朋友為色彩美學把關，建築系夥伴則帶來結構的嚴謹思維等，透過跨領域的碰撞，讓最終成果跳脫傳統框架，充滿獨特生命力。「現在想起來還是覺得超瘋狂！」許育嘉笑著回憶。最經典的莫過於那次在建築系館熬夜趕工，原以為要通宵達旦，卻因為團隊目標明確、效率驚人，竟提前三小時完工，一群人還能得空溜去唱KTV，這種「在嚴謹中迸發的隨性」，至今仍是兩人眼中的「完美主義浪漫」。 談到那次神奇的高效率，周大鈞分享了一個關鍵心法：「當你清楚知道自己要什麼，做到極致了就該停下。自信不是無止盡地堆砌，而是精準達到對自己的期許。那種『剛剛好』的滿足感，才是最珍貴的。」這種既追求極致又懂得收放的哲學，正是他們日後在專業領域游刃有餘的祕密。這對設計夥伴，一個急性子追求完美，一個善於用幽默化解壓力，卻在創作中找到了共同的語言：「設計不是實現風格，而是實現人的故事。」令人驚喜的是，他們的合作就像呼吸般自然，溝通時沒有壓力，只有清晰的思緒碰撞。這種默契讓成果總是超出預期，也正是這份流暢無阻的協作能量，成為他們日後打造跨國事業時最堅實的信任基石。 “ 一杯飲料，開啟30幾年的默契。” 零食櫃裡的公司哲學 憶起創業的起點，那年剛結束台北兩年多的繁忙工作，來到紐約的許育嘉在公寓裡，整整休息了五天，一日在晨光中醒來，突然撥了通越洋電話：「老闆，我決定離職了。」這通電話成了Design Determination十瀚設計誕生的前奏。命運也總愛安排驚喜，從紐約回台前，他在舊金山Yerba Buena Gardens閒逛時，怎麼也想不到數月後會在同個地點親手重塑此方景致。先前為台北101辦公室熬夜趕工的藝術裝置，意外引來Samovar tea lounge老闆Karter的青睞，希望由他為Samovar tea lounge的新分店作設計。「人生就像設計圖，永遠不知道下一筆會連到哪裡。」這個橫跨太平洋的案子，讓他毅然踏上創業之路。然而，創業初期卻恰好遇到金融海嘯，公司從熱鬧的團隊縮減到只剩兩人。「我們賣了房子，像守著最後一塊設計板。」他們輕描淡寫帶過那段在艱辛中堅持前進的日子。 在疫情下，將隨手塗鴉化成文創卡片，成為公司嶄新事業，以細膩筆觸將溫暖具象化。 創業挑戰不斷， 靈活整合資源， 讓Design Determination十瀚設計始終在續航中前進。2022年新冠疫情開始席捲全球，台北與紐約兩地團隊卻面臨迥異境遇，台北辦公室意外迎來台灣房市熱潮，而紐約團隊卻接案停擺，隨著閒暇時間的拉長，周大鈞為了維持團隊的創作熱情並拓展經營範圍，決定以興趣作為發想另闢途徑，拿起畫筆將滿腔靈感化為一張張手繪卡片，並突發奇想向員工提議：「要不要一起設計卡片？」團隊眼睛一亮，瞬間點燃熱情，從員工到行銷團隊，悄然將卡片設計、網頁更新全數完成，並逐漸開發AR輔助系統，將疫情間的隨手塗鴉變成文創卡片，拓展出一條經營線。 結合AR技術，讓靜態的卡片圖畫動態化，增加使用者的趣味性。 原本的閒暇塗鴉，竟成了公司的新事業，這不僅是轉型，更是一場意外的團隊凝聚，每張卡片都藏著疫情下的溫暖，每筆線條都是彼此扶持的印記。如今，這份小而美的堅持，成了公司最動人的風景。危機讓他們發現，設計的本質是「人」的連結。創業至今，面對設計他們仍始終堅持「高級訂製」般的精緻模式，讓每個作品都帶著手作的溫度。 紐約辦公室空間照。 台北辦公室空間照。 紐約與台北除了時差，也有著工作文化的不同，他們取其優點，調和成團隊的節奏默契。「在紐約公司，員工六點準時下班，加班到七點主管就感動到付計程車費。」許育嘉將這份美式職場文化帶回Design Determination十瀚設計，談到：「台北辦公室有永遠補貨的零食櫃，紐約辦公室後來也跟進設置。」周大鈞則補充：「但美國同事更重視界線，週末絕不談公事，這反而是健康的提醒。」 “ 危機就是轉機，另闢蹊徑的達觀。” 編織夢網 美夢成真 許育嘉的設計過程宛如一場靜謐儀式，先讓自己沉浸於空間之中，捕捉環境的細微脈動，隨著觀察讓腦海逐漸浮現畫面，彷彿在夢中編織另一個維度，不禁令人想起《全面啟動》裡造夢者構築世界的魔幻時刻，只是許育嘉的畫筆取代了電影中的特效，將天馬行空的想像化為無數草圖。周大鈞的設計靈感猶如一座生機盎然的庭園，既有來自業主的真實需求，也有他對自然的有機迷戀。他享受在後院與植物相處的時光，修剪花草、觀察生命，這樣的日常滋養了對有機線條與自然元素的偏愛。但他深知設計並非獨白，而是與業主的共創，因此擅長從對方的衣著品味、生活態度中捕捉線索，將個人美學與業主氣質巧妙融合。他笑稱：「有時候得先拋出瘋狂點子，才知道能一起走多遠。」這種在限制中尋找自由的平衡，正是他創作中最迷人的特質。 許育嘉從不把工作視為苦差事，對他而言，設計就像呼吸一樣自然。當志同道合的夥伴一起投入熱愛的事業時，連日常對話都會不自覺圍繞著創意打轉。「我們常常討論到一半，就會互相提醒：『該停止瘋狂發想了，快進入下一步吧！』」周大鈞笑著透露兩人工作時的有趣互動。這種渾然天成的熱忱，不需要刻意維持，就像孩子玩樂高時不會計算時間，當沉浸在自己熱愛的領域時，連加班都成了享受的過程。他們用行動證明，當工作與熱情合而為一，每個挑戰都會變成令人期待的冒險。 紐約的理性與台北的感性 「美國設計是在限制中找自由，台灣則是在自由中自我約束。」許育嘉的比喻精準點出雙城差異。跨國設計最迷人的挑戰，是法規與文化的碰撞。周大鈞分享紐約案例：「業主想裝設保險箱，得先請建築師計算樓板承重，流程耗時三個月；在台灣，設計師甚至能把房子改造成洞穴。」提到兩地文化差異，許育嘉舉例：「氣候和文化，是設計師永遠的考題。」美國公寓的陽台是喝咖啡看街景的浪漫角落，但到了台灣，陽台得容納洗衣機和曬衣架。「我們不能改變建築DNA，但能讓空間『說在地的語言』。」在紐約，他們學會用「財富基因」解讀業主，Old Money重視傳承與服務，一句「聖誕派對前完工」便瀟灑旅行三個月，而設計師就像私人管家，默默處理細節讓業主三個月後驚喜驗收；New Money追求效率與驚喜，會每天確認進度，設計師需化身效率專家，精準掌控時程預算，有如魔術師。 周大鈞形容自己像一株適應力強的植物，紮根紐約布魯克林，卻帶著台灣的生長紋理。他愛種花、愛藝術，更愛觀察人的衣櫥，認為「衣服是最直接的自我表達，而空間只是延伸。」他曾為一位圓潤輪廓的紐約業主，為全屋選配圓角家具；也因客戶家庭成員身高懸殊，量身訂製符合人體工學的座椅。周大鈞說：「真正的設計是讀懂業主沒說出口的渴望。」其方法論藏在細節裡，他會觀察客戶衣櫥的色系，甚至從待客細節來判斷空間該留多少社交餘裕。許育嘉則自嘲曾是「工作狂」，在哥倫比亞大學被教授訓斥：「你做太快了，重來！」如今他則學會在靜坐中平衡速度與深度。其靈感來自「現場的呼吸」，走進空間感受光影，想像使用者如何生活，「骨架對了，穿什麼都美。」 跨國合作最迷人的，莫過於資源的流動。某次台灣客戶鍾情紐約展間看到的異國磁磚，團隊立刻啟動「全球採購模式」：紐約同事下單寄回，台灣師傅精密拼貼；另一次，則是將台灣的訂製家具裝進貨櫃，飄洋過海運去紐約。台北選的軟裝、紐約找的硬裝，台灣的客製實力遇上紐約的軟裝創意，擴大了團隊的視野與選項，聯合彼此優勢，碰撞出全新火花。兩地事務所合作也如同接力賽：紐約團隊下班，台北團隊接棒畫圖，時差反而成了加速器。 “ 從限制中找自由，在自由中自我約束。” 暖陽化冰的應對 「我們像空間偵探。最難的不是設計，是當業主堅持『你錯了』，卻不肯說真正在意的點。」周大鈞提到，曾為找出客戶挑剔床墊的真正原因，花三小時喝咖啡閒聊，最後發現對方只是害羞承認選錯尺寸。「一杯咖啡的時間，往往比合約條文有用。」這種「把衝突變下午茶」的智慧，讓他們連棘手的風水要求都能化解。許育嘉與合作多年的風水師，總能在現代法規與傳統羅盤間取得巧妙平衡，提及「開門不見灶」的講究，許育嘉會心一笑：「這其實是古人的智慧，從前灶火怕風，本質是實用考量。」當財團業主堅持大樓方位得配合羅盤時，他們找來風水師，讓科學與玄學在3D模型裡握手言和。甲乙方溝通有磨擦時，「學會翻篇很重要。」許育嘉表示，每個案子都是緣分，強求不來，彼此尊重才能成就佳作。周大鈞亦會耐心理性的深談，釐清癥結點，提及過去有個案子耗時三年，過程裡從設計師變身成業主的「生活顧問」，這段經歷成了難忘的故事。 提及「永續」話題，他們共同認為「減法設計」是愛護環境的解方，不過度裝修的觀念更加重要，周大鈞指出在裝修時，百年家族偏愛採用實木，會以物料的耐久與歲月韻味作為考量，新富族群則普遍接受十年作為翻新週期，「沒有對錯，只有誠實面對需求。」而面對近期逐漸攀升的AI 浪潮，兩人像品嚐新菜般不排斥亦不盲從，周大鈞比喻：「AI像不成熟的朋友，只能反射你的品味。如果客戶只要AI設計，那不如直接找工班。」雖然AI能快速產出素材，卻嚐不出廚師的手溫與火侯，高層次業主期望的設計師，是作品有「原則」、有「靈魂」，而非華麗炫目的「選項」。他們認為科技無法取代「共同激盪」的過程，設計者個人涵養、思考深度、文化品味，是「共同激盪」的結晶，也是作品與眾不同的基石。 周大鈞在峇里島與自然相會，感受當地人的悠活步調。 談及未來時，周大鈞透露心中的夢想之地是峇里島。他希望能像作家蔣勳一樣，每年安排一段時間遠離塵囂，專注於繪畫創作。「如果還沒決定退休後要去哪裡，不如先去峇里島生活看看再決定。」他笑著說道，眼神流露著嚮往。許育嘉則惦記尼泊爾的緩慢步調，因緣際會參與聯合國在尼泊爾的佛陀誕生地保護計畫，所以多次往返當地，該計畫包含各國興建代表寺廟的園區，專案自2008年進行至2011年開幕，後續仍有多次修整。這段過程教會他「慢，有時才是快」，隨著時間推移，他逐漸學會放下堅持，找到與當地團隊合作的方式，並看見了正向的發展。經過溝通磨合也對尼泊爾產生深厚的歸屬感，甚至覺得那裡就像是另一個家鄉。 許育嘉在尼泊爾因緣際會下修習靜坐，在沉澱中迎來一場心靈之旅。 採訪尾聲，周大鈞翻出手機裡的「夢想清單」，許育嘉吐槽：「寫了三十年還沒動工！」或許這就是他們的魔力，把設計變成生活，把客戶變成朋友。在這個追求風格的時代，他們寧願隱去自我，成為業主生命的鏡子。正如許育嘉所說：「我們不是設計大師，只是幫人把日子過成喜歡的樣子。」而周大鈞的結語更簡單：「業主回家開心，我們就開心。」 “ 用一杯咖啡的時間，讓衝突翻篇。” 洛克菲勒藝境私邸 “ 跟著藝術住進自然。” 這是一場融合細膩對話與美學共鳴的設計成果。業主以其敏銳的藝術眼光，深度參與材質挑選與細節雕琢，更提出獨特的照明構想，催生了量身訂製的建築式天花設計，為空間鋪陳低調優雅的氣質。專案初始，業主清晰的飾材配色構想便為設計奠定基調。設計團隊在此基礎上，透過和諧的層次安排，將原始願景昇華為更具完整性的空間語彙。而貫穿整體的靈魂，是業主橫跨多年、薈萃各洲的私人藝術收藏，每件作品皆承載著職業歷程、個人熱情或旅途記憶，使藝術超越裝飾，成為訴說故事的詩意載體。 自然靈感亦巧妙滲透於空間肌理，例如主臥雕塑感的垂柳主牆、客房熱帶景緻與奇幻動物圖騰，皆流露有機生命力。客廳中豹紋壁紙與櫻花地毯的東西方對話，以及起居室華麗虎紋地毯的張揚平衡，更展現大膽卻精準的美學掌控。最終，每個角落皆體現業主對美、記憶與自然的渴望，以靜謐奢華的筆觸，完成這幅充滿個人印記的生活畫卷。 格林威治村靜謐閣樓 “ 光與比例的雕琢，交融歷史與當代優雅。” 這座位於格林威治村的閣樓住宅，經重新設計後化身為繁忙都市中的一方寧靜天地。挑高的天花板與大片落地窗引入豐沛自然光，在喧囂的城市背景中創造出舒緩的對比，透過完美平衡功能與美學的設計，呼應屋主對細節的講究。精選的家具與藝術品交織經典與現代，營造層次豐富卻毫不刻意的氛圍。新舊元素的對話，為空間注入溫暖質感，讓每件作品自然成為焦點。色彩運用簡約而克制，利用乾淨的線條、柔和中性調與天然材質，低調烘托建築特色。格局規劃貼合日常需求，流暢的動線布劃，讓各區界線分明卻相互連結。從閱讀角落到用餐休憩區，設計鼓勵互動與流動，跳脫傳統開放式格局的框架。 這座住宅的獨特魅力在於其「靜謐自信」，無需誇張語彙，僅憑光線、比例與細膩工藝的雕琢，便悄然展露美感。設計既尊重格林威治村的歷史底蘊，亦賦予當代生活的舒適與意圖。不僅是居所，這處閣樓更體現社區精神－個性、創意與歷史在此交融，既呼應周邊社群的獨特氣質，亦滿足現代奢華生活的追求，成就一處優雅而寧靜的都市棲居。 紐約雲端藝居 “ 以藝術筆觸描繪東西美學。” 坐落於紐約傳奇的史坦威大樓內，這處住宅坐擁中央公園景致，毗鄰卡內基音樂廳與MoMA，盡享曼哈頓精粹。隨著Bonhams藝廊進駐，社區文化底蘊更顯豐厚，此宅邸亦成為融合藝術與生活的精緻城市居所。設計巧妙平衡現代優雅與個人敘事，東西方文化、藝術熱忱與舒適個性在此交織，深刻體現屋主的生活哲學。雕塑般的形體、大膽圖案與靜謐中帶表現力的色彩，構築成空間主調。 家具以實用舒適為本，而精心陳列的藝術品，尤其靈感源自動物的作品，則低調訴說屋主對生命的深厚情感。空間規劃呼應家庭生活型態，大型酒窖妥善展示珍藏，原本模糊的早餐區與客房轉化為靈活的工作娛樂場域，滿足文化環境中的多元需求。公共區域如藝廊般流暢串聯廚房、餐廳與起居空間，私人領域則隱密安設，提供靜謐休憩。藝術與雕塑的巧妙布局，不僅引導動線，更譜寫視覺的韻律節奏。 台北French inspired Maison私宅 “ 法式雙開軸線間，演繹時尚的古典浪漫。” 靈感源自屋主對法式雙開門的浪漫想像，每一扇門的開啟，都如同展開一頁精緻的古典篇章。設計團隊以嚴謹的軸線對稱布局，從公共區域到私密空間層層遞進，完美復刻古典建築的序列美感。落地式雙開門的設計巧妙隱去現代建築痕跡，營造出純粹的法式氛圍。而屋主深厚的時尚產業背景，為空間注入了大膽而活潑的色彩語言。整體配色與收藏藝術品相得益彰，展現獨特的生活品味。設計團隊更專程前往巴黎19區古董市集，精心挑選全室家具、燈具及擺飾，為空間增添時間的厚度與溫暖的光輝。 客廳中，玫瑰花壁爐與鬱金香壁燈相映成趣；餐廳手繪牡丹壁紙透過古董掛鏡折射出優雅韻味；各處點綴的植物花鳥藝術品，則娓娓道來屋主對自然園藝的熱愛。轉入起居室與主臥，飽滿的色彩張力在此盡情釋放。推開主臥雙開門，一條貫穿的中軸線引領視線，經過無限反射的鏡面穿堂，越過更衣室，最終抵達以黑白為主調的主浴空間。在這裡，所有色彩歸於純粹，只留下最本真的寧靜與放鬆。這處居所不僅是對法式古典美學的致敬，更是屋主個人品味與生活哲學的完美呈現。每一處細節都在訴說著：「優雅，是一種生活方式。」 台北Park One靜謐時光 “ 臨水圓拱，以光與線條譜寫生活的從容優雅。” 這處臨水而居的退休宅邸，以270度轉角陽台擁抱遼闊水景，將看盡千帆的灑脫情懷轉化為空間語言。設計團隊巧妙融合圓拱語彙、天然材質與精準比例，打造出一座靜謐卻層次豐富的生活舞台。純白基調與自然光的完美配合，賦予室內輕盈通透的氣息；開放式格局中層層遞進的圓拱線條，不僅柔化空間節奏，更為整體構圖譜寫古典韻律。 客廳主牆選用雲灰大理石搭配金屬飾件，低調演繹奢華質感；落地窗邊特別規劃的訂製臥榻與圓桌組合，結合弧形壁龕與精選藝術品，打造出日光浸潤的靜謐角落。餐廚區以大理石中島與Poltrona Frau不規則橢圓餐桌為核心，搭配層次天花與Preciosa手工霧白水晶吊燈，營造優雅精緻的用餐情境。書房延續圓拱設計語言，選用墨綠牆面與Ceccotti Collezioni 胡桃木書桌，在沉穩中展現非凡品味。這座宅邸完美平衡古典底蘊與現代精神，透過光線與線條的詩意交織，創造從容而富有儀式感的生活節奏，充分呼應居者對細節、品味與日常美學的至高追求。每一處轉角，都是歲月靜好的最佳註解。 資料及圖片提供」Design Determination 十瀚設計 採訪」室內雜誌編輯部、林靖諺

「間（MA）」，是一種日本的獨有美學，透過對於「留白」和「虛無」的概念，解構對空間的認知，在有限的現實空間中探究無限的可能性，而「間」的觀念，對於藝術形態的形成與構造影響深厚，在思想與現實的多維度碰撞中，創作者與觀者對於自身與現實的認知也在不斷更新。     展覽主視覺。     也趣藝廊於2025年9月的展覽《間 ま MA》迎來三位日本藝術家——栗棟美里(Misato KURIMUNE)、大﨑のぶゆき(Nobuyuki OSAKI)、安田知司(Tomoshi YASUDA)的共同展出，三人各有擅場，透過獨特的藝術視角、邀請觀者進入「間」的領域。在這場展覽中，「眼見為憑」的思想不再如呼吸般理所當然，看似靜止的藝術作品，在觀者的腳步移動間彷彿也活出自己的生命動態；一如日文「間」，並非單指一段空白、一個空間，而是一個語境、包羅萬象的變化，喚醒觀眾對日常的好奇心，從「理所當然」的縫隙間，再一次看到生活內蘊的無數驚奇。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #02_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2024年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #03_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm_Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     薛丁格的照片   栗棟美里 (Misato KURIMUNE，b.1988) 以最初拍攝的照片奠定構圖基礎，巧妙融合光柵、複合媒材與人工智慧等多樣技法，讓平面的圖像呈現多樣化的材質質感，以此拼貼探尋美、存在、時間和生命的本質，靈感取自互聯網，參考當代以「觀看」建立人際關係的行為本質進行分析，建立創作概念。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #04_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #05_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     她的作品邀請觀者移動腳步，觀察作品中隨著觀看角度不同而忽隱忽現的人物，開啟一場關於「觀看」與「存在」的哲學探索。透過視線範圍內的存在與否，延伸探討人們對數位影像與現實的直覺認知，更鼓勵觀者主動反思美與生命的定義，在這個資訊過載的時代，她試圖釐清影像與虛構的邊界，展現出技術與概念的雙重深度，反映當代藝術與媒體融合的現象。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Images_Portrait #07_Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 35.5 x 20.4 cm, Framed Size 36.5 x 21.4 x 2.5 cm, 2021年。     對栗棟美里來說，「真正美麗的事物是什麼？關於所有存在和時間的本質，以及作為人類在這個維度中生活的探索又該如何衡量？」這些是她不斷叩問自身的議題，同時也是她希望大眾可以一起思考的部分，生命與世間萬物存在的有限性、以及希望盡可能在有限之內延長所有美好事物的私欲，促使她以持續探索藝術為目標而創作。     栗棟美里Misato KURIMUNE, You may be in this world. Or you may not be. Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 95.6 x 54 cm, Framed Size 98.8 x 57.2 x 2.95 cm, 2020年。     當代認知的畫質   安田知司 (Tomoshi YASUDA，b.1985) 的作品以細膩而理性的筆法將影像像素化，再以傳統繪畫的方式逐格填色重建畫面，觀看體驗宛如拼圖，當觀者在遠觀與近視間來回移動，自遠處望來看似具象的畫面，在近距離觀察時卻又模糊為一片片抽象色塊，就像觀看影片時恣意調整畫質，在現實中體會到虛擬的動態感。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.054ppi, 118(friends), Oil on panel, wooden frame, 41 x 53 cm, 2023年。     安田知司的創作彷彿無聲地詢問：一幅畫的本質，究竟是畫布上由顏料構成的「畫面」，還是承載圖像的「畫布」這個媒介？透過解構手法，他再「觀畫」的行為過程中注入新的意識，不僅重新定義了視覺的組成，也隱約暗示當代社會在消費與認知機制之間的模糊邊界，讓觀眾重新思考創作的概念和價值。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.149ppi, 126(lady), Oil on canvas, 33.3 x 24.2 cm, 2025年。     安田知司Tomoshi YASUDA_Sequence color, 26(parent), Oil on acrylic board, wooden frame, Framed Size 86.8 x 69.6 x 6 cm, 2025年。     記憶暫留   大﨑のぶゆき (Nobuyuki OSAKI，b.1975) 以錄像、影像處理與裝置為主要的創作形式，嫻熟運用編輯、解構與延展手法處理錄像素材，使觀者身處於影像與現實、存在與遺忘之間的模糊地帶。他的作品與傳統攝影以清晰為美觀的標準相異，專注於捕捉宛如視覺暫留的影像，呈現彷彿「未完成地出現」，或「正在消失中」的狀態，讓影像成為時間的容器。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Portraits (Buenos Aires｜Portraits of Japanese immigrants) A_LCD screen, TV stand, video, audio of the interview...and others_Installation_2019_ed. 3+A.P 2 .     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Untitled album photo (Couple, Beach, 38E) 1_C-print, 120 x 80 cm, 2019, ed. 3+A.P 2 .     對大崎宣之而言，創作的核心並非完成單一件繪畫或錄像作品，而是透過其極度勞力密集的創作方法，去捕捉並視覺化那些不可見、不可觸及的流動瞬間，透過一幀幀畫面的延續，他的作品細膩且充滿詩意，搭建起一座綿延的橋樑、展開關於時間與記憶的深度冥想。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Sandial (-34°) 25-02_Paper, photographs, UV filtering acrylic cut at 34°, frame(glass), Framed Size 39.5 x 30.5 cm, 2025年。   資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

位於台中市西區藝術文化氣息濃厚的「草悟道」的亞米藝術，自科博館園區、綠園道延伸至國美館，儼然成為中部藝文界的藝術聚落，以推動華人現當代藝術的發展為職志，提供一個讓創作者和欣賞者可以彼此互動的平台，積極挖掘台灣本土年輕藝術新銳，如藝術家蔡佑承的雕塑展——煉境。     《馬兒都知道》，陶、金箔，43 x 17 x 21cm（含底座高52cm），2025年。     本展內容囊括藝術家多年心血、在陶藝與鐵雕間的深刻探索，在不同的主題間穿梭，變化的不只是心境，同時也反映在不同時期的作品中。蔡佑承從陶土的柔軟與可塑性出發，透過指腹的感知賦予泥塑生命力，並在鑽研陶藝的過程中，觸類旁通了對於新的創作媒材的興趣。     《想象》，鐵、陶、瓷、金箔、複合媒材、特殊塗料，66.5 x 86 x 25cm，2025年。     《靈犀》，陶、金箔，43 x 19 x 25cm（含底座高48cm），2025年。     突破自我的媒材跨界   在台灣藝壇，鐵雕創作屬於相對少見的表現形式，相較於其他媒材，鐵雕不僅需投入大量體力與時間，更須仰賴高度專業的技術與設備支援，種種條件疊加的門檻及當中的辛勞，成就鐵雕作品的難能可貴，也使其在當代藝術中獨有一份特殊地位，不僅因為這個領域展現出藝術家對創作的執著與堅持，同時也為觀者帶來截然不同的感官體驗與思維觸動。     《千年之愛》，砂岩，37(H) x 30 x 26cm，2013年。     《內煉之境》，陶，28.5(H) x 23 x 16cm，2023年。     創作鐵雕，從來不只是浪漫的造型與對藝術的想像，在創作過程中，大部分時間更像是一場與金屬、火焰、重量與時間的搏鬥，鐵材的剛硬與冷峻，讓創作者每每在試圖塑形和調整自己的構思時，皆須觀測環境與用材的狀態、調整自身的手法，從切割、鍛敲、焊接到打磨，每一環節都蘊含極高的挑戰性與複雜性，與蔡佑承過往創作陶藝作品的經驗截然不同。     《心願之蛙》陶，37(H) x 30 x 20cm，2023年。     《共鳴之棲》陶，39(H) x 43 x 33cm，2015年。     隨著鍛造金屬閃爍刺激性的光與熱，也許只是雕塑過程中的一小部分，卻是無數次試驗與失敗的凝縮，新的挑戰同時也讓蔡佑承發掘新的創作方向與成就感，隨著技術成熟，他更進一步地嘗試結合陶藝與鐵雕，探索複合媒材的可能性，最終成功融合兩種材質的特性，並呈於作品中，訴說新的故事。每一道焊縫都是藝術家與金屬之間的對話，藉由傾聽鐵的回應，感受熱度、速度、角度是否契合；稍有不慎，整件作品就可能因此失去平衡或結構強度。這不僅是勞力的挑戰，更是技術與藝術判斷力的總和。     《回首之棲》陶，62(H) x 29 x 27cm，2023年。     《初心未寂》，陶、銅複合媒材，63(H) x 40 x 36cm，2025年。     反覆鍛造成材的創作理念   蔡佑承將佛法融入創作，透過作品傳達對生命的尊重與對自然的敬意，在他的作品中可見動物的形象、人性化的表情、手工質感的溫度，加上複合型用材，反映出對傳統與現代平衡的追求，以及對內心情感與思考的細膩刻畫。鐵雕不像泥土那樣柔軟可塑，也不如木材那般溫潤易切，它冷硬、沉重、易碎裂，在焊接時還需面對高溫閃光、火花飛濺，但正是在這樣的環境中，才能鍛造出堅韌的意志，透過熾熱情感為鋼鐵塑形、為冰冷金屬注入生命。     《應牛而行》，瓷、鐵、複合媒材、特殊塗料，52x53x37cm，2025年。     鐵雕源自於工藝，結合工匠的智慧和藝術家敏銳善感的心智，透過焊接的火花，燃燒創作者不屈不撓的執著。無論是陶藝還是鐵雕，蔡佑承的作品皆蘊含溫暖與和諧的力量，讓觀者在欣賞的過程中，體會心靈深處的平靜與慰藉，他的創作旅程是技藝與精神層面的雙重成長，引領觀眾見證一位藝術家在傳統與創新中不斷突破自我的歷程。     《觀行》，鐵件、木底座，108(H) x 46 x 20 cm，含底座高197cm，2025年。 資料及圖片提供」亞米藝術 編輯」江瑜