八月盛夏，JOSUIa GALLERY舉辦《FinnSummer***｜芬蘭設計、藝術與夏日浪漫》特展，將芬蘭的森林、湖泊與桑拿文化帶進台北。展覽不只是設計與藝術的陳列，更是一段跨越展期的合作起點。 展覽現場。呈現來自芬蘭的家具、織品與當代藝術品，並搭配主視覺中的芬蘭湖面，置身其中沁人心脾。 8組來自芬蘭的品牌、設計師與藝術家，從實木家具、紙紗織品、玻璃與陶藝，到曾於米蘭設計週Alcova、哥本哈根3daysofdesign登場的作品，共同勾勒當代芬蘭創作的多元面貌。 展覽現場。 實木與紙紗 經典延續於日常 創立於1967年、即將迎來60週年的NIKARI，曾與Alvar Aalto等大師合作，如今仍於芬蘭Fiskars小鎮，由工坊匠師從選木、裁切、接榫到表面修整，完整參與家具製作。設計精準內斂，不以張揚造型取勝，而在比例與細節中展現深厚底蘊。作為JOSUIa長期獨家代理品牌，NIKARI串起芬蘭現代設計跨越世代的精神。 餐桌區放置NIKARI的ALVAR托盤。選用芬蘭樺木實木框邊，搭配白色高壓積層板，以簡練優雅的線條，體現純粹的芬蘭職人手作與機能主義精神。   同樣取材自森林的WOODNOTES，由織品藝術家Ritva Puotila於1987年創立，是全球首個將紙紗應用於空間織品的品牌。以天然木材纖維製成的紙紗，經高密度織造與特殊處理，具耐用、抗靜電、不易積塵等特性，其地毯亦可依空間需求訂製尺寸，部分系列最長可達10公尺。此次JOSUIa更正式引進完整系列，從紙紗地毯、窗簾到餐墊，展後仍將持續作推廣。 展覽入口區懸掛WOODNOTES地毯，搭配右下角NIKARI的DECEMBER休閒椅。   從工藝到藝術 自由探索創作邊界 具Master Cabinetmaker資格的Antrei Hartikainen，以木頭與玻璃跨足家具、雕塑與空間裝置，且曾與Cappellini、NIKARI合作，並獲Maison&Objet Rising Talent Awards 2024、Pro Arte Award 2025等肯定。此次展出的口吹玻璃雕塑《MELT》，以及《HATTU》、《KUKKII》等木藝作品，將對植物生長與材料流動的觀察，轉化為獨特輪廓與節奏。 藝術家Antrei Hartikainen從左至右為：口吹玻璃雕塑《MELT》、木藝作品《HATTU》。   由Aino Michelsen與Ville Auvinen共同發起的massaproject，以芬蘭在地紅土發展家具與空間構件，2025年入選Habitare《Materials & Objects》，並登上米蘭設計週Alcova。   左：BRACKET 層架；右：REVOLVE屏風。massaproject利用芬蘭在地紅土製造家具物件，近年受到國際設計舞台關注的材料計畫。 REVOLVE由可旋轉陶土元件組成，透過角度變化創造光影；BRACKET則從擠製實驗發展而來。本次展出的REVOLVE屏風與壁飾皆曾於Alcova亮相，未來亦可依場域尺度發展。 立面懸掛REVOLVE以紅土做成的壁飾。右下角則為NIKARI的Linea RMT3椅子。 REVOLVE屏風不僅是裝飾，亦是場域界線，未來可依展覽需求作調整。 Santeri Mortti則以有機形態遊走雕塑與生活物件之間，花形立燈與層架透過手工雕刻及組構，呈現彷彿持續生長的枝葉輪廓。Antrei Hartikainen與Santeri Mortti皆首次在台展出，JOSUIa後續也將規劃兩人的個展。   藝術家Santeri Mortti的《Flower層架》與《Flower立燈》。 循環思維與跨文化視角 成立於1990年的DURAT，將工業塑膠餘料再製成人造石，使用後仍可回收；超過三百種基底色搭配不同顆粒色彩與密度，展現高度自由的色彩可能。Palapeli層架、Pikkupikku洗手台與Pukki邊桌皆於哥本哈根3daysofdesign展出後來台，將原本多用於大型空間的材料帶入生活尺度。   DURAT展區。 Palapeli層架以工業塑膠原料重新再製為人造石，可回收再利用，達到永續目標。 由田宜巧、陳又嘉與楊睿帆三位台灣設計師於赫爾辛基成立的D-ja，是芬蘭設計圈的新銳品牌。Dango Lamp曾從276件作品中獲得2024 Young Finnish Design居家類首獎，後由Aarikka量產。此次展出的TEX系列以紙材進行編織、連結與塑形，首度在台亮相並同步預購。   D-ja 團隊，由左至右田宜巧、楊睿帆、陳又嘉三位台灣設計師於赫爾辛基成立，TEX系列以紙材為核心，透過編織、連結與塑形的手法，發展出壁燈與桌燈兩種結構形式。 旅芬藝術家June Seo則從食物與器皿出發，以芬蘭天然陶土結合韓國粉青沙器技法創作Apple Collection，保留手工塑形的細微差異。   二樓展區。右下角為旅居芬蘭的藝術家June Seo，以食物與器皿為題，將芬蘭陶土與韓國傳統技法結合，完成Apple Collection。 展覽不以單一風格概括芬蘭，而是透過8組不同世代與背景的創作者，呈現當代芬蘭設計、藝術與生活文化的豐富面貌。除了JOSUIa長期獨家代理的 NIKARI與完整引進的WOODNOTES，其餘參展單位也已展開正式合作，未來將持續在台灣推廣。展場中的相遇不隨八月落幕，更多跨文化合作正由此展開。 《FinnSummer***｜芬蘭設計、藝術與夏日浪漫》 時間」2026年8月30日前（周四至周日開放） 地點」JOSUIa GALLERY（台北市大安區仁愛路三段26-3號7樓） 展覽詳情與預約請見>>https://lin.ee/QtheMwZ（免費全預約制）   資料及圖片提供」JOSUIa GALLERY 攝影」狐色影像製作 編輯」林靖諺

人類通過將生活環境中的事物分門別類，建立秩序和法則，據此有效管理時間和資源，但是所謂秩序，並不是將一切資訊根據個別屬性全部切割，而是根據其特質和功能，安排適當的距離和主次，讓不同個體都能在同一個場域裡自然生長、又彼此相輔相成，進而形成完整的生活圈。 丁建中〈浮游II〉隨風、濕度、光線與人流持續變化，讓觀眾在穿行之間感受光線與空間流動的節奏。 高雄市立美術館推出《2026 縫隙計畫 KMFA: In-Between》，將展覽重點放在建築、森林、埤塘與城市的交界，徵集7組跨域藝術家，重新審視這些看似無為、被視作過渡地帶的角落，點亮它們獨有的空間特質、以及不同領域彼此展開對話的方式，讓藝術的創作與欣賞走出固定展區和既定角度，在移動間活絡嶄新的觀看方式和藝術思維。 城市藝術空間 高美館建館32年，不僅與城市共生，隨長久經營，館舍建築亦自然融入於森林、埤塘與生態園區中，形成兼具藝術、人文與自然的獨特場域。高美館藝術生態園區作為市民散步、休憩及親近自然的重要公共空間，內含下沉式廣場、迴廊、蜿蜒小徑、坡地、水岸與湖畔等種種豐富場景，這些為人所忽視的角落，在漫長時光中與自然交織煥發出新的生命力。 趙尉翔〈露銀計畫──縫隙中霧露均霑的交織地景〉運用水霧與鋁板裝置重現內惟埤濕地曾有的氤氳景象。 《縫隙計畫》嘗試拓展參訪美術館的新路線，透過裝置、霧幕、光影等多元環境藝術形式，串起建築、地景與市民之間的關係，讓美術館不僅止於展示作品的場所，亦隨著人為動態組織藝術與自然的共同發生，形成多方互動的美學平台。 森屾創作設計有限公司的〈迷霧林〉藉由木構空間模擬陽光穿透森林樹冠的光影變化。 與環境對話 展中7件作品因應園區自然生態、建築肌理與天候環境，呈現不同藝術家的獨特詮釋。如丁建中〈浮游II〉，地處美術館迴廊外樹林，隨風、濕度、光線與人流持續變化，於白天與夜晚展現不同樣貌；草坡上的趙尉翔作品〈露銀計畫──縫隙中霧露均霑的交織地景〉，則運用水霧與鋁板裝置，重現內惟埤濕地曾有的氤氳景象，讓地方自然記憶與當代建築語彙交織。 蔡旻翰〈內惟埤考2026—臨時考掘站001號〉打造一處虛構考古現場，帶觀眾思考藏於建築褶皺中的時間痕跡。 此外，高美館建築中的轉折、邊界與過渡空間，亦是創作者的靈感來源。森屾創作設計有限公司活用美術館的下沉廣場，在三秌茶屋前打造作品〈迷霧林〉，藉由木構空間模擬陽光穿透森林樹冠的綠蔭，突出自然和建築的互動。蔡旻翰的〈內惟埤考2026—臨時考掘站001號〉利用廣場樓梯下方的空隙，打造一處虛構考古現場，讓建築肌理和時間的鑿痕化為邀請群眾挖掘的寶物。 著陸方法工作室〈相縫之處〉於湖畔駁坎之間架設竹構編織天幕，重新定義人們停留與穿越空間的方式。 重建觀看視角 館前廣場的駁坎階梯依循內惟埤湖畔的範圍徐徐展開，提供市民休憩和眺望湖景。著陸方法工作室作品〈相縫之處〉於駁坎之間架設竹構編織天幕，不僅緩和高雄夏季炎熱氣候，宛如小山洞的結構也重新定義了人們停留與穿越空間的節點。 簡莉芸、黃婕瑛共同創作的〈落入水面：軌跡到餘響〉從內惟埤的歷史出發，以金屬構件、光線與聲響回應地方水文記憶。 簡莉芸與黃婕瑛共同創作〈落入水面：軌跡到餘響〉，取材內惟埤的歷史，以金屬構件、光線與聲響，勾勒落葉點水、水面泛起漣漪的抽象畫面，喚起對地方水文的聯想，使觀者在作品中感受時間與空間層層的擴散。Jerry與簡妤珊的〈尚未翻譯的自然〉透過風鳴裝置與葉綠素感光球體，邀天氣參與共創，作品隨展覽期間流動的人群以及四季變化持續生成，呈現自然生命不斷成長演化的樣貌。 Jerry與簡妤珊的〈尚未翻譯的自然〉透過風鳴裝置與葉綠素感光球體，讓風吹、日照與雨水共同參與創作，作品亦將隨展期及四季變化持續生成。 《縫隙計畫》展出建築與環境間縫隙，寄託人們對環境的感知，展中的作品亦如放大鏡，在高美館的地圖上，放大建築、地景與自然生態不為人知的細節，隨著時間流轉，每一次停留、穿行與回望，都將生成不同的觀看經驗，也在展出的過程中，引導來賓重新思考人與環境的關係。 資料及圖片提供」高雄市立美術館 編輯」江瑜

在台灣、韓國、泰國與香港，這片區域有時被暱稱為「奶茶聯盟」──擁有著相似的奶茶愛好，也相似地面對著高度不確定性。10餘組來自奶茶聯盟區域的新銳設計團隊不約而同，以臨時公共空間作為執業的起手式。 《臨時公共空間的臨時展覽》在松山文創園區・台灣設計館01展間開展。   在不確定中應變 《臨時公共空間的臨時展覽》2026年10月4日前於松山文創園區・台灣設計館（01 展間）登場，匯集新一代設計者的作品，展覽的核心是一個簡單的概念：在持續的不確定之中，短促的工期、紛擾的政治、地震與氣候風險，設計師們汲取島嶼和濱海地理長久以來的營建智慧，使用細小、就地拾得的材料，以及一套精密的共享、修補與再利用機制，擴充成當代設計的語彙，提供當今技術掛帥的韌性跟永續的另一種可能；這份應變智慧便成為可以與人分享的經驗──如何在充滿風險的世界裡，把日子過好。 匯聚10餘組來自台灣、韓國、泰國、香港的新銳設計團隊作品。 以台北作為亞洲巡迴首站，隨後前往香港、曼谷與首爾。   本展於2026年春季首度於哈佛大學設計學院展出，台北是亞洲巡迴的首站，隨後將前往香港、曼谷及首爾。台北場與台灣設計研究院合作，並由傅雲（哈佛大學設計學院教師、SEMESTER設計研究工作室合夥人）、Yona Chung（將於2026年秋加入哈佛設計學院教師團隊）與高采薇（哈佛大學畢業的台灣建築師、高采薇建築師事務所負責人）共同策展，展場設計由原研組（Prototype Architecture Office）擔綱。 展覽一隅。 展覽一隅。   創造場所的五種方法 展出的30件作品，每件都以一件實物片段與一張現場的紀實照片呈現，一片可以觸摸的磁磚、一張可以坐下的沙發、一把可以拿在手上的摺疊陽傘。這些片段皆來自作品本身，被設計者裝進隨身行李、親手帶過太平洋；如今，它們回到初始點。展覽由五個主題串起：「尋找舒適」、「快幀與慢幀」、「許多小東西」、「從圖像到場所」、「一期一會」，將在接下來的各展區中逐一展開。 展場本身也延續同一個想法：以瓦楞紙箱與橙色貨運綁帶構成。 展場本身也延續同一個想法：以瓦楞紙箱與橙色貨運綁帶構成。   臨時公共空間的臨時展覽 日期」2026年10月4日前 地點」台北松山文創園區・台灣設計館01展間 參展團隊」一起設計、艸執荒地質造所、Bangkok Tokyo Architecture、FHHH friends、嶼人設計工作室、HYPERSPANDREL、噢親愛的工作室、PRAUD/domansa、SEMESTER學期工作室、偶然設計、沈庭增建築師事務所、Sher Maker、本事空間製作所、長短樹鄉村研究所、蘇暢設計研究室     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

愛馬仕高雄漢神專門店歷經擴建與改裝後，在2026年8月初煥新開幕。擁有兩個樓層的專門店，空間由巴黎建築事務所RDAI設計，以港都元素為靈感，將高雄的港灣、船舶、城市建築化為設計語彙，作為詮釋各區的空間背景，與品牌工藝精神相互輝映。   專門店外立面與室內牆面採用磚砌元素。 專賣店一樓外立面以磚砌表現，圖騰立體紋理在高雄豔陽下呈現豐富細節。室內空間揉和高雄港都特色，將古城、海港、船舶、橙陽、海面波光化為靈感融入其中，相襯品牌的歷史與工藝。   一樓地面鋪覆品牌經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性ex-libris藏書章圖騰。 步入空間，首先可見經典的Faubourg馬賽克地磚與標誌性ex-libris藏書章圖騰，絲巾世界與時尚珠寶空間採用鏽紅色的背景，一如港邊船錨在時光淘洗下呈現的鏽蝕色調。   皮件區的流線雕刻木質牆面勾勒出優雅輪廓。 挑高皮件區背景是立體紋的木牆，淺色雕刻流線順紋延伸，有如海水深遠無盡的波紋，靈動而優雅，靜靜烘托櫃牆陳列的精緻皮件。   珠寶與腕錶專區在光影交織中營造寧靜而精緻的鑑賞氛圍。 珠寶與腕錶專區則位在挑高窗旁，Faubourg立體紋理的秋香色的背景牆，隨著自然採光煥生溫潤氣息，予人寧靜而精緻的空間感受。 香氛區立體紋磚牆靈感來自古蹟建築。 香氛區用領事館古蹟的紅磚元素為靈感，鋪砌帶有冰裂紋的手燒磚配，特意採用起伏錯落的編砌排列，突顯磚色在光影中的變化，烘托香氛產品多彩瑩透的瓶身。   轉譯貨櫃線條的橡木樓梯。 位於專門店中央的橡木樓梯，是以港口貨櫃作為靈感的新穎轉譯。採取貨櫃筆直的結構與線條，用質地溫潤的橡木進行詮釋，讓貫穿樓層的線紋與鏤空效果，構築出優雅的垂直動線。   男裝空間牆面運用台灣竹片與織帶編造。 步入地下一樓，有如踏進私人輪船裡，空間採用海藍與橙棕色調，連結海洋、甲板、夕陽、船艙等意象，細數港灣從白畫到晚霞的景色轉變。海藍色系作為底襯的男裝空間，牆面運用台灣竹片與織帶手工細細編造，特製地毯有著海浪波紋，意喻不斷湧動的生命力 。   女裝區色彩暗喻船錨的鐵鏽紅。 女裝區的設色暗喻船錨的鐵鏽紅，地毯則呼應在地的橙紅夕陽。大地色系的馬具與家居區，設計靈感來自甲板在陽光下色澤，陳列馬具、寵物用品、家居系列，讓賓客在寬敞舒適的動線裡，欣賞物件細節。 大地色系的家居區，賓客可在寬敞動線裡欣賞物件。 自然風貌、歷史古典的創作亦貫穿了整座專賣店，成了誘人停佇的亮點，像是：É mile Hermè s收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列的藝術作品、19世紀馬術專家為仕女繪製的《騎乘指南》畫作、法國攝影藝術家Aurore Bagarry的捕捉的海岸岩石景觀、哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》陳設各區呼應空間主題，處處透露品牌禮敬自然、重視傳承，以及持續創新的生命力。 藝術細節融入每個空間。   資料及圖片提供」愛馬仕 採訪」Sumile

設計師于山認為，雖然事業的成長、興趣愛好的增加，每個階段對審美和生活不同的看法都會影響到家的狀態。但是無論如何，在他眼中的家至今仍像小時候的一床被子，用於窩藏最喜歡的玩具、零食，和未完成的作業；以最坦誠的態度，在設計中埋藏生活熱愛的細節，這是他對家的認同感。   這座住宅主要使用者是我和太太，我們期待生活空間周圍綠意環繞，內部可以滿足工作和生活上的需求。房子周邊住房密集，所以通過花園將周邊住戶隔開，規劃重點放在空間與自然的互動，特別設有一間附有泡澡功能的植物書房，除了臥室和衛浴間，其餘都是開放性的公共區域，安置平時的興趣與愛好。   我不拘泥於特定風格，希望將喜歡的事物和生活環境自然的融合，因為平日經常出差，希望家是一個可以讓自己在當中放鬆思考的地方，透過環境衍生新的想像，連結創新和生活感，如廚房天花透過漸變色的不鏽鋼模仿舊式廚房被油煙暈染的牆面狀態、吧台儲物融入捲門元素，增加開門的儀式感。 以二人生活為中心，重理原本的四房格局，不僅打通其餘隔間，還在側花園增設小木屋，區分前院的果樹區和後院的森林景觀區。針對室內外的互動，客廳捨棄窗簾，採用改良的日式雪見窗，卻除其餘風格上的裝飾元素，重點保留其滑動功能，豐富客廳觀景的形式。   廳區可以用於聚會，也可以是開放式的書房，讓收藏和音樂設備成為點綴，黑色萊姆石大幅鋪陳地坪，反襯室內的設計細節和戶外鮮明的自然景致；角落的透光櫃原本是一 位外國藝術家所做的透光屏風，經過改良後增加了收納功能，平衡裝飾性和實際功能， 配合其餘收藏形成一方端景。   因應招待親友來訪的需求而設計了幾個凳子，平時可以疊在一起收納，置於書房兩側，就像兩根立柱，表面紋理請過去設計香格里拉酒店結識的手工匠人雕刻。許多家具設計的靈感取材自裝修期間發生的趣事，比如曾有一對小鳥在花園入駐，我覺得很有靈性，就把書房的兩個吊燈和客廳的一個茶几做成他們的形狀，就像家也成為大自然的一部分。 這座住宅重視心理層面的鬆弛和空間的呼吸感，整體呈現工作與生活自然融合的狀態，讓想像力就如光、風和綠蔭在這座住宅裡流動那樣的自然。前廳不同造型的桌椅，在公共空間中區分不同使用方向的層次；主臥亦不乏巧思，床頭櫃結合可以摺疊的小桌，躺在床上也方便取物，這裡和我最喜歡的植物書房相連，在當中自由移動，充滿幸福的餘裕。   我和我的妻子是合拍的，她是我的軟裝設計師，她的參與很大程度上補全了我性格上不夠柔軟的一面，家裡很多地方能感受到我們思維上的對話，諸如理性和感性的交織，還有對生活的理解：不一定要高效，重要的是真誠的面對，才能體會其中的本質。 資料及圖片提供」無既萬溯室內設計重慶有限公司、于山、張盈 攝影」六文 採訪」室內雜誌編輯部

50 年前，科學家詹姆斯．洛夫洛克（James Lovelock）提出「蓋婭假說」，將地球 1 2 3 4 視為有生命的「活物」、一個有能力自我調節的生命有機體，然而，在他活躍的年代， 因為達爾文的演化論，人們更傾向生命會配合環境而演化，唯有人類才有能力改變和 創造環境。 《地球進行曲》，費里斯．賈布爾（Ferris Jabr），野人文化。 本書作者費里斯．賈布爾（Ferris Jabr）是一名美國的科學記者，長期為《紐約時報 雜誌》、《科學人》、《國家地理》等媒體撰稿，通過記者的好奇心、結合科學知識與詩人的筆觸，撰稿工作促使他投入研究「地球系統科學」這項基於人類近年逐步改變的世界觀、進而建立的學術領域，將地球上的所有生物與非生物的組成部分視為一 個持續活躍的整體，正視地球本身的生命力。 在地球的歷史長河中，生命究竟以何種方式、又在多大程度上改變了這顆星球？—費里斯．賈布爾（Ferris Jabr） 賈布爾列出岩石、海洋和大氣三大環境元素，作為論述架構，從裡到外、從微小到 宏大，舉出古往今來、生物和環境互動的種種案例，翻轉眾人眼中習以為常的世界， 結合作者親製「地球演化圓盤年表」，將35億年的地質與生物交織史詩化作一目了然 的視覺圖譜，為讀者描繪一個會呼吸、新陳代謝，甚至因發燒而啟動修復機制的活體星球。 從深埋地底的微小細菌、渺小卻主宰海洋的浮游生物，到教會河流「蜿蜒」的古老植物，乃至於改變氣候與地貌的巨型猛獁象，《地球進行曲》以「蓋婭假說」為本、 現代科學和種種事件為例，採用第一視角帶領讀者重新審視身邊的環境，土地、湖海 和空氣，即便不進食、不生長，不繁衍，仍與生物共同發展進化的脈動。 精彩內容搶先看 作者序 小時候，我以為自己能改變天氣。在加州郊區的炎炎夏日裡，庭園花草凋零枯萎，柏油路面燙得足以灼傷赤裸的肌膚。這時，我會畫一朵飽滿的藍色雨雲，然後一邊在草坪上繞著畫作遊行，一邊用灌溉水混入庭院修剪下來的枝葉，調成「魔法藥水」，潑灑在雲雨圖上。我說不定也吟唱過某種原始的咒語──那是一首通俗童謠的顛倒版本，因為我是要召雨，並不是要雨「快走開」。 在桑福德地下研究設施工作的地球生物學家瑪格妲萊納．奧斯本。 隨著年歲漸長，我對氣象學的認識也隨之成熟。在學校裡，我學到了水是如何從湖泊、河川和海洋蒸發，升入大氣層，冷卻並凝結成微小的水滴。這些飄動的水珠相互碰撞、彼此聚合，黏附在漂浮的塵埃上，並形成我們稱之為「雲」的棉絮狀物質，最終變得足夠沉重並回落到地面。當時我受到的教育是：降雨是大氣物理學的必然結果，是人類和其他生物被動接受的恩賜。 在南非比阿特麗克斯金礦一塊鐘乳石內發現的線蟲，深埋於地表下方約1.6公里。 然而就在幾年前，我得知了一項驚人的事實。這個事實徹底改變了我對天氣的思考方式，也顛覆了我對整個星球的認知，讓我重新感受到自孩提時代以來鮮少湧現的敬畏與無限可能。我學到的事實是：在許多情況下，生命不只是被動地接受雨水，生命會主動召喚雨水。 在南非科帕南金礦地下約1.38公里身處採集的纖小線蟲。 試想在亞馬遜雨林，這裡每年的降雨量約為二點四公尺，部分地區年降雨量甚至接近四點三公尺，超出美國本土年均降水量的五倍。這些滂沱大雨部分歸功於地理上的得天獨厚──赤道熾烈的陽光加速了海洋與陸地的水分蒸發；信風從海洋帶來了水氣；毗鄰的山脈則迫使氣流抬升、冷卻並凝結成雨。甘霖垂降之地，便是孕育雨林之所。 位於新墨西哥州萊丘吉亞洞窟的地下湖泊，研究人員在這裡找到了能將岩石轉變為土壤並蝕鑿出石灰岩穴室的微生物。 但這只道出了半數情節。在森林地表之下，植物根系和絲狀真菌構成了浩瀚的共生網絡，從土壤中汲取水分並輸送到樹幹、莖和葉片中。亞馬遜雨林中近四千億棵樹木在吸滿水分之後，會透過蒸散作用釋放多餘的水分，每天讓大氣中充滿了兩百億噸的水蒸氣。與此同時，各種植物還會泌出鹽分，並散發出一股股刺鼻的氣體化合物；嬌巧如紙傘或粗短如門把的蘑菇噴吐著一團團孢子，風將細菌、花粉粒，以及樹葉和樹皮碎屑捲入大氣當中。 位於南達科他州萊德市的霍姆斯塔克舊礦井，如今設立了美國最深的地下實驗室—桑福德地下研究設施。 森林的濕潤氣息，混雜著微小生命與有機殘留物，創造了理想的降雨條件。空氣中含有如此豐沛的水分，還有無數能讓水分附著凝結的微粒，雲層便迅速形成。某些空中浮游的細菌甚至能促使水滴凍結，使雲層增大、變重，讓雨水更容易傾倒而下。通常情況下，亞馬遜雨林一年內大約有一半的降雨是自己製造出來的。 資料及圖片提供」野人文化 編輯」江瑜

坐落於阿姆斯特丹東南隅的Bijlmerbajes監獄，是建於1970年代的舊建築。隨著城市發展，這片被高牆圍繞的封閉基地，逐漸成為市中心的一座孤島。如今，在房地產開發商AM與OMA建築事務所共同推動下，這座22,687坪的舊監獄，透過設計團隊所制定的「Bajes Kwartier」計畫，轉型為融合住宅、商業、文化與綠地的永續社區。 「The Martin」位於中央廣場，四個量體交錯疊合，形成具有動態感的建築輪廓。 Bijlmerbajes運作於1978年至2016年間，原本即以相對開放的管理理念支持受刑人復歸社會。園區由行政大樓、六座塔樓及中央廊道「Kalverstraat」所組成。OMA保留了監獄外牆、行政大樓及一座塔樓，並重新引入行人與自行車動線，讓長年封閉的基地重新與城市連結。昔日的「Kalverstraat」化身為串聯四大聚落的綠色軸線，僅存的塔樓則改造為展示都市農業的「綠塔」，成為垂直公園與觀景平台。相較於舊塔樓厚重的混凝土量體，新建築以多樣材質、開放立面與靈活輪廓展現全新的城市風貌。 「Bajes Kwartier」以永續社區為目標，整合住宅、商業、文化與綠地，包含行政大樓、六座塔樓及貫穿其中的Kalverstraat廊道。 三棟住宅 延續場域記憶 OMA負責規劃其中三棟的住宅建築，以設計回應場域歷史。其中，位於東北角的「The Jay」建於原規劃第七座塔樓預定地，歷經半世紀空置後終於完工。建築以白色預鑄混凝土與方窗立面，呼應未曾實現的塔樓，而其微凸的窗框比例則取材自舊監獄柵欄，塑造新舊融合的視覺景致。室內規劃中央走廊，並布置共享客廳、共同工作空間及鄰近古牆的花園，南向立面則整合太陽能板與植生牆，構建兼具交流與永續的社交環境。 「The Martin」以連續露台創造通透層次，與相鄰的舊監獄塔樓在量體與表情上形成明確對話。 坐落中央廣場的「The Martin」由四個交錯量體堆疊而成，層層露台塑造通透且立體的外觀，與舊監獄塔樓形成鮮明對比。環繞建築的陽台與玻璃欄杆展現開放的生活景象，室內則圍繞一個中央核心與兩座中庭配置，打造2至4房的多元住宅。6樓與9樓則設有屋頂露台及共享空間，增進住戶之間的交流，以及舉辦公共活動的可能性。 空間以中央核心與兩座中庭為軸，配置2至4房住宅，因應多元居住需求。 設計以舊建材再利用回應永續目標，綠意的介入，則為空間注入自然溫度與表情。 循環永續是「Bajes Kwartier」計畫的核心理念：拆除塔樓混凝土、鋼筋與牢房門等約98%的建材，回收再利用；社區則透過地底冷熱儲存、太陽能發電、有機廢棄物循環利用、雨水管理及完善的自行車設施，朝能源中和目標邁進，讓這座昔日象徵禁錮的監獄，蛻變為自由、開放且充滿生機的新世代城市社區。 建築以陽台與玻璃欄杆呈現通透感，屋頂露台與共享空間設置於6樓與9樓，為住戶提供交流與活動場所。 資料及圖片提供」OMA、Ossip van Duivenbode 編輯」林靖諺

人與人之間的溝通，或許面對面或以對話的形式、或許書諸於文字，以此達成資訊的交流，人聲的高底起伏代表人類社會約定成俗的語言規則，形成人類嘗試彼此理解對方的編碼和工具，卻不知是否有人也曾嘗試賦予語言以外的聲音承載意義的可能？ 塔瑞克．阿圖伊，《 十一拍聲搏》， 2020年，熱昇華墨水、黑膠唱片機研究、鈸、鑼、水滴聲與電腦生成聲音，尺寸依空間而定，私人收藏。 臺北市立美術館國際展覽「調：心境與聲景之間」邀集13位來自台灣、香港、印尼、越南、印度、中東及歐美等不同國家的藝術家，以聲音為主軸、藝術為形式，橫跨裝置、錄像、繪畫、聲響等多元創作，探索人類如何在變動的世界中重建感知與連結。 展場一隅。 新加坡策展人許芳慈於展中提出「聆水」、「聞息」及「聽壤」三大主題，分別以水、空氣與土地作為思考媒介，討論自然環境與人為事件彼此交織的關係。策展以聲音為起點，串起時間、空間與記憶，引領觀者重新理解生命、環境與政治之間細膩而複雜的關聯，在萬物彼此牽動的頻率中，尋找共享世界的可能。 蘇珊．舒普利，《 聽冰》， 2021年，4K錄像、彩色、立體聲，17分37秒。 以聲頻建立的橋樑 水既是生命的起源，也在地圖上勾勒土地的邊界，展覽以「聆水」為先聲，引導觀眾走近自然和人對話的開始。塔瑞克．阿圖伊《十一拍聲搏》取材阿拉伯塔拉布（Tarab）傳統音樂，組織滴管、揚聲器和水珠的流動，成為一種獨特樂器，循環構成十一拍節奏，讓觀者在近乎冥想的滴水節拍中感受時間的腳步。 芮娜．賽尼．卡拉特，《合唱一號》，2015-2019年，玻璃纖維彩繪、金屬、喇叭，5分11秒，單聲道音訊，244 × 173 × 142公分。 蘇珊．舒普利《聽冰》則將視角投向冰凍圈，紀錄冰川碎裂、融水奔流及封存數千年的氣泡因暖化而爆裂的聲響，同時邀請因冰川退縮而搬遷的喜馬拉雅居民共同聆聽，錄製為影片，讓在帝居民們從新的角度認識這個塑造他們一生遷徙過程的自然環境。 陳庭榕，《 我只在乎你（私語）》， 2018年，八聲道無伴奏人聲聲音裝置，聲音系統、喇叭、同步機制、熱浸鍍鋅板、黑鐵、紙漿（以每日可拿取的免費報紙製成），8分35秒（每15分鐘播放演奏），90 × 205 × 555公分，2018年Kunsthalle Wien 委託製作。 巴古斯．潘德加與今津景合作的《自然綠4.3創作之人造綠意》，利用活體植物的生物訊號驅動機械手臂持續作畫，選用大王椰子呼應台灣與印尼共享的熱帶景觀，也映照殖民歷史留下的文化痕跡。入口處袁旃《會走路的山》則以流動交疊的墨線描繪九二一地震後土地仍持續震顫的生命力，使傳統山水不再靜止，轉化為有呼吸節奏的有機生命。 今津景、巴古斯．潘德加，《 自然綠4.3創作之人造綠意》， 2025年 (2026年重製)，水性顏料、麻布、模組化合成器、電腦、大王椰子樹，尺寸依空間而定。 自然與人的共鳴 藉由呼吸的節奏，進入「聞息」的範圍，探討大氣中的聲音傳導如何承載情感與權力。哈吉拉．瓦希德《來自姐妹的家書（2015年11月16日）》取材自與家人往來的信件，背景映照巴塔克蘭劇院攻擊事件後、法國進入緊急狀態的歷史時刻，文字緩緩浮現於天空投影，使個人經驗與殖民、戰爭及國家暴力交錯相映，展現同一片歷史背景下的不同面相。 林其蔚，《 唸珠》， 2018年，聲音裝置，尺寸依空間而定，臺北市立美術館典藏。 勞倫斯．阿布．哈姆登《風之合奏》將薩克斯風演奏投映於低音喇叭表面，對比敘利亞戈蘭高地因風力發電設施引發的領土爭議，以風聲傳遞自然與人為衝突的兩面性，形塑作品聲景。陳庭榕《我只在乎你（私語）》依歷史紀錄仿造源自金門北山的播音牆，讓鄧麗君曾被用於心戰喊話的歌曲重新浮現，也提醒觀眾，聲音既能傳遞私人情感，也可能成為權力操作與意識形態傳播的工具。 阮純詩，《四十七天，無聲》，2024年，錄像、雙銀幕、鏡面；錄像：三頻道投影、16:9、16:9與5:2銀幕比例、黑白與彩色、聲音（立體聲），31分39秒。本作品由哈恩．內夫肯基金會、森美術館、香港M+以及新加坡美術館共同委託創作—2021年歐亞動態影像委製計畫。 此外，楊嘉輝《煙霧奏鳴曲》以日本寺院的宗教儀式為背景，透過煙霧流動與細微聲響，引導觀眾將注意力由實體轉向抽象，體會精神性與無常。林其蔚《唸珠》則以色珠構成樂譜，經由誦念錄音檔鋪陳背景，編織色彩、語言與聲音，成為空間雕塑，與畫家余承堯描繪山勢起伏、深受南管音樂影響的山水作品並置，形成視覺與聽覺交互映照的聯覺體驗。 聲音的多元轉化 「調：心境與聲景之間」引導來賓在展覽體驗中靜下心神，傾聽錄像、裝置、繪畫與聲響之間的彼此呼應，使觀展不再只是凝視作品，而是一場需要放慢步伐、反覆感受的身體經驗，同時亦與北美館所在場域形成耐人尋味的對話，白色展廳一如持續接收與發送訊號的感知場域，將自然、生態、歷史與社會交織成一片可被聆聽的聲景。 「調：心境與聲景之間」展覽主視覺。 從滴落的水珠、冰川崩裂的回音，到戰爭年代的廣播、植物微弱的生物訊號，本展提醒人們，世界始終充滿各種聲音，溝通不僅於發出自己的聲音、也在傾聽他者的表達，當人們放慢腳步，重新調整自身與環境的頻率，「調」便不只是展覽名稱，更是一種與他者共振、與萬物同行的生活姿態，也為當代藝術提供了一種理解生態與地緣關係的新視角。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

紀實攝影一詞出現在19世紀中葉，早期多以戰地攝影或是記錄飢荒等議題為主，重點在於透過真實、不加以美化的拍攝手法，用照片紀錄事件，特別是即將消失的社會現實、人類生存狀況，強調其社會學的文獻價值，為求可信、可靠的畫面，傳遞文字表述以外的事件細節。  「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」策展人張世倫，透過攝影作品、出版文獻、工作樣片、手稿及歷史檔案等多元媒材，梳理台灣紀實影像敘事與文化記憶。（新北市美術館提供，攝影：王世邦）  新北市美術館近日推出研究型展覽「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」（Minjian / Photography : Documentary Vision and Its Realist Inflection），策展人張世倫將展示重點聚焦於台灣近百年紀實攝影發展，集結松山虔三、張才、黃則修、黃永松、姚孟嘉、張照堂、梁正居及林柏樑等八位重要攝影家的創作與文獻，提取「民間」作為關鍵字，探討攝影與社會互動演進的關係，以及鏡頭何以形塑屬於在地的影像敘事與文化記憶。  林柏樑，〈都市邊緣人—臺北二號水門〉，數位輸出，72 × 102 公分；〈私人備忘：都市邊緣人〉，13 × 18 公分，1989年。 反思民間文化視野 本展以「民間」作為核心概念，特意保留華語拼音「Minjian 」作為英文展名，而非直接以現代詞意翻譯為 folk、vernacular 或 popular，源於此處所引用的「民間」並非單純指涉民俗文化，而是介於官方與非官方之間，經由人民的食衣住行、教育和信仰共同交織，並橫跨時代變遷所形塑的文化空間，是以透過稱呼強調歷史脈絡與在地語境。  林柏樑，〈輕觸傳統的體溫—鹿港龍山寺〉，數位輸出，60.96 × 76.2 公分，1985年。 對歷史的觀測，多承襲官方史料和數據，經由專業的學者判斷與整理，雖事件紀載相對精確，但也存在視野受限。本展將審視歷史的鏡頭移動、從非官方的媒體取材，自日本殖民時期由日籍知識分子所創辦的月刊《民俗臺灣》之攝影師松山虔三的民間影像出發，延伸至張才、黃則修等戰後攝影家的街頭與地方紀實，以及張照堂充滿實驗性的影像創作。  姚孟嘉，〈南投埔里〉，銀鹽相片，60.96 × 50.8 公分，1977年。張照堂檔案庫提供。 從1938年到1980年代，通過站在不同時地、為不同立場發聲的媒體，以及為其服務的攝影師們，經歷不同民族在這塊土地上的碰撞、消化戰後的重建，為台灣紀實攝影提供了現代化的雛型。  展覽內容包含攝影家工作樣片、手稿、出版刊物及歷史檔案，展示影像從拍攝、編輯到出版流通的生成過程。（新北市美術館提供，攝影：王世邦） 攝影與環境的對話 展中所關注的對象不僅止於攝影捕捉的畫面隨時代審美而產生的結構性演變，同時並重攝影如何與出版文化、民俗調查、地方行腳等多重媒介形成合作關係，以及環境對攝影師定位所產生的影響。是以展覽呈現攝影家的工作樣片、創作手稿、雜誌原始版面與紀錄影片，以及工作樣片、手稿、出版刊物及歷史檔案，嘗與歷史畫面並置共存，試讓影像展示的內容不只定格在「一幕」，延伸重返其誕生的歷史現場。  張才作品一隅。（新北市美術館提供，攝影：王世邦）  透過作品與文獻的交互參照，讓觀眾看見影像從拍攝、編輯到出版流通的生成過程，還原紀實攝影逐步參與社會知識與集體記憶的建構過程，以眼之所見，成為信任的憑據，建立現代與歷史溝通的橋樑。  張照堂，〈北投〉，銀鹽照片，50.8 × 60.96 公分，1980年代初。 梁正居，〈南投八通關〉，銀鹽照片，50.8 × 50.8 公分，1983年。 超越時間的觀看角度  針對民間的研究和定義，必然建立在層層歷史的堆疊和演進的過程，也拓展了被傳統史觀所忽略的個體議題，本展以攝影為切入點，探討攝影師的職業背景、創作歷程、取材資訊以及發表平台，以此串連地方、共同體、知識生產與文化流動。  黃永松，〈作醮，龍潭（「醮」）〉，數位輸出，60.96 × 50.8 公分，1970年。英文漢聲出版股份有限公司授權重製。 台灣的紀實攝影並非某種既定的風格標籤，也不是模仿致敬海外藝術風格的複製創作，而是在殖民統治、戰後體制與現代化進程中，持續與現實碰撞、協商而得的歷史結果。攝影者們透過鏡頭與編輯的複合實踐，是自身與社會的對話、也是當下寄予未來的信件，在影像中儲存的畫面，折射攝影者的自我定位、觀看者的認知解讀，和他們身後的整個時代。  黃永松，〈持傘婦人，九份〉，數位輸出，60.96 × 50.8 公分，1972年。英文漢聲出版股份有限公司授權重製。 資料及圖片提供」新北市美術館 編輯」江瑜