2026米蘭設計週（Milan Design Week）中，德國頂級廚電Gaggenau以「凝然聖域PRESENCE」，重返現代主義地標──內基．坎皮里奧別墅（Villa Necchi Campiglio）。自2022年起，這座別墅不僅是Gaggenau兩年一度構築美學殿堂的聖地，更見證了品牌六年三部曲策展的演進。 2026米蘭設計週中，Gaggenau以「凝然聖域PRESENCE」為主題，詮釋品牌的當代美學。   「凝然聖域」是 Gaggenau對動盪時代的深刻內省。面對紛繁不確定的當今社會，Gaggenau透過精煉的建築語彙屏除冗餘，在米蘭城中打造一處靜謐綠洲，觀者在步入Villa Necchi花園的瞬間，便將城中喧囂隔絕於門外。這是一場向內的感官覺醒：建築式展場建構的秩序與寧靜，引領觀者過濾時代的雜訊，隨著光影引導，材質的鋪陳，紛擾逐步沉澱，讓人得以在呼吸間感受空間的寬裕，回歸當下的專注，凝望生活本質的「存在」。   展場設計由品牌長期合作的慕尼黑建築設計團隊1zu33操刀，憑藉多年來攜手打造全球旗艦店與米蘭設計週展場的深厚默契，他們再次運用極致材質語彙，精準詮釋了品牌美學的當代演進。 展場運用宏偉的對稱軸線與序列立柱營造超脫塵囂的氣氛。   隱匿於世的現代神殿 展場宛如一座隱匿於世的現代羅馬神殿，以宏偉的對稱軸線與序列立柱，勾勒出肅穆的空間精神。對義大利古典建築與人文遺產致敬的同時，更透過光影的精準布局，將場所神聖的秩序感賦予當代的樣貌。   羅馬洞石、玄武岩與燒杉木等天然材質在此交疊，散發大地與歲月交織的沉穩厚度；在柔和漫射的光影下，營造出超脫塵囂的永恆氛圍。Gaggenau褪去電器的冰冷，被賦予靈魂地安置於神龕般的結構中，與橫亙千年的材質展開對話，透過刻意的留白與比例控制，引領觀者進入去蕪存菁的沉思，在此，唯有工藝的本質得以凝練不朽。 Gaggenau的作品彷彿被賦予靈魂，放置於神龕般的結構中。   材質：空間的敘事靈魂 在這座聖域中，廚電產品不再是獨立被陳列的物件，而是與空間共生的建築語彙。視覺中心的石梯利用羅馬洞石（Travertine）疊砌，Expressive系列烤箱鑲嵌其中，石材原始的力與美，以及金屬的精準冷冽，在對比中碰撞出高張力的感官敘事。 Expressive系列烤箱鑲嵌在由羅馬洞石打造的石梯中，石頭和金屬交織出極具張力的美感。   Minimalistic系列烤箱漂浮在一座鏡面玻璃立方盒中，藉由背光鏡面與染色玻璃的層疊，演繹深邃、無界且輕盈的當代美學，讓Gaggenau作品化為純粹的幾何藝術。 Minimalistic系列烤箱展示於漂浮鏡面玻璃盒中，深邃又輕盈。   由高溫淬煉的燒杉木跟玄武岩水平疊砌而成的中島，展現如地質景觀般的野生粗獷。Vario 400系列爐具的精緻光澤猶如從原始岩木中精煉而生，這座大量體彷彿是空間中的祭壇，以紮實的份量感錨定核心。  Vario 400系列爐具跟粗獷的燒杉玄武岩中島相互結合。   Vario Expressive系列冰箱與酒櫃則隱身於拋光黃銅牆面後，宛如通往神殿最深處的密室入口。當門扉優雅敞開，內部的溫潤暖光從金屬牆體中滲出，消融了立面的厚重感。 Vario Expressive系列冰箱與酒櫃隱於拋光黃銅牆後。   持續推動廚房美學 Gaggenau於2022年首度以「形之表述A Statement of Form」現身米蘭設計週，2024年以「重力昇華The Elevation of Gravity」窺見未來，再到 2026年以「凝然聖域PRESENCE」完整了跨度六年的米蘭三部曲策展；每個篇章都更趨近本質，從可見到可感，從形塑到存在。   品牌的設計根植於「傳統前衛」（Traditional Avant-garde）哲理，每件作品皆是對源自1683年匠心工藝的致敬，同時也見證當代廚房的演進，透過設計探索與空間共生的可能，為現代精緻生活樹立全新美學典範。     資料及圖片提供」Gaggenau 編輯」陳映蓁

來自丹麥的設計品牌&Tradition推出全新春季系列作品。延續品牌對人、材質與生活環境的關注，本季結合全新設計與經典再現，透過家具、燈具與戶外系列的多元呈現，回應當代生活的不同面向。從空間的流動、光的氛圍，到材質的選擇與戶外生活的延伸，&Tradition以更貼近日常的方式，重新思考設計與生活之間的關係，展現在經典與當代之間流動的設計語言。 Verner Panton 100週年限定櫥窗，採用Flowerpot VP1新色吊燈交錯懸掛，構築層次分明的光影節奏。   Flowerpot：重現1970年代經典配色 誕生於1968年的Flowerpot系列，為Verner Panton最具代表性的經典設計之一，以簡潔而富有玩味的造型語彙，重新定義燈具與空間之間的關係。透過上下兩個半球形燈罩的比例關係，光線柔和地於其中流動，形塑出標誌性的光影層次，成為丹麥設計史上的經典符號。 Flowerpot：重現1970年代經典配色   為紀念Verner Panton百年冥誕，&Tradition攜手Verner Panton AG Designs，從品牌檔案中汲取靈感，推出全新配色：夜幕藍（Steel Blue）、象牙白（Ivory）與暖陽橘（Zesty Orange），重現1970年代經典的色彩組合。三種色調透過吊燈形式並列呈現，展現出當代與復古交織的視覺節奏。 瑪黑家居針對Verner Panton 100週年的展示布置。   Hi Lo系列：重新定義坐感 Hi Lo沙發將舒適與造型結合，讓沙發得以包覆身體。其寬厚的比例與強調包覆感的軟墊結構，讓使用者在入座時自然被承接，形成放鬆且微傾的姿態。低矮的座面搭配高背設計，並透過向上延伸的曲線，側面以近似C型的輪廓營造出向內包覆的安全感。Hi Lo由單椅與轉角模組構成，可靈活組合為不同配置，延伸為更完整的休憩場域，設計團隊Anderssen & Voll表示，設計正是從人體工學與深層舒適出發，帶來直覺且富有吸引力的使用體驗。 Hi Lo沙發   Kape系列：工藝與結構的結合 &Tradition攜手Industrial Facility推出全新Kape餐椅。以簡潔而鮮明的輪廓為起點，Kape不僅回應當代空間的美學需求，更從設計源頭重新思考家具的使用壽命與可持續性，一開始便以「延長使用壽命」為核心概念，設計團隊將可替換與可維修性納入結構之中，使座椅布套如同量身訂製般精準貼合，並可輕鬆拆卸與更換，讓家具持續被使用與更新。 Kape餐椅   Kape最具代表性的特徵，在於其標誌性的「K型結構」框架。以回收鋁材打造，線條俐落且具有辨識度，同時支撐整體比例與結構強度；座椅內部則配置兩種不同密度的泡棉，分別對應座面與椅背，提供更細緻且長時間的乘坐舒適性。另外，整體結構可拆解、布套可替換，使產品在生命週期結束後更易於回收與再利用。   Develius系列：靈活且有序 延續Develius模組沙發所構築的空間語彙，設計師Edward van Vliet推出全新咖啡桌設計，此款咖啡桌以一致且連續的設計邏輯，進一步拓展整體系列的使用情境，形塑更完整的休憩場域。 Develius咖啡桌   咖啡桌以纖薄且精準堆疊的鋼板構成，在功能與視覺之間取得平衡，提供充足的桌面與收納空間，同時透過簡潔比例，使整體視覺輕盈而不干擾空間；表面採細緻粉體塗裝，提供石灰與白色兩種色調，在低調之中展現細膩質感。懸浮式結構讓桌體彷彿離地而立，甚至可嵌入沙發模組之間，有效減輕模組家具的厚重印象，離地設計亦有助減少灰塵堆積，使空間維持清爽俐落的氛圍。   Utzon系列：以建築語彙轉譯光的層次 &Tradition為經典Utzon吊燈系列推出三款全新配色：炭灰、杏褐、勃根地紅，透過更細膩且當代的色彩語言，重新詮釋這款誕生於1947年的設計作品。 Utzon吊燈   此燈款由丹麥建築師Jørn Utzon所設計，早於其雪梨歌劇院的建築創作十年問世，其層疊式結構與幾何輪廓已隱約展現日後建築語彙的雛形。燈罩靈感來自他童年於父親船廠的觀察經驗，透過深沖與金屬旋壓工藝製成四個獨立組件，再精準組合成具有雕塑感的整體造型。     資料及圖片提供」瑪黑家居 編輯」陳映蓁

奢華生活風格品牌壹酒店1 Hotels日本首間據點「東京壹酒店（1 Hotel Tokyo）」正式開幕。酒店坐落於東京赤阪信託大廈高樓層，坐擁皇居御苑、東京塔與城市天際線的開闊視野；此次開幕亦象徵品牌將其指標性的自然設計語彙、創新餐飲理念、注重身心健康的生活方式，以及對永續發展的堅持，正式帶入東京這座國際大都會。 東京壹酒店牆面呼應皇居護城河的石砌工藝。©Mikkel Vang   日本長期崇尚與自然共存的生活哲學，講究細節、節制，以及對材質的尊重，並深植於日常生活之中。這樣的美學精神在東京壹酒店得到了充分展現，酒店整體以打造城市中的靜謐場域為概念，透過永續建材的運用、細緻的綠植配置，以及富有質感的工藝細節，營造出與自然連結的住宿體驗。   高空綠境的感官旅程 設計靈感源自日本對材質的細膩理解與尊重，並結合壹酒店指標性的親生物設計理念，打造沉浸式饗宴，同時融入敞朗的城市景觀視野；從回收材料的運用到嚴謹的營運流程，成功取得日本最高環境認證。 酒店大廳一隅。©Kentaro Kumon   室內由國際建築與設計團隊CRÈME操刀，在城市天際線之上打造一處結合自然與設計的高空場域，並隨著移動逐步展開空間體驗。自地面層開始，一面綠植牆引導賓客暫離城市喧囂，轉入相對安靜的情境中；隨著動線向上延伸，如同沿著樹幹向上攀升，最終抵達位於38樓的大廳，進入象徵「樹冠」的開闊綠意場域。 以自然材質與簡約設計打造，提供自在舒服的室內休息空間。   自然元素貫穿整體設計，木質天花板以細緻紋理呈現樹皮意象，牆面則藉由層次質感，描繪如同空氣流動般的視覺效果；指標性的大谷石牆面呼應皇居護城河的石砌工藝，讓空間和東京的景觀與歷史語境相互連結。綠植則為重要核心，展現壹酒店將戶外自然元素引入室內的設計理念；從充滿生命力的綠植牆，到公共空間中大量植栽的配置，再到將景觀引入室內的規劃，皆構築出置身城市之中卻與自然共存的氛圍。 起居空間結合寬敞格局與大面窗景設計，打造舒適且具開闊視野的住宿環境。 浴室寬敞舒適，結合自然元素設計，打造放鬆身心的沐浴體驗。   酒店共設有211間客房，包括24間套房及3間頂樓套房，整體以自然為核心，融合日式極簡美學，同時兼顧現代旅宿所需的舒適機能。客房內點綴以永生苔蘚與回收木材製成的親生物藝術作品，搭配在地工藝裝飾與細緻配置的綠植，打造自然與質感兼具的氛圍。部分房型更以窗景為框，將皇居御苑與東京天際線引入室內，成為景致的一部分。 房內可將壯麗的城市景致盡收眼底。©Kentaro Kumon   餐飲饗宴亦是東京壹酒店的重要亮點之一，從白天到夜晚呈現不同節奏及氣氛，酒店共規劃三個風格鮮明的餐飲空間──NiNi、Spotted Stone與Neighbors Café，不僅吸引旅客，也成為在地居民日常聚集的場所。透過多元餐飲形式與空間設計，打造適合交流互動、放鬆停留的用餐環境，同時形塑具有生活感與歸屬感的社交場景。 NiNi餐廳入口以自然材質與光影設計為主軸，營造結合城市景觀與用餐氛圍的迎賓場域。   NiNi Bar夜間透過燈光設計與空間層次，勾勒溫潤且具節奏感的氣氛。   資料及圖片提供」東京壹酒店 編輯」陳映蓁

在南國溫暖的春陽映照下，一座承載歷史記憶的建築迎來新生。近日屏東縣立美術館舉辦開幕式，並正式向公眾敞開大門，開館首展《當繁花盛開—日本當代藝術展》同步揭幕。這座由日治時期菸葉廠房改建而成的美術館，不僅是屏東文化建設的重要里程碑，更以橫跨百年藝術脈絡的國際大展，展現屏東連結世界的雄心。 保留原有建築，並讓入口退縮，創造開闊的視覺感受。   歷史空間的重生 這座建於日治時期的菸葉廠房，在建築師石昭永的巧思下，保留原建築耐重結構與高挑空間的特色，為空間引入自然天光。天光透過側向反射屋頂進入室內，形成柔和而間接的光影層次，讓光成為塑造氛圍的重要媒介。佔地1600坪的兩層樓建築，以中央連通廊道為動線主軸，串聯多功能空間、展廳、開放階梯區與公共設施，形成清晰而流暢的參觀路徑。 旋轉樓梯縱向串聯，讓觀者在垂直移動時感受光線、尺度與空間層次的變化。​ 開幕典禮上，縣長周春米、策展人王玉齡應邀出席，日本藝術家小松美羽、中村萌、江上越與日本台灣交流協會高雄事務所所長奧正史更親自來台，共同見證南國藝術新篇章。縣長周春米表示，屏東縣立美術館不僅作為藝術展覽及美學教育的重要基地，更是屏東與國際藝術對話的重要窗口。首次來到屏東的日本藝術家小松美羽也分享，對屏東溫暖的光和風印象深刻，期待這樣的經驗能運用於往後創作之中。 懸浮於光之中的玻璃展櫃，成為串聯樓層與視線的視覺焦點。   從廢墟中綻放的藝術風景 作為開館首展，《當繁花盛開－日本當代藝術展》由蔚龍藝術總經理王玉齡擔任策展人，並邀請曾任金澤21世紀美術館館長的秋元雄史擔任展覽顧問。策展理念從菸廠轉化為美術館空間出發，本身即是重生；而日本戰後以來的藝術發展，亦是日本藝術家們的每一世代，從戰火灰燼中重生，他們重新找到屬於日本傳統與自我藝術之間最具原創性的表達形式，如同廢墟中破土而出的花朵。 展場一隅，「夢境與幻花：感官擴張」藉由草間彌生與鹽田千春，構築介於幻覺與記憶之間的精神景觀。   展覽以花為隱喻，並劃分為六大子題，細膩梳理日本當代藝術的發展脈絡，呼應這座近百年歷史建築的軌跡精髓，集結草間彌生、村上隆、奈良美智、鹽田千春、荒木經惟、蜷川實花、小松美羽、中村萌、井上有一、白髮一雄、高野綾、六角彩子、天野喜孝、空山基、名和晃平、江上越共16位日本重量級藝術家，橫跨書藝、繪畫、攝影、雕塑與裝置等多元媒材，總計58組作品。 展內一隅，「艷影與日常：愛慾凝視」在荒木經惟與蜷川實花的鏡頭下，捕捉慾望的流轉和時間的無常。   在地典藏雙展並陳 台日文化交流平台 除了國際特展，二樓《大湧崁岸》典藏展由藝術家黃志偉與許遠達共同策劃，以黑潮與山海意象為主軸，精選屏東縣多年來典藏作品，從族群文化、土地記憶到南方風貌，梳理屏東藝術發展的歷史脈絡。展覽更串連國立臺灣美術館、臺北市立美術館及高雄市立美術館三大館藏，並向福岡亞洲美術館借展，結合多媒體互動與數位展示形式，展現屏東在全台藝術網絡中的積極角色。 中央廊道局部挑空，形塑通透流暢的參觀動線。   屏東縣立美術館的成立，不僅是地方文化建設的重要時刻，更是屏東走向國際的起點。這座從菸廠廢墟中重生的美術館，正如策展人所言：以花為隱喻，藝術家們透過各自創作語彙綻放不同姿態，讓這片南國土地的藝術紋理，被更多人看見。   《當繁花盛開—日本當代藝術展》 時間」2026年3月28日至8月30日 地點」屏東縣立美術館（屏東縣屏東市菸廠路1號，屏菸1936文化基地） 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」蔚龍藝術 編輯」林靖諺

勤美術館（CMP INSPIRATION）即將於3月20日迎來一場前所未有的策展變革。全新春季特展《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》，由知名藝術團隊「走路草農藝團」操刀，邀請觀眾放下對藝術的敬畏，入館化身成為一日藝術家，佔領美術館牆面。這不只是展覽，更是一場為期100天、目標集結10,000人共同完成的當代藝術實驗，並同步啟動 2026 年度藝術教育計畫。 策展單位走路草農藝團。©走路草農藝團   美術館模樣由你決定 自2024年底開館以來，勤美術館致力於「打開想像」，持續思考一座美術館如何成為城市中最自由的練習場，從每場展覽中不斷鬆動觀看與參與之間的界線，讓藝術不再只是被欣賞，而是一種可以被啟動的行動。   本次由「走路草農藝團」策劃，創辦人陳漢聲與劉星佑從街角常見的提問「你缺臨時工嗎？」轉化為對藝術體制的靈魂拷問「你缺藝術家嗎？」，思考日常勞動與藝術創作之間的關係──當社會清楚定義各種工作形式時，藝術勞動卻往往隱形。延續勤美術館前身「工家美術館」概念，試圖探問工家、藝術家與觀眾之間的界線，向源自雙手與行動的實踐致敬。不同於以藝術家為主體的展覽，本展將焦點放在尚未完成、正在發生的創作過程。 勤美術館2026春季展，主視覺形象示意圖。   觀展即參展 「走路草農藝團」以幽默翻轉嚴肅論述，規劃「非學院的藝術練習」，將勤美術館打造成四大功能各異的創作現場，構成一套完整的「藝術家養成動線」，讓觀眾在不同創作狀態中自由切換，同時邀約六組藝術家陪伴創作。分別是B1暖身基地：從簡單的點線面拼貼開始手作，找回觀察世界的全新視角；B1自由畫室：可自行擺設靜物、描繪靜物畫，體驗藝術家的視角轉換；1樓雕塑記憶庫：將自身的回憶小物件裝進葉片袋，縫入展場的大型柔軟裝置；1樓沙龍大平台：作為展覽的心臟地帶，觀眾的作品會在此輪流展出，直接成為美術館的正式展件。 創作場域「沙龍大平台」將輪流展出觀眾完成的作品。示意圖。 創作場域「自由畫室」透過角色轉換讓觀眾體驗藝術的流動。示意圖。   透過兩大關鍵機制，記錄每一位參與者的藝術勞動，挑高展場中央懸掛的巨型「浮空雲朵」塗鴉區，象徵群眾靈感的流動，觀者可在雲朵表面留下筆跡，隨著展期推移，雲朵將逐漸累積眾人的觀察與記憶，匯聚成一件隨時間生長的「活作品」，讓美術館變身為一座持續運轉的創作現場。 由藝術家李芳吟規劃的「雕塑記憶庫」，織縫於展場共創裝置上，讓一片片記憶匯聚成屬於草悟道的集體風景。示意圖。   藝術家賴怡璋與謝佳瑜共同合作「生成變化中的靜物」，邀請觀眾擺設靜物、描繪靜物畫，體驗最自由的創作氛圍。 《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》 日期」2026年3月20日至6月28日 地點」勤美術館     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

1975年至2025年，對Maxalto而言，五十年不僅是一段可被標記的時間軸，更是一場關於工藝、設計跟文化持續深化的歷程。品牌名稱源自於威尼斯方言「massa alto」，意指「至高之境」，自創立之初便揭示其核心精神──以超越時間的國際設計語言，詮釋奢華的本質。   1975年，Maxalto由B&B Italia創辦人Piero Ambrogio Busnelli所開啟。彼時，他懷抱著明確的願景：在現代工業體系之中，重新守護並發揚傳統手工技藝。這些技藝承載著深厚的人文脈絡，也孕育出歷久彌新的審美價值；七○年代設計界正值反思物質過剩的關鍵時期，在這樣的時代氛圍中，品牌選擇將創新軟墊工藝與歷史悠久的手工傳承深度融合，奠定日後獨具辨識度的美學基礎。 Maxalto五十週年，忠於經典仍不斷創新。 設計演進 Maxalto早期與Afra&Tobia Scarpa夫婦合作，建立起清晰的工藝語言，從實木和雕刻木材的選用，到透明光澤漆面所呈現的法式傳統拋光韻味，設計始終圍繞著能親手觸摸、親眼感受展開。不論是馬鞍針法縫製的皮革、法式古典扶手椅內的羽絨靠墊，或帶有東方情調的聚酯漆面處理，皆彰顯品牌對細節與材料對話的高度重視。這樣的做法，讓家具不再只是功能物件，更成為時光跟記憶的載體，長久陪伴日常。 栢悅國際針對Maxalto五十週年的擺飾陳設。   1993年，建築師兼設計師Antonio Citterio加入Maxalto，帶來另一階段的重要轉折。他以1990年代布爾喬亞階級的客廳美學為靈感，致力探索那個時代的品味典範，同時強調穩重、內斂且可長久使用的家具語彙。在他看來，每件作品都應回應其本質功能，並向安定而有儀式感的生活方式致敬，這樣的觀點，使Maxalto的產品線逐步形成低調而精準的整體風格，不追求流行標籤，而是藉由材質質感、榫卯工藝及克制線條，建立跨越季節和年代的耐看度。Antonio Citterio與品牌超過三十年的合作，形塑出近乎「無需言說」的設計氣質：設計師退居幕後，讓作品與工藝本身成為主角，在當代高度視覺化的環境中，這份節制而優雅的態度更顯無可取代。   五十週年限定｜Lilum 50的藝術跨界 為慶祝Maxalto五十週年，邀請荷蘭藝術家Patrick van Riemsdijk為經典Lilum貴妃椅注入書法式筆觸，推出全球限量50件的Lilum 50特別版。藝術家的創作以兼具力量與細膩的筆勢見長，此次合作中他將家具視為一件立體雕塑，自然質樸的筆觸和型態的複雜節奏動靜交融，形成張力對比之餘，亦維持極簡語彙的整體和諧。 Lilum 50特別版。品牌利用精心研究的轉印技術，將荷蘭藝術家Patrick van Riemsdijk的筆觸化為立體畫布。 高級的亞麻面料透過品牌研發中心開發的轉印技術，將筆觸轉譯為可被觸摸的立體表情，每件作品皆鐫刻獨立編號，並隨附藝術家簽名和Antonio Citterio親筆簽名並標註限量編號的證書，確保其收藏價值及獨特性。 經典Lilum貴妃椅注入書法筆觸，全球限量五十件。 Lilum 50特別版。   經典再詮釋｜Pathos 50餐桌 另一項五十週年紀念作品Pathos 50餐桌，桌體採雷射切割青銅框架，搭配實心義大利胡桃木桌面，共構鮮明識別；桌面邊緣特意保留天然未修飾的原始形貌，煥發當代設計的生命力。此作源自於Antonio Citterio 2011年的設計，時至今日再以紀念版本重現，青銅的莊重和木材的粗獷彼此映襯，強化Pathos系列一貫的優雅氣質，也體現Maxalto在「忠於經典」與「持續創新」之間的完美平衡。每張餐桌均附有設計師親筆簽名與限量編號證書。 Pathos特別版餐桌以雷射切割青銅框架與實心義大利胡桃木桌面構成鮮明識別。 青銅與未修飾木材形成強烈對比，突顯獨特的工藝美學。   回望五十年，Maxalto始終透過設計師與工藝師的協作，細膩詮釋家具的存在意義。品牌所追求的奢華，並非張揚形式，而是一種願意投注時間、專注與對話的生活態度。     資料及圖片提供」栢悅國際 撰文」陳映蓁

坐落於阿布達比薩迪亞特文化區核心，Baccarat Residences Saadiyat以高端住宅之姿，重新定義當代奢華生活的尺度。由當地開發商Aldar攜手Baccarat Hotels & Residences，將Baccarat 262年的水晶工藝轉化為可居住的空間元素，企圖在文化地景與精緻生活之間建立更緊密的連結。 Baccarat Residences Saadiyat建築外觀。   基地位置本身即具象徵意義，周遭坐擁阿布達比羅浮宮、阿布達比古根漢美術館等重量級文化據點，並與阿拉伯海岸線相互呼應，使本案成為文化感知與當代奢華的交匯點。   藤本壯介的流動建築語彙 作為國際知名的藤本壯介建築事務所（Sou Fujimoto Architects）在阿聯酋的首個住宅作品，Baccarat Residences Saadiyat完美體現了藤本壯介一貫的「自然與建築交融」思考，設計靈感取自薩迪亞特島海岸潮汐的節奏，以流動曲線塑造兩座獨特的雕塑量體，使建築外觀在地平線和天際線之間勾勒輕盈而具張力的姿態。透過層疊輪廓和柔化邊界，為高端住宅帶來不同於傳統豪宅的當代辨識度。 Baccarat Residences Saadiyat建築外觀。   水晶工藝轉譯細節 全案共規劃77戶住宅，涵蓋二至三房格局、四房空中別墅跟頂層特色戶。室內設計則由洛杉磯的StudioPCH負責，整體風格從新古典語彙出發，在對稱秩序與現代機能之間取得平衡，將Baccarat的「Art de Vivre」（生活藝術）精神轉化為可感知的空間細節，從燈飾、材質到觸覺尺度皆可見品牌水晶元素的隱性滲透，展現卓爾不群的恢弘氣派；同時亦提供深淺兩種飾面供業主選擇。 Baccarat Residences Saadiyat室內設計。處處可見水晶意象的呈現和轉譯。 Baccarat Residences Saadiyat室內設計。處處可見水晶意象的呈現和轉譯。   Baccarat Residences Saadiyat室內設計。處處可見水晶意象的呈現和轉譯。 而Baccarat Residences Saadiyat的多項設施和服務皆由品牌匠心策劃，將日常生活轉化為輕鬆高端的體驗，以此回應高端客群的使用情境。住戶可享私人水療與養生中心、無邊際泳池及專屬涼亭，並由24小時禮賓服務滿足私人宴會、購物體驗乃至航空安排等客製服務。Baccarat Residences Saadiyat以工藝和極致奢華勾勒尊貴品味，建築語彙、室內細節與文化場域彼此呼應，成為當地洋溢藝術生活美學的新地標。 Baccarat Residences Saadiyat設施。 Baccarat Residences Saadiyat設施。     資料及圖片提供」Baccarat Residences Saadiyat 撰文」陳映蓁

在講求效率與精準的現代生活步調中，家具不僅承載使用機能，也成為空間語彙的一部分。德國家具品牌Rolf Benz延續包浩斯「形隨機能」的設計精神，將卓越的德國精工技術轉化為更具彈性與當代感的居家提案。全新推出的JAZ沙發系列與LUKE單椅正是回應現代居住型態而生的作品。 JAZ沙發。   1964年創立於德國黑森林區Nagold 的Rolf Benz，持續以高於歐盟標準的「Made in Germany」品質要求自我檢視，其核心始終圍繞著「極簡、機能與精工」三大要素，半世紀以來在人體工學、材料工藝與製造精度上反覆推敲，形塑品牌一貫低調而內斂的質感，展現不需張揚的靜奢美學，同時兼顧長時間使用的可靠性與舒適度。   模組結構中的穿透感：JAZ沙發 全新的JAZ沙發系列延續此一脈絡，透過輕量化結構和清晰輪廓，重新定義現代的存在價值，讓家具與環境形成更為開放的對話關係。巧妙利用充足的離地間隙，以及坐墊與纖細鋁製框架之間獨特的鏤空安排，引導光影在下方自由流動，創造開闊的穿透感。這樣的設計模糊了沙發正面與背面的界線，無論從任何角度觀看都同樣優雅。 JAZ沙發。   在機能配置上，JAZ採模組化系統設計，從單座、雙件式組合到大尺度空間，皆能依需求延展或拆分。同時，也提供高度客製化的選項，可針對座椅框架、內飾與靠墊，進行不同材質與色彩的混搭，讓沙發成為呼應整體調性的關鍵角色。 JAZ沙發。   懸浮美學的延伸：LUKE單椅 與JAZ沙發系列同步推出的LUKE單椅，則以更為聚焦的形式延伸品牌對輕盈結構的探索。透過金屬框架的支撐，坐墊和靠背內飾彷彿懸浮於空中，完美詮釋「浮空美學」。當LUKE作為獨立單品使用時，能成為視覺焦點；與JAZ系列搭配時則可共構一致且具層次的客廳景觀。 LUKE單椅。 LUKE單椅。     資料及圖片提供」D&L丹意信實集團 撰文」陳映蓁

睽違十年，日本攝影與視覺藝術大師蜷川實花，攜其標誌性的絢爛美學重磅回歸，在華山文創園區盛大揭幕其海外最大規模個展《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》。這不僅是一次經典作品的再現，更是一場美學語言的全面進化。她與科技藝術團隊EiM深度聯手，打破平面攝影的框架，將影像、裝置、光影與空間融為一體，邀請觀眾步入一場穿梭於光與暗、生與死、現實與幻境之間的沉浸式感官旅程。 蜷川實花現身《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》 開幕記者會。   八大展區 層層遞進的敘事迷宮 此次以「彼岸之光，此岸之影」為題，精心構築八大展區，形成一首首視覺的敘事詩章。展覽起點《生命的呼吸》，以迷離的霓虹燈光與水箱裝置，營造如夢似幻的都市生命脈動。 展區《生命的呼吸》中的驚喜小彩蛋，台北街景、寺廟與巷弄的蹤影進入作品中。 細心的觀眾會發現，蜷川半年前秘密造訪台北時捕捉的街巷風景與廟宇光影，正悄然流轉於影像之中。這份獻給台北的深情彩蛋，源自藝術家對這座城市「懷舊與嶄新並存」的活力能量深深著迷。   展區《綻放的情感》一隅，透過音樂與影片和諧搭襯，在如夢似幻的自然場景中，感受令人深入其境的五感體驗。 展區《與光影共舞》一隅，透過極致的聽覺與視覺饗宴，感知大自然的生命歷程。 隨後，《綻放的情感》、《與光影共舞》等展區，逐步引領觀眾深入其核心美學世界。而台北站獨有的新增展區《生命的殘骸》，無疑是本次展覽的哲思亮點。無數印有巨大花朵的布幔自天幕垂落，層層交疊出盛放與凋零的殘影，行走其間，彷彿在鮮活的「此刻」與褪色的「記憶」中徘徊，優雅而深刻地展現生命與消逝。 展區《生命的殘骸》一隅，透過層層花樣紗布，呈現墓碑前供奉的花朵景象，傳遞徘徊於生死之間的記憶痕跡。   經典再詮釋 沉浸式體驗的極致展現 觀眾所熟悉的蜷川式攝影作品，在《解放與執著》與《綻放之境》中被賦予全新維度。它們與精緻的複合媒材、立體裝飾藝術交織，使平面影像化為可觸可感的空間敘事，展現其對華麗與執念的細膩凝視。 展區《解放與執著》一隅。 而於京都展備受熱議的《深淵彼岸的夢》，則帶來全然包覆的感官震撼：觀眾先被無盡怒放的絢爛花海擁抱，旋即步入由鏡面與巨型螢幕構築的720度無限全景空間。櫻吹雪、花火、律動海洋，場景永恆變換，使人徹底沉入一個超越現實的彼岸幻夢。   展區《深淵彼岸的夢》一隅，透過LED全景空間，以及絢麗綻放的花園，為觀者帶來彷彿脫離肉體感知的心靈之旅。 展覽的璀璨終章《光之細語，色彩之夢》，以全面升級之姿驚艷登場。超過兩千條水晶串飾編織出閃爍奪目的夢幻空間，光線折射下，蝴蝶、花朵與水晶交織出瞬息萬變的色彩光影，每一步轉身，都能遇見獨一無二光景。   展區《光之細語，色彩之夢》一隅，在超過兩千條的水晶串式的垂吊下，在光影折射下，蝴蝶與花朵顯得夢幻而生動，令人沉醉。 台北限定獻禮 美學與在地文化的交會 為慶祝此次里程碑式的展出，展覽特別推出多款由蜷川實花親自監修的台北獨家限定商品，其中不乏日本未曾發售的品項。從實用的大容量托特包、雅緻絲巾，到為多雨氣候設計的傘具，皆貫徹其華麗風格。最特別的莫過於因應藝術家對茶飲喜愛而誕生的「烏龍茶包組」，其包裝巧妙融入台式傳統花布元素，成為蜷川美學與台灣在地文化迷人的跨界融合。 展覽限定商品。 蜷川實花強調，本展是她與電影燈光、美術等多元領域創作者共構的成果，旨在打造如電影敘事般的沉浸氛圍，期待每位觀眾以探險之心走入這虛實交錯的迷幻國度，在極致的光、影與色彩流轉之間，尋找專屬於自身的情感共鳴與生命故事。 蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影 時間」2026年1月17日至4月19日 地點」華山1914文創園區 東2C、D棟 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」林靖諺