深耕台中逾30年的理和建設，繼2018年推出探討住宅議題的「思宅」展後，今年再度於台中Zero Space孵空間發表全新生活展「冉冉 Re: Life」。展覽以「在建築之前，讓生活先發生」為題，從佇立在地近28年的老咖啡館記憶出發，集結跨域創作者，透過視覺藝術、植物、光影、氣味與聲景，揉合出人與自然、土地與建築之間最純粹的對話。 台中Zero Space孵空間生活展「冉冉 Re: Life」。   跨感官的體驗 「冉冉」一詞，意指緩慢而持續地生長。這場展覽的源頭，來自理和建設位於台中七期、正對2.7公頃潮洋公園的新建案「青捻青」基地，這裡曾是陪伴周邊居民近28年的「瓊恩咖啡」，承載無數聚會和凝視綠意的歲月記憶；理和建設並未將僅將其視為一處景觀豪宅基地，而是思考如何延續這種令人願意「慢下來」的步調。 「留下的片段」展區。 「留下的片段」展區。   本次由大象設計擔綱策展並操刀主視覺，團隊在瓊恩咖啡拆遷前進行田野調查，將咖啡館的原木門框、舊地板跟檯燈帶入展場，讓時間的片段在展覽中重新著陸。展區沿著「建築之前、之中、之後」為軸線展開，規劃「留下的片段」、「停留的地景」與「未來的面容」三個段落，鹿森林實驗花廊以植物跟水景轉譯潮洋公園的林相，搭配透明壓克力構建出自然與建物的過渡層次；最終利用玻璃磚餐桌勾勒未來的居住意象，觀者可將植物花袋帶回日常，使自然綠意在生活中持續蔓延。 「停留的地景」展區。 「停留的地景」展區。   「未來的面容」展區。 除了視覺和空間的展現，「冉冉Re: Life」更是一場多感官的沉浸之旅。香氛品牌瀚思HANSCHIU特別調製專屬氣味「淨域」，以艾草、抹草疊加聖木與雪松等木質調，回應木材與建築交錯的質地；聲音藝術家蔡瑋德Nick Tsai則以ambient環境音樂為底，融入昆蟲及鳥類等田野錄音和電子合成聲響，讓聲音隨空間流動。 觀者可將植物花袋帶回家，使自然延伸進入日常。   慢下來的居住哲學 這份對於「慢」和「留白」的體悟，也體現於清奇設計總監蘇靜麒跟理和建設為「青捻青」所設定的建築構想中。 理和建設總經理許元誌、清奇設計總監蘇靜麒、視覺藝術家鄒駿昇（由右至左）。 該案以清水模材質回歸本質，透過空間退縮跟綠化，讓建築與周遭綠帶共呼吸。蘇靜麒分享，整體設計導入時間、自然、光與生活等議題，並汲取英國雕塑家林恩．查德威克（Lynn Chadwick）的幾何張力形塑大樓外觀，使其成為坐落於公園中的雕塑建築。 青捻青外觀。   雙生建築設計確保充足採光及順暢通風，大廳刻意向內退縮，公設則擺脫豪宅慣用的奢華材質，轉而關注住戶內省、平靜與感官經驗，以「私人訂製所」概念重新定義社交與隱私邊界。一層四戶的布局使各戶皆可享有開闊雙面採光，同時兼顧棟距視野與居住隱私；景觀陽台則讓居住者能實質感知風的流動和四季更迭，享受內心的輕省及舒展。 青捻青模型。採雙生建築形式，確保每戶均保有充足光線和良好通風。   理和建設總經理許元誌認為，建築並非在交屋時便劃下句點，唯有具備彈性調整可能、能伴隨家庭成長承擔不同任務的空間尺度，才能真正實現長久居住的安心價值；而「冉冉Re: Life」展覽也試圖串聯過去、現在與未來，聚焦於土地的記憶和人的日常，成為對於未來住居溫柔且堅定的提案。     冉冉Re: Life 日期」2026 12月27日前，每週四、五、六、日 10:00－16:00 地點」理和建設 Zero Space孵空間（台中市西屯區惠來里臺灣大道三段308號）     資料及圖片提供」理和建設 撰文」陳映蓁

當傳統古典紋樣錯落於滿布凹痕與壓擠痕跡、皺褶流動的當代器形上，「陶瓷」與「古董」的樣貌，都有了新的想像。花藝生活美學品牌Everijoy Floral Boutique攜手藝術選品品牌Everyday Galerie，推出「新古董－任徐乙凡繁花系列陶藝展」，以藝術家任徐乙凡的全新創作《繁花》為核心，2026年10月4日前於大稻埕百年老屋「納苒藝術工作坊」登場。 展覽選址於建築具有百年歷史的納苒藝術工作坊。   展覽串聯書法藝術、布袋戲演出，使「新古董」不僅是作品印象，更成為關於古老文化和靈魂如何被重新理解、使用，並再度走入生活的當代探問。 邀請書法藝術家Gna Yeh揮毫題字「新古董」，與任徐乙凡的作品交互輝映。   任徐乙凡《繁花》系列。 從素面《枕頭花器》到華麗《繁花》 任徐乙凡擁有美國羅得島設計學院（Rhode Island School of Design）藝術碩士學位，長期以陶土為媒材，透過擠壓、凹陷、皺褶和仿真肌理，鬆動陶瓷穩定的既定印象，其代表作《枕頭花器》將堅硬陶瓷形塑出近乎柔軟的視覺錯覺。 藝術家任徐乙凡與《繁花》系列作品。   《繁花》系列源於徐乙凡與千年「瓷都」景德鎮長達十餘年的關係。自2010年赴當地求學，浸潤於傳統紋樣跟文化薰陶，埋下了《繁花》系列的誕生契機。赴美接觸當代藝術與雕塑後，他認為傳統不再僅能「回望」，更成為可以辯證、重組和生長的語言。 任徐乙凡攜手景德鎮繪師，將古典吉祥花紋注入當代枕形花器。柔美輪廓與傳統紋樣交織，揉合古今風貌。 傳統花紋若放到當代嶄新的器形上，會碰撞出什麼火花？這個起心動念成為展覽最迷人的觀看入口，任徐乙凡與景德鎮當地繪師反覆討論、共同創作，為當代枕形花器披上古典繁花，蘊含吉祥寓意的紋飾落在柔軟的陶瓷輪廓上，化作彷彿來自過去、卻帶著今時風貌的「新古董」，散發獨特張力。 任徐乙凡尤其喜愛繪畫主題為綠地纏枝牡丹白馬的大南瓜瓶作品（左圖）。利用工筆新彩細繪四季花卉，搭配冊頁式開光與葫蘆器形的葫蘆瓶（右下圖左），以及繪著綠地幾何錦紋襯托龍鱗祥雲的枕頭瓶（右下圖右），也都極具特色。   一場新古典盛宴 《繁花》系列是將古典花紋帶入獨樹一格的當代枕形花器，展覽也由此延伸「古典與當代相遇」的思考，每一個策展元素均以不同維度對應古典 × 當代的交會，共構一場能觀看、聆聽、行走其中的盛宴。展覽選址於納苒藝術工作坊，這棟百年老屋曾歷經製茶工場、劇場等不同歷程，如今則化身為當代藝文場域，再現新穎生命力，亦緊扣展覽核心精神。 展覽現場，結合當代陶藝、書法、花藝到傳統掌中戲，讓熟悉的美有了嶄新模樣。   同步呈現廣受喜愛的標誌性作品《枕頭花器》。 若說《枕頭花器》呈現的是「柔軟與堅硬的共生」，《繁花》則是一場「傳統與當代的相遇」。在百年建築裡，歲月更迭、經典延續，熟悉的美有了嶄新模樣，繁花於此再次盛開。 將門票化為紙扇，結合任徐乙凡作品圖章拓印，創造獨特觀展記憶。   新古董－任徐乙凡繁花系列陶藝展 日期」2026年10月4日前，每週五、六、日、一 11:00至18:00開放 地點」納苒藝術工作坊（台北市大同區永樂里西寧北路79號）     資料及圖片提供」Everijoy Floral Boutique、Everyday Galerie 編輯」陳映蓁

忠泰美術館迎接開館十週年，首檔系列展覽攜手日本東京森美術館，將曾於東京吸引逾23萬人次參觀的建築大展《藤本壯介建築展：原初．未來．森》移師台北。展覽展至2027年1月3日，橫跨忠泰美術館主展區與建國啤酒廠成品倉庫衛星展區，透過六大主題，從建築師生平、創作脈絡到未來城市想像，呈現藤本壯介30餘年的創作歷程，展出逾百件建築計畫的模型、珍貴手稿及影像，並於衛星展區打造「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」（大屋根）1：5大型局部建築模型。 主視覺。©忠泰美術館   與城市共想未來 對忠泰美術館而言，這不只是一檔國際建築大展，也是十年來持續關注城市、建築與未來議題的延續。忠泰基金會執行長李彥良表示，美術館藉由每次的展覽和活動，邀請不同領域的創作者與觀眾對話，而藤本壯介從自然出發、思考建築如何與環境共存的理念，和忠泰長期關注城市的方向十分契合；尤其在2025年大阪．關西萬博中，藤本壯介擔任場館設計總監，以「大屋根」彰顯建築的共存、包容跟共享，讓建築回應城市與未來的可能性而受到矚目。這次巡迴展首站落腳台北，正好讓藤本壯介累積的建築思考，在忠泰美術館十週年的節點與台灣觀眾相遇。 左起忠泰美術館總監黃姍姍、建築師藤本壯介、東京森美術館館長片岡真實、忠泰基金會執行長李彥良。©忠泰美術館   以森林意象思考建築 1971年出生於日本北海道的藤本壯介，自幼熟悉的樹林景觀，成為他理解空間和自然關係的原點，因此，「森」這個單字，對他而言有著兩層意義：一方面，是北海道成長過程中的「原風景」；另一方面，當建築師開始思考建築與環境、人與環境之間的關係時，這些彼此交織的聯繫也形成另一種「森林」。 精選作品：青森縣立美術館設計競賽提案。© Sou Fujimoto Architects 精選作品：蛇形藝廊展覽館2013。© Iwan Baan 藤本壯介特別強調，本展並非單純回顧「做過哪些作品」，而是希望呈現「思考了些什麼」，同時一併展現他持續探索的前瞻性議題。森林最重要的特質之一，是讓不同生命能夠共存，因此未來的建築也應該像森林一樣，讓不同的人聚集其中，在保有多樣性之餘同時產生新的連結。 精選作品：匈牙利音樂之家。© Iwan Baan   精選作品：白樹。© Iwan Baan 如何將建築轉譯為可以被感受的展覽，也是本此策展的重要課題。東京森美術館片岡真實館長指出，建築展的策劃本身存在一定難度，若只是陳列模型和資料，很容易流於形式，有鑑於此，團隊希望建立一種更有趣、且具實驗性的觀看方式，讓觀者不只是理解建築，更彷彿在藤本壯介的腦海森林參觀遊走，感受他在設計過程中的思考。 精選作品：武藏野美術大學美術館・圖書館。© DAICI ANO 精選作品：兒童心理治療設施。© DAICI ANO 走入城市 感知建築 本次另一項特別之處，在於將展覽延伸至市定古蹟建國啤酒廠成品倉庫。忠泰美術館總監黃姍姍表示，美術館出入口設於同一處，形成循環式的參觀動線，呼應著藤本壯介作品中「open circle」的概念；而衛星展區則延續忠泰長期推動的「Off-Site Project（奧夫塞計畫）」，將策展帶出美術館、走入城市。 精選作品：2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂。© Iwan Baan   高約4.1公尺「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」1：5大型局部模型進駐建國啤酒廠，觀眾得以近距離感受作品尺度，也讓傳統工法、歷史場域和當代建築展開對話。藤本壯介也希望觀眾不只是以眼睛觀看，更能透過身體感知，進一步思考建築在多元社會中，如何擁有更大的包容性。 衛星展區「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」1：5大型局部建築模型展場照。©忠泰美術館   衛星展區「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」1：5大型局部建築模型展場照。©忠泰美術館 未來之森：想像多元共鳴的未來城市 面對現代都市將人類活動不斷分類和標準化，導致社會多樣性受限、人際關係疏離與環境負荷加劇，藤本壯介與資料科學家宮田裕章展開交流合作，回歸都市本質，探問都市應如何讓人與人、自然及其他生命產生連結與共鳴。兩人運用AI共同建構約4萬字的未來都市設定，提出「未來之森 初始之森──共鳴都市2025」。 忠泰美術館大廳。©忠泰美術館 這座名為「Resonatia」的未來城市，由不同尺度的球體單元彼此連結，容納多元生命、個體與活動，如森林般層疊共存。利用影像、模型、文字與圖像，呈現藤本對未來城市的想像：一種能恢復身體感知、回應環境變化，並讓不同價值觀與生命相遇、對話的場所。 未來之森展區。©忠泰美術館 開放之環：跨越分裂、建立連結 「開放之環」以兼具向心性與擴散性的圓環，思考多元共存與彼此連結的可能。圓形空間的「匈牙利音樂之家」，透過穿孔屋頂與玻璃帷幕模糊建築內外界線，讓樹木、光線與周圍綠地相互交織，打造融合自然、音樂與公共生活的文化場域「2025年日本大阪．關西萬博環形大屋頂」以高約20公尺、寬30公尺、周長約2公里的尺度串聯各國場館，讓來自世界各地的人們共同仰望同一片天空，象徵跨越分裂、重建連結的可能。 「開放之環」主題展場照（主展區）。©忠泰美術館 「開放之環」主題展場照（主展區）。©忠泰美術館   思想之森：走進藤本壯介的「腦內森林」 「思想之森」匯集藤本壯介自執業初期至今逾百個建築計畫，以「展開與包圍」、「眾中之眾」與「未分化」三大脈絡，梳理其思想的發展。「展開與包圍」以「武藏野美術大學美術館．圖書館」呈現內部包覆與向外開放的關係；「眾中之眾」則以「兒童心理治療設施」中24個白色方盒的組合，思考局部與整體的連結；「未分化」則藉「蛇形藝廊展覽館2013」，探索建築如何突破單一用途，模糊室內外與自然、人工之間的界線。三條脈絡彼此交織，共同勾勒藤本壯介的創作思考。 「思想之森」展場照。©忠泰美術館 「思想之森」展場照。©忠泰美術館   軌跡之森：回望建築實踐 「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品，呈現其30餘年的建築實踐。從早期「青森縣立美術館設計競賽提案」將森林的秩序轉化為建築語彙，到蒙彼利埃集合住宅「白樹」以193座向外伸展的陽台連結居住、城市與自然，展現其創作從概念探索走向更大尺度的歷程。展區並將作品與時代事件並置，呈現其持續探索建築與自然、城市及人之間關係的軌跡。 「軌跡之森」展場照。©忠泰美術館 「軌跡之森」展場照。©忠泰美術館     資料及圖片提供」忠泰美術館 撰文」陳映蓁

時間和童年決定了一個人觀看世界的方向，也形塑了一個人長成的雛形，《Childhood, Sculpted》源於攝影師陳詠華對過往的深情回顧，以及她對時間和記憶的深刻思考，對她來說，時間像是一位無形的雕塑家，不斷改變人的容貌、個性與情感，也改變了空間、建築，以及人們身邊所珍視的物件。 白晝之夢（Dreams of Daylight）。 展覽內容聚焦於她年幼時曾在宜蘭外公外婆家度過的歲月，和姊姊在鄉間嬉鬧、探險的日常。在外公外婆離世多年後，她重返那棟滿載童年回憶的老房子，以成人的角度和底片攝影的質感，捕捉那些散落在老宅細節裡的情緒輪廓，於徠卡臺北畫廊展出她對時光的理解和詮釋，引導觀者深入探索畫面其中蘊含的美感與深度。 凝視的餘色（Color Left by Beholding）。 吞食的紋理（Feeding Patterns）。 承載情感的色彩 展中同時並呈彩色與黑白兩個系列作品，以色彩的對比反映對「記憶」的回顧，和對「時間」的解讀，展現兩大主題不同的情感層次。彩色作品系列處處可見她對童年記憶的溫暖凝視，漫灑牆面的日光與器物的互動，如長久以來既千變萬化、又亙古不變的藍天白雲，抑或她曾與姊姊把玩過、外婆桌上的胭脂水粉，鮮豔卻透出歲月褪色的色調質地，泛著夏日午後的微醺溫度。 鐵鏽的好奇心（Rusty Curiosity）。 黑白作品著重事物形貌經歲月雕琢後所遺留的痕跡，有別於以色彩渲染個人情感的手法，更專注在輪廓與光影的互動，虛與實以黑白線條的形式相互映照，描摹抽象的時間感，一如現實中的攝影師追逐過去的殘象、還原記憶裡的身影，充滿思念、缺席與沉澱的重量。 如耳語般經過（Passing Like a Whisper）。 綠色月暈（Green Lunar Halo）。 靜物的自我投射 綜觀陳詠華的作品，靜物與人物的拍攝是兩種截然不同的創作狀態。人物有自己的個性、動態，需要與其建立一定的信任基礎和理解，才能在拍攝過程捕捉到最精采的那一刻。 記憶與當下相遇之處（Where Memory Meets the Present）。 靜物與空間則相對靜止，在選材和構圖時，隨時間遊走移動的是光影和攝影師，透過不同角度尋訪那些不被關注的細節，她也在其中找尋屬於自己的觀看方式與情感投射。本展所意圖探討的核心，聚焦於記憶、情緒、空間、環境、器物之間的關係，選擇靜物作為主要的表現形式，沉浸在從容而專注的創作節奏，飽受歲月洗刷而沉澱的積累，讓這些看似沉默的器物與空間在她的鏡頭下開口說話，訴說著時間、記憶，以及那些曾經在此生活的人們。 展場一隅。 資料及圖片提供」徠卡相機 編輯」江瑜

當人工智慧逐漸改變創作方式，文化創意能從何而來？2026臺灣文博會8月31日前於空總國家文化基地古蹟大樓、戰情廣場展出，以「第零位元（Bit Zero）」為年度主題，將焦點重新放回創作最初的起點，邀請觀者重新思考，在演算法與數位技術高速發展的今日，真正驅動文化生成的，永遠是人的感知、記憶與情感。   今年文化策展首度進駐甫完成修復的空總國家文化基地古蹟大樓，讓這座承載近百年歷史的場所正式向大眾開放。歷史建築和當代策展交織，象徵富有底蘊的空間重新回到公共生活，並透過空間、影像、裝置跟跨域內容，展開一場關於創造力本質的探索。 2026臺灣文博會於空總國家文化基地正式登場。   古蹟作為策展載體 相較於過往以展品為主角，今年文博會更強調「場域」本身所帶來的力量。空總古蹟建築保留不同年代留下的歷史紋理，策展團隊順應建築既有的尺度與行走節奏，讓展覽與之相互呼應，使觀展過程猶如穿梭於時間中的探尋。策展概念以「第零位元」為核心──在人類輸入第一個指令之前，那個尚未被定義、仍充滿可能性的瞬間。科技可以協助創造，但真正決定創作方向及文化價值的，始終來自人的選擇、經驗與想像，因此整體策展並非討論AI技術本身，而是回望創造力最初誕生的原因。 空總國家文化基地古蹟大樓修復完成後首次作為大型展覽正式啟用。   五段旅程找回感知與創造 文化策展中的五大展區藉由不同角度回應「第零位元」命題。首先迎接觀眾的是「不要急，你做得很好」，仁愛路入口利用大型地景藝術展開序幕，將台灣老宅花磚等熟悉的民間紋樣編織進空總基地，以步行、觀看與身體感受，重新與土地建立連結，也為整趟觀展旅程揭開溫柔而療癒的序幕。 文化策展區地景作品「不要急，你做得很好」。 文化策展區地景作品「不要急，你做得很好」。   1樓的「未來旅行社」則將古蹟化為一座穿越時間的旅行場域。策展以台灣海線為靈感，串聯海況、港口、地方文化和影像創作，讓過去、現在與未來在建築中交會，形塑一趟介於真實跟想像間的旅行。 文化策展區「未來旅行社」展區。 文化策展區「未來旅行社」展區。   延續AI時代的人文思考，2樓「人性封存 讀取 然後解壓縮」將展場比擬為未來資料庫，假設情感跟記憶已被封存成為數據，透過閱讀創作者留下來的故事、情緒及信念，引導觀者找回那些無法被演算法取代的人性溫度。 文化策展區「人性封存 讀取 然後解壓縮」。 文化策展區「人性封存 讀取 然後解壓縮」。   同樣位於2樓的「Wake Up！感知覺醒」則將焦點放回人的身體，藉視覺、聽覺、觸覺等多重感官體驗，提醒人們在享受科技便利性的同時，也別忘記最原始的感知能力與創造本能。 文化策展區「Wake Up！感知覺醒」。   文化策展區「Wake Up！感知覺醒」。 最後，動線回到1樓的「回到明日前」，這裡像是一座通往未來之前的補給站。地方特選館從物資、文化、身體與資訊四大面向展開，串聯自然環境、人文物產及生活經驗，讓文化不只是展示內容，更能在日常感受豐饒島嶼的孕育與滋養。 文化策展區「回到明日前」展區。 文化策展區「回到明日前」展區。   持續生成的多元能量 今年亦將影視、漫畫、出版、地方品牌等文化IP融入各展區中，使豐富的創作媒介不再只是靜態展示，而是與展場空間共同構築完整的敘事體驗。空總國家文化基地古蹟大樓修復完成後首次作為大型展覽正式啟用，期許此處能成為文化交流與創意生成的平台，讓觀者在歷史場域中找回屬於自己的創作初心。 國立臺灣工藝研究發展中心策劃的「物演流形」展覽，讓觀眾穿梭於7大居家生活模組空間。     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

2026臺灣文博會文化策展以「第零位元」為年度主題，將創作者尚未化為語言和演算法之前的第一個念頭，視為所有文化創造的起點。展覽於空總臺灣當代文化實驗場古蹟大樓及戰情廣場展開，以「時間」作為貫穿主軸，串聯土地、行動、轉向、身體、身心等概念，透過不同策展團隊的視角，引導觀者重新思考人類的創造力本質。 2026臺灣文博會主視覺。   本次策展創意總監由陳怡潔擔任，並攜手彭雅倫藝文工作室、中間研究室、選選研、同心圓製作、明日製作所等跨域策劃，聚焦於科技快速發展下，人如何保有感知、經驗與創造力。五個展區既各自回應不同命題，同時又形成一段循序展開的旅程。 策展創意總監由陳怡潔擔任，並攜手彭雅倫藝文工作室、中間研究室、選選研、同心圓製作、明日製作所等跨域策劃。   描繪文化與人的連結 戰情廣場地面上的入口意象「不要急，你做得很好」對應「土地」概念，創作總監陳怡潔以地景藝術將台灣老宅花磚、空總古蹟和都市符號編織於場景中，讓行走成為一種身體經驗，從腳下開始感受土地，並將台灣文化IP轉化為可被親近的感官地圖。 戰情廣場地面上的入口意象「不要急，你做得很好」，透過地景藝術將土地從背景轉為發聲的主體。   走入古蹟大樓一樓，「未來旅行社」則以旅行作為語言，對應「行動」概念，策展人郭中元以海線旅行為線索，開啟一場跨越時間的想像之旅。觀者將化身為旅人，藉由沉浸式展演、聲音與影像等方式，一齊經歷充滿影像與聲音的旅行。 「未來旅行社」展區，以海線旅行為線索，對應「行動」概念，開啟一場跨越時間的想像之旅。   來到二樓，「人性封存 讀取 然後解壓縮」則提出更直接的提問。本區對應「轉向」概念，策展人林唯哲想像2036年的未來，人性被轉化為可儲存的資料庫，當技術逐漸同質化，人真正珍貴的將是那些曾經親身體驗、感受和生活累積出的經驗，試圖在這波追求極致理性的數位洪流裡，找回那份因為過度便利而失衡的人性價值。 「人性封存 讀取 然後解壓縮」展區，對應「轉向」概念，試圖在數位洪流裡找回人性價值。   同樣位於二樓的「Wake Up！感知覺醒」，則對應「身體」概念，策展人張伊增認為，科技源於人的好奇心，也帶來前所未有的便利，但正因如此，更需要重新喚醒那些容易被忽略的感官經驗。展區藉由「感官開機鍵」與「人身微觀室」等安排，引導觀眾重新感受身體與環境的關係。 「Wake Up！感知覺醒」展區，對應「身體」概念，在跨感官的聯想實驗中，重新召喚感知器官。   最後回到一樓的「回到明日前」，這是一個對應「身心」概念的療癒空間，策展單位明日製作所將展場化作「文化機場」，集結來自全台22縣市的地方選物跟特色產品，規劃物質、身體、資訊與文化等不同補給站，期待觀者在迎向未來之前更加認識台灣風土與地方文化的能量。 「回到明日前」展區，這是一個對應「身心」概念的療癒空間，從22縣市漫遊中為生活補給。   AI無法取代的原創力量 5大展區共同指向同一個核心：文化創作之所以珍貴，並非資料的累積，而是來自人的經驗、情感、身體感知及土地記憶。今年文博會將空總古蹟轉化為關於創造力的實驗場，利用策展重新提醒，在AI快速演進的時代，真正無可取代的始終是人類最初萌生的那一個念頭。   資料及圖片提供」文化部、台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

隨著工作、生活與社交界線日益模糊，人們對居住環境的期待，也逐漸從滿足基本機能，轉向更具彈性與適應性的生活場景。於2026好感空間展登場的《Fluid Living 流動的生活》，由遠雄建設、Saiens山恩 × COVE Living與Gili集力門三方首度攜手策展，透過建築、結構與材料三個面向，探討空間如何回應當代生活的持續變化，並重新思考人與居所之間的關係。 遠雄建設、Saiens山恩 × COVE Living、Gili集力門首度跨域合作。 跨域合作，展開空間新對話 《Fluid Living 流動的生活》的誕生，源自三個品牌對未來生活的共同關注。Saiens山恩與遠雄建設因循環材料應用建立合作契機，而Gili集力門的加入，則讓討論從材料與建築進一步延伸至空間結構與邊界的思考。雖然分屬不同領域，卻皆承襲家族產業基礎，以新世代視角重新詮釋品牌定位，並將永續、創新與設計價值化為此次策展的重要核心。展覽不僅展示產品，更希望透過跨域交流，提出對未來居住型態的更多可能。 展場示意圖。 展場示意圖。 從材料到建築，呈現流動生活樣貌 展場透過燈光、音樂與氛圍營造，模擬一天之中由白晝至黃昏的光影轉換，讓觀者在輕鬆的節奏中體驗不同情境下的居住感受。 展場示意圖。 Saiens山恩以材料作為策展主角，展示石英石如何從廚房檯面、建築立面延伸至家具與生活用品，展現材料跨越不同尺度的應用可能；旗下品牌COVE Living則藉由燈具、桌几及家飾設計，讓石材走出工程領域，成為融入日常的生活元素，也呈現品牌在材料加工上的技術實力。 Saiens山恩藉由旗下品牌COVE Living讓石材更貼近一般民眾的日常。 遠雄建設則從建築生命週期切入，展示多年推動循環建材與永續設計的成果。「好室智造所」行動展間集結工地再生材料、再生家具及循環建材應用，同時攜手小智研發推出手作體驗，將木模板、帆布及安全網等廢棄物重新轉化為燈具與生活用品，讓建築材料在完成使命後，持續創造新的價值。 遠雄建設攜手小智研發推出手作體驗。 Gili集力門則以「All About Door」為核心理念，重新思考門與空間邊界的關係。品牌從五金、鋁料到玻璃對接系統皆採自主研發，透過系統整合與精密工藝，回應現代住宅對彈性分隔與開放使用的需求，使空間得以因應不同情境自由轉換。 Gili集力門應用實例。 品牌轉型，延伸設計價值 Saiens山恩從深耕石英石製造出發，第二代團隊建立自有品牌與通路，將材料從工程端帶入設計產業，並透過COVE Living延伸至家具與家飾領域，讓石材以更貼近日常的形式融入居家。 Saiens山恩藉由旗下品牌COVE Living讓石材更貼近一般民眾的日常。 遠雄建設近年則持續推動「未來居住實驗」，與META Design、小智研發（MINIWIZ）合作，將工地廢棄物升級再造，透過設計轉譯成為可被體驗的空間元素，實踐建築循環再利用的可能。 遠雄建設「好室智造所」行動展間。 而傳承40年五金產業的Gili集力門，則從品牌思維重新定位產品角色，不再只是提供五金配件，而是透過自主研發與系統設計，重新定義門在居住環境中的功能與價值，讓空間擁有更多彈性與自由度。 Gili集力門應用實例。 以策展回應未來居住想像 《Fluid Living 流動的生活》並非單純展示建材或產品，而是透過三方品牌的跨域合作，串聯建築、材料與結構等不同層面的思考，提出關於居住方式的新觀點。當空間能隨著使用者需求持續調整與演變，建築與設計也將成為支持生活流動的重要媒介，開啟更多關於未來居住的討論。   資料及圖片提供」Saiens山恩 撰文」陳映蓁

當柔軟同時是一種能夠承受時間與高溫的力量，它會呈現什麼模樣？由 Everijoy Floral Boutique策劃的《Soft Core──任徐乙凡陶藝展》，以「被高溫永久定格的柔軟內核」為題，透過陶藝、花藝、植物與空間策展的交織，邀請觀者走入一場關於材質、時間與生活感知的對話，重新思考柔軟與堅毅共生的可能。 《Soft Core──任徐乙凡陶藝展》於Everijoy Floral Boutique展出。   任徐乙凡為美國羅得島設計學院（Rhode Island School of Design）藝術碩士，以陶土作為創作媒材，透過擠壓、凹陷、皺褶與仿真肌理等手法，讓原本堅硬的陶瓷呈現近乎柔軟的視覺錯覺。其代表作〈枕頭花器〉系列，以柔軟型態鬆動人們對陶瓷的既定印象，在結構與鬆弛、理性與感性之間創造出獨特張力。   關於柔軟的創作實驗 本次展覽橫跨藝術家自求學時期至今的創作脈絡，除了廣受歡迎的〈枕頭花器〉系列之外，也呈現其創作初期的探索與不同階段的雕塑實驗作品，讓觀者得以循著作品軌跡，看見藝術家如何持續圍繞「柔軟」展開創作思考，並逐步發展出獨具辨識度的陶藝語彙。 任徐乙凡代表作〈枕頭花器〉系列，以柔軟型態鬆動人們對陶瓷的既定印象。   特別展出的大型作品《大扁瓶》，源自藝術家求學期間未竟的仙人掌草稿。一次偶然之下，朋友將其雕塑作品作為花器使用，原本的注漿口轉化為瓶口，也開啟了作品新的功能與觀看方式。這段歷程不僅成為藝術家創作的重要轉折，也映照出陶土既具可塑性、又充滿未知生成力的特質。 特別展出大型作品《大扁瓶》，朋友將其雕塑作品作為花器使用，原本的注漿口轉化為瓶口，也開啟了作品新的功能與觀看方式。   展覽亦呈現《模具的模具》，作為花器系列製程的起點，也象徵創作語彙逐漸成形的根基。同步展出的《無刺仙人掌》，則是藝術家以更成熟的設計語彙與創作手法，重新回望創作初心所完成的作品。 展覽亦呈現《模具的模具》，作為花器系列製程的起點，也象徵創作語彙逐漸成形的根基。   《無刺仙人掌》則是藝術家以更成熟的設計語彙與創作手法，重新回望創作初心所完成的作品。 Everijoy Floral Boutique以花藝、綠植與生活美學語彙延伸任徐乙凡的創作語境。展場運用仙人掌、礦石、枝葉與陶藝工坊常見的石膏模、海綿等元素，回應作品所蘊含的情感與能量，透過軟與硬、自然與人工之間的對照，進一步襯托作品游走於柔軟與堅硬之間的獨特共生狀態，形成一座介於居所、自然與想像之間的感知場域。 任徐乙凡以陶土作為創作媒材，透過擠壓、凹陷、皺褶與仿真肌理等手法，讓原本堅硬的陶瓷表現出近乎柔軟的視覺錯覺。   從精準到安定的柔軟轉譯   任徐乙凡的作品看起來很柔軟，但它其實是陶瓷、其實是經過高溫燒製而成，也讓人聯想到生活中很多有力量的事情，其實不一定是堅硬的。展覽開幕當日亦邀請4位來自不同領域的生活美學實踐者參與對談，包括FENKO鳳嬌催化室品牌總監李依耘、Everijoy Floral Boutique主理人陳怡雯、工一設計共同創辦人王正行，以及Everijoy Floral Boutique花藝設計師丁耀崇，圍繞「柔軟與堅毅如何同時存在」展開交流，分享材質、時間與生命經驗之間的細膩連結。 邀請來自不同領域的生活美學實踐者參與對談，由左至右分別為：Everijoy Floral Boutique花藝設計師丁耀崇、FENKO鳳嬌催化室品牌總監李依耘、Everijoy Floral Boutique主理人陳怡雯、工一設計共同創辦人王正行。   工一設計的作品一直以來予人安定、內斂的感受，王正行設計師分享，從初入業界的助理、歷經設計師階段，直到創立自己的事務所，20餘年的設計歷程中最大的轉變並非僅止於技術層面，而是生命階段的改變。擁有家庭和孩子之後，他開始以不同的視角理解空間與人的關係，相較於過去著重比例、尺度和細節的精準掌控，如今他更重視空間所帶來的安定感──運用多年累積的專業經驗和精確的設計思維，化為支撐居住者日常的無形力量，讓人在其中真正感到安心。對他而言，這份由理性淬鍊而成的體貼及包容，正是「柔軟」的真正意義。   Everijoy Floral Boutique主理人Everina則希望透過此次展覽，邀請更多人放慢腳步、重新感受生活中柔軟的力量。     《Soft Core──任徐乙凡陶藝展》 日期」2026年7月8日前 地點」Everijoy Floral Boutique（新北市新莊區榮華路二段171號）     資料及圖片提供」Everijoy Floral Boutique 撰文」陳映蓁

當人類開始將目光投向宇宙，設計也同步展開對未來生活的想像。1957年蘇聯成功發射第一顆人造衛星，1969年阿波羅11號登陸月球，太空競賽不僅改寫科技發展進程，也形塑了20世紀中葉對未來世界的集體想像。火箭、衛星、太空艙與科幻電影中的視覺語彙逐漸滲入大眾文化，進而影響建築、藝術與家具設計領域。設計師開始以流線曲面取代傳統直角框架，並積極運用塑料、玻璃纖維與金屬等新興材料，描繪未來生活的樣貌，「Space Age Design（太空世代設計）」也因此成為1960至1970年代最具代表性的設計風潮之一。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   今年適逢丹麥設計師Verner Panton誕辰100週年，明日家居MOT CASA於NOKE 忠泰樂生活推出全台唯一一場《SPACE AGE DESIGN—Verner Panton 與太空世代設計經典展》。展場以Verner Panton的代表作品為核心，同時納入Marc Newson、Tom Dixon與Ron Arad等當代設計師作品，從造型、色彩、材質和科技等面向，回顧太空世代設計的發展脈絡，並探討其如何持續影響當代文化。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   打破北歐設計框架的實驗者：Verner Panton Verner Panton無疑是Space Age Design最具代表性的人物之一。相較於傳統北歐設計強調天然材質與功能主義，Panton更關注感官經驗與情緒氛圍的塑造，他透過大膽鮮豔的色彩、有機曲線，以及對塑料等新材料的積極實驗聞名，並以此重新定義家具與空間的關係。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   從雕塑感十足的《Heart Cone Chair愛心甜筒椅》、改寫家具設計史的《Panton Chair》，到打破水平座位邏輯的《Living Tower生之塔 雕塑型間隔 / 沙發》，皆展現其對未來生活型態的前瞻想像。對Panton而言，家具不只是功能型的日常物件，更是塑造空間感知、與使用者互動的媒介。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   本次展覽的另一亮點，則為特別集結多件由Vitra生產的Verner Panton經典作品，其中更有兩款為了紀念其百年誕辰所推出的全球限量作品，並首度於台灣公開亮相。包括首次推出雙色版本的《100週年紀念版｜Heart Cone Chair愛心甜筒椅（雙色／藍）》，以深淺藍色重新演繹標誌性的愛心輪廓跟錐形基座；而《2026年度限量版Panton Chair》透過全球票選機制，自經典色彩語彙中選出日冕橘、新星紅、電光藍與松石綠4款限定配色。在突顯設計師的個人風格之餘，也反映其作品在當代設計文化中的持續影響力。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   Herman Miller版本Panton Chair老件，支撐軸細節照。 重新思考設計與未來想像的關係 除了聚焦Verner Panton的成就，展覽亦從太空競賽、塑料革命、流體造型與未來主義美學等角度切入，回顧那個相信科技能改變世界的年代；Space Age Design所關注的不僅是一種造型風格，更是人們對未來生活的期待與投射。今日人類再次面對AI、數位科技與新興技術帶來的變革，本展希望藉由這些經典作品，重新喚起人們對未知世界的好奇，以及設計如何回應時代願景的思考。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   SPACE AGE DESIGN—Verner Panton 與太空世代設計經典展 日期」2026年6月5日至7月5日 地點」NOKE忠泰樂生活 Uncanny（台北市樂群三路200號3樓）     資料及圖片提供」明日家居 MOT CASA 撰文」陳映蓁