太平國小博物館自2022年啟動籌備，歷時三年，日前正式迎來開館典禮，並將於2025年7月3日正式對外開放，這一天，恰為台灣第一位雕刻家黃土水130歲誕辰，也將成為這座博物館的生日。這座延續黃土水精神所打造的校園藝術生態博物館，以「聽得見讀書聲、聞得見稻穗香、看得見大稻埕歷史、能親近黃土水傑作《少女》胸像」為使命，深植於百年校園日常與在地文化記憶之中。 坐落於校園中的太平國小博物館。攝影」黃宏錡   延續百年的心意 黃土水生於1895年7月3日，1907年轉入太平國小前身「大稻埕公學校」就讀，1915年自總督府國語學校畢業後返母校任教半年，隨後赴東京美術學校深造；1920年，他以大理石雕刻《少女》胸像作為畢業創作，並將此作品贈與母校，種下今日太平國小博物館的種子。《少女》胸像承載著藝術家對故鄉的情感與理想，百年來靜靜守護著校園，2020年出借北師美術館進行修復並參展，社會反應熱烈，也促成關於保存與展示的公共討論。 北師美術館創辦人林曼麗認為，《少女》胸像「就地保存」不僅回應黃土水贈作母校的初衷，更象徵太平國小師生代代守護的情感，也符合學校與校友會的期望，唯須建立具備「專業性」、「公共性」、「教育性」的博物館機制，並解決永續經營的挑戰。校友駱錦明以個人名義與王道銀行教育基金會率先捐助，陳君毅、許義榮、莊素珠、鄭文雄等多位校友與家屬相繼捐資，支持博物館籌建。   校園中的藝境 這座博物館深植校園生活，亦延續地方文化脈絡，沿著小徑走入，映入眼簾的是由學生每日照料的田園，「綠色稻波」正呼應黃土水〈出生於臺灣〉一文中對故鄉風土的讚頌。 黃土水專室。攝影」黃宏錡 黃土水專室。攝影」黃宏錡 稻波倒映於舊蒸飯室改建而成的「黃土水專室」落地窗上，這棟一樓平房即為《少女》胸像的常設展間，建築設計由田中央工作群+黃聲遠操刀，展室牆面採圓潤泥牆設計，營造如「土角厝」般質感，室內設有相思木打造的學習平台，自然光從玉蘭花樹梢灑落，映照胸像細膩的造形與紋理，展現黃土水對藝術的執著與對生命的凝視；專室門前的幽香，則來自紀念其遺孀廖秋桂所設置的桂花花台。 相思木學習平台與《少女》胸像相望。攝影」黃宏錡 展室牆面採圓潤泥牆設計。攝影」黃宏錡 窗戶引入外部景致和採光，同時亦倒映著《少女》胸像。攝影」黃宏錡   步出專室，可見一小方仿三合院「埕」的戶外工坊，重現黃土水雕刻大理石的工作場景，與之相連的「特展室」則活化了行政廊道空間。太平國小博物館開館特展主題為「黃土水與孩子們」，串聯三個子題：「黃土水身邊的孩子們」、「黃土水創作的孩子們」，以及「《少女》胸像與太平國小的百年情誼」，爬梳藝術家創作生涯中「孩子」的多重面貌。 特展室。攝影」黃宏錡   特展室。攝影」黃宏錡 黃土水與夫人在東京生活時與姪兒們共同起居，展覽亦首度公開四姪黃清雲（歸化日本後改名幸田好正）後代寄藏的珍貴史料。黃土水早年以兒童為主題創作多件作品，包括初次入選帝展的《蕃童》（1920年）、獻給皇太子的《三歲童子》（1923年）等，雖已佚失但皆為其雕刻生涯的重要篇章。目前存世之兒童主題作品僅《少女》胸像、《男嬰頭像》（1918年）與《水牛群像》（1930年）三件；其中遺世巨作《水牛群像》常設北市中山堂，《男嬰頭像》則特別出借本展，誌慶開館。  《少女》胸像（左）、《男嬰》頭像（右）於黃土水專室。攝影」黃宏錡 展覽透過珍貴作品與文獻梳理，引導觀者能親炙黃土水對童稚神韻的描寫功力，也透露其寄寓純真的創作思維，也首次系統回顧《少女》胸像在太平國小的百年保存歷程，訴說其自1920年代進入校園以來，歷經沉潛、修復、再現，最終催生校園藝術生態博物館的百年情誼。 窗戶引入外部景致和採光，同時亦倒映出《少女》胸像的姿態。攝影」黃宏錡   太平國小博物館是一座與校園共呼吸、與師生共成長、與生態共生長、承繼黃土水精神，並與在地共創未來的博物館。採線上預約制、免費參觀，即日起可透過官方網站線上預約。   太平國小博物館開館大展「黃土水與孩子們」 日期」2025年7月3日至2026年1月31日 地點」太平國小博物館（台北市大同區延平北路二段239號） 開放時間」週二、週四、週六（國定假日休館）   資料及圖片提供」太平國小博物館 編輯」陳映蓁

臺北市立美術館（簡稱北美館）主辦之第12屆「X-site計畫」2025年7月13日前於北美館戶外廣場正式開展。2025 X-site計畫聚焦永續發展，鼓勵團隊從創作主題至製作工法納入綠色減碳規劃，實踐循環思維的永續行動，為廣場注入兼具創新與環境意識的能量。 本屆首獎團隊「表層工作室」以《毛孔城市－佔領計畫》為題，從都市熱島效應出發，打造融合藝術與地景的實驗場域，思索氣候變遷對城市與人類生活所帶來的影響。 表層工作室，《毛孔城市－佔領計畫》主視覺。北美館提供。   面對都市熱島效應逐年加劇，高溫以悄無聲息的方式滲入日常，由高偉恩與譚宇宏於2024年組成的「表層工作室」，嘗試在建築與環境之間尋求可親性的邊界，團隊跨足建築藝術、工業設計、城市議題及永續環保等領域，以建築地景的手法回應熱島議題，提出調節公共空間與環境的溫度差異，重新定義現代人與城市之間的互動關係。 「表層工作室」團隊合影，（左）譚宇宏、（右）高偉恩。北美館提供。   微氣候中的身體想像 《毛孔城市－佔領計畫》將「佔領」拆解為三個層次：鋪面質變、毛孔介入及微氣候。以人體基本的散熱機制擬態於地表，藉由大範圍的擴張網隱喻表層皮膚，再佈滿142座象徵性的「毛孔」裝置，透過噴霧模擬人體流汗散熱的過程，為灼熱地表釋放蓄積熱能。從實體裝置到無形的水霧、空氣和光影，營造出具有「呼吸感」的微氣候場域，水霧輕觸肌膚，微涼感隨即擴散，緩解熱氣滯留並改變廣場溫度，喚醒觀眾對城市熱環境的感知與共存關係的反思。 透過鋪面、物件佔領整個廣場，打開新的場域體驗。表層工作室及北美館提供。 噴霧裝置佔領北美館廣場示意圖。表層工作室及北美館提供。 外觀圖。北美館提供。   本次有別於過往X-site著重在單一建築量體或物件的形式，改利用小型物件構成大尺度格網系統，創造出有密度、有節奏的空間經驗；亦嘗試改變廣場地面材質，選用輕質通透的擴張網及耐重堅固的骨料等常用建材，以非破壞性的組裝方式，鋪設兼具韌性與支撐力的地表結構。 外觀圖。北美館提供。 擴張網細節圖。北美館提供。 行走於上能感受到地坪彈性起伏的變化，亦可透過擴張網的孔洞隱約感知廣場地表紋理和質地；與此同時，設計上則盡量保持材料原有的尺寸與形貌，降低裁切及耗材浪費，提升循環利用的機會，賦予展後持續使用的可能性。 回收鋁鑄造噴霧裝置細節圖。表層工作室及北美館提供。 團隊將低耗能跟減碳納入製程考量，噴霧裝置採用工業與消費者回收鋁材，轉化為兼具照明功能的街道家具，並以模組化的形式，運用3D列印模具鑄造，降低成本之餘也提升量產彈性。展期結束後，噴霧裝置亦可完整拆卸並重複組裝，成為他案的裝置藝術、景觀照明等元件，甚至可以被重新回收製作為鋁錠原料，轉化為其他物件。以此方式減少耗材對於環境的負荷，提升在地回收材料利用率，構建友善環境的循環關係。   噴霧細節圖。北美館提供。 日間場景圖。北美館提供。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」陳映蓁

日本家具品牌「觀察の樹」睽違一年回到台灣，2025年5月11日前於大稻埕新芳春茶行舉辦《觀察の樹家具展——傢俱，家庭的一份子》展覽，品牌創辦人暨藝術總監黑坂昌彥先生日前亦親自來台，首度發表觀察の樹成立以來的第一張桌子設計作品——「Kino Oval輕親桌」。 2025觀察の樹家具展。   這是繼「Kino Stool」、「SASAERU」、「UPRIGHT」等作品之後，持續拓展家具類型與使用場景的重要展出，也象徵著品牌家族的日益壯大與生活關係的再延伸。   Kino Oval輕親桌 人與人的輕柔連結 「像剛出爐蓬鬆的麵包，連結人與人之間的距離。」這正是Kino Oval希望創造的畫面，一張桌子，讓彼此相視不壓迫，交流不急促。觀察の樹首次推出桌子作品，「Kino Oval」是一張從「人與人之間的距離」出發，重新定義空間關係的設計之作，融合橢圓與三角曲線的桌面造型，讓使用者之間既不過於靠近，但又能自在對話、自然交流，如同親密的朋友般輕巧又親近，因此命名為「輕親桌」。 2025觀察の樹家具展。 Kino Oval輕親桌。   黑坂昌彥說明，設計靈感來自台灣日常生活中常見的半圓桌，「那時我在朋友家玄關看到一張半圓桌，擺放在靠牆一角，一點也不突兀，反而帶來一種溫柔的存在感。」他回憶道，「我一直想設計一張能自然融入台灣生活的小桌，讓人與人之間能舒服地相遇、相視。」 Kino Oval模型。   Kino Oval模型＆設計圖。 這張桌子由黑坂昌彥歷經多年構思與修正，去年年底開始與藤森工坊設計師石井翔（Sho Ishii）共同反覆討論後誕生。「我們不執著於圓形或幾何，而是從使用情境出發，思考一個人使用時的自在感，也考慮多人共處時的距離美學。」黑坂昌彥分享。 從左至右依序為：藤森工坊設計師石井翔、代表藤森陽子＆觀察之樹創辦人黑坂昌彥與庄司佳代。 Kino Oval的桌腳採組裝式設計，搬運輕巧、收納便利，特別適合小家庭或親子共用的小空間；圓弧桌面則如剛出爐的麵包，蓬鬆可親，傳遞著家的氣味與情感，讓這張「輕親桌」成為空間中最自然的情感交會點。 Kino Oval採方便拆卸收納的設計。   用心觀察每個生活細節 觀察の樹的每一件作品皆源於對生活的深度觀察，以及對於家庭關係的理解。黑坂昌彥表示，他一直思索有沒有一種家具，不用特別使用它，也能安靜地存在家中，讓人感到放鬆，感受到「家的氣味」。 2025觀察の樹家具展。 2025觀察の樹家具展。   自2018年於台灣發表「Kino Stool」以來，觀察の樹持續拓展家具系列與應用場景，涵蓋孩童、成人與長者，實踐「全齡設計」的初衷，從小孩到長輩，都能在生活裡被理解、被照顧。 2025觀察の樹家具展。     資料及圖片提供」觀察の樹 編輯」陳映蓁

南進門自台北花博期間為連結臺北市立美術館（北美館）與美術公園而設，銜接增建管狀廊道，作為走近、認識北美館的起點，也是眺望與連結王大閎建築劇場的通道。歷經整修，2025年1月18日起重新開放，經由建築師簡學義精心設計，以L型懸空的長廊結合玻璃與鋼構，與臺北市立美術館鮮明的現代風格和白色建築體塊形成視覺與空間體驗的驚艷對比。     「南進門藝術計畫：我們總是需要為世界創造出更新的故事」合影。從左至右，藝術家陳慧嶠、北美館館長王俊傑、策展人蕭淑文、山朋水貴廖音喬、發條鼻子陳茂康、洪伊俊及黃詠心。     臺北市立美術館資深策展人蕭淑文以《我們總是需要為世界創造出更新的故事》為主題，邀請藝術家陳慧嶠與藝術團隊山朋水貴＋發條鼻子，打造黑白二元敘事空間，試圖營造一種單純的知性與純粹的感性，讓這兩個在意識型態上針鋒相對的主題，在此發展形而上的對話，營造知性與感性融合的感官體驗。     南進門藝術計畫：「我們總是需要為世界創造出更新的故事」主視覺。     與展場進行多角化互動   陳慧嶠擅長以象徵隱喻、結合現成物的感性手法，創作出讓人印象深刻的藝術作品。神秘的宇宙學觀點，在極簡有限的媒材裡開拓想像空間，宣告該媒材的新極限。作品形象還原至最基本的幾何形態，將抽象的情感隱喻於單純、明晰的色彩，以極簡的形式表現和諧的藝術精神。     北美館南進門空間場景照。     其作品《當球體融入牆上的色彩時…》在白色空間以乒乓球體和色彩變化反襯空間的「輕盈」，創作靈感源自艾爾斯沃茲．凱利 (Ellsworth Kelly, 1923-2015) 去繪畫性作品《牆面的顏色》(Colors for a Large Wall, 1951)，以色彩為媒介，觸發「空白」中的無限想像，致敬大師之作利用單一色塊的隨機排列探索連續性和單色繪畫的概念。     北美館南進門入口。於2025年1月18日起重新開放，提供售票與電子寄物服務。     與之相對，山朋水貴＋發條鼻子的作品《ZAI》則在黑色空間結合環境使用沉浸式裝置。發條鼻子以原創文本、場域創作為發展目標，取材現實故事、生活瑣事、平凡日常的點滴記事，藉互動形式拆解、轉換，展現在零星瑣碎的隻字片語和場地景觀之間。   通過影像、人造光以及從縫隙透進來的自然光源建構自身的存在感，利用AI 系統建構出來的資訊世界，推翻觀者的體感認知，在一個展廳內折射多種變化面向，引導虛實在此交會，探索時間與空間的相對關係。     探索環境，活化思路   南進門作為入口與展場的交會點，同時兼具公眾、開放和藝術等多元特性，兩組全新創作結合空間特性與未來想像，表現「透明」與「渾厚」之間的流動時空，在這段通往美術館的路徑中啟動觀眾的想像力，展開一場獨特的藝術旅程。     陳慧嶠，《當球體融入牆上的色彩時⋯》，2025。     產生多巴胺的細胞只佔大腦的0.0005%，卻是鼓動人類探索世界的一小群細胞。它在人們追逐夢想的道路上以實際收穫的現實條件為基礎，提供精神上更多的回報，推動深思熟慮的選擇、最大化人類意識中的美好存在、如神一般建構真與美之物的創造力，這就是多巴胺，傳遞信號的小指揮，無論終點好壞，它會將人們置入衝向目標的雲霄飛車。     山朋水貴＋發條鼻子，《ZAI》，2025。     在南進門，展覽將作品與場地、本質和多巴胺迴路聯繫起來，不論觀眾是觀望由外透入室內的天空、感受空氣浮動的溫度，或接觸眼前的景物，還是漫不經心的望穿現實、沉浸於幻想世界，來到此處，就啟動了創造力與想像力的開關。     山朋水貴＋發條鼻子，《ZAI》，2025。     這是一個能觸發觀者全部感知的展覽，調用多巴胺迴路，指引身在其中的人們欣賞眼下的現實，享受它們無限的複雜性，反饋感知於自身內在的變化，享受自身能為自己創造的快樂，探索無盡的上限。     資料及圖片提供」臺北市立美術館 採訪」江瑜

法國巴黎時尚家居設計展（Maison & Objet）於2024年12月5日至 7日在香港舉行。     法國巴黎時尚家居設計展（Maison & Objet），在國際化設計、家居裝飾和生活美學領域向來享有盛譽，此展將於香港創意設計博覽（DesignInspire）期間共襄盛舉。   作為Maison & Objet在香港的首次亮相，又恰逢其成立三十周年慶祝活動，此次盛典策畫兩項展覽「Maison & Objet Design Factory」及「Hong Kong Design on Stage」，Maison & Objet主辦機構執行董事會主席Philippe Delhomme表示，期待能為全球頂尖設計師、工匠、創新品牌、製造商和媒體搭建一個國際交流平台，促進設計社群的緊密聯繫。   2024年，Maison & Objet特別聚焦於手工藝的卓越技藝，探討如何調整傳統設計技法，因應未來三十年的生活方式和習慣演變隨之而來的環境挑戰。     Maison & Objet Design Factory │ 為環境負責的意識設計   「Maison & Objet Design Factory」旨在展示最新的「Conscious Design」（意識設計）理念，重點表現循環利用、可持續材料及材料報廢流程等等項目。   展出內容包含五個精心規劃的展區，以沉浸式體驗呈現獨特的闡述視角，強調人與環境之間負責任的互動，分別是「Nature, the Muse!」、「Conscious Staging」、「Precious Matters」、「Shades of Sustainability, (Chromo Sapiens)」、「Terra Cosmos」。     Nature, the Muse!  東西方文化的交滙   「Nature, the Muse!」由中國當代設計師蔣瓊耳策展，內容含括10位法國和9位中國工匠之作，探索東西方文化中傳統與現代設計的交匯。   法國工匠均來自「Les Lauréats de l'Intelligence de la Main®」，此一擁有超過130位獲得Liliane Bettencourt獎的獨特人才社群，此社群重視專業知識、鼓勵跨學科合作、與研究機構建立橋樑並加強與市場的聯繫。   中國創作者包括：李樹淡、品物流形、辛瑤瑤、李之元、蔣瓊耳、RRB-Design、SADC、趙瑾雅和張永和，均以獨特創作展示傳統與當代工藝的應用，與法國作品展開對話。     Nature, the Muse!：由中國當代設計師蔣瓊耳策展。     Conscious Staging  對環境負責的意識設計   「Conscious Staging」由專注於可持續性發展的法國設計公司Normal Studio策展，旨在構建一個「意識設計的理想空間」，展示對環境負責的意識設計所面臨的挑戰與可能性，包括100%回收建築家具，並置於強調自然光照及抗噪音污染解決方案的環境中。   Conscious Staging：法國設計公司Normal Studio設計樣品。     Precious Matters   創新思維下的選材   由Pauline Vidal和Matéri'O創始人及創新材料專家Quentin Hirsinger策展，邀請參觀者進入一座宛如花園的空間，坐在優雅的野餐桌旁。透過精心策劃的「菜單」，得以探索一系列因其創新特性而被精選的材料。     Precious Matters：由Pauline Vidal 和MatériO' 創始人及創新材料專家Quentin Hirsinger策展。     Shades of Sustainability, (Chromo Sapiens)  法國當代創新設計   由Uchronia for French Design策展，展示13件精選自法國設計工作室的創新設計作品，突顯可持續的工藝、材料或設計理念。     Shades of Sustainability, (Chromo Sapiens)，由Uchronia for French Design策展。     Terra Cosmos  時間與空間的詩意詮釋   由Elizabeth Leriche策展，將對空間和時間的詩意詮釋，並對宇宙和行星獻上靈感致敬，營造充滿未來希望的空間，呈現意識設計與色彩美學的完美融合。     Terra Cosmos：充滿未來希望的空間，由Elizabeth Leriche策展。    透過這五個區域，「Maison & Objet Design Factory」共匯聚超過120位頂尖環保品牌與設計師，並邀請21位國際知名的工藝大師共襄盛舉，展現精湛工藝的精髓，為訪客帶來一場沉浸式的「永續設計」之旅。在展覽期間，數位享負盛名的中法工藝大師將與觀眾分享他們的精湛技藝。     「Hong Kong Design on Stage」專區 │香港重要設計臉譜   與此同時，Maison & Objet和香港法國文化協會攜手呈現「Hong Kong Design on Stage」，設立專區展示10位傑出的香港設計師之作。     「Hong Kong Design on Stage」專區展館，LAAB創意團隊設計規劃。     博覽會將以「產品設計類別」和「室內設計類別」兩個區域，共同展示八個設計工作師的得意之作。   包含展館設計本身都是展覽內容的一部分，由著名建築師Otto Ng (吳鎮麟) 所領導的香港建築事務所LAAB所創作，以環形設計為主題，象徵著和諧與統一，意圖引導公眾對於現代生活中「意識設計」的深入對話。     藉展覽催化溝通   Maison & Objet致力於強調創新設計解決方案。在過去幾十年間，香港已成為東西方文化交流的樞紐，同時也是國際藝術與文化的大都市。主辦單位期望藉由此次展覽作為商業發展和公眾參與的催化劑，期同推動香港設計界的繁榮，同時傳達責任與「意識設計」的重要性，促進國際品牌、設計師與設計愛好者彼此交流，共同推廣更完善、更可持續的都市生活方式。   資料及圖片提供」香港貿易發展局、Maison & Objet 編輯」江瑜

第26屆香港國際秋季燈飾展於2024年10月27日至30日在香港會議展覽中心隆重登場。此次燈飾展匯聚全球約3,000家參展商，展示了結合科技、環保與美學的燈光創新。展會推出的「互聯照明館」與多場精彩論壇，帶來了最新的行業趨勢。   香港國際秋季燈飾展入口展示色彩炫目的燈光裝置，突顯展會的活力與創新。 全球品牌齊聚一堂   「互聯照明館」為本次展會的亮點之一，集結了如日本的JDI、芬蘭的LEDiL及荷蘭的Signify等知名品牌，展示最新照明技術。澳洲Zencontrol和波蘭TOPMET也首次亮相香港秋燈展，帶來各自的產品，如Zencontrol的智能照明控制系統，讓燈光隨著自然日照變化自動調節，而TOPMET的NAMI23 LED鋁型材，其設計靈感源自日本「波浪」的意象，將簡約美學融入高效照明之中，為空間增添流動感。   互動照明館。 值得一提的是，波蘭TOPMET的產品以簡約而不失細膩的設計，回應了極簡主義的精神，既注重外觀的美感，又在實用性上達到極致。 展會論壇活動吸引眾多參觀者，深入了解照明行業的創新動態及未來趨勢。 而中國塗鴉智能（TUYA Smart）則展示了其先進的物聯網解決方案，強調智慧生活的便利性。塗鴉智能致力於推動「萬物互聯」，將燈飾產品與智能家居深度結合，透過手機應用即可控制家中燈光的色溫和亮度，體現現代人對智能化、個性化生活的追求。   永續發展與健康生活的潮流引領   隨著全球對環保的關注逐年升溫，秋燈展以「可持續發展」為一大主題，展示了一系列節能照明產品。成都易明半導體有限公司帶來的智慧燈桿結合了節能LED與感測技術，能根據周邊環境調整光源強度，以降低碳足跡。此外，Tridonic推出的Asia首次亮相的「lichtMONITOR」照明管理軟件，運用數據視覺化技術，能夠即時監控照明系統，幫助企業更有效地管理能源消耗。   CUPower展示各類燈具驅動器，強調尺寸對效率的重要性，吸引專業觀眾的關注。 健康照明產品亦是展會的重點之一。由立達信推出的「人本照明」系統，能模擬自然光變化，以提升使用者的身心舒適感及生產力。此類健康照明產品，藉由光影的巧妙變化，讓人體在都市的鋼筋水泥間依然保持與自然的和諧連結。  TEPE展位融合設計與技術，吸引參觀者探索智能照明的多元應用。 將藝術融入生活的個性主張   除了實用性，燈飾的美學價值亦不可忽視。今年首次參展的TOPMET以日本傳統波浪意象設計的NAMI23 LED鋁型材，獲得設計界的一致讚譽，展現了東方美學對當代燈飾設計的深遠影響。另一家亮眼的參展商——深圳市艾格斯特科技有限公司則展示了其榮獲紅點設計大獎的UFO高棚燈「Candela」，別具匠心的造型，不僅為工業空間帶來藝術氛圍，更結合精湛工藝和高效光學技術，將燈光的功能與情感表達合二為一。   深圳市思越科技有限公司展示Zigbee與藍牙結合的智能家居解決方案，提升居家自由控制體驗。 「名燈薈萃廊」雲集了來自全球的540多個品牌，包括德國Megaman、香港的Rio照明，以及Prosperity Group等，為買家提供豐富的選擇。展區中的燈具產品精雕細琢，既注重技術創新，又不乏對生活美學的探索，使燈飾不僅僅是照明工具，更成為空間中的藝術品。   LTECH展出其專業DMX控制系統，致力於智慧照明與控制領域的創新與應用。 設計大師分享設計靈感   秋燈展邀得照明設計大師關永權與OFT Interiors創辦人鄒卓明，聯手打造了「光·影」創意空間，詮釋燈光如何改變空間氛圍。關永權以其一貫的細膩與高雅，展示了燈光在不同材質與空間結構中的微妙變化，令觀展者深刻體會「光影交錯，變幻無窮」的魅力。 SkyLighting展位展示櫃燈及智慧電器，提供完整的智能家居照明選擇。   本次香港國際秋季燈飾展以「光·活」為主題，展示了從智能照明到節能環保的多元化解決方案，為全球業界帶來了無限商機。無論是追求環保效能，還是個性化設計，每家參展廠商皆自信展示其獨特的品牌理念與創新科技，展會不僅僅是商貿平台，更是一場跨越科技與藝術的照明盛宴，引領人們體驗燈光之美。 資料提供」香港貿易發展局 採訪、攝影」Ausfeldt

全球盛會2024年FIND 亞洲設計展於近期在濱海灣金沙圓滿謝幕，作為集結全球設計專業人士與愛好者的聚會，今年以國際與區域的品牌作為展區劃分，為參與者提供探索家具、照明、室內設計新趨勢的互動平台。隨著亞太區經濟成長，印度、印尼、越南等國逐漸茁壯，2024年亞洲設計博覽會採取雙邊國際化策略，透過展區規劃，將新加坡、義大利、印尼、印度、台灣等多樣國家館與參展品牌集結，藉其獨特視角與創新，在交流中縮短東西方文化差距，不僅反映世界化型態，亦突顯新加坡作為亞洲設計樞紐的重要角色。   展會現場集結與多來自各國的品牌，提供參與者許多交流機會。 活動總監Carl Press表示，靜謐奢華、低調優雅是本次主題，期望透過簡約、和諧的工藝風格，與亞洲的感性特色產生共鳴，以融合國際觀與地方創意，同時從多功能家具等熱門趨勢中，應對現今緊湊的生活節奏，從而發展出彈性靈活的空間設計。   來自菲律賓的居家品牌《Genteel Home》。 義大利展區 作為知名米蘭設計周主辦國的義大利，以先鋒性建築和城市主義著稱，展覽中主要呈現融合傳統與新穎概念的作品。藉新加坡多元繁榮的特色，義大利展現其多樣性與優雅氣質，以適應廣泛的亞洲市場。今年邀請了Busatti、Lube、Fabbian、Masiero、Slamp等40多家義大利知名品牌參展，不僅強調義大利設計師和製造商在拓展市場中的重要性，更因其新舊相融的設計而受到讚譽。          義大利精美圍巾《Busatti》。 捷克展區 捷克展區是本次一大亮點，以豐富的玻璃製造及設計傳承而聞名，其深厚工藝與創作精神令人為之驚艷。參展品牌Bomma和Hunat Glass展示精美玻璃作品，呈現捷克長久以來的玻璃製造技術。Bomma以其有名的當代手工燈具，表現尖端技術與工藝的融洽結合，而Hunat Glass則捕捉捷克設計中的玻璃藝術精隨。   《mmcité》的城市家具系列將創新設計與城市功能完美融合。 此外，亦強調其他知名品牌，包括以手工切割水晶著稱的RÜCKL、城市家具設計領導者mmcité，以及浴室解決方案專家RAVAK；Wood Factory和Halama在精細木工方面的專業知識，以及Pacinek在玻璃藝術方面的獨特做法，將傳統與現代美學和諧相融。   捷克精緻優雅的水晶工藝《RÜCKL》。 新加坡展區 新加玻展區作為主辦國，在展會中生動呈現可持續性的嶄新設計。展區亮點之一World Of Wood Pte. Ltd.，其高品質木製地板工藝令人讚嘆，所製建材更強調可持續性及環保，致力於達到永續目標。此次亦有以訂製家具與室內設計為代表的C&R、提供創意照明的D'Sol，以及展示創新設計系列壁紙的Craft Axis，更有Avenir Maison、Sustainable Office Solutions、Locus Habitat、Onlewo等卓越品牌出席參展。   訂製家具與室內設計界翹楚品牌《C&R》。 葡萄牙展區 今年葡萄牙延續傳統設計故事，嘗試融入創新元素呈現新舊融合的獨特面貌。EBBA Sofa主要呈現以布藝為主的舒適軟裝。團隊對精細工藝的堅持，反映葡萄牙工匠的豐富傳承，為全球客戶提供量身訂製的解決方案。此外，Alberto Dias Barbosa, LDA展示的高品質家具，無縫結合了傳統技術和當代設計，展現葡萄牙在設計界的持續影響力，以及創新與深厚傳統和諧共存的理念。   以布藝為主的舒適家具《EBBA Sofa》。 印尼展區 印尼展區以其豐饒的文化遺產，與對永續目標的堅持著稱，本次不僅展示整體動態設計，提供持續性的沉浸體驗，更呈現其環保的全氣候藤條和茅草產品，透過引入HDPE合成藤和竹子，徹底改變熱帶建築行業，將現代美學與傳統工藝相連，創造出可持續性和耐用材料。   《Riani Rattan》展現精細的手工籐編作品。 另一個亮點是Cellux Ceiling，提供適用於住宅和商業空間的天花板，利用其精妙的無縫安裝技術，提供多種色調、紋路和質地，增加空間多樣性與質感。Manawa Living Luxury Lighting則介紹當代裝飾性照明，捕捉雅加達雅緻而創意的設計特色，勾勒出日常的優雅姿態。Riani Rattan帶來手工編織的藤製作品，展示加里曼丹和龍目島工匠的精湛工藝。每件作品均注入環保元素，同時透過教育和技能發展計劃支持當地社區。   《Riani Rattan》展示加里曼丹和龍目島工匠的精湛工藝。 拓展國際視野 展現多元設計 2024年FIND亞洲設計博覽會，除了上述所提優秀展區，此次更展出來自日本的Takesada Shoten和Toyo Steel Co., Ltd.品牌，展其精緻工藝與現代設計；台灣Jetta Trade (Don Don)向世界展現台中創意；而香港Tat Ming Flooring Company Limited則展示高端的地板建材，引人駐足。     （左）新加坡《Arova》品牌，透過高品質的產品在家中營造輕鬆誘人的氛圍。 本次活動透過集結來自世界各地的品牌，為與會者提供許多難得機會探索全球設計趨勢，期待在未來能夠成為追求前沿設計人士的必訪盛會。   資料及圖片提供」Fiera Milano、dmg events 編輯」林靖諺

藝術界的盛事之一，2024年巴塞爾藝術展於巴黎大皇宮舉行，此展覽不僅是一場藝術家的盛宴，亦是品牌與創意的巔峰交融。路易威登向來是經典奢華的象徵，本次攜手建築大師法蘭克．蓋瑞（Frank Gehry），在巴黎大皇宮為大眾呈現出其不凡的美學語言。   法蘭克．蓋瑞回顧展。 雕琢時光：路易威登與蓋瑞的永恆合作   路易威登與法蘭克．蓋瑞之間的合作可謂珠聯璧合，兩者皆秉持創新與卓越的理念，突破傳統框架，勇於實驗新形態與材料。此次展覽恰逢雙方合作近二十年，法蘭克．蓋瑞本人更親自操刀，設計了展覽的場景布局，展示其如何透過圖紙、模型等形式，重新詮釋與路易威登共同創造的經典藝術品，每件作品都蘊含著他對形狀與材料的深刻理解。   法蘭克．蓋瑞回顧展。 空靈之姿：白魚雕塑的詩意展現   展覽最引人注目的，莫過於懸掛在大皇宮樓梯上方的巨大白魚雕塑。此雕塑體態輕盈而不失剛健，彷彿乘風破浪，展現出法蘭克．蓋瑞建築語言中的核心理念——空氣動力學與形體美感的完美融合。 法蘭克．蓋瑞回顧展。 其表面如魚鱗般精細的紋理，呼應了蓋瑞一貫的設計哲學，將材料的變化和動感視作作品的靈魂所在。雕塑周圍的拱形結構，以幾何圖案排列的木條構成，彷彿擁抱著這一漂浮的生命體，如此場景，正是蓋瑞對日本和紙藝術深刻情感的寫照。 法蘭克．蓋瑞回顧展。 建築的詩篇：路易威登基金會與首爾旗艦店 法蘭克．蓋瑞的建築作品在世界各地享有盛譽，最具代表性的便是今年迎來十週年慶的路易威登基金會建築。此作不僅是現代建築的典範，更是二十一世紀的建築瑰寶。透過光與影的交錯，這座透明感十足的建築如同一座水晶夢境，而蓋瑞的設計靈感源自於航海，他將這座玻璃船形建築打造成了一座藝術的港灣。類似的美學手法亦出現在他位於2019年落成的路易威登首爾旗艦店中，透過多重的光影錯位，表達出對流動性與和諧的深刻探討。   法蘭克．蓋瑞回顧展。 Louis Vuitton by Frank Gehry：手袋中的建築美學 法蘭克．蓋瑞在路易威登的藝術世界中不斷探索，將其建築的美學原則應用於包款設計中。其系列作品Louis Vuitton by Frank Gehry，不僅再現了路易威登經典包款的形態，更體現了建築藝術的多重意境。Capucines Mini Blossom和Mini Puzzle包款以透明的設計表現植物形態之美，而Capucines MM Concrete Pockets、BB Shimmer Haze則融合了蓋瑞知名建築如畢爾包古根漢美術館與洛杉磯迪士尼音樂廳的設計語彙，將建築轉化為微型雕塑，令人嘆為觀止。 法蘭克．蓋瑞回顧展。 鱗片與手挽：魚鱗之美的巧妙運用 本次展覽的另一亮點在於將蓋瑞的「圖騰動物」引入包款設計中。Capucines MM Floating Fish包款上的淺浮雕與Capucines Mini Drawn Fish包款的鱷魚皮設計，皆以魚鱗為靈感，精工細作，宛如栩栩如生的藝術品。而Twisted Box包款，則是在慶祝路易威登160週年之際，蓋瑞以其獨到的視角重新詮釋經典Monogram帆布行李箱，讓形與物之間充滿了無限可能。 法蘭克．蓋瑞回顧展。   藝術傳承：與世界名家的永恆對話 路易威登始終秉持對藝術的不懈追求，品牌自1854年成立以來，便與藝術家展開緊密合作。自創辦人孫子加士頓．威登以來，路易威登的作品便常見國際知名藝術家的創作靈感，其中不乏索爾．勒維特、詹姆斯．羅森奎斯特、村上隆等大師的身影。法蘭克．蓋瑞的加入，讓這份合作更添光彩，堪稱「錦上添花」。 法蘭克．蓋瑞回顧展。 此次法蘭克．蓋瑞的回顧展就像是2024年巴黎巴塞爾藝術展的華麗篇章，透過展覽，路易威登再次向世界展現了其對藝術創作的支持與承諾，正如同法蘭克．蓋瑞作品中迷人的光影交錯，這場藝術盛宴無疑成為人們心中的一抹亮色。 資料及圖片提供」路易威登 編輯」Sumile

國立臺北教育大學北師美術館將於2024年12月21日至2025年5月4日推出「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」，是睽違9年、台灣最大規模的草間彌生個展，以草間彌生與台灣接觸的原點－特別重製1998年台北雙年展《圓點的強迫妄想》揭開序幕，聚焦她1951年至2005年間的重要創作轉折，展示近70組／件精選作品，涵蓋繪畫、版畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像、服裝等多種創作形式。 展覽主視覺。   四大子題探索草間彌生的創作生涯 1990年代是草間彌生大放異彩的關鍵時期，1993年她成為首位位於威尼斯雙年展日本館個展的當代藝術家，隨後亦於世界各地接連舉辦大型回顧展；1998年，草間彌生受時任臺北市立美術館館長林曼麗及策展人南條史生之邀，於「臺北雙年展」創作巨型現地裝置《圓點的強迫妄想》，以七個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球滿佈北美館的中庭，是她以巨大雕塑和公共空間對話的重要節點，該次展覽也開啟這位風靡全球的藝術家與台灣的頻繁交往。 草間彌生，《花強迫（非洲菊）》，1999，1_21_，彩色錄像、無聲，藝術家自藏，北師美術館提供。   本展奠基於日本青森縣立美術館「從W Collection看草間彌生的軌跡與奇跡」之成果，北師美術館亦與草間彌生工作室緊密合作，除重製《圓點的強迫妄想》之外，並借展10餘組鮮少曝光的偶發展演紀錄及服裝展件，聚焦藝術家早期行為實驗對形塑其藝術生涯的重要性。 草間彌生，《無題（彩繪上衣）》，1968，60.0 × 160.0 cm，油彩、布，W Collection，北師美術館提供。 總策劃林曼麗從「草間的綻放」、「圓點．原點」、「草間的蟄伏」及「Love Forever」四個子題切入，以草間彌生生涯中的創作探索與實驗為引，展現出草間彌生不斷挑戰自我、突破框架，透過作品與世界映照對話的企圖。 草間彌生，《性的強迫妄想》，1997，21.6 × 22.9 × 12.7 cm，複合媒材，W Collection，北師美術館提供。   「草間的綻放」從1998年她首度受台灣文化機構委託現地製作開始，呈現她頻受各地邀約、以鮮豔的色彩與大型裝置作品重回國際觀眾視野；「圓點．原點」回溯草間早期的創作軌跡，標誌性的圓點源自她童年的精神幻覺，是她連結自然、家庭和社會現實的視覺符號，也是她探索無限的創作原點。 草間彌生，《花》，1989，45.5 × 38.0 cm，壓克力彩、畫布，W Collection，北師美術館提供。 「草間的蟄伏」則聚焦她1973年返日後的創作歷程，身心上的恐懼、焦躁、絕望與想望，反映在多件粉彩、墨彩與拼貼形構的平面作品上；「Love Forever」則呈現草間在1960年代紐約前衛藝術圈的行為展演，這些激進的行動藝術作品，以反戰、性別、身體與愛為主題，挑戰當時的社會規範，激發了觀眾對當代社會的反思。 草間彌生，《幻影的彼方》，1999，尺寸依場地而定，複合媒材，W Collection，北師美術館提供。   「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』」關照草間彌生生命經驗與藝術語彙的錯綜交織，深入其創作實踐的發展「軌跡」，在探問藝術家何以持續開創嶄新可能的同時，也擁抱藝術與生命的「奇跡」。 草間彌生，《自畫像》，1953，29.5 × 22.4 cm，粉彩、墨水、紙，W Collection，北師美術館提供。     草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005 日期」2024年12月21日至2025年5月4日 地點」北師美術館 10月1日至10月7日推出快閃早鳥票，詳情洽官網     資料及圖片提供」北師美術館 編輯」陳映蓁