隨著工作、生活與社交界線日益模糊，人們對居住環境的期待，也逐漸從滿足基本機能，轉向更具彈性與適應性的生活場景。於2026好感空間展登場的《Fluid Living 流動的生活》，由遠雄建設、Saiens山恩 × COVE Living與Gili集力門三方首度攜手策展，透過建築、結構與材料三個面向，探討空間如何回應當代生活的持續變化，並重新思考人與居所之間的關係。 遠雄建設、Saiens山恩 × COVE Living、Gili集力門首度跨域合作。 跨域合作，展開空間新對話 《Fluid Living 流動的生活》的誕生，源自三個品牌對未來生活的共同關注。Saiens山恩與遠雄建設因循環材料應用建立合作契機，而Gili集力門的加入，則讓討論從材料與建築進一步延伸至空間結構與邊界的思考。雖然分屬不同領域，卻皆承襲家族產業基礎，以新世代視角重新詮釋品牌定位，並將永續、創新與設計價值化為此次策展的重要核心。展覽不僅展示產品，更希望透過跨域交流，提出對未來居住型態的更多可能。 展場示意圖。 展場示意圖。 從材料到建築，呈現流動生活樣貌 展場透過燈光、音樂與氛圍營造，模擬一天之中由白晝至黃昏的光影轉換，讓觀者在輕鬆的節奏中體驗不同情境下的居住感受。 展場示意圖。 Saiens山恩以材料作為策展主角，展示石英石如何從廚房檯面、建築立面延伸至家具與生活用品，展現材料跨越不同尺度的應用可能；旗下品牌COVE Living則藉由燈具、桌几及家飾設計，讓石材走出工程領域，成為融入日常的生活元素，也呈現品牌在材料加工上的技術實力。 Saiens山恩藉由旗下品牌COVE Living讓石材更貼近一般民眾的日常。 遠雄建設則從建築生命週期切入，展示多年推動循環建材與永續設計的成果。「好室智造所」行動展間集結工地再生材料、再生家具及循環建材應用，同時攜手小智研發推出手作體驗，將木模板、帆布及安全網等廢棄物重新轉化為燈具與生活用品，讓建築材料在完成使命後，持續創造新的價值。 遠雄建設攜手小智研發推出手作體驗。 Gili集力門則以「All About Door」為核心理念，重新思考門與空間邊界的關係。品牌從五金、鋁料到玻璃對接系統皆採自主研發，透過系統整合與精密工藝，回應現代住宅對彈性分隔與開放使用的需求，使空間得以因應不同情境自由轉換。 Gili集力門應用實例。 品牌轉型，延伸設計價值 Saiens山恩從深耕石英石製造出發，第二代團隊建立自有品牌與通路，將材料從工程端帶入設計產業，並透過COVE Living延伸至家具與家飾領域，讓石材以更貼近日常的形式融入居家。 Saiens山恩藉由旗下品牌COVE Living讓石材更貼近一般民眾的日常。 遠雄建設近年則持續推動「未來居住實驗」，與META Design、小智研發（MINIWIZ）合作，將工地廢棄物升級再造，透過設計轉譯成為可被體驗的空間元素，實踐建築循環再利用的可能。 遠雄建設「好室智造所」行動展間。 而傳承40年五金產業的Gili集力門，則從品牌思維重新定位產品角色，不再只是提供五金配件，而是透過自主研發與系統設計，重新定義門在居住環境中的功能與價值，讓空間擁有更多彈性與自由度。 Gili集力門應用實例。 以策展回應未來居住想像 《Fluid Living 流動的生活》並非單純展示建材或產品，而是透過三方品牌的跨域合作，串聯建築、材料與結構等不同層面的思考，提出關於居住方式的新觀點。當空間能隨著使用者需求持續調整與演變，建築與設計也將成為支持生活流動的重要媒介，開啟更多關於未來居住的討論。   資料及圖片提供」Saiens山恩 撰文」陳映蓁

當柔軟同時是一種能夠承受時間與高溫的力量，它會呈現什麼模樣？由 Everijoy Floral Boutique策劃的《Soft Core──任徐乙凡陶藝展》，以「被高溫永久定格的柔軟內核」為題，透過陶藝、花藝、植物與空間策展的交織，邀請觀者走入一場關於材質、時間與生活感知的對話，重新思考柔軟與堅毅共生的可能。 《Soft Core──任徐乙凡陶藝展》於Everijoy Floral Boutique展出。   任徐乙凡為美國羅得島設計學院（Rhode Island School of Design）藝術碩士，以陶土作為創作媒材，透過擠壓、凹陷、皺褶與仿真肌理等手法，讓原本堅硬的陶瓷呈現近乎柔軟的視覺錯覺。其代表作〈枕頭花器〉系列，以柔軟型態鬆動人們對陶瓷的既定印象，在結構與鬆弛、理性與感性之間創造出獨特張力。   關於柔軟的創作實驗 本次展覽橫跨藝術家自求學時期至今的創作脈絡，除了廣受歡迎的〈枕頭花器〉系列之外，也呈現其創作初期的探索與不同階段的雕塑實驗作品，讓觀者得以循著作品軌跡，看見藝術家如何持續圍繞「柔軟」展開創作思考，並逐步發展出獨具辨識度的陶藝語彙。 任徐乙凡代表作〈枕頭花器〉系列，以柔軟型態鬆動人們對陶瓷的既定印象。   特別展出的大型作品《大扁瓶》，源自藝術家求學期間未竟的仙人掌草稿。一次偶然之下，朋友將其雕塑作品作為花器使用，原本的注漿口轉化為瓶口，也開啟了作品新的功能與觀看方式。這段歷程不僅成為藝術家創作的重要轉折，也映照出陶土既具可塑性、又充滿未知生成力的特質。 特別展出大型作品《大扁瓶》，朋友將其雕塑作品作為花器使用，原本的注漿口轉化為瓶口，也開啟了作品新的功能與觀看方式。   展覽亦呈現《模具的模具》，作為花器系列製程的起點，也象徵創作語彙逐漸成形的根基。同步展出的《無刺仙人掌》，則是藝術家以更成熟的設計語彙與創作手法，重新回望創作初心所完成的作品。 展覽亦呈現《模具的模具》，作為花器系列製程的起點，也象徵創作語彙逐漸成形的根基。   《無刺仙人掌》則是藝術家以更成熟的設計語彙與創作手法，重新回望創作初心所完成的作品。 Everijoy Floral Boutique以花藝、綠植與生活美學語彙延伸任徐乙凡的創作語境。展場運用仙人掌、礦石、枝葉與陶藝工坊常見的石膏模、海綿等元素，回應作品所蘊含的情感與能量，透過軟與硬、自然與人工之間的對照，進一步襯托作品游走於柔軟與堅硬之間的獨特共生狀態，形成一座介於居所、自然與想像之間的感知場域。 任徐乙凡以陶土作為創作媒材，透過擠壓、凹陷、皺褶與仿真肌理等手法，讓原本堅硬的陶瓷表現出近乎柔軟的視覺錯覺。   從精準到安定的柔軟轉譯   任徐乙凡的作品看起來很柔軟，但它其實是陶瓷、其實是經過高溫燒製而成，也讓人聯想到生活中很多有力量的事情，其實不一定是堅硬的。展覽開幕當日亦邀請4位來自不同領域的生活美學實踐者參與對談，包括FENKO鳳嬌催化室品牌總監李依耘、Everijoy Floral Boutique主理人陳怡雯、工一設計共同創辦人王正行，以及Everijoy Floral Boutique花藝設計師丁耀崇，圍繞「柔軟與堅毅如何同時存在」展開交流，分享材質、時間與生命經驗之間的細膩連結。 邀請來自不同領域的生活美學實踐者參與對談，由左至右分別為：Everijoy Floral Boutique花藝設計師丁耀崇、FENKO鳳嬌催化室品牌總監李依耘、Everijoy Floral Boutique主理人陳怡雯、工一設計共同創辦人王正行。   工一設計的作品一直以來予人安定、內斂的感受，王正行設計師分享，從初入業界的助理、歷經設計師階段，直到創立自己的事務所，20餘年的設計歷程中最大的轉變並非僅止於技術層面，而是生命階段的改變。擁有家庭和孩子之後，他開始以不同的視角理解空間與人的關係，相較於過去著重比例、尺度和細節的精準掌控，如今他更重視空間所帶來的安定感──運用多年累積的專業經驗和精確的設計思維，化為支撐居住者日常的無形力量，讓人在其中真正感到安心。對他而言，這份由理性淬鍊而成的體貼及包容，正是「柔軟」的真正意義。   Everijoy Floral Boutique主理人Everina則希望透過此次展覽，邀請更多人放慢腳步、重新感受生活中柔軟的力量。     《Soft Core──任徐乙凡陶藝展》 日期」2026年7月8日前 地點」Everijoy Floral Boutique（新北市新莊區榮華路二段171號）     資料及圖片提供」Everijoy Floral Boutique 撰文」陳映蓁

當人類開始將目光投向宇宙，設計也同步展開對未來生活的想像。1957年蘇聯成功發射第一顆人造衛星，1969年阿波羅11號登陸月球，太空競賽不僅改寫科技發展進程，也形塑了20世紀中葉對未來世界的集體想像。火箭、衛星、太空艙與科幻電影中的視覺語彙逐漸滲入大眾文化，進而影響建築、藝術與家具設計領域。設計師開始以流線曲面取代傳統直角框架，並積極運用塑料、玻璃纖維與金屬等新興材料，描繪未來生活的樣貌，「Space Age Design（太空世代設計）」也因此成為1960至1970年代最具代表性的設計風潮之一。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   今年適逢丹麥設計師Verner Panton誕辰100週年，明日家居MOT CASA於NOKE 忠泰樂生活推出全台唯一一場《SPACE AGE DESIGN—Verner Panton 與太空世代設計經典展》。展場以Verner Panton的代表作品為核心，同時納入Marc Newson、Tom Dixon與Ron Arad等當代設計師作品，從造型、色彩、材質和科技等面向，回顧太空世代設計的發展脈絡，並探討其如何持續影響當代文化。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   打破北歐設計框架的實驗者：Verner Panton Verner Panton無疑是Space Age Design最具代表性的人物之一。相較於傳統北歐設計強調天然材質與功能主義，Panton更關注感官經驗與情緒氛圍的塑造，他透過大膽鮮豔的色彩、有機曲線，以及對塑料等新材料的積極實驗聞名，並以此重新定義家具與空間的關係。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   從雕塑感十足的《Heart Cone Chair愛心甜筒椅》、改寫家具設計史的《Panton Chair》，到打破水平座位邏輯的《Living Tower生之塔 雕塑型間隔 / 沙發》，皆展現其對未來生活型態的前瞻想像。對Panton而言，家具不只是功能型的日常物件，更是塑造空間感知、與使用者互動的媒介。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   本次展覽的另一亮點，則為特別集結多件由Vitra生產的Verner Panton經典作品，其中更有兩款為了紀念其百年誕辰所推出的全球限量作品，並首度於台灣公開亮相。包括首次推出雙色版本的《100週年紀念版｜Heart Cone Chair愛心甜筒椅（雙色／藍）》，以深淺藍色重新演繹標誌性的愛心輪廓跟錐形基座；而《2026年度限量版Panton Chair》透過全球票選機制，自經典色彩語彙中選出日冕橘、新星紅、電光藍與松石綠4款限定配色。在突顯設計師的個人風格之餘，也反映其作品在當代設計文化中的持續影響力。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   Herman Miller版本Panton Chair老件，支撐軸細節照。 重新思考設計與未來想像的關係 除了聚焦Verner Panton的成就，展覽亦從太空競賽、塑料革命、流體造型與未來主義美學等角度切入，回顧那個相信科技能改變世界的年代；Space Age Design所關注的不僅是一種造型風格，更是人們對未來生活的期待與投射。今日人類再次面對AI、數位科技與新興技術帶來的變革，本展希望藉由這些經典作品，重新喚起人們對未知世界的好奇，以及設計如何回應時代願景的思考。 《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   《SPACE AGE DESIGN》Verner Panton百年特展。   SPACE AGE DESIGN—Verner Panton 與太空世代設計經典展 日期」2026年6月5日至7月5日 地點」NOKE忠泰樂生活 Uncanny（台北市樂群三路200號3樓）     資料及圖片提供」明日家居 MOT CASA 撰文」陳映蓁

臺北市立美術館戶外廣場，多年來承載著人群的流動與聚合，既是進入美術館的必經之地，也是城市與藝術之間那道若有似無的邊界。自2014年啟動的X-site計畫，便以這個過渡空間為基地，年復一年提出對於公共性的實驗探問。那個代表未知與變動的「X」，象徵動態的辯證，持續回應公共空間的多重可能。第十三屆X-site計畫於今夏揭幕，首獎團隊「做白工作室」以《鏡・亭・山：相看兩不厭》進駐廣場，用一種近乎輕柔的姿態，重新梳理人與場域之間那層尚未被言明的關係。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》外觀圖。以「掀起地皮」為概念，輕巧重組了廣場的垂直與水平關係。 「做白工作室」是「創造有意義的空白」的跨領域設計團隊，創作出發於對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深究，視《鏡・亭・山》為介入環境、重構關係的行動實踐。原本以通行機能為主的廣場入口，藉由地表輕巧「掀起」的意象結構，重新配置場域中水平與垂直、上方與下方之間的關係。作品未錨定於既有混凝土鋪面，以鋼板與懸索結構，創造出一片完全穿透、不倚靠柱子與牆面支撐的自由場域，充分展現結構本身就是一種關係的思考。 「做白工作室」團隊合影，團隊成員(左至右下)：溫子慶、梁立白、陳冠文、鄭詠心、蔡君陽。   多重的閱讀 流動的邊界 《鏡・亭・山》的命名蘊藏三種不同層面的解讀意涵，彼此交疊卻不相互定義。「鏡」不止於被動映照，它反射空間裡人與人的動態互動，並在特定角度中，將周遭自然天光、北美館建築形體等環境現況收納進作品一隅，讓觀看與被觀看成為流動的參與。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》外觀圖。鋼板與懸索構築出無柱無牆的自由場域，結構本身成為一種空間關係的對話。 「亭」則超越傳統遮蔽或停留的建築功能，在結構被「拉起」的狀態下形成嶄新的停留空間，界線模糊，卻能容納身體的暫歇。「山」連結無限可能的想像與未知，雙向掀起的屋頂與地板共同構成可穿梭、可停駐的場所，既是休憩點，也是路徑本身。在這些層面交織之下，「經過」本身便成為一種參與，場域不再是被動容器，而是持續生成關係的動態結構。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。鏡面捕捉人際互動的流動，並將天光與建築輪廓納入作品一角。   除了空間塑造，團隊更從環境中延伸感知的觸角。抵抗風浮力的鋼纜被轉化為「可觸碰發聲互動裝置」，那些為穩定結構而繃緊的鋼索猶如樂器中的琴弦，當觀者輕觸撥動，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，或許是展間中的低聲交談，或許是行走於建築內的腳步聲。這些平時不易察覺的細微聲景，此刻被揭露在廣場風中，成為另一種聆聽美術館的方式。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。用以穩定結構的鋼纜，化身為觸發聲音的弦，讓物理的拉力轉譯為空間的聽覺記憶。 另一處巧思落在屋頂的「蛇紋磚板片」。團隊表示，塞尚晚年以二十年時光反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是在追索真理。以此為靈感，他們將第一屆X-site舉辦以來廣場的歷年衛星空拍圖化為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域重要的視覺特徵，亦承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。 《鏡・亭・山：相看兩不厭》細節圖。蛇紋磚板片的圖案，來自歷年廣場衛星空拍圖的像素重組，將場域變遷與觀眾記憶，鑲嵌進北美館廣場的地景之中。 作品透過對環境、歷史脈絡與自身感知的轉化，梳理歷屆X-site計畫與基地之間的關係，將廣場真實的歷史紋理與場域記憶，轉化為另一層次的觀看與感知經驗。展覽期間亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等面向，邀請觀眾重新與環境共譜，在人與環境、內與外之間，保留那片「有意義的空白」。   《鏡・亭・山：相看兩不厭》 時間」2026年5月16日至7月26日 地點」臺北市立美術館 戶外廣場 更多展覽內容請至北美館官網瀏覽。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

來自日本的「観察の樹（觀察之樹）」於2026年迎來品牌十周年，攜手陽明山美學空間「裏山URAYAMA」，2026年5月31日前推出「《觀察からの存在》十年歷程。設計・觀察・職人精神」特展，以策展形式呈現家具和生活之間更深層的關係，並回望品牌十年來「日本設計・台灣製造」的文化實踐，透過家具、工藝與空間，重新思考「觀察」與「存在」的意義。 観察の樹（觀察之樹）於陽明山裏山URAYAMA展開十周年特展。   本次不僅帶來多件代表作，更首度發表「historica法式家具系列」，完整展現設計脈絡的延續與進化；另一亮點則為台日工藝的跨界融合，發布台灣傳統木雕「陳彫刻處」與花磚文化「淡陶社DANTO」合作款。 觀察之樹十周年特展匯集十年來的經典家具系列與新品。   「觀察」走向「存在」 「一切都始於觀察」這句話，是「觀察之樹」創辦人暨藝術總監黑坂昌彥十年來始終不變的核心信念。 「觀察之樹」海外開發企劃總監庄司佳代（左）與藝術總監黑坂昌彥（右）。 自2016年於台北設計師週首次發表以來，觀察之樹持續與台灣職人展開深度合作，在材料、工法與生活節奏之間反覆對話，逐步建立出屬於亞洲生活文化的設計語言。此次特展象徵品牌從「觀察」走向「存在」的轉變，這樣的設計哲學也成為觀察之樹長年回應高齡化、少子化與家庭關係變化的核心：家具不再只是功能性的存在，更應是人與人之間情感交流與記憶延續的媒介。 展出首次公開的historica法式家具系列以及眾多經典家具。   展覽選址於陽明山上的裏山URAYAMA，空間本身即充滿深厚的人文背景。「裏山」是一個藏在山裡的古物植栽專門店，結合景觀造景、古物、植栽、藝術，集合每個合作夥伴的強項，創造更多元化的體驗。這份跨越世代的自然記憶，也與觀察之樹長期關注「時間感」與「生活文化」的理念彼此呼應，家具將與裏山的古物、植栽與山林環境共同展演，形成一場介於自然、工藝與生活之間的沉浸式體驗，觀者不只是觀看家具，而是在山霧與木香之間，重新感知物件與時間。 展覽現場。 觀察之樹經典家具Kino Stool。 百年工藝跨界合作 觀察之樹亦透過木雕與花磚兩種承載時代記憶的工藝語彙，重新思考家具與生活、文化與時間的關係。其中，台灣百年木雕品牌「陳彫刻處」將傳統木刻工藝中的刀痕、力道與手感，融入觀察之樹經典家具Kino Stick系列之中，使原本平滑的木質產生細緻而富有呼吸感的紋理。 與「陳彫刻處」跨界合作Kino Stick。兩款分別是草結Kusamusub（左）、海原Unabara（右）。 而日本擁有百年歷史的花磚品牌「淡陶社 DANTO」，則帶來復刻自日治時期的經典花磚工藝。「和華WAKA」與「虹彩KOUSAI」兩款花磚皆源自1920至1940年代曾廣泛出現在台灣住宅、公共建築與南部老宅中的磁磚紋樣；更特別邀請長期研究台灣花磚文化的相關研究者與花磚博物館團隊共同交流，重新梳理這段跨越台日的工藝脈絡。花磚本身具備良好的散熱特性，在夏季接觸時帶有自然涼感，也讓家具在實用性之外，多了一層貼近日常生活的感官體驗。 與「淡陶社 DANTO」花磚跨界合作。分別是Kino Stick淡陶社款-和華WAKA（左）、Kino Stick淡陶社款-虹彩KOUSAI（右）。   本次展覽亦首次完整公開「historica法式家具系列」。該系列源自半世紀前留存在台灣家具工廠中的經典法式家具語彙，透過觀察之樹重新詮釋，保留法式家具優雅比例、雕刻細節與工藝精神的同時，融入亞洲生活尺度與當代材質思維，展現品牌近年在設計脈絡上的延續與進化。 現場同步展出「historica法式家具系列」，透過保存與再製既有材料，讓這批沉睡多年的家具重新被看見。     資料及圖片提供」観察の樹（觀察之樹） 編輯」陳映蓁

勤美術館（CMP INSPIRATION）即將於3月20日迎來一場前所未有的策展變革。全新春季特展《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》，由知名藝術團隊「走路草農藝團」操刀，邀請觀眾放下對藝術的敬畏，入館化身成為一日藝術家，佔領美術館牆面。這不只是展覽，更是一場為期100天、目標集結10,000人共同完成的當代藝術實驗，並同步啟動 2026 年度藝術教育計畫。 策展單位走路草農藝團。©走路草農藝團   美術館模樣由你決定 自2024年底開館以來，勤美術館致力於「打開想像」，持續思考一座美術館如何成為城市中最自由的練習場，從每場展覽中不斷鬆動觀看與參與之間的界線，讓藝術不再只是被欣賞，而是一種可以被啟動的行動。   本次由「走路草農藝團」策劃，創辦人陳漢聲與劉星佑從街角常見的提問「你缺臨時工嗎？」轉化為對藝術體制的靈魂拷問「你缺藝術家嗎？」，思考日常勞動與藝術創作之間的關係──當社會清楚定義各種工作形式時，藝術勞動卻往往隱形。延續勤美術館前身「工家美術館」概念，試圖探問工家、藝術家與觀眾之間的界線，向源自雙手與行動的實踐致敬。不同於以藝術家為主體的展覽，本展將焦點放在尚未完成、正在發生的創作過程。 勤美術館2026春季展，主視覺形象示意圖。   觀展即參展 「走路草農藝團」以幽默翻轉嚴肅論述，規劃「非學院的藝術練習」，將勤美術館打造成四大功能各異的創作現場，構成一套完整的「藝術家養成動線」，讓觀眾在不同創作狀態中自由切換，同時邀約六組藝術家陪伴創作。分別是B1暖身基地：從簡單的點線面拼貼開始手作，找回觀察世界的全新視角；B1自由畫室：可自行擺設靜物、描繪靜物畫，體驗藝術家的視角轉換；1樓雕塑記憶庫：將自身的回憶小物件裝進葉片袋，縫入展場的大型柔軟裝置；1樓沙龍大平台：作為展覽的心臟地帶，觀眾的作品會在此輪流展出，直接成為美術館的正式展件。 創作場域「沙龍大平台」將輪流展出觀眾完成的作品。示意圖。 創作場域「自由畫室」透過角色轉換讓觀眾體驗藝術的流動。示意圖。   透過兩大關鍵機制，記錄每一位參與者的藝術勞動，挑高展場中央懸掛的巨型「浮空雲朵」塗鴉區，象徵群眾靈感的流動，觀者可在雲朵表面留下筆跡，隨著展期推移，雲朵將逐漸累積眾人的觀察與記憶，匯聚成一件隨時間生長的「活作品」，讓美術館變身為一座持續運轉的創作現場。 由藝術家李芳吟規劃的「雕塑記憶庫」，織縫於展場共創裝置上，讓一片片記憶匯聚成屬於草悟道的集體風景。示意圖。   藝術家賴怡璋與謝佳瑜共同合作「生成變化中的靜物」，邀請觀眾擺設靜物、描繪靜物畫，體驗最自由的創作氛圍。 《你缺藝術家嗎？先「畫」再說！》 日期」2026年3月20日至6月28日 地點」勤美術館     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

睽違十年，日本攝影與視覺藝術大師蜷川實花，攜其標誌性的絢爛美學重磅回歸，在華山文創園區盛大揭幕其海外最大規模個展《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》。這不僅是一次經典作品的再現，更是一場美學語言的全面進化。她與科技藝術團隊EiM深度聯手，打破平面攝影的框架，將影像、裝置、光影與空間融為一體，邀請觀眾步入一場穿梭於光與暗、生與死、現實與幻境之間的沉浸式感官旅程。 蜷川實花現身《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》 開幕記者會。   八大展區 層層遞進的敘事迷宮 此次以「彼岸之光，此岸之影」為題，精心構築八大展區，形成一首首視覺的敘事詩章。展覽起點《生命的呼吸》，以迷離的霓虹燈光與水箱裝置，營造如夢似幻的都市生命脈動。 展區《生命的呼吸》中的驚喜小彩蛋，台北街景、寺廟與巷弄的蹤影進入作品中。 細心的觀眾會發現，蜷川半年前秘密造訪台北時捕捉的街巷風景與廟宇光影，正悄然流轉於影像之中。這份獻給台北的深情彩蛋，源自藝術家對這座城市「懷舊與嶄新並存」的活力能量深深著迷。   展區《綻放的情感》一隅，透過音樂與影片和諧搭襯，在如夢似幻的自然場景中，感受令人深入其境的五感體驗。 展區《與光影共舞》一隅，透過極致的聽覺與視覺饗宴，感知大自然的生命歷程。 隨後，《綻放的情感》、《與光影共舞》等展區，逐步引領觀眾深入其核心美學世界。而台北站獨有的新增展區《生命的殘骸》，無疑是本次展覽的哲思亮點。無數印有巨大花朵的布幔自天幕垂落，層層交疊出盛放與凋零的殘影，行走其間，彷彿在鮮活的「此刻」與褪色的「記憶」中徘徊，優雅而深刻地展現生命與消逝。 展區《生命的殘骸》一隅，透過層層花樣紗布，呈現墓碑前供奉的花朵景象，傳遞徘徊於生死之間的記憶痕跡。   經典再詮釋 沉浸式體驗的極致展現 觀眾所熟悉的蜷川式攝影作品，在《解放與執著》與《綻放之境》中被賦予全新維度。它們與精緻的複合媒材、立體裝飾藝術交織，使平面影像化為可觸可感的空間敘事，展現其對華麗與執念的細膩凝視。 展區《解放與執著》一隅。 而於京都展備受熱議的《深淵彼岸的夢》，則帶來全然包覆的感官震撼：觀眾先被無盡怒放的絢爛花海擁抱，旋即步入由鏡面與巨型螢幕構築的720度無限全景空間。櫻吹雪、花火、律動海洋，場景永恆變換，使人徹底沉入一個超越現實的彼岸幻夢。   展區《深淵彼岸的夢》一隅，透過LED全景空間，以及絢麗綻放的花園，為觀者帶來彷彿脫離肉體感知的心靈之旅。 展覽的璀璨終章《光之細語，色彩之夢》，以全面升級之姿驚艷登場。超過兩千條水晶串飾編織出閃爍奪目的夢幻空間，光線折射下，蝴蝶、花朵與水晶交織出瞬息萬變的色彩光影，每一步轉身，都能遇見獨一無二光景。   展區《光之細語，色彩之夢》一隅，在超過兩千條的水晶串式的垂吊下，在光影折射下，蝴蝶與花朵顯得夢幻而生動，令人沉醉。 台北限定獻禮 美學與在地文化的交會 為慶祝此次里程碑式的展出，展覽特別推出多款由蜷川實花親自監修的台北獨家限定商品，其中不乏日本未曾發售的品項。從實用的大容量托特包、雅緻絲巾，到為多雨氣候設計的傘具，皆貫徹其華麗風格。最特別的莫過於因應藝術家對茶飲喜愛而誕生的「烏龍茶包組」，其包裝巧妙融入台式傳統花布元素，成為蜷川美學與台灣在地文化迷人的跨界融合。 展覽限定商品。 蜷川實花強調，本展是她與電影燈光、美術等多元領域創作者共構的成果，旨在打造如電影敘事般的沉浸氛圍，期待每位觀眾以探險之心走入這虛實交錯的迷幻國度，在極致的光、影與色彩流轉之間，尋找專屬於自身的情感共鳴與生命故事。 蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影 時間」2026年1月17日至4月19日 地點」華山1914文創園區 東2C、D棟 展覽詳情請至展覽官網瀏覽。   資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」林靖諺

WOW Furniture與iart Gallery愛上藝廊攜手推出跨界計畫《一日之所》，首次將台灣藝術家的創作帶入丹麥家具品牌GUBI的選品中。2026年1月31日前於WOW Furniture展出。 WOW Furniture與iart Gallery愛上藝廊攜手推出《一日之所》。   1967年於哥本哈根創立的GUBI，以「重塑經典」聞名，融合20世紀設計先鋒與當代設計師相互交融的前瞻願景，使傳奇作品再版新生、永續傳承。GUBI的世界如同一本自成系統、擁有完整詞彙的字典，任何人都能從中擷取片段，組成屬於自己的獨特文句；它是一座蘊藏生活藍圖靈感與秩序的寶庫。 以藝術品與設計家具交織豐富場景。 本計畫以藝術品與設計家具的配置為核心，延展出一日生活的多重情境與氛圍，讓「生活的必經」成為「設計的意圖」，以設計扶持日常的片刻。走進展覽，北歐家具的美感、機能與情感理念，與台灣當代藝術家的創作互為表裡。展覽以GUBI F300 Lounge Chair休閒椅及多款GUBI家具為主要場景，呈現藝術家李屏宜、陳楷仁、邱君婷、魏孟如、呂巧智作品共同構築的生活巧思與可能。 李屏宜 × GUBI Wonder沙發。   法國設計師Pierre Paulin於1960年代構思的F300 Lounge Chair，早期版本曾收錄於紐約現代藝術博物館（MoMA）館藏，跨越家具與藝術領域，並於2025年由GUBI復刻升級。其雕塑般的流線造型跨越時間、空間與語言，不僅在設計史上具備重要地位，也啟發人們重新感受坐臥的姿態，凝視與玩味當下，使放鬆成為生活的進行式，讓 GUBI F300 成為家中歷久彌新的靈感泉源。 陳楷仁 × GUBI系列餐桌。   家具與藝術共構空間情境 《一日之所》在生活裡輕巧編織GUBI設計家具與當代藝術家的作品敘事。早晨的客廳，一處舒展停留的窗景意象，李屏宜的作品如漣漪推波，映照自然的寧靜與流動。白晝之中，陳楷仁的作品象徵線性前進中的小小曲線，在每一次的人際交流裡保持清醒與幽默。在日光深處，火與花交織成一場無聲的盛宴，映照出呂巧智陶瓷作品浴火重生的燦爛與堅毅。黃昏時分的片刻休息，邱君婷的作品引領觀者向光調頻，於溫柔的愛與祝福裡，為心充電。夜幕到明日破曉，在魏孟如作品漂浮著理性與感性的符號世界，築一個安適的巢，看著心潮推波，回到沉靜的平衡。 呂巧智 × EICHHOLTZ Maynor餐桌。 邱君婷 × GUBI Stay系列。   展覽裡的五段生活敘事，以及GUBI家具那份獨特的存在感，令人停留。本次更邀請BY YAN PERFUME調香師顏詣縝，為這些片刻調製六款專屬香氣收藏禮，希望延伸感官的記憶以及空間的餘韻。 魏孟如 × GUBI Pacha系列。   《一日之所》 日期」即日起至2026年1月31日 地址：台北市中正區徐州路4號1樓     資料及圖片提供」WOW Furniture 攝影」ANPIS FOTO王世邦 編輯」陳映蓁

路易威登（Louis Vuitton）以「非凡之旅」為題，與重松象平-OMA事務所合作打造，延續近年在上海、曼谷展出的沉浸式體驗，呈現品牌在旅行、 工藝與創新方面的歷史傳承。 此次展覽落地於新世界百貨The Reserve的LV The Place Seoul，透過主題式空間構築一段跨越時間的旅行，描繪品牌如何從富有遠見的行李箱製造商成為全球文化殿堂的演變和進化，以及如何應用過去扎根的歷史脈絡，與現代各項領域結合，放眼未來的開拓方向。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站「經典Icons」展間。 「Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站」，橫跨三個樓層空間，展出逾200件作品。透過特意為此展設計的藝術裝置 Trunkscape 展間，領觀眾踏入由經典Boîte Chapeau圓帽箱排列而成的隧道，後方的螺旋階梯上包覆著LED顯示螢幕，以動態呈現品牌發展的時間軸，將過往歷史化為視覺意象，讓來賓在行進間沉浸式感受。 沉浸歷史的篇章 展覽四大主題「起源Origins」、「生活風格Lifestyle」、「工坊Workshop」與「經典Icons」帶領來賓由淺入深地認識路易威登的品牌文化。宛如一首敘事詩的起承轉合，「起源Origins」展間自Monogram 帆布的製造為切入點，展開品牌的身分識別和創新精神，隨後藉訂製衣櫥箱與化妝箱，為觀眾呈現高級訂製服與旅行之間的親密連結。 爾後回應時代的變遷，追溯最早為火車、蒸汽船與汽車而生的行李箱，以及應對環境變化而研發的堅韌工藝，從Gris Trianon帆布到令旅行更從容詩意的紡織品，無聲訴說了以實用性奠基、逐步與審美協調塑形的風格演變與確立。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅 首爾站的「起源 Origins」展間。 從旅遊的歷史初衷和機動性向外發散，「生活風格Lifestyle」主題空間展現出品牌從旅行延伸至生活藝術的視野，將品牌的宏大敘事轉向聚焦於相對輕盈且更為貼近個人生活需求的細緻項目，為向阿涅爾（Asnières）家族宅邸的餐廳致意，主要由訂製行李箱面構建， 形成一個沉浸式的馬賽克空間。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站「音樂Music」展間。 「工坊Workshop」展間以阿斯涅爾工坊的鐵藝建築風格為設計基調，立材質為主題，並置展出柔軟皮革、拋光黃銅與塗層帆布，側面輔以早期行李箱使用的圖樣與木製模具相互呼應，營造彷彿置身於工坊的氛圍，透過將工藝提升至藝術的領域，強調品牌追求耐用與完美的精神。 緊接其後，「經典Icons」展間以柱狀展示櫃構築出萬花筒般的場域，呈現路易威登經典皮具的演變軌跡，展示作品凝聚歷代藝術總監為品牌傳承留下印記的創作眼光，讓經典款式與創新產品相互輝映。 跨域旁通 多元感知 挑高中庭內，最值得矚目的不外乎以Monogram圖案韓紙構成的巨型行李箱立柱，猶如空中燈籠的壯麗，不僅震撼視覺， 同時也是將在地工藝與品牌文化結合的精神象徵，以此為轉折，引導來賓過渡至下個場境，進入四樓的感官和美學盛宴。 首先以「音樂Music」展間揭開序幕，在近似消音室般的空間中，樂器箱、隨身音響和DJ混音台與iPod保護套等日常物件巧妙並置，跳脫的水藍色與白色背景，宛如音符化為海水與波濤，樂器漂浮其中、乘風破浪，回應路易威登長存不息的創意與革新節奏。 Louis Vuitton Visionary Journeys Seoul 路易威登非凡之旅首爾站「藝術合作Collaboration」展間。 「藝術合作Collaboration」與「時尚Fashion」兩個展間相鄰，展品涵蓋歷史性的合作作品和成衣，特別強調旅行主題及品牌與韓國的深厚連結。前者利用旋轉展示架陳列包款，並將帆布圖案投影至前方的大螢幕，再以鏡面包款牆面反射，營造出沉浸式的體驗；後者則是透過常見於機場與火車站的翻牌顯示器，帶領觀者重新探索路易威登時裝系列與大秀的流轉演變。藉藝術與時尚，反映時代潮流和審美趨勢，同時結合韓國元素，表達美與生活的密不可分。 四樓Le Café Louis Vuitton。 四樓的Le Café Louis Vuitton與六樓的JP at Louis Vuitton餐廳，進一步將品牌文化朝飲食方向延伸，讓來賓在飽覽風光後， 也能有一處可以坐下歇息與回憶的地方，以深化品牌的美饌社群概念，並積極融合在地飲食文化。憑藉其建築雄心和文化共鳴，路易威登非凡之旅首爾站結合五感享受與歷史沉澱，打造了一段橫貫過去與未來、跨越國家分野的多層次旅行。 資料及圖片提供」路易威登（Louis Vuitton） 編輯」江瑜