由臺灣當代文化實驗場C-LAB打造的移動式穹頂劇場「FVL DOME」，近日受邀參與「2025台積心築藝術季」，於國立清華大學台積館大草坪展開四週末、共八天的展映演出，精選九件國內外創作者的影像創作，以及兩場跨界表演，運用人工智慧、影像生成、衍生藝術與高速運算平台等科技工具，打造猶如心靈迷宮般360度迷幻視界，與觀眾一同展開感官與想像力的探索旅程。 C-LAB移動式穹頂劇場移師國立清華大學劇場，以高畫質影像系統與專業音響設備，打造沉浸式體驗。   C-LAB穹頂劇場，又名為「FVL DOME」，為全台唯一巨型戶外移動式的360度沉浸式影音體驗空間，由未來視覺實驗室和臺灣聲響實驗室合作的創新技術，經過軟硬體不斷開發進化，此次移至新竹直徑達15公尺、高9公尺的劇場，建構出總解析度達8K×8K的超高畫質沉浸式影像系統與25.4聲道環繞音場。場域內部採雙層結構設計，隱藏式配置聲光設備，打造全方位沉浸感官體驗。   吳克軍、林柏勲《第二自然》，攝影」王世邦。 《A.I. ─ Art & I》 以藝術回應科技與自我 「台積心築藝術季」邁入第22屆，今年以《A.I. ─ Art & I》為主題，試圖關注科技藝術與人文之間的關係。本次展演邀集長期投入科技藝術創作的藝術家，將原本冷峻、理性、以技術為本的科技元素，轉化為能引發感官共鳴與心理投射的藝術經驗。 莊禾《夜遊2023》，數位時代中的自然樣貌，攝影」林軒朗。 劇場中的每部作品，既是創作者與觀眾的對話場域，更是自我與世界重新對焦的沉浸之旅，透過科技藝術的沉浸體驗，重新思考「藝術與我」之間的關係，期盼打開更多人對於科技藝術以及媒介穹頂劇場的多元想像。   魏廷宇《混沌文法》，透過重組直視混沌創造重新梳理的主觀世界，攝影」林軒朗。 11件穹頂作品 共構虛實間的感官宇宙 「C-LAB FVL DOME@ 2025台積心築藝術季」與台積電文教基金會共同策劃，從歷年展演中挑選出九件穹頂影像作品與兩部現場展演節目。由吳克軍與林柏勲製作的開場影像《第二自然》，描繪一個數位時代中的自然樣貌，重新思考與自然的感知方式。 桑德琳・德米耶、米莉雅姆・布魯《異世界》，攝影」林軒朗。 桑德琳・德米耶與米莉雅姆・布魯的《異世界》建構一座模控花園，想像人類與自然重啟共生的潛在可能。莊禾的《夜遊2023》以黑白手繪動畫風格，描繪失眠與夢境交錯的超現實幻覺之旅。魏廷宇的《混沌文法》則透過自由重組與彼此挪用，直視混沌創造重新梳理主觀世界的新空間。   夢想動畫、大塊文化《植物情人》，攝影」王世邦。 夢想動畫與大塊文化合作的《植物情人》，將黃湘玲老師繪製的台灣第一本水彩古典植物繪本《植物情人》系列作品重新詮釋，讓短暫的花期成為數位時代永恆的綻放。《油井之殤：鯨落4993尺》由陳蘇楊、冼筱然與盧德昕共同創作，從2010年深水地平線事件，反思人為災難的長久影響。 吳秉聖《折疊合聲》，攝影」林軒朗。 NANONANO《Heterotopia》，攝影」陳宥駱。 吳秉聖《折疊合聲》從光的物理本質出發，轉譯為視覺與聲音交錯的三維幻象。新媒體藝術團隊XTRUX與聲音藝術家晟的《觀》，借用民間信仰中「觀落陰」儀式，提出關於虛擬現實與感官切換的提問。藝術團隊NANONANO的《Heterotopia: Dome》以數位視覺重建電子顯微影像，在微觀中展現宏觀意象。   僻室HousePeace《綠豆神遊記之魔 Dome 傳奇》，攝影」林軒朗。 兩部現場展演節目則將穹頂轉化為流動的舞台，僻室HousePeace的《綠豆神遊記之魔Dome傳奇》，透過影像及聲響穿梭於虛實之間，將現實世界變形為成人童話寓言的空間實驗。驫舞劇場蘇威嘉的《自由步：造山運動》延續2013年發起以「自由步」為題的十年編舞計畫，將舞蹈肉身結合大型異材質，舞出一場未來舞蹈的動態雕塑實驗。 驫舞劇場蘇威嘉《自由步》，攝影」林軒朗。   C-LAB FVL DOME@2025台積心築藝術季 時間」2025年4月19日至2025年6月15日 地點」國立清華大學台積館大草坪   可至ACCUPASS免費索票進場觀賞>>索票連結 相關場次報名資訊可至臺灣當代文化實驗場官方網站及社群平台查詢。   資料提圖片提供」臺灣當代文化實驗場 編輯」林靖諺

始於香港的「藝術三月」，GATE33藝文館舉辦以ASMR為主題的大型沉浸式多重感官展覽——《感官怪奇：走進ASMR的世界》。由瑞典建築與設計中心（ArkDes）、倫敦設計博物館（the Design Museum）及AIRSIDE共同策劃，探索「ASMR」這個近年盛行全球網絡的文化現象，首次於海外完整呈現博物館級展覽，邀請觀眾走入宛如大腦內部的空間，感知內心深處的迴響。     《感官怪奇：走進ASMR的世界》展場。     ASMR別稱自發性知覺神經反應，通過特定感官刺激，放大身體反應，撩撥神經的觸覺 ，深入大腦皮層，造成電流在體內竄動般的感受，讓ASMR愛好者為之著迷，以此舒緩緊繃的身心，更甚者還有可能改善睡眠和焦慮。     展覽首席策展人James Taylor-Foster。     展中一共有五大展區，觀眾將進入在佔地逾1,000平方呎的「ASMR 領域」，可見超過40件來自ASMR創作者（ASMRtist）、當代藝術家及設計師的作品，引領觀眾先從認識ASMR的起源開始，帶領觀眾回顧這一現象誕生。     南豐集團（AIRSIDE）策展人朱天韻（Daisy Chu）。     由深入淺 進入ASMR的世界   2009年，Jennifer L. Allen創造「ASMR」一詞，描述一種深層平靜與愉悅的身體感覺，展中首先通過展示Allen個人檔案，向觀眾介紹ASMR從網路留言板走向全球文化舞台的歷程。     超過一公里長的條狀靠枕構建而成的沙發，提供民眾以最舒適的姿態坐臥，體驗視覺、聽覺和觸覺三方結合的感受。     深入場內，可以看到一張超過一公里長的條狀靠枕構建而成的沙發，盤踞在空間內，那些既像腦部褶皺、又像音頻電纜的柔軟靠枕，象徵科技與人類之間的契合。這個展區是提供觀看、聆聽精心策劃的 ASMR 視聽體驗的舒適座位，結合聽覺、觸覺和視覺交織帶來的特殊互動，並以如此別出心裁的設計，博得2022年Dezeen 年度「最佳展覽設計大獎」的肯定。     港鐵、巴士及小巴場景及其獨特聲景，是香港人每日的「安睡場所」。     九十年代離世、卻被譽為「ASMR教父」的電視節目主持人畫家Bob Ross，在此也有一個展區，呈現他的三幅原創畫作，及其著名電視節目《繪畫的樂趣》的片段等，透過重現其「非刻意 ASMR」的經典魅力，向他致敬。     瑞典藝術家 Tobias Bradford的「人造舌頭動態作品」《那種感覺∕無法測度的渴求》（that feeling//immeasurable thirst）。     除了影音媒介，展覽還以實物作品探討ASMR 的另一些情緒面向，從令人放鬆到激起不安的感受，如瑞典藝術家 Tobias Bradford以一條滴著合成唾液的人造舌頭挑戰觀眾的感官極限；以及法國藝術家Marc Teyssier的作品《人工皮膚手機殼》則探討著重ASMR與設計之間的關係。     來賓可以在展覽中使用現場設備嘗試自行製作ASMR影片。     除了以上固定的展覽作品，本期巡迴展也特意保留部分空間，與在地文化相結合，成就每一場展覽的獨一無二。多件首次面世的香港主題ASMR 作品，透過聲景捕捉本地文化及日常生活的獨特氛圍，這些作品由南豐集團（AIRSIDE）策展人朱天韻聯合策劃，邀請本地藝術家簡僖進（AK Kan）及林建霖（Kin Lam）創作的全新作品，透過視聽感受展現香港獨特的文化，打造如在大眾交通運輸工具上搖晃瞌睡時、周遭的聲音情境，讓觀者沉浸式感受香港民眾每天都在經歷的日常。     串聯感官經驗 跨越現實藩籬   瑞典建築與設計中心（ArkDes）代理館長 Karin Nilsson表示：「文化空間作為探索新興且受歡迎的設計形式，進而提供更廣泛社會趨勢的洞察，這一點至關重要；本次展覽足以讓人們理解設計遠比我們最初所想的更加豐富多元。ArkDes很高興能向世界展示更具包容性和擴展性的設計形式，並對本次展覽在國際上的成功感到欣喜。」     電視節目主持人兼畫家Bob Ross的經典節目《繪畫的樂趣》（The Joy of Painting）     疫情後時代，人與人之間的交流通過網路世界，展現出前所未有的疏離和親密，展覽選擇在「超連接」（hyperconnectivity）時代把不同關係拉回現實，讓觀眾調和自身與物質和媒體世界的關係。通過機械模擬聲音和影像紀錄，觸發感官真實的放鬆或顫慄，橫跨國界、人種、年齡等種種差異，重新串聯人與人之間的共感與共情，在柔和且包容的展覽中，提供一個盡情探索自身內心與他人聯繫的空間。       《感官怪奇：走進ASMR的世界》 地點」啟德協調道2號AIRSIDE 312號舖GATE33藝文館 日期」2025年3月14日至7月13日 購票連結」https://art-mate.net/tc/doc/81349   資料及圖片提供」南豐集團（AIRSIDE） 編輯」江瑜

展覽推出成人版及兒童版導覽手冊親子共讀，兒童版導覽手冊聯手台灣新銳設計/插畫家精心製作。圖中左為兒童版導覽手冊，右為成人版導覽手冊。   20 世紀最具有代表性的女性藝術家——路易絲．布爾喬亞大型個展《剛從地獄回來，順便說一句，太精采了》（Louise Bourgeois: I have been to hell and back. And let me tell you, it was wonderful.）日前在富邦美術館揭幕，帶領觀眾沉浸於藝術家的創作世界與幽微心境。     富邦美術館館長翁美慧。   森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）。     2024 年森美術館在椿玲子與矢作學的策劃下舉辦本展，引發各地廣大迴響，2025年巡迴來台，讓台灣的藝術愛好者不必遠赴海外，即可近距離親眼見證令世界為之狂熱的巨型蜘蛛。富邦美術館館長翁美慧、森美術館（東京）館長片岡真實（Mami Kataoka）、伊斯頓基金會（The Easton Foundation）負責人同時也是布爾喬亞30年的助手傑瑞．高羅威（Jerry Gorovoy）、策展人菲利普．拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）以及文化界、藝術界領袖日前齊同為揭開展覽序幕。     伊斯頓基金會策展人菲利普．拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）。     法國在台協會主任，龍燁（Franck Paris）。     金曲歌后張清芳為此展錄製語音導覽。     全展共有8個展間，聚焦於三大母題，精選60多件精彩作品，包含一系列裝置、雕塑、繪畫和素描等，以及珍貴的早期畫作，牆面的藝術家語錄可視為作品註解，精要梳理了藝術家的生命歷程與內心感悟。     布爾喬亞雕塑《蹲伏的蜘蛛》蓄勢待發，體現了母親的保護本能。     與跌宕對抗的自我修復之路   布爾喬亞生於巴黎，父母經營掛畫修復工作室和藝廊，父親的風流專橫、母親的憂鬱多病和掛毯縫紉充斥她的童年記憶。在她20歲時，母親的病逝改變了她原本攻讀數理的職涯規劃，轉而投向藝術世界，並在日後結識身為美國藝術史學家的丈夫，婚後移居紐約。     「第一章：不要遺棄我」，是對母性溫柔、女性角色的深切關懷。     展覽「第一章：不要遺棄我」呈現了布爾喬亞內心理解的母子關係，作品中融入她對母愛的渴望和付出母愛的嘗試。此章展出許多金屬或布藝的人型軀幹，結合柔軟身軀和冷硬的攻擊性，象徵母親的《蹲伏的蜘蛛》雕塑尤其奪目，蹲伏姿態以八個尖細的立足點撐起中間垂墜的身體，纖細肢體和扭轉緊繃的肌理，透過金屬雕塑展現肉體的爆發力。     「第二章：剛從地獄回來」講述的是創傷與韌性，展示了反映布爾喬亞深沉情感動盪的雕塑和裝置作品。     「第二章：剛從地獄回來」，更多地體現布爾喬亞處理父親帶給她與家庭的影響，在重男輕女的環境下面對母親病逝，以及與父親關係的矛盾，促使她研究精神分析。像是作品《父親的毀滅》，即是透過裝置投射，在幽暗的展間呈現虛幻的血紅影像，這件抽象雕塑作品既飽含暴力，同時又流露出血肉模糊的親密。     《蜘蛛》（1997年）是布爾喬亞唯一一件結合「牢籠」的蜘蛛雕塑，牢籠中放置著掛毯、嬌蘭「SHALIMAR一千零一夜」香水瓶等喚起藝術家回憶的個人物品。     從展區一循序至展區二、三，靜靜引導來賓的腳步逐漸深入布爾喬亞的內心世界。「第三章：天空的修復」的展間並不止於一樓，而是拓展至兩層，貼合取材自作品《天空的修復》所訂下的主題，不同於前兩個展區多採用肉色或紅色，「第三章：天空的修復」以清新的藍色為主調，配合明亮採光與由下而上的動線，宛如絕處逢生。《天空的修復》以一塊金屬板呈現，石灰色表面上，大大小小的傷口帶著縫合的痕跡，內裡透出柔和的天空藍，彷彿以藝術作為針線，修復心口風乾的痂。     展出作品包含一系列布爾喬亞早期繪畫與雕塑。 「第三章：天空的修復」，象徵重生與希望，逐漸從痛苦和矛盾的狀態，過渡到平靜與智慧的境界。她的《修剪造型 IV》（圖中左方作品）從身體蔓延出璀璨果實，而《雲與洞窟》（圖中右方作品）似乎提出兩種療傷方案，既可安身於洞窟中，也能仰望遼闊的天空，懷抱對未來的希望。     化創傷為藝術動力   路易絲．布爾喬亞以冷靜而尖銳的目光，內觀自己的角色定位、身分認同和身心狀態，並誠實付諸於創作，其作品自個體角度喚起群體的情感共鳴，與其說她是站在一個女性主義者的角度創作，不如說是人們為了從她廣袤的心靈世界中尋找一個切入點，進行系統性的歸納和理解，透過其作品的共通點：女性，來定義她70年來的藝術積累。     布爾喬亞雕塑《歇斯底里之拱》。© The Easton Foundation/Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.     橫跨20世紀，歷經母親的病逝、父親對家庭的背叛，以及從故鄉出走、於他鄉重建家庭和自我，98歲的布爾喬亞將一生無法和解的創傷、憤怒，都化為創作動能，用藝術尋求內心的平衡與對外溝通的窗口，直至生命燃盡前依然創作不輟。《剛從地獄回來，順便說一句，太精采了》層層引導觀眾回顧布爾喬亞不同的人生階段與藝術創作，見證藝術家解剖自我、與傷痕共生，情感與堅毅的旅程。     布爾喬亞雕塑《情侶》。© The Easton Foundation/Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.     「不要溫和地走進那個良夜， 老年應當在日暮時燃燒咆哮； 怒斥，怒斥光明的消逝。」 節自狄蘭．托馬斯《不要溫和地走進那個良夜》。     資料及圖片提供」富邦美術館 撰文」江瑜

2021年首度舉行的香港室內設計周，是由香港室內設計協會（HKIDA）主辦的設計界年度矚目盛事，透過展出香港知名室內設計師的作品，以及一系列參觀及研討活動，打造一個國際平台連結優秀的設計從業者，企圖替產業創造更多機遇。2025年第三屆香港室內設計周規劃於香港及義大利兩地舉行，呈現內容包括展覽、設計論壇等一系列多元化活動，旨在彰顯香港室內設計行業的卓越發展。   跨界合作 探索香港 其中，重點活動之一即為「Urban Reflection展覽」，這是一項跨領域的突破性合作，匯集了十位香港知名的室內設計師和家具製造商，他們攜手創造多件獨特的設計作品，涵蓋家具及燈飾。此計畫探索了香港城市景觀的深刻意義，在高密度生活和高聳摩天大樓中，光與影交織出多重面向的互動，這種動態不僅反映了城市的蓬勃活力，更突顯繁忙都市跟周遭環境之間錯縱複雜的關係。 Stoneflow Sofa。設計」Bean Buro、製造」達藝傢具有限公司。 柔竹燈Benboo。設計」Studio RYTE、製造」嘉立燈飾有限公司。   部分作品的設計理念融入了中西文化元素，結合竹子、傳統紙扇等東方獨有特色，彰顯了傳統工藝與現代設計的完美結合，展現文化底蘊與創新概念交融的新頁。另外，亦有部分作品除了講求形式和功能外，同時更體現可持續發展的原則，採用再生紗線及香港標誌性電車的再生玻璃等材料，傳達設計者對於環境保護跟資源價值的關注，詮釋了設計與生態之間的和諧，也對外宣揚了香港豐沛的創意及製造專長。 乙巳Yi Si。設計」一持工作室、製造」radd。   Egg-citing。設計」PAL Design Group、製造」西德寶富麗(遠東)有限公司。 Urban Reflection展覽將於2025年4月7日至13日，於義大利米蘭的LOFT @ Superstudio Più首度亮相；隨後也將於2025年6月19日至22日移師香港西九文化區，讓更多觀者有機會參與這場非凡的設計盛會。 O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK。設計」林子康設計有限公司、製造」廿一由八。   時代椅子Aeon Chair。設計」Gud Gud Studio、製造」弦制作(國際)有限公司。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」陳映蓁

適逢威廉．透納250周年誕辰，英國泰德美術館發起「Turner 250」一系列的紀念活動，在這當中，史上最大規模的威廉・透納全球巡迴展覽「威廉．透納特展：崇高的迴響」備受矚目，繼摩納哥、上海之後，將在2025年6月於台灣登陸。     藍色瑞吉山之日出（The Blue Rigi, Sunrise）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1842。     素有「光之畫家」美名的約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner，1775-1851），憑藉對大自然的細膩觀察和大膽筆觸，生動捕捉大氣動態，他創新的筆法和著眼點，在18世紀以人物寫實為重心的畫壇掀起審美革命，重新定義了何謂「風景畫」，其影響力不僅讓他一躍成為新版20英鎊紙鈔上的封面人物，也啟發無數後世的印象畫派大師。     英國泰德美術館。     泰德美術館由亨利．泰德（Henry Tate）爵士創立，早年朝國家藝廊的方向發展，至今在英國已有四座美術館的規模。如今最具代表性的泰德現代美術館，內蘊威廉．透納臨終捐贈的數百件油畫、上萬件水彩及素描作品，更是世人矚目的焦點。     懸崖上的城堡廢墟風景畫（Landscape Composition with a Ruined Castle on a Cliff）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1792–3。     本展將帶來80件透納的真跡畫作，打破年代界線的主題式策展，列出7大展區：英國風景、阿爾卑斯山、歷史故事、威尼斯、海上風暴、海天之間、崇高美學，完整呈現透納的藝術生涯。除此之外，為了凸顯透納的劃時代，泰德美術館另精選近30件當代藝術家作品加入展出，全方位打造前所未有的威廉．透納特展。     「好棒啊！厄瑞波斯號捕鯨船！又一條魚！」（Hurrah! for the Whaler Erebus! Another Fish!）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1846。     重塑當代「高雅藝術」的認知   透納的父親是一位理髮師，幼時妹妹不幸早逝，母親深受打擊，因而被送往精神病院接受治療，家中經濟不堪重負，只好將年幼的透納交給舅舅撫養。投入創作的他曾受聘為多位建築師創作建築研究圖，爾後又與一位專業的地形製圖師合作，這些經歷為他早期的創作中增添不少精緻的建築主題。     三個海景（Three Seascapes）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1827。     擅長水彩和油畫的透納，由於四處旅居，喜愛描繪各地風景，他身處的18世紀社會主流推崇栩栩如生的精細筆法、描摹神話或聖經故事，且視水彩畫為粗淺的習作媒材，地位遠不如油畫。然而透納將水彩的透明疊色法和速寫性運筆融入油畫創作，運用創新的繪畫技巧、結合古典構圖，將當代審美取向融入自己的獨特表達，自技法和選材方面多方突破當代畫壇的限制。     布魯嫩，從琉森湖的視角：樣本研究畫（Brunnen, from the Lake of Lucerne Sample Study）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1843-5。     以英國的自然風貌為起點、到阿爾卑斯山的壯麗景色，而後漫遊海外，透過變幻莫測的風景隱喻他的情感表達和關注視角，即便是以景物為主體，他的畫作依然流露驚心動魄的戲劇性。     阿波羅和達芙妮的故事（Story of Apollo and Daphne）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1837。     掌控大自然的脈搏   透過在皇家藝術學院積累的履歷，透納的地位逐年穩固，也漸漸脫離古典風景畫的精細刻劃，轉向強調主觀感受與自然氛圍、大氣光影和自然崇高感的呈現，在這些作品中，海景約佔一半以上，包括捕鯨船、漁船、沉船和戰爭等等主題，描繪海洋的危險，以及人類在大自然面前的渺小無力。     威尼斯-安康聖母大教堂（Venice - Maria della Salute）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1844。     晚年的透納跳脫物件具體形象的框架，著眼更加宏觀的角度，探索空氣、光、速度等超越視覺的存在，並嘗試在平面的畫作中復刻這些抽象的質感。後世的藝術評論家約翰·拉斯金（John Ruskin，1819-1900）表示，他以前所未有的方式「逼真地掌握自然的脈搏」，這些體現透納晚期風格的作品，也為他贏得現代繪畫先知的美譽。 展中最受矚目的展品之一《藍色瑞吉山．日出》，便是他觀察一天的瑞吉山後，根據不同時段的觀察，畫下紅黑藍三幅系列作的其中之一，珍貴的不僅是畫作本身，為了加強保護珍貴展間，館方將減少畫作被光線照射的時間，因此會安排畫作「休眠」的時間，通常會間隔數年或至十數年再作展出，是以務必把握本展展出時間，體會透納的藝術之美。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」展覽。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」 時間」2025年6月27日至2025年10月02日 地點」中正紀念堂一、二展廳   資料及圖片提供」聯合數位文創、泰德美術館 編輯」江瑜

誠品畫廊近日推出「劉小東：媽祖巡遊」個展，呈現藝術家劉小東於2024年來台參與大甲媽祖遶境的寫生巨作。作為首度在台灣展出該系列的重要作品，不僅同步展示創作過程中的手稿、日記以及紀錄片，更深入揭示宗教盛事所帶來的藝術啟發與情感共鳴。 展示藝術家之創作手稿，以細膩筆觸引觀者步入繞境現場。 千里步行 全台瘋媽祖 大甲媽祖遶境進香是台灣最具代表性的宗教活動之一，曾被Discovery（探索頻道）譽為與梵蒂岡聖誕彌撒、麥加朝聖並列的世界三大宗教盛事，長達九天八夜、全程340公里的遶境活動，每年吸引無數信眾和朝聖者參與，場面十分壯觀。   藝術家劉小東透過親身體驗台灣傳統宗教活動，以其擅長寫生的創作手法，描繪精彩每一幕。 劉小東隨媽祖隊伍行進四天四夜，在萬頭鑽動、擠得「看不到自己的腳」的人潮中，親歷這場信仰盛事，並在雲林與嘉義交界的崙子橋上，親身體驗抬轎的沉重感，他說道：「座駕很重，下來才知抬轎人為什麼都是有著厚肩膀，千斤重擔為眾人祈福」。藉由攝影、速寫、水彩與日記等方式，記錄著遶境沿途的熱烈場面，捕捉信徒的虔敬神情、鑼鼓陣頭的震撼，以及煙硝四起的熱鬧氛圍，並將這些體驗轉化為巨幅油畫《過橋》與《日巡》。   藝術家坐在路邊，拿起畫筆在素白畫紙上，揮灑出台灣鄉野的自然彩畫。 畫布上的媽祖巡遊 《過橋》與《日巡》聚焦於遶境隊伍中的信眾身影。在畫作中，背負神明竹轎的青年男子肩負信仰隨隊行走，展現個人與神明信仰間的至情流動。此外，劉小東將裝扮較都會化的年輕父母，攜手孩子齊走的景象擺放在畫面中心，道出媽祖遶境是不分城鄉地域的信仰盛事，後方群眾簇擁著媽祖鑾轎，人龍隊伍蜿蜒的背後是一片碧綠的農田、水圳、高壓電塔、鐵皮屋等日常鄉間景致，劉小東將現場的各種細節組織成完整的視覺敘事，交織出「媽祖巡遊」的暖心圖像。 《過橋》，2024，油彩／亞麻布。位於右側的年輕夫婦，以都會化的著衣風格彰顯宗教盛事不分族群年齡。   在「媽祖巡遊」中，劉小東特別想傳達「良善」的氛圍，亦是其對繪畫的期待：「生活中的煩惱與瑣碎，日常的不可預測和討厭，我是用瑣碎的筆觸去表達，像刀一樣，切掉這些麻煩，用繪畫把它給消解，我希望能達到跟生活最完美的契合，而不是真正去描繪生活中的麻煩。」劉小東的繪畫宛若日記，以畫筆書寫台灣的信仰文化，將宗教體驗轉化為充滿情感的藝術表達。 《日巡》，2024，油彩／亞麻布。背負著神明仙轎訴說著信仰在人們心中的輕柔流動。 作為當代最具代表性的現實主義畫家之一，劉小東（1963年生於遼寧）長年以寫生作為核心手法，透過親身踏訪不同地區，捕捉平凡人物與生活場景，將現實世界的觀察與情感融入畫布。此展不僅呈現其對台灣媽祖信仰的深刻體驗，亦延續對社會文化與人文風景的關懷。   藝術家劉小東以寫生作為核心創作，透過親身踏訪捕捉每刻日常之景。 劉小東「媽祖巡遊」 時間」2025年3月29日至2025年5月24日 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸店）｜台北市信義區菸廠路88號B1   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

店面門口拼貼樹皮，保留台灣造型的窗口，傳遞「灣延美學」的意象。     台北市師大商圈，有一處鬧中取靜的城市角落，基因取源於北歐的寧靜氛圍與在地人文氣息，構築成名為JOSUIa的實體空間，內部化用馥閣集團累積20年的設計經驗，匯聚來自芬蘭、荷蘭、丹麥、日本、西班牙、德國、台灣等地的家居設計品牌，在此編織屬於I人（MBTI裡的INFP）的生活美學。     一樓展區，餐桌日常。     讀音源自台語「很漂亮」（jo suí a）的JOSUIa，適逢品牌一週年，以「ONE and」為題，論述「灣延美學」，舉辦為期一季的家居與設計展演，立意「集合生活中各種美」。     一樓展區，綠野仙蹤。     扎根台灣的多元延伸   台灣地勢變化豐富，同時承載曲折的歷史背景，發展出多元且包容的世界觀，JOSUIa的店面透過種種細節，回應所在地的風貌特點，上下兩層展間安排蜿蜒的動線，引領來賓在悠閒的心情下，從台灣在地元素出發，探索各國品牌家具與空間互動的可能性。     1F探索地圖。     B1探索地圖。     一樓透過落地窗，引入外景的陽光和綠意，呈現七大主題區域，包括綠野仙蹤、大隱於世、餐桌日常、城市公園、獨處時光、我的宇宙及心靈鏡頭。台灣KIMU柒木的大型紙牛奶燈、糖蔥燈與紙飯糰燈，與日光相呼應，令人彷彿於街頭行走時不意落入樹洞的愛麗絲，在這座城市秘境裡穿行。     一樓展區，城市公園。     一樓展區，心靈鏡頭。     移動至 B1，則鋪展海水藍的地面，以半透明的薄紗作分野，規劃六大場景，內涵流動之初、環繞之流、匯集之聚、深森之處、湖中舞台與恬然之章。徐徐涼風吹散地下一層滯悶的空氣，在薄紗飄盪間、JOSUIa獨家代理的芬蘭實木品牌NIKARI單品忽隱忽現，串聯海邊度假的想像。     一樓展區，我的宇宙。     地下一樓展區，湖中舞台。     展覽主區特別配置風靡全球的荷蘭國寶Miffy米飛兔及小夥伴Snuffy小狗飛飛，為空間注入玩心，拉近設計作品與大眾的距離；每個主題場景皆由不同品牌的家具合作組成，共同凝聚恬靜的生活氛圍。     地下一樓展區，匯集之聚。     芬蘭NIKARI ARKIPELAGO KVTT1戶外椅。     和諧並存的選品策劃   JOSUIa選品以原創設計為初衷，注重物件本身的原創特色與細節巧思，展場亮點可見JOSUIa獨家代理的芬蘭實木品牌NIKARI超過20件單品、及榮獲Dezeen Awards 2024年度最佳設計的FANEERI折疊椅。     芬蘭 NIKARI Basic 橢圓長桌。     芬蘭NIKARI Linea RMT6扶手單椅。     還有初次落地台北的荷蘭百年家具品牌ARTIFORT，備受矚目的跨世代經典之作F500系列休閒椅、Little Tulip單椅等。     荷蘭ARTIFORT Soft Facet休閒椅。     台灣KIMU柒木的大型紙牛奶燈、糖蔥燈與紙飯糰燈，以俏皮造型和多樣化擺放，自不同角度點亮一人起居充電的場景；ACORN橡果藝術全手工月球燈，配合展場鏡面的反射，讓觀眾放鬆身心，徜徉在充滿想像的私人小宇宙。     台灣KIMU紙牛奶燈。     台灣KIMU糖蔥燈。     一樓展間可見義式冰淇淋Old Bridge，作為JOSUIa首度跨界嘗試合作一個月的甜品快閃，限量推出兩款特色口味，「包種蹦米香」展現文山包種的甘醇茶韻，以蹦米香增添獨特香氣和口感；「蕃茄梅子」則化用夜市經典小吃糖葫蘆，呈現番茄和蜜餞的酸甜，融合義大利老牌Gelato與台灣印象，大膽創新驚艷老饕的味蕾。     義式冰淇淋Old Bridge，在展覽期間限量提供兩種與台灣文化相結合的特殊風味。     JOSUIa匯集每個品牌匠心獨具的創作故事，示範混搭共融的魅力，「ONE and」的思想核心，讓觀眾看見，美好可以跨越國籍，連結五感、個體和群眾，自然與城市，為生活開拓更遼闊的想像空間。     JOSUIa 週年策展《ONE and 灣延美學》 日期」2025年3月8日 - 2025年7月8日 時間」每日11:30-19:30（周一公休） 地點」台北市大安區金山南路二段227號（JUSUIa 設計選品） 資料及圖片提供」JOSUIa 採訪」江瑜

「存在與變化為生命與自然的本質。「變化」就是「存在」的無限延續，存在的實質就是無限的變化。」— 賴純純    臺北市立美術館近日推出「黑潮：賴純純回顧展」，展出藝術家賴純純橫跨各時期的複合媒材繪畫、立體雕塑、空間裝置，以及創作歷程的相關檔案與文件等作品，呈現其美學映照於當代藝術的過程。   展覽以「黑潮」為名，以黑色為主軸，搭配五彩色調形塑藝術家獨特的創作風格，引人入勝。 本次展覽標題以「黑潮」為名，呼應藝術家從1980年代起透過「黑」與多變色彩樹立自我風格，藉此傳達作品中深邃、多變卻一貫的特質。展覽透過四個子題梳理賴純純的創作脈絡「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」，試圖回望從低限主義的精神至個人主體的追求，再至海洋美學與人文脈絡之連結，與公共藝術的社會性等議題，多面相折射出對於文化、身份與生命的探索核心。   展覽以四個子題梳理賴純純的創作脈絡。圖為第一個子題「存在與變化」展覽現場。 堅持創作原創性 鮮明的個人色彩 「存在與變化」展示賴純純早年師承廖繼春，以及在日本、紐約學習時的繪畫作品，以及1980年代所開展出的個人風格。此時期創作深受林壽宇啟發，在造形與觀念上探索空間向度，其代表作《無去無來》（1986）以圓形切分的八塊壓克力板組合，並使用紅、綠、黃、黑等色形塑環境場域裝置，透過捨去雕塑的恆定而成就空間變化。   《無去無來》，1985，有機玻璃、環氧樹脂。 《讚美詩》(局部)，1985，保力龍、壓克力顏料、砂、木板。 此外，本次特別將曾獲「中華民國現代繪畫新展望」優選作品《讚美詩》拆分於各展間，回應黑潮的流動意象，並企圖打造有別過往布局的視覺風貌；觀者在行走游移中，可窺見一與多、有形與無限間的辯證。   《天儀》，1989，畫布、布、顏料、⽊、塑膠管。 「真空妙有」展示賴純純1990年代初受到東方美學，以及自然素材啟發的繪畫及裝置創作。這段期間主要以拼貼繪畫，如《天儀》（1989）等作雖結合中國書畫的卷軸形式，卻不拘泥於結構規範。立體作品則多從媒材出發，找尋自身與土地關聯。 《心器》，1997，塑鋼、鉛皮。 《心器》（1997）結合雕塑與行為展演，表現佛教心經「色即是空，空即是色」的教義；青、紅、黃、白、黑的佛像，象徵著元素五行及構成空間的五方，除表現出富有空間張力的敘事外，亦暗喻社會性的觀照與回返自我的沉潛。   煉色粹藝 探尋生命之源 「海洋與仙境」以三個展間呈現2000年之後重回色彩的種種創作。著重於顏料的獨立表現，呼應內在女性覺醒，以及藝術家在都蘭長住後，對自然更為嚮往的安住心境。太平洋以其純淨無盡的本質，示現宇宙的存在與變化。 《仙鏡奇緣》，2018，鏡版複合媒材。 《奇花仙境》，2019，空間裝置。 「閃亮的愛」系列，利用彩色環氧樹脂潑灑在鏡版之上構成的諸多畫作，將光線、水分、色彩、物融合於抽象畫面之中，展現出富饒、充滿生活感的肌理。《奇花仙境》（2019）等大型雕塑延續使用彩度及明度較高的原色，透過色彩本身的直觀性和表現性，藉此傳遞對於女性覺醒的自信，與似花朵般綻放的自然禮讚。   《黑潮》，2025，有機玻璃、不鏽鋼。 本次展覽同時展出兩件新作，包含與展覽同名之作《黑潮》與《黑潮流光：邊陲的無限可能》。《黑潮》利用心型的壓克力雕塑，回應自1995年起的系列創作，藉由媒材的透明特性，折射出色光的斑斕及海波的輕盈。 《黑潮流光：邊陲的無限可能》，2025，空間裝置。 《黑潮流光：邊陲的無限可能》則透過壓克力、漂流木、鋼雕與鏡面等組件，搭配光源塑造出空間肌理中的相互疊映與反射，同時體現當背倚山脈與面俯太平洋時，每日的都蘭景象不斷變幻，彷若消融了原有疆界，暗示一種更為自由、流動的自然意識。   從「自我」出發 參與公共實踐 「社會參與」配合藝術家的創作年表，梳理各時期的相關檔案與文件，並聚焦於SOCA現代藝術工作室。作為90年代盛極一時的「替代空間」濫觴，SOCA的創始核心成員、學員們先後活躍於藝術領域，對台灣前衛社群的引領、國際交流的促進具備先行作用。2000年之後，賴純純更透過各地公共藝術競圖開拓視野，不僅讓創作屢有新嘗試與挑戰，同時與這片土地的連繫日益緊密。此外，在同一時期發起「臺灣女性藝術協會」，作為社會參與的多元推動跡痕。   「社會參與」子題，表現藝術的多重形式與樣貌。 「我們的前面是什麼？」除作為藝術家早期創作的啟蒙觀點之一，亦是其創作生涯不斷探究的提問。賴純純的作品從不設限，藝術不僅是對生命的踐行，更是帶著理想投射自我與投身社會的堅定追求。   黑潮：賴純純回顧展 時間」2025年3月1日至5月25日 地點」臺北市立美術館二樓2A&2B 更多內容請見北美館官網及臉書專頁。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

忠泰美術館日前推出全新當代藝術展——《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》。美術館邀請新媒體藝術家姚仲涵攜手劇場獨立製作人吳季娟，以長期且緊密的對話展開跨領域共創，呈現姚仲涵不為人知的感性與故事性交織的創作新面向；作品亦邀請影像創作者、表演藝術家參與其中，延續姚仲涵聲光裝置的特色，帶來五件全新創作，將忠泰美術館空間化為一座充滿裝置、聲音、光影與影像的「混沌世界」。展期至2025年6月29日。 展覽主視覺。©忠泰美術館   跨域實驗性展覽 本展邀請了兩位無法被定義的「創作者」——姚仲涵與吳季娟展開長期對話交流與合作，兩人透過不斷提問、假設、拆解與重組，最終以共創形式顛覆大眾對跨界合作的既定認知。展覽中雖未直接呈現兩人合作過程的具體痕跡，但吳季娟計畫協作一角，其實隱身於具象作品背後的起點和過程，推動創作思維的碰撞與發展，讓姚仲涵的創作得以不斷打破界線，帶來新的可能性。 計畫協作吳季娟、藝術家姚仲涵。©忠泰美術館   姚仲涵與吳季娟以「混沌」與「序曲」為核心概念，探討人類在混沌與秩序間的生存之道，兩人由此衍生創作五件作品，而本展亦為一場由各方創作者共同開展的關於合作、誤差與理解的實驗，邀請大聲光電、影像創作者黃偉軒、表演藝術家卓楷程等共同參與，其中，姚仲涵透過作品試圖回應聲光創作中的抽象性，以及對於身體感缺失的思考。 《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》一樓大廳。©忠泰美術館   一樓夾層展出創作過程。©忠泰美術館 探索混沌與秩序的交錯共存 姚仲涵首次嘗試以噴氣管與空壓機作為媒材，推出新作〈漸強、漸弱與打氣〉。作品擬人化地隱喻人生際遇的起伏變化，彈簧的擺動象徵混沌，而隱藏於作品背後的電子裝置設定，則規律運作，構築出秩序的框架。 裝置作品〈漸強、漸弱與打氣〉。©忠泰美術館 〈感覺噪音〉多頻道錄像作品中，則首次透過擊鼓介入創作，採集外部混沌的環境噪音，加入自身對於噪音的感知，轉化為具身體感與秩序性的聲響作品。展場中，大型喇叭播放藝術家創作時聽到的聲音，兩側電視螢幕則呈現車外收音的環境噪音；影像取景貼近日常，涵蓋藝術家在台灣與日本的生活圈及周邊街區，構築個人體驗與城市聲景交織的感知場域。 多頻道錄像作品〈感覺噪音〉。©忠泰美術館    另外，也首次挑戰故事文本創作，與影像創作者黃偉軒合作，完成首支影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉，藉由科幻末日題材構築《光電獸》系列作品的世界觀。故事述說著2525年太陽瀕臨死亡，地球面臨「缺光症」危機，人類最終透過啟動光電獸對抗黑暗；以全新敘事視角串聯過往創作，回應聲光藝術的抽象性，同時開啟影像語言的實驗探索。 影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉。©忠泰美術館   姚仲涵為人熟知的《光電獸》系列過往多在開放空間展出，聚焦於光源的流動。本展全新大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉則於室內空間呈現，藉由與忠泰美術館空間的對話，量身打造獨特的感知體驗。在此環境中，聲響更具包覆感，作品以影子為核心，延續對光影與聲響流動關係的探索，透過鋁管長度的秩序變化與光影交錯閃爍，深化光與影的對話與敘事可能。 大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉。©忠泰美術館   忠泰美術館期望邀請觀眾進入這個失序、隨機且開放的空間，感受創作者們共譜的序曲，並在混沌中找尋引領前行的節奏線索。      資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁