新北市美術館近日推出的展覽「冥王星在天蠍座」，以星辰的走向為名，暗喻1983至1995年間的世代，這不僅是創作者劉玗與吳思嶔出生和長大的時代背景，也是一個全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代。 展場布置就像一場微縮的公路旅行，懸空的玻璃板和布幕提供主視角變化旅途的風景。（攝影：王世邦） 在生活遇到困難，或者人生走向低潮時，人們難免需要求助；隨著年齡漸長、遇到的困難增加甚至難度升級，可以傾訴煩惱的對象也逐漸減少，是以投向信仰或占卜，尋求更高位者的指引，找到生命的出路。劉玗與吳思嶔共同創作的「冥王星在天蠍座」，從世代生命經驗出發，寄託於星象，透過錄像、聲音、燈光與物件等多元媒材，展開一場關於旅行、逃逸與感知的自我探索。 劉玗與吳思嶔結合影像敘事、文字和雕塑作品，建立一個完整的敘事語境。（攝影：王世邦） 時代與個人的認知 新北市美術館自創館以來特別著重於促進當代藝術的跨域創作，期以藝術為媒介，引入公共參與、知識生成，並反映社會變化和當代議題，秉持藉由藝術串聯不同領域交流的宗旨，規劃4A展間作為計畫空間（Project Space），透過在此辦展為大眾呈現具研究性、實驗性與合作性的創作形式，實踐創新手法，並深化藝術實驗與全民藝術推廣之間的連結。 文字投影打在玻璃版面上，以公路無盡向前延伸的畫面為背景，像是凌空書寫的日記。（攝影：王世邦） 本展邀請專注於以敘事影像結合空間裝置進行創作的藝術家劉玗與吳思嶔，以自身的成長經驗為題，運⽤⼤尺⼨投影與多媒體技術，將展覽空間轉化為沉浸式的環境。在展覽設定中，冥王星象徵「毀滅與重生」，在這段時間，台灣經歷了90年代的股市泡沫、台海危機、移民潮與資金外移等動盪，許多固有認知隨著不同區域之間的壁壘爭議而打破，整體的社會氛圍也因此朝向未知前進，時人陷入外在環境的混亂以及自我認知的動盪。 雕塑小丘上插著餐具，一如小小的格柵，守望展區內的風景。（攝影：王世邦） 與其說本展的作品意圖引領觀眾回顧歷史，不如說是透過影像、燈光、聲⾳和雕塑裝置所建構的空間敘事，轉譯藝術家當年生長的情緒和感知，將過往打磨成一面抽象的鏡子，映照現代同樣感到混亂、徬徨的人們，探討特定時代背景養成的虛無精神。 投映在地面的火光折射於玻璃板上，呈現多層角度，在夜幕下靜靜燃燒虛擬的營火。（攝影：王世邦） 解構記憶的時空之旅 劉玗與吳思嶔從個人的旅行記憶出發，以文字、雕塑與影像等多元媒材共構展場，整理不同時間的切片，順應影片播放的過程徐徐釋放資訊，並逐漸延伸至一個世代在成長過程中共同面對的處境與心境，利用私密的記憶觸發社會經驗的彼此共鳴，透過觀看、甚至沉浸式體驗本展的方式，進而理解藝術家意圖表達的現實，轉而思考個人如何被時代所形塑、又如何在日復一日中共同構成這個時代的模樣。 將日常隨處可見的小物件串聯起來，轉化為展覽的敘事線索，開啟對自由與虛無的想像。（攝影：王世邦） 值得注意的是，「冥王星在天蠍座」以「旅行」作為觀眾進入整體敘事的切入點，不僅是取用星星在軌道上的移動與周期性的變化等素材，旅行同時具有離開一個熟悉的環境、並透過客觀視角觀察或體驗他人日常的特性，疊加「觀展」的行為動機，作品如同一本被拆解的旅行日誌，從踏入展間伊始，每個細節均是這趟旅行的切片，引領觀眾在不同感官訊息的交錯中，逐步進入藝術家所建構的旅程。 懸空的圓形投影布幕，在不同場景的變化間，有時擔綱日月，有時又彷彿是通往舊日時空的出入口。（攝影：王世邦） 在深入了解他人的生命經驗時，情感也會觸動觀者自身的記憶，在移動、離開與返回之間，目光所及自然將觀者帶入非線性敘事與多層次感知的「旅行」，本展透過感官與精神的交互體現⼈類與外在世界的細膩連結，邀請觀眾在每分每秒都持續在變化的世界中，回顧自身與外界的互動與帶給彼此的影響，重新思考自身的定位。 「冥王星在天蠍座」展覽主視覺。 資料及圖片提供」新北市美術館 編輯」江瑜

雕塑承載了審美和紀念性質，秉其高度、寬度與深度，佔據真實的物理空間，銘刻人們的思念，隨著雕塑的用材和技法持續精進，人們對雕塑的期待也不再僅止於逼真寫實，也延伸發展抽象的主題。   《Cos_è successo》，椴木、壓克力顏料、青銅，90 x 19 x 29 cm，2026年。 也趣藝廊近日推出藝術家Willy VERGINER的個展就是超現實雕塑的優美詮釋者，他接受Val Gardena木雕傳統培訓，但其作品並非傳統聖像，而是立足於傳統技能、延伸自我理解，傳達對環境、社會與心理等等主題的觀察和疑問的呈現，在第54屆威尼斯雙年展（La Biennale di Venezia）深受肯定，以開創性雕塑語彙聞名國際。   《Foie gras》，椴木、壓克力顏料，128 x 38 x 58 cm，2025年。 雕塑抽象的世界 Willy VERGINER出生於1957年的義大利，從傳統木雕出發，後來刻意脫離傳統，最後又重新回到具象雕塑，形成現在非常個人化的風格，作品並獲歐洲、美洲及亞洲多家重要美術館與藝術機構收藏，在當代藝術領域占有重要地位。 《Homage to francesco vezzoli》，椴木、壓克力顏料、棉花，33 x 23 x 22 cm，2025年。 他的作品乍看寫實，實則結合天馬行空的想像，時常將人物置身於不同尋常、甚至有點荒誕的情境中。木頭本身的天然質感也會被保留，同時局部塗上鮮豔的壓克力顏料，利用人物、動物、植物、樹木、工業物件等元素，創造一種美麗與不穩定並具的世界，而在創作選材方面，他經常從文學出發，在雕塑與文字之間尋找相互映照的美學路徑。   《Ricordi e pensieri》，不同木材、壓克力顏料，154 x 70 x 58 cm，79 kg，2026年。 本展的精神核心取材自阿根廷作家胡利奧・科塔薩爾（Julio Cortázar）的經典文本，Willy VERGINER並非如插畫般忠實復刻文學作品中所描述的情境，而是以文字為引，延伸他自己對其內容的理解和想像，創造出展中的13件作品，透過雕塑與文字的相互映照，探討平日的習慣背後所潛藏的感知經驗，打開現實與想像之間的觀看邊界。 哭泣的行為指導 胡利奧於作品中一本正經地將「哭泣」的動作分解，寫下通過四個步驟去完成的行為指南，通過儀式性的描述，將自然而然的情緒流露，轉化為一套可以被精準仿效和實行的程序；情緒是抽象的、屬於個人的，哭泣的行為卻是具體的、可以被他人感知和關照，也對外傳達出哭泣者的情緒和狀態，胡利奧的作品在日常與荒謬之間，讓讀者看到情緒行為因為被凝視而呈現出被規範的模樣。   《Sakura》，青銅、壓克力顏料，170 x 53 x 42 cm，2026年。 Willy VERGINER延續了這種因為被凝視而異化的情感表達，投入作品的塑形，通過分解和重組日常經驗，將荒誕隱藏於熟悉之中，透過展中的13件作品，組成用物質反映心理狀態、宛如夢境一樣的小世界。 《Tapar con decoro el rostro》，椴木、壓克力顏料，67 x 40 x 22 cm，2025年。 在本展展出的作品中，可以看到有人以衣袖遮住臉，有人將臉藏在布料之後，有人低頭、閉眼，或停留在情緒發生之前，眼淚不再只是從眼中落下的液體，而化為臉上的枝葉、露珠般的圓點與綿延的白色線條，在身體與自然之間生長。以人們習以為常的行為作基底，延展奇異的型態，不是為了定義這些情感，而是邀請觀眾一起發散新的觀看角度和想像。 玩味現實與想像 Willy VERGINER多以椴木、青銅與壓克力顏料塑造介於寫實和夢境之間的場景，經過自然乾燥多年的木料，降低了木材後續變形的問題；雕刻時先用鏈鋸、斧頭處理大形，再用鑿刀等工具處理眼瞼、耳朵等細節，讓木材保留清晰的鑿刻痕跡，通過寫實的造型和木質粗糙的自然肌理，利用輪廓和質地的對比形塑超現實的張力。   《Ubuntu (pig)》，青銅、壓克力顏料，217 x 83 x 78 cm，2024年。 此外，他的雕塑藉由色彩橫越人物、動物與物件的邊界，將原本完整的形體切分為不同的心理區域，在作品中樹立鮮明的辨識度，當天然木紋與人工色彩並置於同一身體之上，被顏料「浸泡」的部分宛如展現在不同緯度的形貌，挑戰觀者對眼前所見的理解，讓角色同時存在於物理與想像世界之間。 《Volo e tutto sembra blu》，椴木、金屬，壓克力顏料，36 x 84 x 37 cm，2026年。 資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

勤美草悟夏祭「BOOM ART！藝術不設限」四大展區同步開展，主展場勤美術館2026夏季展集結「EVERYDAY ART 藝術計畫」（以下簡稱EDA）入選藝術家40組，以每日必備的藝術為策展概念，發揮跨界平台號召力，攜手FamilyMart全家便利商店打造全台首座「美術館便利商店計畫」。 2026勤美草悟夏祭串聯勤美術館、勤美誠品、金典綠園道與PARK2四大展區，將藝術創作延伸至整個草悟道生活圈。   勤美術館總監胡忻儀認為，勤美草悟本身就是一座生活中的美術館，本次以美術館為起點，攜手EDA藝術計畫，把「美術館便利商店」的概念延伸至整個街區體驗；大家不用刻意走進美術館，也能在逛街、散步的過程中與藝術不期而遇。當藝術能像便利商店一樣貼近日常，它就能真正成為人們的日常養分。   美術館便利商店設計了許多現場消費、看展的體驗細節，傳達「藝術，你的每日必備」理念與精神。 《凌晨五點零四分的便利商店》 主展場勤美術館以便利商店的入口、貨架、收銀台等空間語彙重新設計。藝術家賈茜茹規劃藝術體驗《凌晨五點零四分的便利商店》，引導觀者一步步展開屬於自己的藝術收藏之旅，可透過「收藏清單」直覺挑選自己喜愛的事物，循著線索走進展場尋找對應作品，並利用「推薦小卡」分享心得；最後邀請觀者回應「你想在便利商店裡買到什麼樣的藝術」，動手創作充滿靈感的「大發布丁」，重新拆解習以為常的生活經驗。 勤美術館本次選出40位藝術家的60組作品，你我熟悉的日常轉化成藝術家的靈感。   「差一點就正常」的日常 走進這家最藝術的便利商店，熟悉的秩序因藝術介入而有了細微偏移──展示設計刻意翻轉招牌方向、調整貨架高度，改變人們習慣的身體尺度和觀看方式。創作者們也從各自的生活出發，展開對日常物件的翻轉與想像。 勤美術館B1結帳台把菸品架化為藝術品選購單，鼓勵大家入手喜歡的藝術品。 葉姵萱《完蛋_刷牙時間道》巧妙融合全家便利商店的蛋品販售，搭配藝術家聯名商品。   「南島星人工作室」以《凝固的日常》、《沁涼的夏日》與《今天好好吃顆蛋》為題，利用生活陶將冷凍包、霜淇淋和茶葉蛋等稍縱即逝的消費物品轉化為能夠被收藏、反覆品味的器物。 南島星人工作室利用生活陶轉譯便利商店常見的冷凍包包裝。   陳政維的《Beeping Tempo Ready Go》則將結帳行為的刷載具、機械式Beep音響化為身體律動的引導，把超商消費的流程化為健身操動作。 陳政維《Beeping Tempo Ready Go》把超商的消費流程化為健身操動作。   楊馥嘉《成分表讀者》將商品包裝反向陳列，讓平時最少人閱讀的成分標示成為視覺主角，突顯商品標示與美術館作品說明之間微妙而有趣的對照關係。 楊馥嘉《成分表讀者》。   從公開徵件到作品「上架」，EDA藝術計畫持續位創作者打開被看見的機會，不論是輕鬆入手的出版品、可以融入居家場景的立體雕塑，或是打開不同視野的畫作，如同勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育所言：「藝術是很好的濾鏡，能探索已知與未知，也能表達人性癲狂的那一面；收藏不為追大師或增值，而是人與作品的情感連結。」，在這間最藝術的便利商店裡，都能找到值得收藏的創作。 馬春風《地拖》。從閒置物品進行發想，拖把可自由穿插，飛翔於城市中。     資料及圖片提供」勤美術館 編輯」陳映蓁

八月盛夏，JOSUIa GALLERY舉辦《FinnSummer***｜芬蘭設計、藝術與夏日浪漫》特展，將芬蘭的森林、湖泊與桑拿文化帶進台北。展覽不只是設計與藝術的陳列，更是一段跨越展期的合作起點。 展覽現場。呈現來自芬蘭的家具、織品與當代藝術品，並搭配主視覺中的芬蘭湖面，置身其中沁人心脾。 8組來自芬蘭的品牌、設計師與藝術家，從實木家具、紙紗織品、玻璃與陶藝，到曾於米蘭設計週Alcova、哥本哈根3daysofdesign登場的作品，共同勾勒當代芬蘭創作的多元面貌。 展覽現場。 實木與紙紗 經典延續於日常 創立於1967年、即將迎來60週年的NIKARI，曾與Alvar Aalto等大師合作，如今仍於芬蘭Fiskars小鎮，由工坊匠師從選木、裁切、接榫到表面修整，完整參與家具製作。設計精準內斂，不以張揚造型取勝，而在比例與細節中展現深厚底蘊。作為JOSUIa長期獨家代理品牌，NIKARI串起芬蘭現代設計跨越世代的精神。 餐桌區放置NIKARI的ALVAR托盤。選用芬蘭樺木實木框邊，搭配白色高壓積層板，以簡練優雅的線條，體現純粹的芬蘭職人手作與機能主義精神。   同樣取材自森林的WOODNOTES，由織品藝術家Ritva Puotila於1987年創立，是全球首個將紙紗應用於空間織品的品牌。以天然木材纖維製成的紙紗，經高密度織造與特殊處理，具耐用、抗靜電、不易積塵等特性，其地毯亦可依空間需求訂製尺寸，部分系列最長可達10公尺。此次JOSUIa更正式引進完整系列，從紙紗地毯、窗簾到餐墊，展後仍將持續作推廣。 展覽入口區懸掛WOODNOTES地毯，搭配右下角NIKARI的DECEMBER休閒椅。   從工藝到藝術 自由探索創作邊界 具Master Cabinetmaker資格的Antrei Hartikainen，以木頭與玻璃跨足家具、雕塑與空間裝置，且曾與Cappellini、NIKARI合作，並獲Maison&Objet Rising Talent Awards 2024、Pro Arte Award 2025等肯定。此次展出的口吹玻璃雕塑《MELT》，以及《HATTU》、《KUKKII》等木藝作品，將對植物生長與材料流動的觀察，轉化為獨特輪廓與節奏。 藝術家Antrei Hartikainen從左至右為：口吹玻璃雕塑《MELT》、木藝作品《HATTU》。   由Aino Michelsen與Ville Auvinen共同發起的massaproject，以芬蘭在地紅土發展家具與空間構件，2025年入選Habitare《Materials & Objects》，並登上米蘭設計週Alcova。   左：BRACKET 層架；右：REVOLVE屏風。massaproject利用芬蘭在地紅土製造家具物件，近年受到國際設計舞台關注的材料計畫。 REVOLVE由可旋轉陶土元件組成，透過角度變化創造光影；BRACKET則從擠製實驗發展而來。本次展出的REVOLVE屏風與壁飾皆曾於Alcova亮相，未來亦可依場域尺度發展。 立面懸掛REVOLVE以紅土做成的壁飾。右下角則為NIKARI的Linea RMT3椅子。 REVOLVE屏風不僅是裝飾，亦是場域界線，未來可依展覽需求作調整。 Santeri Mortti則以有機形態遊走雕塑與生活物件之間，花形立燈與層架透過手工雕刻及組構，呈現彷彿持續生長的枝葉輪廓。Antrei Hartikainen與Santeri Mortti皆首次在台展出，JOSUIa後續也將規劃兩人的個展。   藝術家Santeri Mortti的《Flower層架》與《Flower立燈》。 循環思維與跨文化視角 成立於1990年的DURAT，將工業塑膠餘料再製成人造石，使用後仍可回收；超過三百種基底色搭配不同顆粒色彩與密度，展現高度自由的色彩可能。Palapeli層架、Pikkupikku洗手台與Pukki邊桌皆於哥本哈根3daysofdesign展出後來台，將原本多用於大型空間的材料帶入生活尺度。   DURAT展區。 Palapeli層架以工業塑膠原料重新再製為人造石，可回收再利用，達到永續目標。 由田宜巧、陳又嘉與楊睿帆三位台灣設計師於赫爾辛基成立的D-ja，是芬蘭設計圈的新銳品牌。Dango Lamp曾從276件作品中獲得2024 Young Finnish Design居家類首獎，後由Aarikka量產。此次展出的TEX系列以紙材進行編織、連結與塑形，首度在台亮相並同步預購。   D-ja 團隊，由左至右田宜巧、楊睿帆、陳又嘉三位台灣設計師於赫爾辛基成立，TEX系列以紙材為核心，透過編織、連結與塑形的手法，發展出壁燈與桌燈兩種結構形式。 旅芬藝術家June Seo則從食物與器皿出發，以芬蘭天然陶土結合韓國粉青沙器技法創作Apple Collection，保留手工塑形的細微差異。   二樓展區。右下角為旅居芬蘭的藝術家June Seo，以食物與器皿為題，將芬蘭陶土與韓國傳統技法結合，完成Apple Collection。 展覽不以單一風格概括芬蘭，而是透過8組不同世代與背景的創作者，呈現當代芬蘭設計、藝術與生活文化的豐富面貌。除了JOSUIa長期獨家代理的 NIKARI與完整引進的WOODNOTES，其餘參展單位也已展開正式合作，未來將持續在台灣推廣。展場中的相遇不隨八月落幕，更多跨文化合作正由此展開。 《FinnSummer***｜芬蘭設計、藝術與夏日浪漫》 時間」2026年8月30日前（周四至周日開放） 地點」JOSUIa GALLERY（台北市大安區仁愛路三段26-3號7樓） 展覽詳情與預約請見>>https://lin.ee/QtheMwZ（免費全預約制）   資料及圖片提供」JOSUIa GALLERY 攝影」狐色影像製作 編輯」林靖諺

人類通過將生活環境中的事物分門別類，建立秩序和法則，據此有效管理時間和資源，但是所謂秩序，並不是將一切資訊根據個別屬性全部切割，而是根據其特質和功能，安排適當的距離和主次，讓不同個體都能在同一個場域裡自然生長、又彼此相輔相成，進而形成完整的生活圈。 丁建中〈浮游II〉隨風、濕度、光線與人流持續變化，讓觀眾在穿行之間感受光線與空間流動的節奏。 高雄市立美術館推出《2026 縫隙計畫 KMFA: In-Between》，將展覽重點放在建築、森林、埤塘與城市的交界，徵集7組跨域藝術家，重新審視這些看似無為、被視作過渡地帶的角落，點亮它們獨有的空間特質、以及不同領域彼此展開對話的方式，讓藝術的創作與欣賞走出固定展區和既定角度，在移動間活絡嶄新的觀看方式和藝術思維。 城市藝術空間 高美館建館32年，不僅與城市共生，隨長久經營，館舍建築亦自然融入於森林、埤塘與生態園區中，形成兼具藝術、人文與自然的獨特場域。高美館藝術生態園區作為市民散步、休憩及親近自然的重要公共空間，內含下沉式廣場、迴廊、蜿蜒小徑、坡地、水岸與湖畔等種種豐富場景，這些為人所忽視的角落，在漫長時光中與自然交織煥發出新的生命力。 趙尉翔〈露銀計畫──縫隙中霧露均霑的交織地景〉運用水霧與鋁板裝置重現內惟埤濕地曾有的氤氳景象。 《縫隙計畫》嘗試拓展參訪美術館的新路線，透過裝置、霧幕、光影等多元環境藝術形式，串起建築、地景與市民之間的關係，讓美術館不僅止於展示作品的場所，亦隨著人為動態組織藝術與自然的共同發生，形成多方互動的美學平台。 森屾創作設計有限公司的〈迷霧林〉藉由木構空間模擬陽光穿透森林樹冠的光影變化。 與環境對話 展中7件作品因應園區自然生態、建築肌理與天候環境，呈現不同藝術家的獨特詮釋。如丁建中〈浮游II〉，地處美術館迴廊外樹林，隨風、濕度、光線與人流持續變化，於白天與夜晚展現不同樣貌；草坡上的趙尉翔作品〈露銀計畫──縫隙中霧露均霑的交織地景〉，則運用水霧與鋁板裝置，重現內惟埤濕地曾有的氤氳景象，讓地方自然記憶與當代建築語彙交織。 蔡旻翰〈內惟埤考2026—臨時考掘站001號〉打造一處虛構考古現場，帶觀眾思考藏於建築褶皺中的時間痕跡。 此外，高美館建築中的轉折、邊界與過渡空間，亦是創作者的靈感來源。森屾創作設計有限公司活用美術館的下沉廣場，在三秌茶屋前打造作品〈迷霧林〉，藉由木構空間模擬陽光穿透森林樹冠的綠蔭，突出自然和建築的互動。蔡旻翰的〈內惟埤考2026—臨時考掘站001號〉利用廣場樓梯下方的空隙，打造一處虛構考古現場，讓建築肌理和時間的鑿痕化為邀請群眾挖掘的寶物。 著陸方法工作室〈相縫之處〉於湖畔駁坎之間架設竹構編織天幕，重新定義人們停留與穿越空間的方式。 重建觀看視角 館前廣場的駁坎階梯依循內惟埤湖畔的範圍徐徐展開，提供市民休憩和眺望湖景。著陸方法工作室作品〈相縫之處〉於駁坎之間架設竹構編織天幕，不僅緩和高雄夏季炎熱氣候，宛如小山洞的結構也重新定義了人們停留與穿越空間的節點。 簡莉芸、黃婕瑛共同創作的〈落入水面：軌跡到餘響〉從內惟埤的歷史出發，以金屬構件、光線與聲響回應地方水文記憶。 簡莉芸與黃婕瑛共同創作〈落入水面：軌跡到餘響〉，取材內惟埤的歷史，以金屬構件、光線與聲響，勾勒落葉點水、水面泛起漣漪的抽象畫面，喚起對地方水文的聯想，使觀者在作品中感受時間與空間層層的擴散。Jerry與簡妤珊的〈尚未翻譯的自然〉透過風鳴裝置與葉綠素感光球體，邀天氣參與共創，作品隨展覽期間流動的人群以及四季變化持續生成，呈現自然生命不斷成長演化的樣貌。 Jerry與簡妤珊的〈尚未翻譯的自然〉透過風鳴裝置與葉綠素感光球體，讓風吹、日照與雨水共同參與創作，作品亦將隨展期及四季變化持續生成。 《縫隙計畫》展出建築與環境間縫隙，寄託人們對環境的感知，展中的作品亦如放大鏡，在高美館的地圖上，放大建築、地景與自然生態不為人知的細節，隨著時間流轉，每一次停留、穿行與回望，都將生成不同的觀看經驗，也在展出的過程中，引導來賓重新思考人與環境的關係。 資料及圖片提供」高雄市立美術館 編輯」江瑜

在台灣、韓國、泰國與香港，這片區域有時被暱稱為「奶茶聯盟」──擁有著相似的奶茶愛好，也相似地面對著高度不確定性。10餘組來自奶茶聯盟區域的新銳設計團隊不約而同，以臨時公共空間作為執業的起手式。 《臨時公共空間的臨時展覽》在松山文創園區・台灣設計館01展間開展。   在不確定中應變 《臨時公共空間的臨時展覽》2026年10月4日前於松山文創園區・台灣設計館（01 展間）登場，匯集新一代設計者的作品，展覽的核心是一個簡單的概念：在持續的不確定之中，短促的工期、紛擾的政治、地震與氣候風險，設計師們汲取島嶼和濱海地理長久以來的營建智慧，使用細小、就地拾得的材料，以及一套精密的共享、修補與再利用機制，擴充成當代設計的語彙，提供當今技術掛帥的韌性跟永續的另一種可能；這份應變智慧便成為可以與人分享的經驗──如何在充滿風險的世界裡，把日子過好。 匯聚10餘組來自台灣、韓國、泰國、香港的新銳設計團隊作品。 以台北作為亞洲巡迴首站，隨後前往香港、曼谷與首爾。   本展於2026年春季首度於哈佛大學設計學院展出，台北是亞洲巡迴的首站，隨後將前往香港、曼谷及首爾。台北場與台灣設計研究院合作，並由傅雲（哈佛大學設計學院教師、SEMESTER設計研究工作室合夥人）、Yona Chung（將於2026年秋加入哈佛設計學院教師團隊）與高采薇（哈佛大學畢業的台灣建築師、高采薇建築師事務所負責人）共同策展，展場設計由原研組（Prototype Architecture Office）擔綱。 展覽一隅。 展覽一隅。   創造場所的五種方法 展出的30件作品，每件都以一件實物片段與一張現場的紀實照片呈現，一片可以觸摸的磁磚、一張可以坐下的沙發、一把可以拿在手上的摺疊陽傘。這些片段皆來自作品本身，被設計者裝進隨身行李、親手帶過太平洋；如今，它們回到初始點。展覽由五個主題串起：「尋找舒適」、「快幀與慢幀」、「許多小東西」、「從圖像到場所」、「一期一會」，將在接下來的各展區中逐一展開。 展場本身也延續同一個想法：以瓦楞紙箱與橙色貨運綁帶構成。 展場本身也延續同一個想法：以瓦楞紙箱與橙色貨運綁帶構成。   臨時公共空間的臨時展覽 日期」2026年10月4日前 地點」台北松山文創園區・台灣設計館01展間 參展團隊」一起設計、艸執荒地質造所、Bangkok Tokyo Architecture、FHHH friends、嶼人設計工作室、HYPERSPANDREL、噢親愛的工作室、PRAUD/domansa、SEMESTER學期工作室、偶然設計、沈庭增建築師事務所、Sher Maker、本事空間製作所、長短樹鄉村研究所、蘇暢設計研究室     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

人與人之間的溝通，或許面對面或以對話的形式、或許書諸於文字，以此達成資訊的交流，人聲的高底起伏代表人類社會約定成俗的語言規則，形成人類嘗試彼此理解對方的編碼和工具，卻不知是否有人也曾嘗試賦予語言以外的聲音承載意義的可能？ 塔瑞克．阿圖伊，《 十一拍聲搏》， 2020年，熱昇華墨水、黑膠唱片機研究、鈸、鑼、水滴聲與電腦生成聲音，尺寸依空間而定，私人收藏。 臺北市立美術館國際展覽「調：心境與聲景之間」邀集13位來自台灣、香港、印尼、越南、印度、中東及歐美等不同國家的藝術家，以聲音為主軸、藝術為形式，橫跨裝置、錄像、繪畫、聲響等多元創作，探索人類如何在變動的世界中重建感知與連結。 展場一隅。 新加坡策展人許芳慈於展中提出「聆水」、「聞息」及「聽壤」三大主題，分別以水、空氣與土地作為思考媒介，討論自然環境與人為事件彼此交織的關係。策展以聲音為起點，串起時間、空間與記憶，引領觀者重新理解生命、環境與政治之間細膩而複雜的關聯，在萬物彼此牽動的頻率中，尋找共享世界的可能。 蘇珊．舒普利，《 聽冰》， 2021年，4K錄像、彩色、立體聲，17分37秒。 以聲頻建立的橋樑 水既是生命的起源，也在地圖上勾勒土地的邊界，展覽以「聆水」為先聲，引導觀眾走近自然和人對話的開始。塔瑞克．阿圖伊《十一拍聲搏》取材阿拉伯塔拉布（Tarab）傳統音樂，組織滴管、揚聲器和水珠的流動，成為一種獨特樂器，循環構成十一拍節奏，讓觀者在近乎冥想的滴水節拍中感受時間的腳步。 芮娜．賽尼．卡拉特，《合唱一號》，2015-2019年，玻璃纖維彩繪、金屬、喇叭，5分11秒，單聲道音訊，244 × 173 × 142公分。 蘇珊．舒普利《聽冰》則將視角投向冰凍圈，紀錄冰川碎裂、融水奔流及封存數千年的氣泡因暖化而爆裂的聲響，同時邀請因冰川退縮而搬遷的喜馬拉雅居民共同聆聽，錄製為影片，讓在帝居民們從新的角度認識這個塑造他們一生遷徙過程的自然環境。 陳庭榕，《 我只在乎你（私語）》， 2018年，八聲道無伴奏人聲聲音裝置，聲音系統、喇叭、同步機制、熱浸鍍鋅板、黑鐵、紙漿（以每日可拿取的免費報紙製成），8分35秒（每15分鐘播放演奏），90 × 205 × 555公分，2018年Kunsthalle Wien 委託製作。 巴古斯．潘德加與今津景合作的《自然綠4.3創作之人造綠意》，利用活體植物的生物訊號驅動機械手臂持續作畫，選用大王椰子呼應台灣與印尼共享的熱帶景觀，也映照殖民歷史留下的文化痕跡。入口處袁旃《會走路的山》則以流動交疊的墨線描繪九二一地震後土地仍持續震顫的生命力，使傳統山水不再靜止，轉化為有呼吸節奏的有機生命。 今津景、巴古斯．潘德加，《 自然綠4.3創作之人造綠意》， 2025年 (2026年重製)，水性顏料、麻布、模組化合成器、電腦、大王椰子樹，尺寸依空間而定。 自然與人的共鳴 藉由呼吸的節奏，進入「聞息」的範圍，探討大氣中的聲音傳導如何承載情感與權力。哈吉拉．瓦希德《來自姐妹的家書（2015年11月16日）》取材自與家人往來的信件，背景映照巴塔克蘭劇院攻擊事件後、法國進入緊急狀態的歷史時刻，文字緩緩浮現於天空投影，使個人經驗與殖民、戰爭及國家暴力交錯相映，展現同一片歷史背景下的不同面相。 林其蔚，《 唸珠》， 2018年，聲音裝置，尺寸依空間而定，臺北市立美術館典藏。 勞倫斯．阿布．哈姆登《風之合奏》將薩克斯風演奏投映於低音喇叭表面，對比敘利亞戈蘭高地因風力發電設施引發的領土爭議，以風聲傳遞自然與人為衝突的兩面性，形塑作品聲景。陳庭榕《我只在乎你（私語）》依歷史紀錄仿造源自金門北山的播音牆，讓鄧麗君曾被用於心戰喊話的歌曲重新浮現，也提醒觀眾，聲音既能傳遞私人情感，也可能成為權力操作與意識形態傳播的工具。 阮純詩，《四十七天，無聲》，2024年，錄像、雙銀幕、鏡面；錄像：三頻道投影、16:9、16:9與5:2銀幕比例、黑白與彩色、聲音（立體聲），31分39秒。本作品由哈恩．內夫肯基金會、森美術館、香港M+以及新加坡美術館共同委託創作—2021年歐亞動態影像委製計畫。 此外，楊嘉輝《煙霧奏鳴曲》以日本寺院的宗教儀式為背景，透過煙霧流動與細微聲響，引導觀眾將注意力由實體轉向抽象，體會精神性與無常。林其蔚《唸珠》則以色珠構成樂譜，經由誦念錄音檔鋪陳背景，編織色彩、語言與聲音，成為空間雕塑，與畫家余承堯描繪山勢起伏、深受南管音樂影響的山水作品並置，形成視覺與聽覺交互映照的聯覺體驗。 聲音的多元轉化 「調：心境與聲景之間」引導來賓在展覽體驗中靜下心神，傾聽錄像、裝置、繪畫與聲響之間的彼此呼應，使觀展不再只是凝視作品，而是一場需要放慢步伐、反覆感受的身體經驗，同時亦與北美館所在場域形成耐人尋味的對話，白色展廳一如持續接收與發送訊號的感知場域，將自然、生態、歷史與社會交織成一片可被聆聽的聲景。 「調：心境與聲景之間」展覽主視覺。 從滴落的水珠、冰川崩裂的回音，到戰爭年代的廣播、植物微弱的生物訊號，本展提醒人們，世界始終充滿各種聲音，溝通不僅於發出自己的聲音、也在傾聽他者的表達，當人們放慢腳步，重新調整自身與環境的頻率，「調」便不只是展覽名稱，更是一種與他者共振、與萬物同行的生活姿態，也為當代藝術提供了一種理解生態與地緣關係的新視角。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

紀實攝影一詞出現在19世紀中葉，早期多以戰地攝影或是記錄飢荒等議題為主，重點在於透過真實、不加以美化的拍攝手法，用照片紀錄事件，特別是即將消失的社會現實、人類生存狀況，強調其社會學的文獻價值，為求可信、可靠的畫面，傳遞文字表述以外的事件細節。  「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」策展人張世倫，透過攝影作品、出版文獻、工作樣片、手稿及歷史檔案等多元媒材，梳理台灣紀實影像敘事與文化記憶。（新北市美術館提供，攝影：王世邦）  新北市美術館近日推出研究型展覽「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」（Minjian / Photography : Documentary Vision and Its Realist Inflection），策展人張世倫將展示重點聚焦於台灣近百年紀實攝影發展，集結松山虔三、張才、黃則修、黃永松、姚孟嘉、張照堂、梁正居及林柏樑等八位重要攝影家的創作與文獻，提取「民間」作為關鍵字，探討攝影與社會互動演進的關係，以及鏡頭何以形塑屬於在地的影像敘事與文化記憶。  林柏樑，〈都市邊緣人—臺北二號水門〉，數位輸出，72 × 102 公分；〈私人備忘：都市邊緣人〉，13 × 18 公分，1989年。 反思民間文化視野 本展以「民間」作為核心概念，特意保留華語拼音「Minjian 」作為英文展名，而非直接以現代詞意翻譯為 folk、vernacular 或 popular，源於此處所引用的「民間」並非單純指涉民俗文化，而是介於官方與非官方之間，經由人民的食衣住行、教育和信仰共同交織，並橫跨時代變遷所形塑的文化空間，是以透過稱呼強調歷史脈絡與在地語境。  林柏樑，〈輕觸傳統的體溫—鹿港龍山寺〉，數位輸出，60.96 × 76.2 公分，1985年。 對歷史的觀測，多承襲官方史料和數據，經由專業的學者判斷與整理，雖事件紀載相對精確，但也存在視野受限。本展將審視歷史的鏡頭移動、從非官方的媒體取材，自日本殖民時期由日籍知識分子所創辦的月刊《民俗臺灣》之攝影師松山虔三的民間影像出發，延伸至張才、黃則修等戰後攝影家的街頭與地方紀實，以及張照堂充滿實驗性的影像創作。  姚孟嘉，〈南投埔里〉，銀鹽相片，60.96 × 50.8 公分，1977年。張照堂檔案庫提供。 從1938年到1980年代，通過站在不同時地、為不同立場發聲的媒體，以及為其服務的攝影師們，經歷不同民族在這塊土地上的碰撞、消化戰後的重建，為台灣紀實攝影提供了現代化的雛型。  展覽內容包含攝影家工作樣片、手稿、出版刊物及歷史檔案，展示影像從拍攝、編輯到出版流通的生成過程。（新北市美術館提供，攝影：王世邦） 攝影與環境的對話 展中所關注的對象不僅止於攝影捕捉的畫面隨時代審美而產生的結構性演變，同時並重攝影如何與出版文化、民俗調查、地方行腳等多重媒介形成合作關係，以及環境對攝影師定位所產生的影響。是以展覽呈現攝影家的工作樣片、創作手稿、雜誌原始版面與紀錄影片，以及工作樣片、手稿、出版刊物及歷史檔案，嘗與歷史畫面並置共存，試讓影像展示的內容不只定格在「一幕」，延伸重返其誕生的歷史現場。  張才作品一隅。（新北市美術館提供，攝影：王世邦）  透過作品與文獻的交互參照，讓觀眾看見影像從拍攝、編輯到出版流通的生成過程，還原紀實攝影逐步參與社會知識與集體記憶的建構過程，以眼之所見，成為信任的憑據，建立現代與歷史溝通的橋樑。  張照堂，〈北投〉，銀鹽照片，50.8 × 60.96 公分，1980年代初。 梁正居，〈南投八通關〉，銀鹽照片，50.8 × 50.8 公分，1983年。 超越時間的觀看角度  針對民間的研究和定義，必然建立在層層歷史的堆疊和演進的過程，也拓展了被傳統史觀所忽略的個體議題，本展以攝影為切入點，探討攝影師的職業背景、創作歷程、取材資訊以及發表平台，以此串連地方、共同體、知識生產與文化流動。  黃永松，〈作醮，龍潭（「醮」）〉，數位輸出，60.96 × 50.8 公分，1970年。英文漢聲出版股份有限公司授權重製。 台灣的紀實攝影並非某種既定的風格標籤，也不是模仿致敬海外藝術風格的複製創作，而是在殖民統治、戰後體制與現代化進程中，持續與現實碰撞、協商而得的歷史結果。攝影者們透過鏡頭與編輯的複合實踐，是自身與社會的對話、也是當下寄予未來的信件，在影像中儲存的畫面，折射攝影者的自我定位、觀看者的認知解讀，和他們身後的整個時代。  黃永松，〈持傘婦人，九份〉，數位輸出，60.96 × 50.8 公分，1972年。英文漢聲出版股份有限公司授權重製。 資料及圖片提供」新北市美術館 編輯」江瑜 

當世界運轉的速度超過感官能負荷的極限，人們開始在「慢下來」的渴望中，尋找能夠安放自身的角落。得然藝術始終相信「Art Can Touch Your Heart」不只是一個口號，更是一種空間態度、一種策展信念。這座畫廊長期透過跨文化策展，引介不同國度的藝術家，讓藝術不只進入收藏，更走入生活。今年夏季，得然藝術推出雙人展《Still, Not Still》，邀請德國藝術家Tobias Stutz與台灣攝影藝術家周有煦，在空間中共同構築關於凝視、時間與存在的靜謐對話。 展覽主視覺。德國藝術家Tobias Stutz與台灣攝影藝術家周有煦雙人展。   空間的缺席與在場 走進《Still, Not Still》的展覽空間，觀者首先感受到一種被精心收束的秩序。Tobias Stutz筆下的建築、泳池、窗景與陽台，以高度理性的幾何結構佔據牆面，那些空無一人的露台、安靜的水面、敞開卻無人倚靠的窗框，在空間中形成一道奇異張力。 展覽現場。牆面上的畫作以幾何結構框取建築場景，空蕩的陽台與平靜的水面，在空間中形成一種安靜而具張力的存在。 人雖然不在畫中，卻彷彿剛剛離開，或即將到來。建築成為容器，收納著缺席者的體溫與痕跡，當觀者站立其間，不知不覺便走進那片留白的場域，將自己的記憶與孤獨投射其上。空間在此處不是背景，而是主角，邀請觀者重新思考存在與空無之間，那份幽微而持續的關係。 Tobias Stutz 《Landscape Room II》, 60 x 140 cm, 2023。   光的凝視 時間的沉積 展覽的另一側，周有煦的攝影作品以另一種節奏呼吸。海洋的波紋、天空的層次、城市結構的邊緣，在他的鏡頭下並非壯麗的風景紀錄，而是一種觀看方式的呈現。光在這些影像中成為最沉默的敘事者，落在水面、撫過建築立面、滲入天空的縫隙，時間在自然與文明交會之處留下痕跡，變得清晰可見。當目光在這些作品上停留，空間裡的時間感亦隨之改變，每一次觀看都像是一場與自身經驗的對話，輕聲卻深刻。 周有煦《奧林帕斯的曙光》, 80cm x 60cm, 2026。   展覽主軸並非單純的靜止，而是一種介於靜止與流動之間的狀態。《Still, Not Still》的空間設計，讓兩位藝術家的作品彼此呼應卻不互相干擾。Tobias Stutz 的建築理性與周有煦的自然詩意，透過展牆距離與動線鋪排，形成呼吸般的觀展節奏。畫面看似凝結，實則會在過程中，引導情緒與感知持續產生細微變化。 光線在畫面中移動，映照水面、建築與天際，時間的痕跡因而清晰。 得然藝術創辦人Denise Tsai的策展意志，滲透在每一處燈光落下的角度、每一道視線穿過的間隙，讓空間本身成為一種邀請，讓觀者在安靜之中，重新感受那些平日容易被忽略的內在流動。   《Still, Not Still》 時間」2026年7月18日至2026年8月15日 地點」TARTCH得然藝術（台北市內湖區南京東路六段503號1樓） 開放時間」週二至週六10:00~18:30（週日、週一公休）   資料及圖片提供」TARTCH得然藝術 編輯」林靖諺