由美國大都會博物館所精選的81件重要藏品，於今夏遠渡重洋，首次嘗試海外大規模展出，攜手國立故宮博物院共同規劃，內含雷諾瓦、塞尚、梵谷、高更等等38位大師真跡，透過五大主題：「身體姿態」、「肖像與人物」、「徜徉自然」、「從城市到鄉村」以及「水岸風光」，向大眾展現印象派、後印象派至早期現代主義的多樣面貌。     「從印象派到現代主義－美國大都會博物館名作展」主視覺。     橫跨百年的藝術盛事   故宮與大都會博物館的合作由來已久，可追溯至1961年，院藏精品遠赴大都會博物館展出，1996年更舉辦「中華瑰寶展」巡迴全美四大城市。今年適逢故宮100週年院慶，為優化整體環境，延續「新故宮計畫」的推動進程，北部院區的圖書文獻大樓（第二展覽館）竣工時間巧合地與布展時間相互貼合，也因此隨本展「從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展」在台登陸而正式啟用。 國立故宮博物院 蕭宗煌院長致詞。 五大展區的設計，通過聚焦大師們的繪畫主題，更便於對照大師們不同的表現手法，以及當時的社會樣貌。「身體姿態」梳理1860年代起，藝術家們對人體的詮釋，以及說明鉛筆、顏料等不同媒材與技法在肢體動態的表現，如高更《大溪地的出浴女子》，土黃、深綠等飽和的色塊與女子色澤濃豔的衣物對照，以及粗獷的構圖，帶來熱帶島嶼的溫暖氣息。     展覽學術顧問曾少千教授介紹「布豐莊園附近的樹木與房舍」畫作。     「肖像與人物」呈現18世紀末工業化後，藝術從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫登上舞台。如雷諾瓦《彈鋼琴的兩位少女》，畫面中的兩位主角，透過優雅舉止、衣著和背景，流露新崛起的中產階級對女性教養的期待，也展示了印象派精巧細膩的面相。而隨政治與工業革命的推進以及城市發展，藝術家這時將視野轉向祖國的風光，「徜徉自然」帶來法國風景，一如塞尚《布豐莊園附近的樹木與房舍》，不僅是對家鄉的深情流露，也暗喻藝術家與家人的情感糾結。     保羅‧高更，《大溪地的出浴女子》，1892年Image © The Metropolitan Museum of Art。     「從城市到鄉村」展現藝術家的人生軌跡，漫遊之處皆是風景，透過藝術家獨有的細膩感性和標誌性技法，重現在時人眼中普通的日常。就像秀拉《大碗島的星期天下午》習作，透過「點畫」技法，描繪巴黎附近的「大碗島」，人物悠閒地在草地上度過午後，色彩層次與明暗變化，反映作者對光之美學的深刻理解。「水岸風光」，則對應1911工業化帶動鐵路運輸，人們有更多機會前往海灘、漁村、港口等各地，藝術家更是自海的開闊、與海港往來的人潮，汲取豐富靈感，一如波納爾《聖特羅佩舊港一景》，柔和色調宛如曝曬在海邊燦爛的白光下。   奧古斯特‧雷諾瓦_彈鋼琴的兩位少女_1882 © The Metropolitan Museum of Art_Auguste Renoir_Two Young Girls at the Piano。 自19世紀到20世紀，印象派的起源與發展同樣歷經近百年的醞釀與熟成，畫家離開畫室，改變自己觀察世界的角度以及構圖的思維，描繪的對象也自宗教、神話和宮廷，延伸至民間百態和自然環境，對於色調和線條的解讀也逐漸走出學院派所規範的框架，以越發自信的筆觸去發展自身的個性。     自收藏者角度布展   印象派素來為台灣所熟悉，但印象派的誕生與發展歷史並非一帆風順，緣起19世紀中葉的法國，一場通過「匿名藝術家合作協會」的名義所舉辦的畫展，展中作品多與主流審美背道而馳，包括其名「印象」都是源於評論家的批評。它的存在標誌出新銳藝術家對學院派與官方沙龍壟斷當代藝術價值話語權的反動與叛逆，而它延續至今的存在則反映了收藏家極具前瞻性的眼光。   保羅‧塞尚，《布豐莊園附近的樹木與房舍》，1885–86年Image © The Metropolitan Museum of Art。 本次展覽中，多項作品源自雷曼家族於1969年於大都會博物館的捐贈，於20世紀初，雷曼家族自各國收購的藝術品和捐贈數量，甚至促使大都會設立「雷曼廳」以供專門展示，被譽為「美國最非凡的私人收藏」。在印象派仍被視為前衛藝術的年代，是什麼打動了鍾情於藝術的雷曼家族？跨過一家三代的收藏者，透過本展的呈現，可觀之處不僅在於時代篩選過的藝術之美及藝術史的流變，也是不同收藏者對藝術的理解與詮釋，邀請現代的藝術愛好者，一同探討美的定義和價值。     《從印象派到現代主義—美國大都會博物館名作展》 地點」國立故宮博物院北部院區 第二展覽館一樓特展廳（台北市士林區至善路二段221號） 時間」2025年6月14日至10月12日   資料及圖片提供」美國大都會博物館、國立故宮博物院、時藝多媒體 採訪」江瑜

在當代藝術與設計的交匯處，一場名為「如常」的展覽正悄然改寫人們對空間美學的認知。耿畫廊與設計家具品牌Fuhaus丰巢的首次合作，不僅打破藝術高懸於白牆上的傳統展示方式，更將常玉筆下流淌著東西文化血液的裸女、瓶花與靜物，與義大利百年品牌Gervasoni的家具並置於同一場域。這場展覽如同一首視覺詩篇，邀請觀者在移動與停留之間，感受藝術與設計共生的節奏，重新思考「栖居」的詩意可能。   常玉《黑瓶與菊花》。「如常」將藝術注入日常生活，在相融中呈現對「美」的另種呈現。 展覽核心在於模糊藝術與日常生活的界線。策展團隊大膽地將蘇笑柏、Sopheap Pich、王攀元、蘇孟鴻、劉致宏等跨越世代與文化的藝術作品，與設計師Paola Navone融合東西美學的家具設計對話。這種並置不是簡單的陳列，而是一種深層的空間敘事，當觀眾自然坐在Gervasoni沙發上欣賞常玉畫作時，家具不再是被動的展示載體，而是引導觀者角度的雕塑裝置。這種互動關係創造一種獨特的「行為美學」，觀眾在無意間改變欣賞藝術的姿態，從傳統美術館中肅穆的「凝視」轉變為生活中自在的「邂逅」。   常玉《盆菊》懸掛於牆上，色調與家具和諧相搭，向左延伸至蘇笑柏《小晴》畫作，再到常玉《趴在椅子上的北京狗》、《婚禮花飾》，從藍到粉的色調轉換，低調過渡空間情境。 藝術在生活中的重新定義 策展人坦言，這樣的跨界融合在台灣藝術界幾乎沒有前例可循。從單純的藝術愛好者到擔綱大型展覽策劃，團隊半年內研讀大量資料、參觀上百場展覽，只為找到藝術與設計最自然的對話方式。最大的挑戰在於專業分工下的協調：如何在家具的實用性與藝術品的表現性間取得平衡？如何在完整呈現內容的同時保持主題的純粹？這些問題沒有標準答案，必須在每次討論中重新摸索界線。正是這種「無前例可循」的狀態，反而賦予一種實驗性的開放美學。   綠色的沙發與掛於牆上的常玉《裸女與高跟鞋》相互襯托，同時呼應對牆畫作。位於角落的蘇孟鴻《有抽象表現主義風格的屏風》，其精細紋路將傳統與現代相結合，感受東方與西方的和諧景致。 展覽中特別引人深思的是常玉作品與當代設計的對話。常玉畫作中那種「東方的詩性」與「西方的現代性」的微妙平衡，恰與Paola Navone的設計哲學形成呼應。Paola Navone擅長將亞洲傳統手工藝轉化為當代設計語言，既有義大利的隨性色彩，又蘊含對天然材質的極致考究。當常玉筆下線條簡約的裸女與Gervasoni自然質感的沙發共處一室，兩種文化、兩個時代的美學差異被空間的詩性所消融，只剩下純粹的形式對話，通過材質、比例、色彩的直接感知，體驗「東西交會」的深層意義。   Sopheap Pich《洋紫荊4》，以竹籐編織吸引視線，將傳統手工技藝與精密工藝相搭，相互碰撞出情緒張力。 「如常」重新定義對「收藏」的概念。策展團隊強調，藝術品與家具的選擇不應受市場價值束縛，而應回歸個人情感的真實連結。展場中，一件柬埔寨藝術家Sopheap Pich用竹藤編織的裝置與義大利設計椅並置，前者脆弱的手工感與後者的工業精準形成張力，卻共同訴說著對「材質記憶」的關注。 常玉《孤獨的象》，孤獨的大象如在沙漠中孤獨行走，看似孤單卻予人步調緩慢、沉澱心緒之感。 這種組合顛覆傳統，轉而追求生活情境的「保真」，藝術不必是保險箱裡的資產，而可以是沙發旁引發沉思的夥伴。展覽彷彿在告訴觀者：「真正的「長嶼」（永恆之島）不在拍賣圖錄中，而在於如何將藝術編織進日常的經緯。」   美學的具象化 在展場設計上，團隊刻意營造家的輕鬆氛圍，鼓勵觀者實際使用展示的家具，可坐在餐桌旁欣賞牆上的蘇孟鴻畫作，或躺臥床上仰望劉致宏的藝術裝置。這種「可觸的美學」打破藝術慣有的疏離感，讓審美經驗回歸到直接感知。當不自覺在某張椅子上停留良久，只因那個角度讓常玉的花卉「看起來不一樣了」，這恰恰印證了策展理念的成功，藝術不再是被遠觀的聖物，而是可以透過生活動線重新發現的視覺驚喜。   坐於桌旁向四周望去，藝術畫作裝飾其周圍，長板凳靜謐佇立，常玉《綠底梅花》及《含華吐瑞》以其綠意包圍，塑造恬靜悠然的氛圍。 有別於傳統以藝術家或流派為主軸的分類方式，展品以「材質的詩學」為隱性線索，讓不同世代的創作在形式語言上直接對話。柬埔寨的竹編與台灣當代陶瓷並置，義大利織品與常玉油彩呼應，所有作品被暫時抽離藝術史的脈絡，純然作為「空間中的存在物」相互映照。這種策展手法冒險卻充滿啟發，暗示著藝術價值不在於其所承載的論述，而在於改變空間氛圍的即時魔力。   展區一隅，左：王懷慶《自己與自己的影子》、右：《半桌半椅》。 「如常」展覽不只是一場視覺盛宴，更是一種生活哲學的溫柔革命。展中看似隨意卻精心計算的角落，像是一本翻開的書旁擺著的素描，Gervasoni邊几上放著的漆器，都在演示藝術如何以最不刻意的姿態滲透日常，這種「如常」的狀態，或許才是美學最純粹的形式：「不是刻意為之的表演，而是生活本身流露的詩意。」   左：常玉《黃色花籃》、右：《貓與雀》。 當夕陽穿過耿畫廊的窗，在常玉的瓶花與義大利沙發上投下相同的光影時，這場展覽真正的作品不是任何單件藝術或設計，而是那個被瞬間光照亮的、藝術與生活無分彼此的永恆片刻。從意義上來說，「如常」不僅是展覽，而是對當代生活的一種診斷，亦是一劑處方，邀請人們在居所之內，重新學會看見。   如常 時間」2025年5月3日至6月28日 地點」TKG Masters特展空間（台北市內湖區瑞光路548巷15號3F）   資料及圖片提供」耿畫廊 編輯」林靖諺

台灣設計研究院所經營的「不只是圖書館」即日起推出全新展覽《捷克最美麗的書展》，呈現捷克書籍在視覺設計與文學表現上的高度融合和創新探索。本次展覽與捷克中心臺北聯合舉辦，共規劃兩大展區，從國際書籍設計競賽的精選得獎作品，到當代文學選集與插畫創作，透過圖像與文字的跨界對話，引領觀者深入捷克書籍設計的多元風貌，體驗兼具設計創意與文學深度的精彩作品。 捷克最美麗的書展。   泡書區：第59屆「捷克最美的書」得獎書籍 本區展出來自捷克年度書籍設計盛事──「捷克最美的書」競賽（The Most Beautiful Czech Books of the Year）的30本精選作品，包括獲獎書籍與入圍佳作。此競賽自1965年創立，至今已邁入第59屆，由捷克文化部及捷克文學館共同主辦，是捷克書籍設計領域最具歷史暨代表性的獎項。 泡書區：第59屆「捷克最美的書」得獎書籍。   由國際評審團負責評選，依據書籍的整體視覺設計、印刷品質、裝幀創意與設計語言進行評比，不僅是對優秀設計的肯定，更是捷克當代出版美學的年度風向指標。本屆共有336件作品報名，涵蓋專業文獻、美學文學、兒童與青少年讀物、教科書、藝術書籍、目錄設計以及珍本與作者著作等7大類別，亦鼓勵青年創作，特設學生與青年組別獎項，展現設計世代交替的生命力。 泡書區：第59屆「捷克最美的書」得獎書籍。   澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸 第二展區聚焦於捷克中心臺北出版的選集《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。這本書集結捷克近30年來11部具代表性的散文作品節選，呈現捷克當代文學的全貌與趨勢；延續了捷克深厚的文學傳統，也回應現代社會的普遍關懷，內容跨越地理與文化的界線，反映捷台之間的共同經驗。 澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。   澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。 本書特別邀請7位捷克插畫家，以全新視角為書中7本得獎作品創作插圖，並展現他們延伸創作的繪本、海報與陶瓷作品。另外，也同步展出原書、選集以及這些插畫家其他已出版的創作，透過書籍與圖像的對照，打造視覺與文學交織的閱讀體驗。期待觀者能從不同視角走入捷克的文學和藝術世界，感受跨界合作如何替文化創造更多層次的美感。 澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。   澡堂區：從文學到視覺的跨界延伸《外在所缺乏的，內心尋覓不著》。 《捷克最美麗的書展》 日期」2025年5月20日至8月10日 地點」不只是圖書館     資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

攝影不僅是記憶的載體，隨時代更迭、攝影設備的演化，影像的紀錄和傳播對人們的意義也在無形中脫胎換骨，從被動保留記憶裡的畫面到開始思考畫面的結構和涉入元素，經歷數位化時代後的人們化被動為主動，將其納入藝術的範疇，在當代的影像作品中，反映出什麼樣的故事和議題？     《時代劇場：當代影像的複數演繹》主視覺。     臺北市立美術館策展人余思穎推出《時代劇場：當代影像的複數演繹》，展中設立三大主題：〈隱形的主角〉、〈轉變與重生〉及〈視覺風景〉，隱喻影像內在所建構的時空演繹，解構影像紀錄所涵蓋的元素，探討創作者、照相機功能、攝影與時間、影像生產之間的關係。   內含杉本博司、石內都、盧純澤、何經泰、謝三泰、徐冰、周慶輝、沈昭良、黃海昌、劉振祥、張乾琦、凱薩琳．歐佩、森山大道、西野壯平、全明遠、安娜．里德勒、羅晟文之作品。透過17位藝術家的獨到眼光和攝影鏡頭，表達對瞬息萬變的科技時代的關注，作品內容自生活中的多元角度取材，宛如將種種時光中的記憶碎片投入萬花筒，在令人目不暇接的觀展過程中，賦予影像作品新時代的存在意義與價值。     影像後的歷史溯源   對於已經消亡的過去，藝術家通過采風收集殘留的事件碎片，透過影像重構只存在記憶中的畫面，對於當事人，是他們不會被遺忘的承諾；對於觀看者，則是自身與歷史建構連結的窗口。此處以杉本博司的《劇場》與《廢墟劇場》系列作為開端呼應主題，藉由長時間曝光捕捉劇院放映電影的全程，通過螢幕與觀眾席的光影對照，引領觀眾思考影像與觀看的本質。     杉本博司，《廢墟劇場：法國巴黎東京宮37號廳》，2013年，銀鹽相紙，42公分 × 54公分，東京都寫真美術館典藏。     影像敘事展現的觀點，不僅是當下，也透過定格一幕衝擊情緒的影像，引人深思畫面的前因後果，展中不僅記錄了戰爭的殘酷和無常，也展示了肩負歷史傷口的人們如何繼續前進、延續生活的現狀。如石內都《ひろしま / 廣島》系列，今年（2025年）是日本廣島原子彈爆炸八十周年，藝術家拍攝原爆受難者遺物，以溫潤光影捕捉逝者過去生活的遺跡。     石內都，《ひろしま／廣島》（#105 捐贈者：Nakajima, E.），2013 年，C-print，74 公分 × 108公分。圖像由藝術家及日本The Third Gallery Aya提供。     隨時間的腳步移動，被侵蝕的不僅是山河地貌，人文傳統也在日常的更迭中變化形貌，透過族群和血脈的聯繫，代代相傳或淹沒於歷史長河。藝術家何經泰的《百年不斷的人神之約：排灣族五年祭》以濕版攝影留下台東排灣族土坂部落跨越世代的祭典及人物身影，沒落的傳統儀式影像，不僅是時間的印記，更是深刻的文化延續與回聲。     何經泰，《百年不斷的人神之約：排灣族五年祭》，2018年，濕版攝影、基底材料鋁板，30公分 × 36.4公分。圖像由藝術家提供。   影像敘事的時代變遷   結束對過往的回顧，此處主題擔綱承先啟後的意義，聚焦於變化的過程，將範圍限定在特定領域，反映藝術家對現代社會各個面向的深入觀察。如周慶輝《應許之地：天使星》，其作品中流露對身心障礙兒童及其家庭的生命關懷，以編導式攝影構思畫面敘事，並運用三聯屏影像重構現實與想像融合的情境，呈現個別故事，建立身心障礙者與大眾相互理解和對話的橋樑。     周慶輝，《 應許之地：天使星之一》，2023年，噴墨輸出、物件、訪談，235公分 × 308.4公分；164.6公分 × 124.6公分 × 2件。圖像由藝術家提供。     解構視覺風景   在攝影器材和影像編輯手法如此豐富的現在，藝術家對於影像的處理也漸漸跳脫現實的框架，開始探索新的視角和畫面呈現。如森山大道在作品《記錄：台灣》中以直覺快速捕捉台灣街景的風貌，透過其創作手法中代表性的高反差、粗顆粒與傾斜失焦的黑白影像構圖，反映社會變遷與文化流動的歷程。   森山大道，《記錄：台灣》，2011年、2014年，數位輸出，100公分 × 150公分。圖像由藝術家、Akio Nagasawa及亞紀畫廊提供。     從自身所承載的文化出發，可以從中剖析人們對生老病死的態度變化，以及造成影響的因素，側面觀察一個民族的時代價值重心變遷。沈昭良《台灣綜藝團》的作品中囊括全台廟會慶典、婚喪場合中特有的表演團體，將台前幕後的黑白影像與霓虹舞台車空景並置，梳理表演與習俗的交融脈絡，反映台灣特有的庶民文化和儀式感。     沈昭良，《台灣綜藝團》，2005年至2023年，藝術微噴、影片，尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。     在捕捉現實中轉瞬即逝的動態之餘，也有人嘗試以人造畫面與寫實紀錄做對照，反映抽象的概念或難以言喻的表達。如凱薩琳．歐佩《現代主義者》，透過朋友扮演的社會邊緣人，拍攝縱火行為表演，以852張靜態影像組成影片，對應燒毀的現代主義建築新聞報導圖片，呈現反烏托邦和後末日世界敘事，以此反映當今全球動盪的環境、政治與社會議題。     凱薩琳．歐佩，《現代主義者》，2017年，影片，21分44秒。圖像由藝術家、洛杉磯Regen Projects畫廊及紐約、首爾、倫敦立木畫廊提供。     從對群體的觀察回到對個體生命的探討，藝術家以人為創作的形式建構誕生、成長直至凋零的過程，摸索機械與生命的聯繫。如安娜．里德勒《晝夜曲》透過AI生成模擬夜間綻放的花朵影像，調整每一個可控因素，藉由非生物的時間流速呈現生命的韻律，開展自然與數位影像融合的感知維度。     安娜．里德勒，《晝夜曲》，2024年，GAN生成錄像影片(mp4)、自定義程式碼，22分。圖像由藝術家及柏林、科隆Nagel Draxler畫廊提供。     通過與觀看者的互動，拓寬了藝術家創作的思維，每一個關於創作的新問題，都投向一個新的創作方向，在構想作品時，預設受眾來決定作品細節也是創作必經的過程。全明遠《時空膠囊—VR攝影計畫》站在百年後的視角，回顧現今的影像紀錄，採用虛擬實境整合技術，再現台灣著名的市集、觀光地標和大型活動的紀實影像，令觀眾通過頭戴顯示器，重構日常的觀看視角，進而探索過往與想像未來。     全明遠，《時空膠囊—VR攝影計畫》，2020年，VR裝置，尺寸依場地而定。圖像由藝術家提供。     《時代劇場：當代影像的複數演繹》 地點」臺北市立美術館 3A、3B展覽室 日期」2025年3月29日至7月13日     資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

由臺灣當代文化實驗場C-LAB打造的移動式穹頂劇場「FVL DOME」，近日受邀參與「2025台積心築藝術季」，於國立清華大學台積館大草坪展開四週末、共八天的展映演出，精選九件國內外創作者的影像創作，以及兩場跨界表演，運用人工智慧、影像生成、衍生藝術與高速運算平台等科技工具，打造猶如心靈迷宮般360度迷幻視界，與觀眾一同展開感官與想像力的探索旅程。 C-LAB移動式穹頂劇場移師國立清華大學劇場，以高畫質影像系統與專業音響設備，打造沉浸式體驗。   C-LAB穹頂劇場，又名為「FVL DOME」，為全台唯一巨型戶外移動式的360度沉浸式影音體驗空間，由未來視覺實驗室和臺灣聲響實驗室合作的創新技術，經過軟硬體不斷開發進化，此次移至新竹直徑達15公尺、高9公尺的劇場，建構出總解析度達8K×8K的超高畫質沉浸式影像系統與25.4聲道環繞音場。場域內部採雙層結構設計，隱藏式配置聲光設備，打造全方位沉浸感官體驗。   吳克軍、林柏勲《第二自然》，攝影」王世邦。 《A.I. ─ Art & I》 以藝術回應科技與自我 「台積心築藝術季」邁入第22屆，今年以《A.I. ─ Art & I》為主題，試圖關注科技藝術與人文之間的關係。本次展演邀集長期投入科技藝術創作的藝術家，將原本冷峻、理性、以技術為本的科技元素，轉化為能引發感官共鳴與心理投射的藝術經驗。 莊禾《夜遊2023》，數位時代中的自然樣貌，攝影」林軒朗。 劇場中的每部作品，既是創作者與觀眾的對話場域，更是自我與世界重新對焦的沉浸之旅，透過科技藝術的沉浸體驗，重新思考「藝術與我」之間的關係，期盼打開更多人對於科技藝術以及媒介穹頂劇場的多元想像。   魏廷宇《混沌文法》，透過重組直視混沌創造重新梳理的主觀世界，攝影」林軒朗。 11件穹頂作品 共構虛實間的感官宇宙 「C-LAB FVL DOME@ 2025台積心築藝術季」與台積電文教基金會共同策劃，從歷年展演中挑選出九件穹頂影像作品與兩部現場展演節目。由吳克軍與林柏勲製作的開場影像《第二自然》，描繪一個數位時代中的自然樣貌，重新思考與自然的感知方式。 桑德琳・德米耶、米莉雅姆・布魯《異世界》，攝影」林軒朗。 桑德琳・德米耶與米莉雅姆・布魯的《異世界》建構一座模控花園，想像人類與自然重啟共生的潛在可能。莊禾的《夜遊2023》以黑白手繪動畫風格，描繪失眠與夢境交錯的超現實幻覺之旅。魏廷宇的《混沌文法》則透過自由重組與彼此挪用，直視混沌創造重新梳理主觀世界的新空間。   夢想動畫、大塊文化《植物情人》，攝影」王世邦。 夢想動畫與大塊文化合作的《植物情人》，將黃湘玲老師繪製的台灣第一本水彩古典植物繪本《植物情人》系列作品重新詮釋，讓短暫的花期成為數位時代永恆的綻放。《油井之殤：鯨落4993尺》由陳蘇楊、冼筱然與盧德昕共同創作，從2010年深水地平線事件，反思人為災難的長久影響。 吳秉聖《折疊合聲》，攝影」林軒朗。 NANONANO《Heterotopia》，攝影」陳宥駱。 吳秉聖《折疊合聲》從光的物理本質出發，轉譯為視覺與聲音交錯的三維幻象。新媒體藝術團隊XTRUX與聲音藝術家晟的《觀》，借用民間信仰中「觀落陰」儀式，提出關於虛擬現實與感官切換的提問。藝術團隊NANONANO的《Heterotopia: Dome》以數位視覺重建電子顯微影像，在微觀中展現宏觀意象。   僻室HousePeace《綠豆神遊記之魔 Dome 傳奇》，攝影」林軒朗。 兩部現場展演節目則將穹頂轉化為流動的舞台，僻室HousePeace的《綠豆神遊記之魔Dome傳奇》，透過影像及聲響穿梭於虛實之間，將現實世界變形為成人童話寓言的空間實驗。驫舞劇場蘇威嘉的《自由步：造山運動》延續2013年發起以「自由步」為題的十年編舞計畫，將舞蹈肉身結合大型異材質，舞出一場未來舞蹈的動態雕塑實驗。 驫舞劇場蘇威嘉《自由步》，攝影」林軒朗。   C-LAB FVL DOME@2025台積心築藝術季 時間」2025年4月19日至2025年6月15日 地點」國立清華大學台積館大草坪   可至ACCUPASS免費索票進場觀賞>>索票連結 相關場次報名資訊可至臺灣當代文化實驗場官方網站及社群平台查詢。   資料提圖片提供」臺灣當代文化實驗場 編輯」林靖諺

始於香港的「藝術三月」，GATE33藝文館舉辦以ASMR為主題的大型沉浸式多重感官展覽——《感官怪奇：走進ASMR的世界》。由瑞典建築與設計中心（ArkDes）、倫敦設計博物館（the Design Museum）及AIRSIDE共同策劃，探索「ASMR」這個近年盛行全球網絡的文化現象，首次於海外完整呈現博物館級展覽，邀請觀眾走入宛如大腦內部的空間，感知內心深處的迴響。     《感官怪奇：走進ASMR的世界》展場。     ASMR別稱自發性知覺神經反應，通過特定感官刺激，放大身體反應，撩撥神經的觸覺 ，深入大腦皮層，造成電流在體內竄動般的感受，讓ASMR愛好者為之著迷，以此舒緩緊繃的身心，更甚者還有可能改善睡眠和焦慮。     展覽首席策展人James Taylor-Foster。     展中一共有五大展區，觀眾將進入在佔地逾1,000平方呎的「ASMR 領域」，可見超過40件來自ASMR創作者（ASMRtist）、當代藝術家及設計師的作品，引領觀眾先從認識ASMR的起源開始，帶領觀眾回顧這一現象誕生。     南豐集團（AIRSIDE）策展人朱天韻（Daisy Chu）。     由深入淺 進入ASMR的世界   2009年，Jennifer L. Allen創造「ASMR」一詞，描述一種深層平靜與愉悅的身體感覺，展中首先通過展示Allen個人檔案，向觀眾介紹ASMR從網路留言板走向全球文化舞台的歷程。     超過一公里長的條狀靠枕構建而成的沙發，提供民眾以最舒適的姿態坐臥，體驗視覺、聽覺和觸覺三方結合的感受。     深入場內，可以看到一張超過一公里長的條狀靠枕構建而成的沙發，盤踞在空間內，那些既像腦部褶皺、又像音頻電纜的柔軟靠枕，象徵科技與人類之間的契合。這個展區是提供觀看、聆聽精心策劃的 ASMR 視聽體驗的舒適座位，結合聽覺、觸覺和視覺交織帶來的特殊互動，並以如此別出心裁的設計，博得2022年Dezeen 年度「最佳展覽設計大獎」的肯定。     港鐵、巴士及小巴場景及其獨特聲景，是香港人每日的「安睡場所」。     九十年代離世、卻被譽為「ASMR教父」的電視節目主持人畫家Bob Ross，在此也有一個展區，呈現他的三幅原創畫作，及其著名電視節目《繪畫的樂趣》的片段等，透過重現其「非刻意 ASMR」的經典魅力，向他致敬。     瑞典藝術家 Tobias Bradford的「人造舌頭動態作品」《那種感覺∕無法測度的渴求》（that feeling//immeasurable thirst）。     除了影音媒介，展覽還以實物作品探討ASMR 的另一些情緒面向，從令人放鬆到激起不安的感受，如瑞典藝術家 Tobias Bradford以一條滴著合成唾液的人造舌頭挑戰觀眾的感官極限；以及法國藝術家Marc Teyssier的作品《人工皮膚手機殼》則探討著重ASMR與設計之間的關係。     來賓可以在展覽中使用現場設備嘗試自行製作ASMR影片。     除了以上固定的展覽作品，本期巡迴展也特意保留部分空間，與在地文化相結合，成就每一場展覽的獨一無二。多件首次面世的香港主題ASMR 作品，透過聲景捕捉本地文化及日常生活的獨特氛圍，這些作品由南豐集團（AIRSIDE）策展人朱天韻聯合策劃，邀請本地藝術家簡僖進（AK Kan）及林建霖（Kin Lam）創作的全新作品，透過視聽感受展現香港獨特的文化，打造如在大眾交通運輸工具上搖晃瞌睡時、周遭的聲音情境，讓觀者沉浸式感受香港民眾每天都在經歷的日常。     串聯感官經驗 跨越現實藩籬   瑞典建築與設計中心（ArkDes）代理館長 Karin Nilsson表示：「文化空間作為探索新興且受歡迎的設計形式，進而提供更廣泛社會趨勢的洞察，這一點至關重要；本次展覽足以讓人們理解設計遠比我們最初所想的更加豐富多元。ArkDes很高興能向世界展示更具包容性和擴展性的設計形式，並對本次展覽在國際上的成功感到欣喜。」     電視節目主持人兼畫家Bob Ross的經典節目《繪畫的樂趣》（The Joy of Painting）     疫情後時代，人與人之間的交流通過網路世界，展現出前所未有的疏離和親密，展覽選擇在「超連接」（hyperconnectivity）時代把不同關係拉回現實，讓觀眾調和自身與物質和媒體世界的關係。通過機械模擬聲音和影像紀錄，觸發感官真實的放鬆或顫慄，橫跨國界、人種、年齡等種種差異，重新串聯人與人之間的共感與共情，在柔和且包容的展覽中，提供一個盡情探索自身內心與他人聯繫的空間。       《感官怪奇：走進ASMR的世界》 地點」啟德協調道2號AIRSIDE 312號舖GATE33藝文館 日期」2025年3月14日至7月13日 購票連結」https://art-mate.net/tc/doc/81349   資料及圖片提供」南豐集團（AIRSIDE） 編輯」江瑜

展覽推出成人版及兒童版導覽手冊親子共讀，兒童版導覽手冊聯手台灣新銳設計/插畫家精心製作。圖中左為兒童版導覽手冊，右為成人版導覽手冊。   20 世紀最具有代表性的女性藝術家——路易絲．布爾喬亞大型個展《剛從地獄回來，順便說一句，太精采了》（Louise Bourgeois: I have been to hell and back. And let me tell you, it was wonderful.）日前在富邦美術館揭幕，帶領觀眾沉浸於藝術家的創作世界與幽微心境。     富邦美術館館長翁美慧。   森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）。     2024 年森美術館在椿玲子與矢作學的策劃下舉辦本展，引發各地廣大迴響，2025年巡迴來台，讓台灣的藝術愛好者不必遠赴海外，即可近距離親眼見證令世界為之狂熱的巨型蜘蛛。富邦美術館館長翁美慧、森美術館（東京）館長片岡真實（Mami Kataoka）、伊斯頓基金會（The Easton Foundation）負責人同時也是布爾喬亞30年的助手傑瑞．高羅威（Jerry Gorovoy）、策展人菲利普．拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）以及文化界、藝術界領袖日前齊同為揭開展覽序幕。     伊斯頓基金會策展人菲利普．拉瑞特－史密斯（Philip Larratt-Smith）。     法國在台協會主任，龍燁（Franck Paris）。     金曲歌后張清芳為此展錄製語音導覽。     全展共有8個展間，聚焦於三大母題，精選60多件精彩作品，包含一系列裝置、雕塑、繪畫和素描等，以及珍貴的早期畫作，牆面的藝術家語錄可視為作品註解，精要梳理了藝術家的生命歷程與內心感悟。     布爾喬亞雕塑《蹲伏的蜘蛛》蓄勢待發，體現了母親的保護本能。     與跌宕對抗的自我修復之路   布爾喬亞生於巴黎，父母經營掛畫修復工作室和藝廊，父親的風流專橫、母親的憂鬱多病和掛毯縫紉充斥她的童年記憶。在她20歲時，母親的病逝改變了她原本攻讀數理的職涯規劃，轉而投向藝術世界，並在日後結識身為美國藝術史學家的丈夫，婚後移居紐約。     「第一章：不要遺棄我」，是對母性溫柔、女性角色的深切關懷。     展覽「第一章：不要遺棄我」呈現了布爾喬亞內心理解的母子關係，作品中融入她對母愛的渴望和付出母愛的嘗試。此章展出許多金屬或布藝的人型軀幹，結合柔軟身軀和冷硬的攻擊性，象徵母親的《蹲伏的蜘蛛》雕塑尤其奪目，蹲伏姿態以八個尖細的立足點撐起中間垂墜的身體，纖細肢體和扭轉緊繃的肌理，透過金屬雕塑展現肉體的爆發力。     「第二章：剛從地獄回來」講述的是創傷與韌性，展示了反映布爾喬亞深沉情感動盪的雕塑和裝置作品。     「第二章：剛從地獄回來」，更多地體現布爾喬亞處理父親帶給她與家庭的影響，在重男輕女的環境下面對母親病逝，以及與父親關係的矛盾，促使她研究精神分析。像是作品《父親的毀滅》，即是透過裝置投射，在幽暗的展間呈現虛幻的血紅影像，這件抽象雕塑作品既飽含暴力，同時又流露出血肉模糊的親密。     《蜘蛛》（1997年）是布爾喬亞唯一一件結合「牢籠」的蜘蛛雕塑，牢籠中放置著掛毯、嬌蘭「SHALIMAR一千零一夜」香水瓶等喚起藝術家回憶的個人物品。     從展區一循序至展區二、三，靜靜引導來賓的腳步逐漸深入布爾喬亞的內心世界。「第三章：天空的修復」的展間並不止於一樓，而是拓展至兩層，貼合取材自作品《天空的修復》所訂下的主題，不同於前兩個展區多採用肉色或紅色，「第三章：天空的修復」以清新的藍色為主調，配合明亮採光與由下而上的動線，宛如絕處逢生。《天空的修復》以一塊金屬板呈現，石灰色表面上，大大小小的傷口帶著縫合的痕跡，內裡透出柔和的天空藍，彷彿以藝術作為針線，修復心口風乾的痂。     展出作品包含一系列布爾喬亞早期繪畫與雕塑。 「第三章：天空的修復」，象徵重生與希望，逐漸從痛苦和矛盾的狀態，過渡到平靜與智慧的境界。她的《修剪造型 IV》（圖中左方作品）從身體蔓延出璀璨果實，而《雲與洞窟》（圖中右方作品）似乎提出兩種療傷方案，既可安身於洞窟中，也能仰望遼闊的天空，懷抱對未來的希望。     化創傷為藝術動力   路易絲．布爾喬亞以冷靜而尖銳的目光，內觀自己的角色定位、身分認同和身心狀態，並誠實付諸於創作，其作品自個體角度喚起群體的情感共鳴，與其說她是站在一個女性主義者的角度創作，不如說是人們為了從她廣袤的心靈世界中尋找一個切入點，進行系統性的歸納和理解，透過其作品的共通點：女性，來定義她70年來的藝術積累。     布爾喬亞雕塑《歇斯底里之拱》。© The Easton Foundation/Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.     橫跨20世紀，歷經母親的病逝、父親對家庭的背叛，以及從故鄉出走、於他鄉重建家庭和自我，98歲的布爾喬亞將一生無法和解的創傷、憤怒，都化為創作動能，用藝術尋求內心的平衡與對外溝通的窗口，直至生命燃盡前依然創作不輟。《剛從地獄回來，順便說一句，太精采了》層層引導觀眾回顧布爾喬亞不同的人生階段與藝術創作，見證藝術家解剖自我、與傷痕共生，情感與堅毅的旅程。     布爾喬亞雕塑《情侶》。© The Easton Foundation/Licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.     「不要溫和地走進那個良夜， 老年應當在日暮時燃燒咆哮； 怒斥，怒斥光明的消逝。」 節自狄蘭．托馬斯《不要溫和地走進那個良夜》。     資料及圖片提供」富邦美術館 撰文」江瑜

2021年首度舉行的香港室內設計周，是由香港室內設計協會（HKIDA）主辦的設計界年度矚目盛事，透過展出香港知名室內設計師的作品，以及一系列參觀及研討活動，打造一個國際平台連結優秀的設計從業者，企圖替產業創造更多機遇。2025年第三屆香港室內設計周規劃於香港及義大利兩地舉行，呈現內容包括展覽、設計論壇等一系列多元化活動，旨在彰顯香港室內設計行業的卓越發展。   跨界合作 探索香港 其中，重點活動之一即為「Urban Reflection展覽」，這是一項跨領域的突破性合作，匯集了十位香港知名的室內設計師和家具製造商，他們攜手創造多件獨特的設計作品，涵蓋家具及燈飾。此計畫探索了香港城市景觀的深刻意義，在高密度生活和高聳摩天大樓中，光與影交織出多重面向的互動，這種動態不僅反映了城市的蓬勃活力，更突顯繁忙都市跟周遭環境之間錯縱複雜的關係。 Stoneflow Sofa。設計」Bean Buro、製造」達藝傢具有限公司。 柔竹燈Benboo。設計」Studio RYTE、製造」嘉立燈飾有限公司。   部分作品的設計理念融入了中西文化元素，結合竹子、傳統紙扇等東方獨有特色，彰顯了傳統工藝與現代設計的完美結合，展現文化底蘊與創新概念交融的新頁。另外，亦有部分作品除了講求形式和功能外，同時更體現可持續發展的原則，採用再生紗線及香港標誌性電車的再生玻璃等材料，傳達設計者對於環境保護跟資源價值的關注，詮釋了設計與生態之間的和諧，也對外宣揚了香港豐沛的創意及製造專長。 乙巳Yi Si。設計」一持工作室、製造」radd。   Egg-citing。設計」PAL Design Group、製造」西德寶富麗(遠東)有限公司。 Urban Reflection展覽將於2025年4月7日至13日，於義大利米蘭的LOFT @ Superstudio Più首度亮相；隨後也將於2025年6月19日至22日移師香港西九文化區，讓更多觀者有機會參與這場非凡的設計盛會。 O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK。設計」林子康設計有限公司、製造」廿一由八。   時代椅子Aeon Chair。設計」Gud Gud Studio、製造」弦制作(國際)有限公司。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」陳映蓁

適逢威廉．透納250周年誕辰，英國泰德美術館發起「Turner 250」一系列的紀念活動，在這當中，史上最大規模的威廉・透納全球巡迴展覽「威廉．透納特展：崇高的迴響」備受矚目，繼摩納哥、上海之後，將在2025年6月於台灣登陸。     藍色瑞吉山之日出（The Blue Rigi, Sunrise）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1842。     素有「光之畫家」美名的約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner，1775-1851），憑藉對大自然的細膩觀察和大膽筆觸，生動捕捉大氣動態，他創新的筆法和著眼點，在18世紀以人物寫實為重心的畫壇掀起審美革命，重新定義了何謂「風景畫」，其影響力不僅讓他一躍成為新版20英鎊紙鈔上的封面人物，也啟發無數後世的印象畫派大師。     英國泰德美術館。     泰德美術館由亨利．泰德（Henry Tate）爵士創立，早年朝國家藝廊的方向發展，至今在英國已有四座美術館的規模。如今最具代表性的泰德現代美術館，內蘊威廉．透納臨終捐贈的數百件油畫、上萬件水彩及素描作品，更是世人矚目的焦點。     懸崖上的城堡廢墟風景畫（Landscape Composition with a Ruined Castle on a Cliff）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1792–3。     本展將帶來80件透納的真跡畫作，打破年代界線的主題式策展，列出7大展區：英國風景、阿爾卑斯山、歷史故事、威尼斯、海上風暴、海天之間、崇高美學，完整呈現透納的藝術生涯。除此之外，為了凸顯透納的劃時代，泰德美術館另精選近30件當代藝術家作品加入展出，全方位打造前所未有的威廉．透納特展。     「好棒啊！厄瑞波斯號捕鯨船！又一條魚！」（Hurrah! for the Whaler Erebus! Another Fish!）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1846。     重塑當代「高雅藝術」的認知   透納的父親是一位理髮師，幼時妹妹不幸早逝，母親深受打擊，因而被送往精神病院接受治療，家中經濟不堪重負，只好將年幼的透納交給舅舅撫養。投入創作的他曾受聘為多位建築師創作建築研究圖，爾後又與一位專業的地形製圖師合作，這些經歷為他早期的創作中增添不少精緻的建築主題。     三個海景（Three Seascapes）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1827。     擅長水彩和油畫的透納，由於四處旅居，喜愛描繪各地風景，他身處的18世紀社會主流推崇栩栩如生的精細筆法、描摹神話或聖經故事，且視水彩畫為粗淺的習作媒材，地位遠不如油畫。然而透納將水彩的透明疊色法和速寫性運筆融入油畫創作，運用創新的繪畫技巧、結合古典構圖，將當代審美取向融入自己的獨特表達，自技法和選材方面多方突破當代畫壇的限制。     布魯嫩，從琉森湖的視角：樣本研究畫（Brunnen, from the Lake of Lucerne Sample Study）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1843-5。     以英國的自然風貌為起點、到阿爾卑斯山的壯麗景色，而後漫遊海外，透過變幻莫測的風景隱喻他的情感表達和關注視角，即便是以景物為主體，他的畫作依然流露驚心動魄的戲劇性。     阿波羅和達芙妮的故事（Story of Apollo and Daphne）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1837。     掌控大自然的脈搏   透過在皇家藝術學院積累的履歷，透納的地位逐年穩固，也漸漸脫離古典風景畫的精細刻劃，轉向強調主觀感受與自然氛圍、大氣光影和自然崇高感的呈現，在這些作品中，海景約佔一半以上，包括捕鯨船、漁船、沉船和戰爭等等主題，描繪海洋的危險，以及人類在大自然面前的渺小無力。     威尼斯-安康聖母大教堂（Venice - Maria della Salute）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1844。     晚年的透納跳脫物件具體形象的框架，著眼更加宏觀的角度，探索空氣、光、速度等超越視覺的存在，並嘗試在平面的畫作中復刻這些抽象的質感。後世的藝術評論家約翰·拉斯金（John Ruskin，1819-1900）表示，他以前所未有的方式「逼真地掌握自然的脈搏」，這些體現透納晚期風格的作品，也為他贏得現代繪畫先知的美譽。 展中最受矚目的展品之一《藍色瑞吉山．日出》，便是他觀察一天的瑞吉山後，根據不同時段的觀察，畫下紅黑藍三幅系列作的其中之一，珍貴的不僅是畫作本身，為了加強保護珍貴展間，館方將減少畫作被光線照射的時間，因此會安排畫作「休眠」的時間，通常會間隔數年或至十數年再作展出，是以務必把握本展展出時間，體會透納的藝術之美。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」展覽。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」 時間」2025年6月27日至2025年10月02日 地點」中正紀念堂一、二展廳   資料及圖片提供」聯合數位文創、泰德美術館 編輯」江瑜