鄰近台灣的日本，旺盛的設計力以及充滿辨識度的美學，在在展現了日本對於文化、藝術、工藝等方面的堅強實力，成為風靡世界的設計強國。我們亦可從金點設計展中一窺日本設計者嚴謹精湛且與時俱進的精彩作品。   TERRAIN architects｜Kashimada Nursery 此作為位於東京的托兒所，以適合孩子體型與活動需求的八疊榻榻米空間為單位，圍繞中央柱子形成風車狀布局，並共享一個百寶箱般的空間，存放文具和書籍。兩棟風車形建築相互獨立，承重牆將室內外、花園和步道無縫連接，透過結構元素引導孩子探索互動。   Masatoyo Ogasawara Architects｜Redefining Public Restroom in the Park 重新改造羽田機場旁的公園公廁，讓公共廁所變得更具親和力和包容性，打破負面刻板印象，同時兼具功能性和美學。設計上則融合傳統與現代元素，使用日本檜木和燒杉木，增加美感與耐用性；廁所外面設有長椅與觀景台，提供可放鬆享受周遭美景的環境。   TBWAHAKUHODO Inc., quantum Inc.｜SHELLMET 《SHELLMET》是由100%北海道當地廢棄扇貝殼製成的安全帽。外型採用仿生設計，模擬扇貝外殼結構，達到高強度與耐用性，製程上與一般塑膠安全帽相比更減少了36%的二氧化碳排放；使用後的SHELLMET可回收再製，促成更永續的資源運用。   Chi Design｜Chiritori X Houki 2.0 《Chiritori X Houki 2.0》將逐漸消失的傳統工藝，依當代美學重新設計，融入現代生活空間。掃帚由職人手工製作，採用環保材料，具清潔與減少起毛功能；畚箕則利用家具廢木料再加工，設計簡潔、符合人體工學，展現傳統工藝與現代設計的融合，傳遞手作溫度與細膩。   TETUSIN DESIGN｜Organic Fertilizer "YAKUZEN" and Compost System Local Production for Local Consumption 《YakuZen》是結合大學生物技術與天然材料的有機肥料，應用東方醫學原理於土壤改良。以地方生產與消費堆肥系統，將區域廢棄物轉化為高效且安全的肥料，提升土壤品質；此系統以當地資源生產肥料，實現廢棄物管理、土壤再生和食品安全的目標，並獲得有機JAS認證。   AISIN CORPORATION｜YYSystem 這是一款為聽障人士開發的語音與聲音視覺化應用程式，藉由專屬演算法幫助使用者精準溝通。具備即時轉錄、降噪處理和使用者字典功能，提升溝通順暢度；介面設計直覺，並包含聲音圖示等功能，有助於聽障人士主動參與社交，享受更安全、安心的生活。   sankaku｜sankaku Volume 2: Ramen sankaku是一份來自日本的獨立印刷刊物，聚焦手工藝與職人，第二期以「拉麵」為主題，採用真空封裝的速食麵，作為書封一部分。封面設計將日常食材置於不尋常的情境，將這本書轉化為一件藝術品，挑戰讀者對書籍的認知，也探索書籍設計的更多可能性。     資料及圖片提供」台灣設計研究院 撰文」陳映蓁

台北當代藝術館於MoCA Studio推出「指劍之舞─蕭言中創作40周年經典作品展」，由策展人黃志偉策劃，展出台灣漫畫藝術家蕭言中40年來的重要作品，從早期膾炙人口的單幅漫畫《童話短路》，再到近年開創的「指劍畫派」，全面展現其以幽默詼諧風格塑造出的獨特藝術世界。   單幅漫畫《童話短路》以詼諧的幽默風格展現漫畫藝術。 「漫畫」兼具敘事性與視覺藝術特質，以其普及性與強大的文化傳播力，成為反映時代與社會現象的重要媒介。蕭言中自創作以來，一直秉持單篇形式，歷經30年的創作旅程，放下慣用的沾水筆，改用平板以手指創作出筆觸洗練、氣韻悠長的作品，從令人會心一笑的漫畫情節，到充滿情感的動物形象及突破自我的人物作品，以化繁為簡的線條力道，展現他「簡單」、「深刻」的人生哲學。   「指劍畫派」以俐落的線條筆觸呈現獨特的藝術視角。 蕭言中以純粹、簡練的線條表現出各種圖像，其創作不僅是技法的創新，更是個人哲學的展現，利用敏銳觀察力和創意力製造許多歡樂，讓5、6年級生重回往日時光，感受藝術家特有的幽默因子。   幽默詮釋時代文化 蕭言中作品以輕鬆幽默、深刻洞察時代手法，描繪從日常生活到童話的多重面向，最初以《童話短路》一舉成名，並成為台灣家喻戶曉的漫畫家，後續推出《整形》、《笨賊一籮筐》等作品，更奠定了在漫畫界的傳奇地位。其中，以幽默詼諧和略帶趣味挑逗著稱的《堵住水壩的少年》，成為蕭言中單幅漫畫代表作之一。 《堵住水壩的少年》立體雕塑裝置，形塑沉浸式的二次元氛圍，深刻感受漫畫中情節。 本展精選超過85組經典名作，將原稿與出版成品並列呈現，從創作到完成的細節美感完整展現。除平面作品外，還特別展出《堵住水壩的少年》立體雕塑裝置，邀請人們穿越二次元界限，更加深刻享受漫畫中的趣味情節。   《可愛系列》展區以簡單線條描繪輪廓，表現可愛趣味的藝術面向。 化繁為簡 線條變革與藝術升華 「線條」對蕭言中而言，是他創作生涯40年中最為關注和重視的造型元素。2017年，蕭言中創立「指劍畫派」，迎來生涯重要轉折。藉由將傳統書法的精氣神與數位技術結合，用手指代筆如「指劍」般在平板上揮灑，指勢舞動生氣錯落有序。 《我思故我在》人物一氣呵成，線條簡約老練而圓潤。 《回眸鍾情》用數筆線條的流動交織中展現甜蜜。 《太極III》結合武術與禪學，盡顯隱隱發功劍氣。 透過運用簡單線條創造出《可愛系列》，生動描繪動物的喜怒哀樂，賦予可愛而充滿童趣的姿態，讓人不禁感受到純真的快樂與溫馨。   指劍之舞─蕭言中創作 40 周年經典作品展 時間」2024年12月21日至2025年2月16日 地點」台北當代藝術館 更多展覽內容請見台北當代藝術館官網。 資料及圖片提供」台北當代藝術館 編輯」林靖諺

國立臺北教育大學北師美術館推出眾所矚目的年度展覽「草間彌生的『軌跡』與『奇跡』——W Collection & More 1951-2005」，由林曼麗名譽教授擔任總策劃，本展重現草間彌生與台灣接觸的原點，特別重製1998年台北雙年展現地裝置作品《圓點的強迫妄想》，並聚焦1951年至2005年間其百轉千迴的藝術創作生涯。 北師美術館推出草間彌生個展。   除了公眾所熟知的圓點、無限的網等標誌元素，本次亦展出較少曝光之1960年代行為錄像作品、草間彌生設計繪製的服飾、1970年代的拼貼創作，以及1980至90年代的巨型裝置作品。除重製《圓點的強迫妄想》，其餘作品皆為首次在台展出，透過四個子題：「草間的綻放」、「圓點・原點」、「草間的蟄伏」、「Love Foever」，ˇ出近70組／件精選作品，涵蓋繪畫、拼貼、軟雕塑、大型裝置、行為展演錄像、服裝等多種創作形式。   圓點幻境經典重現 此次展覽從草間彌生1998年創作台北雙年展創作巨型現地裝置的《圓點的強迫妄想》大型氣球裝置開啟序幕，當時她受昔時臺北市立美術館館長林曼麗及策展人南條史生之邀，以七個帶有黑色圓點的螢光粉紅氣球佈滿北美館中庭，是草間彌生以 巨大雕塑與公共空間對話的重要節點，該次展覽亦開啟這位風靡全球的藝術家與台灣的頻繁交流，展後該作即獲北美館典藏。 二樓展場照。裝置作品《圓點的強迫妄想》。 此次北師美術館與草間彌生工作室緊密合作，透過北美館典藏的作品草圖、裁片設計稿、皮料樣本及模型等檔案文件，草間彌生工作室跨海監製，結合日本工法和台灣在地技術，26年後重製原尺寸的七顆螢光粉紅黑點氣球，重現於北師美術館的挑高展廳中。6公尺高的玻璃帷幕如同渾然天成的鏡屋，觀眾可穿行於氣球之間，鏡射的氣球與空間中的實體氣球相互映射，創造出迷離失重的身體感受。 二樓展場照。 二樓展場照。裝置作品《幻影的彼方》。   《圓點的強迫妄想》創作的1990年代，是草間彌生1973年自美國返日後，重回國際觀眾視野，而後大放異彩的關鍵時期，是謂「草間的綻放」；展覽從「綻放」開始，再倒敘回到草間彌生創作的萌發時期「圓點・原點」，從20多歲的作品《點》和《自畫像》一探她早期的圓點樣貌、對自我形象的探討和塑造，以及初至美國藝壇闖蕩時所繪的《海底》，已然可見「無限的網」系列作品雛型。 草間彌生，《點》-1，1951，42.7 × 30.2 cm，墨水、紙。©草間彌生 隨後草間彌生經歷了至親離世、返回日本卻不受原生社會接納肯定的生命歷程，是為「草間的蟄伏」；最後來到地下室的「Love Foever」，回看1960年代草間彌生於紐約時期的「乍現」行為錄像、伴隨演出而設計繪製的服飾，以及早期的環境裝置《驅迫意象》。 三樓展場照。《春之祭典》。  地下一樓展場照。 總策劃林曼麗期許本展能讓觀眾看到不一樣的草間彌生，見證藝術家創作中複雜且多元、深具原創性與突破性的豐沛能量，藉由這些難得一見的作品，親炙其內裡的精神性。草間彌生傳奇的藝術生涯起始於日本，在美國汲取前衛藝術浪潮的養分、實踐其對藝術的大膽想望，同時也是一位勇於挑戰社會體制、忠於自我的藝術先鋒，以其鮮明獨特的藝術魅力橫掃全球。展覽關照草間彌生生命經驗與藝術語彙的錯綜交織，深入其創作實踐的發展「軌跡」，在探問藝術家何以持續開創嶄新可能的同時，也期待與觀眾一起擁抱藝術與生命的「奇跡」。   草間彌生的「軌跡」與「奇跡」——W Collection & More 1951-2005 展期」2024年12月21日至2025年5月4日 地點」北師美術館   資料及圖片提供」北師美術館 編輯」陳映蓁

Bluerider ART 台北．敦仁於近期推出代理藝術家「蘇珊・庫恩：烏龜出任務」（Susanne Kühn: Turtle Quest）最新個展，展出近期精選新作：《烏龜出任務》（Turtle Quest），藉電腦遊戲以此探討生成、虛擬與真實之間的閾值，以及藝術能為人工智慧教學所帶來的貢獻。   Smoking underwater , 2024, 200.5x120cm。 《在水中抽菸》（Smoking Underwater）將自家種植的蘭花以擬人化呈現，透過描繪水中環境的滋養與危險、吞雲吐霧的自在與健康隱憂，表現生活中的各種矛盾。 右二：Observed, 2024, 100.5 x 70.5cm；右一：Cut, 2024, 80 x 71cm。   此次新作中特別以柔和的粉蠟筆色調，營造可愛卻讓人不自在的人造世界，如《浮華世界》（Vanity）的芭比家具與孔雀肖像畫，隱喻了人造世界的虛榮與膚淺；《觀察》（Observed）畫面中的建築結構，取材自文藝復興時期畫作，卻染上了人造玩具的粉紫色調，與背景中的日本卡通角色相映成趣，構築有趣而瘋狂的世界。《切割》（Cut）則提供觀者娃娃屋般粉色建築的窺探視角。   現實與抽象 蘇珊．庫恩的風格是現實主義、超現實主義和抽象的獨特融合，具有鮮明對比和層次豐富的構圖，庫恩色彩豐富飽和，充滿了生機勃勃的色調，為她的場景增添了一種繁茂、近乎夢幻氛圍。其作品深受繪畫史影響，從不同藝術運動中借鑒技法、主題和美學感知，並在當代語境中進行重新詮釋。   將風景與靜物元素，融入抽象概念，描畫超現實風格畫作。 藝術家從經典風景畫和靜物傳統中汲取元素，並融入其標誌性超現實和抽象風格，採用文藝復興時期的透視和空間構圖手法，透過深度和層次感引導觀眾，在空間、氛圍與光的層次上讓現實產生幻覺。 Palette- Palette Konrad Witz, 2022, 250x190cm。   其中，大型植物形象令人聯想到歷史靜物畫中的植物細節，但又突破其傳統邊界，象徵自然在城市化世界中的韌性。藝術家對建築元素和幾何形式的使用，反映了現代主義畫家及包浩斯運動的影響，同時將剛硬的形式與流暢的自然線條結合，營造出一種既熟悉又煥然一新的和諧視感。   Pansy underwater, 250x200cm, 2023​。 超乎想像的邏輯跳躍 庫恩作品充滿了微妙且帶有諷刺意味的幽默，溫柔地挑戰觀眾的認知與期待，體現在對比例和並置關係的巧妙處理上，誇大的植物形態和超現實景觀，與精確而幾乎僵硬的建築元素形成詼諧對比，對自然和人工元素的誇張融合， 暗示了人類試圖與自然共存的努力，帶來荒誕而意想不到的結果。 Flash Sketch 7, 2020,  framed  54 x 44 cm。 此外幽默感亦表現不合邏輯的元素，創造出一種怪誕、夢幻的質感，物體似乎「長」在彼此上或出現在意料之外之處，為作品增添了輕鬆氛圍，柔化了其中的哲學意味。   將處在不同時空的事物和諧相融，使多樣元素相互對話，形塑多面向的藝術視角。 本展將超現實、各種時空及領域的文化符碼相互交織拼貼，呼應文藝復興時期概念，窗框提供了敘述景觀視角。在繪畫敘述，創造一個豐沛生命力的複合體，融合當代網絡世界，與觀者在過去、現在與未來進行對話，透過輕鬆而微妙的幽默，為作品增添了概念深度，在哲學沉思及視覺享受間達到平衡。這種多層次方式使作品既具視覺吸引力，又富有思想性，多面向與觀眾產生共鳴。   蘇珊・庫恩：烏龜出任務 時間」2024年11月23日至2025年1月23日 地點」Bluerider ART 台北．敦仁   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

2024年臺北美術獎於於11月13日（三）於北美館舉行頒獎典禮，10組作品於342件徵件中脫穎而出，最終由邱子晏以作品《曼德拉記憶》獲得首獎。   評審團由館內外委員組成，分別為胡永芬（主席）、徐文瑞、姚瑞中、游崴、蔡明君、簡正怡、余思穎。5組優選獎得主包括何彥諺、林彥翔、梁廷毓、張哲榕、謝佳瑜，4組入選獎得主則分別為阮柏遠、林哲志、張辰申、張靜雯（以上皆依筆畫排序）。   臺北市政府副市長林奕華特別出席頒獎典禮，於現場表示，「臺北美術獎是自1983年以來就不曾間斷的盛事，隨城市與社會發展以及時代精神的變化，評審機制為了更精準的表達與反映當代藝術界現況與精神，經歷多次革新。『臺北美術獎』不僅是一個獎項，更令人期待藉頒獎結束，所有獲獎的優秀作品展出。」   臺北美術館承諾竭盡全力協助藝術家，讓入選作品在現場達成最完整且專業的呈現，作為一個立意成為當代最具有指標性和前瞻性的獎項，館方在展示過程中給予藝術家最大限度的自由和發揮空間，令其得以無所顧忌地揮灑創作的生命力。 臺北市政府副市長林奕華（右二）、北美館王俊傑館長（右一）、評審團委員（左一至左四）及「2024臺北美術獎」參展藝術家合影。   評審團代表胡永芬提出評審過程對作品的觀察和感受，通過藝術家強烈且鮮明的個人特色，可以看到多元化的形式和議題，包括對個人內在的私密的情感、對於時代、社會公義、公平正義、對於歷史、民族、記憶，等等，甚至還有太空殖民等等，包羅萬象的探討與思路，反映當代藝術家對現代環境的理解。   儘管此次獲獎的藝術家都相當年輕，她卻肯定創作中已然展現出老練手法，包括考現、田調、裝置錄像、後設劇場等等各式各樣的呈現，都可以看到嫻熟表達議題的思考脈絡，以及明顯以大量的影像流動作為敘事主軸的表達。   從投件與獲選作品展現的姿態，不難發覺「臺北美術獎」在業界生態中已形塑出獨有的風格：更多計劃性、議題性的作品向此聚攏競逐，越發明確自身在台灣眾多獎項中脫穎而出的定位，為眾多年輕且野心勃勃的藝術家提供具獨特性且富有時代精神的發聲平台，進而促進藝術生態開展多元向度。     首獎 邱子晏《曼德拉記憶》     邱子晏《曼德拉記憶》，2023，4K雙頻道彩色有聲錄像，12分，影像截圖由藝術家提供。   「曼德拉效應」，意為一種與事實紀錄有所出入的集體性記憶。   藝術家以自身對歷史性的匱乏、延伸探問同輩對於臺灣戒嚴時期的印象，連結鄭添文老先生為自己紀錄的生命史，根據其聲稱與其兄為1947年臺北私菸查緝事件的現場見證記憶，對照黃榮燦先生的版畫作品：《恐怖的檢查－臺灣二二八事件》交織呈現。   通過影像拍攝和鏡向反射、不同影像語言和敘事結構，藉由影像將人帶入歷史，再通過劇場式燈光與效果音，將人拉回現實，重構歷史檔案與個人記憶間的碎片畫面，邀請觀眾一同進入歷史事件的辯證和相互註解。     優選獎 何彥諺《睡眠大廈》     何彥諺《睡眠大廈》之〈容器〉，2023-2024，錄像，7分35秒，影像截圖由藝術家提供。   靈感源於香港小說家西西的《美麗大廈》，透過一群人，組成對他們居住的公寓印象，再藉由這棟公寓，投射整座城市的縮影。藉由描述實際的人的生活細節，與彼此互動，共組一個集體的印象，從中捕捉個體與群體之間的聯繫，探討現代社會中集體潛意識的形塑過程。   藝術家提出「以人體腦波解讀潮汐規律」的假設，透過人體的細微知覺，串聯大眾的共性。作品取材自人腦進入到深沉睡眠中時的波形圖與基隆海港潮位的波形圖，本應是完全不同領域的知識，藝術家卻取其波幅驚人相似的巧合現象，作為個人意識和社會關係的隱喻。   優選獎 林彥翔《迫降》     林彥翔《迫降》之〈起降第三跑道〉，2024，單頻道錄像4K ultra HD，50分，影像截圖由藝術家提供。   本作立意為回應桃園航空城的都市開發，因自身住家鄰近徵收區段，對於居民生活與地景變遷的影響有深刻體會，透過與居民的交流和長期拍攝，紀錄整個遷居的過程，重新撿拾與拼湊土地的共感記憶。   對於現代化生活的追求，少部分人的生活慣性不可能抵擋整個時代進步的趨勢，為了鋪平一條供給飛機使用的跑道，究竟掩埋了什麼樣的過去？藝術家不對現狀作質問與控訴，只是打撈起這些不會留下歷史紀錄、被時間一筆帶過的人事物，在展場搭建破碎的城牆，重現當時的片段日常，細數每一塊碎片的來歷，留待觀者自行評述所見所聞。   優選獎 梁廷毓《斷頭河計畫（2019-2023）》     梁廷毓《斷頭河計畫（2019-2023）》之〈無頭屍史〉，2023，雙頻道錄像裝置，27分35秒，影像截圖由藝術家提供。   自2017年開始延續迄今的「斷頭河計畫」，藝術家從自己客家血緣的家鄉為中心，嘗試深入探索淺山一帶、原漢混雜歷史情境下的衝突，因「獵首」而生的無頭鬼魅為引，與山川地理因素，透過耆老口述、文獻考據，或問卦於泛靈神祇，通過學術式的嚴謹，建立「研究型創作」的框架。   以此為基礎，編織土地、自然、族群衝突與鬼魂想像為中心的知識總論：「斷頭河宇宙」，從中分野出不同子題，在縝密的研究架構之下發展學術書寫與藝文論述的創作分支。   優選獎 張哲榕《父親的有機收藏：天地為棟宇，屋室為㡓衣，諸君何為入我㡓中？》     張哲榕《父親的有機收藏：天地為棟宇，屋室為㡓衣，諸君何為入我㡓中？》之〈片羽即光：天台父親、書店父親〉，2023，單頻道錄像，2分4秒，影像截圖由藝術家提供。   以父親經營的二手書店鋪陳整個作品的底色，書架與書籍堆疊、架構不同空間的呈現，輔以攝影及即興饒舌創作，藝術家收集經營舊書攤父親的囤積行為、以創作進行自我治癒的過程，以及舊街區的回憶與口述歷史等等片段，編輯整理成像。   過程中除修復與父親的關係，也追溯自身、父親和祖父的生命史，因疾病導致思維能力的衰敗，讓藝術家更迫切的記錄每個生活的細節，通過影像、通過文字，保留這些逐漸消逝的生命故事，以書店、自宅，不同建築空間為媒介，盛裝自己與他人的互動，進而延展在地的群體記憶。     優選獎 謝佳瑜《露露藝品社》     謝佳瑜《露露藝品社》之〈露露藝品〉，2024，單頻道錄像（彩色、有聲），11分2秒，影像截圖由藝術家提供。   以一隻偶然得到的陶瓷小狗為起點，開啟藝術家踏入臺灣代工產業史的追溯，企圖在這些無法追溯原型的陶瓷玩偶中，挖掘物件所透露出當時的價值觀點。曾經蓬勃發展的外銷陶瓷，隨著時代需求變遷曇花一現，細數這些工藝品的特點，反映人們對寵物的期待、乃至人們對美滿生活的憧憬。   通過燒製這些工藝品，與延伸至造的周邊，可以看到許多圖冊明確指導人們如何朝「幸福家庭」邁進，藝術家以幽默闡述一段無法被驗證的時代想像，從抽象角度還原被遺棄在歷史文獻之外的大眾美夢。     2024臺北美術獎 Taipei Art Awards 2024 時間」2024年11月14日至2025年3月2日 地點」臺北市立美術館3A、3B展覽室     資料及圖片提供」臺北市立美術館、各藝術家 編輯」江瑜

台南綉溪安平飯店攜手日本當代藝術藝廊JILL D’ART GALLERY推出駐館創作計畫，計畫靈感源自日本當代著名詩人谷川俊太郎（Tanikawa Shuntaro）的詩詞作品《早晨的接力》，以早晨為主題，邀請不同藝術家接力駐館創作，透過他們獨特的視野與創作風格，與環境對話，捕捉流轉於早晨時光的生命力，呈現安平之美。   2024年12月24日前，《早晨的接力》由擅長詮釋自然之美的加藤ノブヤ（Nobuya Kato）擔任首位駐館藝術家，透過水彩畫結合複合媒材進行創作，細膩呈現其眼前不斷更替，自然綻放的世界。作品亦將成為飯店的收藏，為各個空間賦予生動的藝術生命。 藝術家在綉溪安平的頂樓室外觀景台進行創作，天空的漸變和分形圖案會在鏡子上反射和重複，模糊自然與作品的邊界。   以創作演繹藝術家眼中的安平早晨 綉溪安平坐落於台南市安平區，建築外觀致敬安平古堡，空間設計由安平在地設計師曾輝榮、許瑞燕操刀，融入在地特色並結合歐洲前衛品牌的家具家飾，營造傳統又現代的視覺衝擊。 台南綉溪安平飯店外觀。   此次與JILL D’ART GALLERY合作《早晨的接力》駐館創作計畫，描繪早晨時間隨著經度，在地球上不同國家流轉的過程，希望將安平古今之美接軌國際，進一步豐厚飯店的藝術氣息。 由擅長詮釋自然之美的加藤ノブヤ（Nobuya Kato）擔任首位駐館藝術家，透過水彩畫結合複合媒材進行創作。   藝廊旗下的藝術家加藤ノブヤ，1986年出生於岐阜縣，畢業於日本聲譽卓著的「金澤藝術大學」，擅長詮釋自然之美的他，在駐館期間於可遠眺安平美景的頂樓空間「綉溪之眼」進行創作。 以「FRACTAL分形」為概念，將相同的元素重複組成，藉由不同大小的筆觸營造出漸層效果，勾勒藝術家眼中《朦朧的早晨》。 透過水彩畫結合複合媒材，以「FRACTAL分形」為概念，將相同的元素重複組成，藉由不同大小的筆觸營造出漸層效果，勾勒他眼中《朦朧的早晨》。為了將隨時間變化的空間色彩融入作品中，天空的漸變和分形圖案會在鏡子上反射和重複，模糊了自然與作品之間的邊界。 作品在頂樓的星空露台上與天空互相照耀閃爍。 藝術家表示：「在創作作品時，我會融入當地的環境與氛圍，我認為生活的感受將會體現於作品中，希望觀者能找到他們心目中最佳的觀賞時刻，並享受自己與作品間的互動。」 如何將空間擴展的體驗轉化為壁掛藝術是一大挑戰。   展覽期間飯店住客可不限時段無限參觀，亦首度開放非住客報名參與限定活動，詳情可洽綉溪安平飯店官網。   如何將空間擴展的體驗轉化為壁掛藝術是一大挑戰。 資料及圖片提供」綉溪安平飯店 編輯」陳映蓁

自二十世紀以來，展覽演變成展示藝術品的核心場域，對空間的強烈意識，也成為書法家創作的重要特質。展名「當巨浪襲來」由此而來，不僅是空間之巨，也是視線之巨，探討藝術家如何以書法創作回應高聳白牆，展現來自不同文化背景的觀看視角。本次邀請卜玆、李茂成、和田浩志、於同生等四位藝術家參展，以尺幅、書體、風格、內容、字數、色彩、材質等變化，為傳統書法譜出新意，折射出當代書法藝術的萬千面貌。   展間純粹白淨的背牆，將每幅書法作品完美烘托，令人賞心悅目。 一則縮影：從文人書齋到藝術家工作室 卜玆以猶如「車手掣彎、戰機劃空」的速度振筆疾書，筆法兼容唐代、晚明草書及清代篆書，成就別樹一幟的自我狂草書風。卜玆於1980年代屢獲獎賽肯定，而後矢志成為專職書法家。他數度搬遷創作空間，從空軍眷舍、三合院到挑高的工業區，作品與之相輔相成。   卜玆，《悠悠盡日閑》2010-2011，水墨／紙本。 本次展出7件作品，其中2000年的《金剛般若波羅蜜經》，以每字不到0.2平方公分的小楷寫就，反映書寫時戒慎修持的心神。後期的《風》則典出明人徐渭詩，全幅採濃重飽滿的大字狂草書成，行筆每二到三字即重新沾墨，維持由漲墨至濕筆的節奏，宛如大風陣陣吹拂，令人遙想風起雲湧的意象。蘇軾云：「大字難於結密而無間，小字難於寬綽而有餘」，卜玆大字密實如織錦，小字則疏朗若浮雲，以從容不迫的自信回應經典難題。   卜玆利用小楷將每字行距控制在0.2平方公分以內，感受藝術家凝神靜氣的心緒。 兩畝方田：從唐人詩句到宋畫名蹟 李茂成受到清代崇碑風氣影響，將隸書和魏碑的渾厚融入草書創作，著重於對生命的探索。《星垂平野闊》取自杜甫詩句，全幅用筆圓轉且不露鋒芒，結構多做扁方，單字濃淡對比鮮明，由濕到乾、由快入慢，周而復始，猶如在沙灘上作字，起始為浪所浸潤，隨著退潮消散，又在浪起後重獲新生。   （左）《星垂平野闊》，（右）《谿山行旅》，在臨摹古人詩作，將探索生命的精神融入作品，引人入勝。 《谿山行旅》取自台北故宮所藏北宋范寬名畫，李茂成在青年時期曾臨摹此作，畫風亦為之影響。近年興之所至，揮就「谿山行旅」四字，「谿」、「行」二字拖長且連綿的用筆，狀如瀑布及林道，引領觀者進入心中丘壑，產生可行、可游的想像。   三維線條：以線質召喚生命 和田浩志生於日本福岡，在京都成長，自五歲開始習書。受到日本書法先鋒井上有一等人影響，近年致力於少字數創作。有別於墨象派前衛書家，和田浩志保留了文字的可識性，並期盼以充滿力量的線條觸動人心。   和田浩志，《乃_14》2023，水墨／紙本。 本展精選12件單一字數作品，所書內容多源於自然萬象，反應出和田浩志的人生觀，以及立足於日本經典文化，對生命的思考與期望。《夢_16》尤其特殊，在書成後，刻意揉捏紙張並重新展開，使既有線條和非預期墨痕如奇蹟般地融合，據此成為完美的藝術品。藉有意無意之間、剛柔並濟的創作手法，開啟與西方抽象藝術對話的契機。   四度空間：英文字母的漢化變形記 於同生取法魏碑的雄渾，近年來於台灣各大書法獎賽頻獲首獎。有感於日本書法圖像化的趨勢迄今已逾百年，且持續主導台灣當代書藝，於同生力求突破字義與畫面的直接關聯，將文字載體代換為英文，並保留漢字書法的用筆及線質。   於同生，《墨舞 NO.2》2024，水墨／紙本。 本次展出五件作品，其中《閃閃動人》以原作及數位微噴輸出參展，不僅透過色彩衝擊視覺，也是以當代製作版畫的觀念，回應法書複製的經典傳統。新作「墨舞」系列一反過往英譯中的思維模式，改採概念命名，作品中可見墨線曲折迴旋，字勢欹側欲穿紙面，彰顯出跳脫文字桎梏，轉而重視線條與空間共奏的意圖。   展覽空間明亮乾淨，漫步其中欣賞四位藝術家的獨特風格，在多樣創作中沉澱心緒，體會每刻安寧。 2011-2013年間卜玆沉浸在大字狂草創作之際，李茂成亦如發狂似地埋首於書法創作；2017年和田浩志決意面向國際時，於同生亦轉身投入英文書藝。他們透過對深厚傳統的奠基，潛心創作，開闢對書法藝術的全新想望。   當巨浪襲來 時間」2024年9月28日至11月2日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店）   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

台北當代藝術館（以下簡稱當代館）於近期推出「Beta+」及「熱影像」兩展，由邱杰森與莫珊嵐、陳韋綸兩組策展人以新世代觀點，展現現在進行式的當代藝術。位於一樓展區及戶外廣場的「Beta+」，主要探討當代社會資訊的短暫性和有效性議題，有別於傳統的靜態展覽，作品如同有機體般，在展間不斷變化與重組；二樓展區「熱影像」以網路世界中的影像環境為背景，探討被塑造的想像世界，如何影響人們對於社會的認知價值。   「Beta展區」數位新媒界 展覽「Beta+」以數位技術和新媒體為背景，聚焦當今社會瞬息萬變的科技與視覺文化，展覽匯集了來自蒙古、法國、新加坡和台灣的孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold（蒙古）、林育正、瑪莉．哈維爾 Marie Havel（法國）、克萊蒙．菲利普 Clément Philippe（法國）、超級浪、黃萱、楊子強（新加坡）、鄧雯馨、鍾興賦等九組藝術家，以多樣媒材與創作手法，展現當代空間、環境與視覺文化的多重面向。   視覺文化與身份的探索 超級浪 Hyper Wave《游離的引線》Dissociated Fuses 。 在當代館廣場上，超級浪的大型裝置作品《游離的引線》矗立其中，以潛水艇作為媒介，重構台北湖的歷史景觀，探討自然、歷史與科技之間的交錯​，進入潛艦內部，從監看螢幕觀看，當海平面上升後，台北城被淹沒的預示情景。   鍾興賦 Chung Hsing-Fu《有一天是一天》Surviving Day by Day。 鍾興賦《有一天是一天》以行為表演結合錄像裝置，探討身體與日常生活中的衝突與游離，從個體經驗出發，反思資本主義社會中的身體與身份問題。   黃萱 Huang Xuan《靜物》Still life。 黃萱《靜物》是一場關於抑制動作和音量的表演，藝術家試圖以最安靜的方式放置物品，強調動作的約束與自我控制。   動態創作與即時性呈現 楊子強 Yeo Chee Kiong《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》Teleporting Project #02_ Ju Ming 2024。 楊子強《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》以3D列印技術重現已故雕塑大師朱銘的頭像，透過逐層堆疊的像素模塊，展示數位雕塑在虛實間的跨越與重構。 林育正 Lin Yu-Cheng《箱構 3.0：巴斯卡箱 _ 演算之所 I》BOX-OLOGY 3.0：Pascal Box _ Calculate in space I。   林育正《箱構3.0：巴斯卡箱 / 演算之所 I》以鷹架搭建空間，各式箱子與物件在展間不斷變化陳列，像是一個舞台讓物件本身自行表述，嘗試從自身記憶編寫出屬於自己的解讀及故事。   孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold《Possibility》。 孟克波洛兒・干波爾德的《Possibility》融入蒙古傳統貼花工藝技法、撕裂舊作的碎片，結合來台期間所拾獲的物件和材料進行創作，從重組中，透過物件位置的移動形成新的排列，產生不同意義與功能。   瑪莉．哈維爾 Marie Havel《擲骰子壁畫》On a Roll of the Dice。 瑪莉．哈維爾（Marie Havel）《擲骰子壁畫》以互動遊戲為基礎，透過擲骰子獲得的指令共創壁畫，決定作品的即時發展。特別的是，作品直至展覽結束才算完成，畫作的未完成狀態呼應了周遭持續變動的建構過程。   當代空間的重塑與演化 克萊蒙．菲利普 Clément Philippe《混凝土賽利昂》Concrete-Xérion 。 克萊蒙・菲利普的《混凝土賽利昂》以現地創作的形式，利用混凝土、硫酸銅與電線等工業材料，將當代建築中的隱藏元素可視化，揭示其背後結構與力量。   鄧雯馨 Teng Wen-Hsin《數位藻礁》Algal Reef。 鄧雯馨《數位藻礁》源於桃園大潭藻礁保護串連活動，藝術家以程式編碼將真實的海洋風景轉化為虛擬空間的資訊海，將錄像投射在不鏽鋼球上，旨在喚醒人們對在地意識與生態保育議題的關注。   「熱影像展區」虛實交錯的網路世界 根據統計，每日約有近四億張影像被上傳至社群平台，隨時間不斷增長的數據驅動技術，顯現了當代社會進入超出預期的狂熱狀態。陳韋綸以過往策展實踐與影像研究為基礎，試著將「網路」作為理解影像作品的框架，匯集九組國內外藝術家與團隊參與展出，一同探討影像媒介的轉變與變異、當代影像敘事的多重樣貌以及數位資本主義與網路文化的關聯。   影像媒介的轉變與變異 丹尼爾・卡諾加 Daniel Canogar《Chyron》。 西班牙藝術家丹尼爾・卡諾加（Daniel Canogar）的作品《Chyron》，以透過即時生成的演算技術，使全球新聞字幕成為不斷更新訊息的編織網，在不同意識形態下，展現新聞生態的脆弱與不穩定性。   李勇志 Lee Yung-Chih《環保稽查員》系列 Recycling Bin Series 。 曾從事環保稽查員工作的李勇志，將稽查過程中所記錄的回收物影像投影在帆布上，在令人感到熟悉又奇幻的斑斕景致中，探討幻象的表面與物體本質不變之間的關係。   莊培鑫 Chuang Pei-Xin《你有感覺到熱熱的嗎？》Do you feel any heat 。 莊培鑫在《你有感覺到熱熱的嗎？》作品中，運用3D掃描技術，將物質表面轉換為數位檔案，透過結合結晶與礦物的雕塑物，思考礦物所帶有且不可見的能量，是否能透過數位模式被再次生產。   當代敘事的多重樣貌 致穎 Musquiqui Chihying《雕塑品》The Sculpture。 致穎《雕塑品》在實驗紀錄片中，融合表演與影像敘事，以中國北京國家博物館近年所成立的非洲雕塑收藏品影像，探討具權威性的博物館，如何展示與詮釋來自異地的文化遺產，以揭示在博物館幽暗陰影中難以窺見的藏品面貌。   吳梓安 Wu Tzu-An《日常日長（或一次自拍）》Quousque eadem (or a self-portrait)。 吳梓安《日常日長（或一次自拍）》以翻拍超八攝影機和十六釐米膠卷、如日記電影的實驗影像中，思辨電影傳統與自我建構的敘事差異，以自我記憶的拼貼，呈現個體如何在數位時代中重塑自身的認同。   許哲豪 Hsu Zhe-Hao《系統無法辨識 “蟲新路一段”》Error { debug again and again. }。 許哲豪《系統無法辨識“蟲新路一段”》以西元兩千年前夕因系統錯誤，而增生的千禧蟲（Y2K bug）事件為背景，透過迷因般的影像敘事手法，詼諧詮釋交錯於網路與現實世界中的全球性網路災難場景，暗示虛擬與物質世界難以被分離。   網路文化與數位資本主義 吳宜曄 Wu I-Yeh《Generative Data》。 吳宜曄《Generative Data》以學習模型的演算技術，將社群平台無限推播的圖文，重新進行數據提取與分析，試圖藉由作品提供一種方法，以理解個體與數據、演算法、監控資本主義與行為剩餘間的關係。   李亦凡 Li Yi-Fan《important_message.mp4》。 李亦凡《important_message.mp4》從一系列的網路陰謀論出發，探究在當代網路科技發展下，人們無法確定資訊的真偽，抑或是在爆炸性訊息的餵養中感到恐懼的生命狀態。   馬修・格里芬 Matthew Griffin《The Outernet》。 來自澳洲的藝術家馬修・格里芬（Matthew Griffin）《The Outernet》則是化為如言語失控的觀眾，將新聞主播轉為因其話語而啞口無言的觀眾，並以黑色幽默的手法，批判社群媒體對個體的數位侵擾，與監控資本主義對隱私的侵蝕及自由的威脅。    為配合此次展覽，當代館藝術商店推出限定MoCA藝術香氛片，融合「Beta+」及「熱影像」主視覺設計，調和帶有濃郁大地氣息的廣藿香，揉以青茶與杉林的清爽空氣，散發獨特的草本泥土香味和佛手柑的回甘茶香，與盛大的展覽相呼應，不禁引人駐足、一探究竟，感受數位時代下帶給人們的震撼和嶄新視野。   「Beta+」＆「熱影像」 時間」2024年9月28日至12月29日 地點」台北當代藝術館主題策劃展區2F   資料及圖片提供」台北當代藝術館 編輯」林靖諺

藍騎士藝術Bluerider ART台北．敦仁展間，近期推出藝術家「威利・希伯：巴洛克珍珠」（Willi Siber : Baroque Pearls）個展，展出牆上裝置、雕塑等多達十數件新作。以大自然為靈感，將觸動希伯感官的上施瓦本巴洛克教堂輝煌，如同跳脫常規、飽滿渾圓的「巴洛克珍珠」，以不規則形狀傳遞真善美寓意，表現其對自然與生命的歌頌，承載著巴洛克的華麗，為物體注入感性靈魂，在形變與材料轉換中，帶領觀者進入如聖樂般洗滌心靈的震撼。   《Wood wall object》，2020/2021，木材、鉻瓷釉。   希伯長期以抽象裝置創作聞名。作品承襲德國南部上施瓦本地區巴洛克藝術與文化的風貌，受大自然風景的滋養，將巴洛克華麗的色彩與律動以及對大自然的全心感動，融合轉化為抽象作品。藝術家表示其作品始終是自由且獨立的物體，不需要敘事性地解釋。基於物質的可塑性，著重於對形狀、色彩、質地的探索，試圖顛覆觀者的視覺認知。   《Tafelobjekt》，2023，琺瑯、纖維板。   展出焦點之一大型4米三聯幅作品《板面物體》（Tafelobjekt），以光滑表面強化木質纖維板的有機圓弧體，漸變的光線反射，隨觀眾移動帶來如四季變幻的起伏畫面，趣味感十足。另外二張黑、白新作，對稱凹凸、陰陽調和，如同珍珠般的觸感挑動神經。   《Stehende》，2023，烤漆、鉻瓷釉。   知名的鋼材雕塑系列《站立》（Stehende）與《木質牆面裝置》（Wood Wall Object）覆蓋著源於巴洛克的華麗色澤，鮮明的亮面烤漆，彷若大自然般靈巧生動。 藝術所擁有的多重樣貌 在長達45年的創作歷程中，威利・希伯始終圍繞著材質、形狀、色彩與光線不斷探索。希伯對形式性的研究，推翻傳統框架，將幾何形狀、線條與顏色共構成對「美」與內心感知的詮釋。延續對形狀與色彩間的交互，創作出形體間的矛盾感，嘗試混淆熟悉的感知，形成希伯獨特的藝術語言。 《Color blocks》 ，2024，合成樹脂、木材。   創作早期以繪畫為主，之後因繼承父業木材廠，逐漸對雕塑及立體裝置產生興趣，1980年後漸以木質材料為主要創作媒介。希伯曾表示：「我的創作源於改變。」木頭的生硬質感在弧線刨塑下，轉化為帶有韻律的圓弧形狀，創造意想不到的外觀形式。   《Sculpture》，2023，鋼、纖維板。   希伯從木材、鋼到纖維板，嘗試著一切可能性的突破。著名的鋼材雕塑系列中，扭曲的金屬由硬化鋼組成，這類材質即便在極端的承重負載下也不輕易斷裂，經希伯之手，呈現玩趣如吸管彎曲的輕盈。看似簡約，卻是一系列複雜的精密工藝與上色掌控，無縫焊接的物質性與明亮色彩起到相互作用，顛覆觀者對金屬輕重的認知趣味。   《Sculpture》，2022，鋼、鉻瓷釉。 此次展覽呈現希伯一系列特別創作，貫徹對於材質的優雅轉化，將巴洛克戲劇風格及大自然風貌，幻化為令人驚歎的抽象作品。 威利・希伯：巴洛克珍珠 時間」2024年9月7日至11月10日 地點」Bluerider ART 台北．敦仁   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺