社群普及與行銷當道的氛圍下，讓新一代的設計師能快速成名、累積經驗，但也因此衍生出許多問題。近年，關於設計的糾紛、侵權等問題層出不窮，設計師們該建立哪些觀念？消費者要如何自保？《室內》邀請到中華民國室內設計協會（CSID）理事長趙璽與台灣室內設計專技協會（TnAID）理事長袁世賢，他們兩位不僅是優秀的執業設計師，也是室內設計產業的領導者，透過他們的視野與經驗，提供年輕設計師與消費者可供參考的方向。  趙璽  2020-2023 CSID 中華民國室內設計協會 第 23/24 屆 理事長 2020-2023 TID Award 台灣室內設計大獎 第十三 ~ 十六屆 大會主 2014- 迄今 台北大紘設計 負責人 / 設計總監 APSDA 亞太空間設計聯盟副主席 台灣設計研究院 專案顧問 行政院公務人力發展學院 講師 教育部學美美學計畫 評審委員 / 專案顧問 台北市捷運局北投園區改造計畫 評選委員 彰化縣教育局 學校美域美育計畫 審查委員 國家發展委員會 地方創生公有建築空間整備活化 評審委員 2021/2022 松山文創園區學園祭 空間組召集人 2020/2021/2022 金點設計獎 評審委員 2021 台北市政府都發局 台北老屋新生大獎 評審團主席 2021 德國iF大獎 評審委員 2022 金邸獎 評審委員  當代設計師與過去在角色上的轉變？ 台灣的設計產業已經50年，室內設計至少也有40多年的歷史。3、40年前是從裝潢與美工開始，早期其實稱不上是專業的室內設計；接著，七八零年代，海歸的前輩們，開始從建築角度去規劃室內設計，本科出身的依然很少，大部分都還是建築背景居多。 在歐美國家甚至是與我們比較相似的日本，建築師就等同於室內設計師，他們擁有足夠的知識、學養、藝術與能力，將室外建築到室內空間一併完成。但台灣的建築與室內設計教育是被拆分的，我們的建築看重的是結構、建蔽率、環境位置等具體的物理性條件，然而，我覺得室內設計是一種化學性的變化。若說建築是一個載體，那室內空間則是一種生活。 隨著人民生活水平的提高、眼界的開闊，從早期單純追求「能住」的需求，到現今對生活條件、品質與細節的要求都已顯著提高。因業主的改變，讓當代室內設計師的角色也與過去有很大的不同。  您會如何定義「好的設計師」？ 「好的設計師」應該能夠充分了解生活的價值，能夠幫業主解決生活上的問題，在正確的方式下，用設計師的專業，幫業主打造生活、創造出合適的生活環境。我覺得設計師並不是一個製造者，而是一個發現者，尤其是在老屋翻新時，明明是同樣的空間，但經過重新梳理後，常常能夠發現業主不曾察覺的角落和細節，可能是一扇窗、一片景。所以「好的設計師」要能夠幫助業主去尋找生活的方式、生活的價值以及生活的品味。 而且，設計師除了聆聽與陪伴，更要幫業主做到「收藏」。「收藏」並不僅限於實體，也許是一個記憶、一個回憶。每個人在家中，不管是虛或實，皆會有想要收藏與留存下的東西，設計師的功能就是幫助業主找到他們想「收藏」的東西並呈現在生活中。  您認為「好的設計師」應負起哪些社會責任？ 在任何行業裡，只要在合理的法律及道德規範下，我覺得無法將社會責任強加在每一位設計師身上。因為設計師至今仍是一個付費性的服務，他只要能滿足委託者的需求，讓其付出與獲得的結果是對等的，他就已經盡到他應盡的責任，也是最基本的道德責任。 但若擴大到「社會責任」層面，可以以CSID近年推動的「社會設計」來說明。室內設計雖然是類服務的一環，但同時也是十分小眾的， 因此許多大眾不曾體驗、理解過，設計能夠帶來的好處。為此，我們希望藉由「社會設計」來提升大眾對於設計的認知，設計不只是追求美感，更是一種邏輯，從設計改變服務的方式、動線、流程以及視覺感官的享受，這些公共空間中的變化將會逐漸內化到大眾身上。 所以，我們與台灣設計研究院合作的「社會設計」，從學美美學計畫、衛生所改造計畫、車站與工廠的指摽性優化、法院改造等，從日常生活的場所，影響大眾對於設計的認知，用設計邏輯改變大眾、喚起大眾的意識，這就是社會設計所看重的「社會責任」。  在資訊龐雜的時代裡，消費者委託設計時應有的自我保護意識？ 室內設計在台灣，不僅入門條件以及門檻偏低，法律的約束上也較為鬆散且模糊，因此造成許多矛盾，而這個問題必須依靠行政與立法機關去做大幅度的檢討與調整，才有可能從根本解決。 現階段最大的問題是，這些行為是不被管制的，所以除了認證公司登記、網路評價之外，我會建議消費者，可以挑選隸屬於設計協會、公會、組織等的設計師，雖然無法完全保證不會產生問題，但至少他是隸屬於組織下，是被匡列、注視與規範的;若消費者碰到問題，組織也能發揮責任提供相關的協助。 資訊龐雜的網路時代，業主必須花時間做功課。設計師以往的案例、經驗甚至是糾紛，在網路中是無所遁形的；接著，可以到政府單位查詢公司的狀況，包含公司是否合法成立、是否擁有室內裝修設計及工程管理乙級技術士的證照等，這些做法至少可以初步篩選與判斷。我們也希望協會日後有能力能夠提供消費者諮詢服務，不管是推薦、介紹或是給予建議，讓消費者擁有足夠的資訊來判斷，幫消費者把關。  室內設計產業目前的隱憂或亂象？ 台灣目前最大的問題，是室內設計產業的門檻過低，沒有一個比較正式的認證方式。換一個角度來說，室內設計產業與藝術的界線是模糊的，所以「藝術」如何認定?是一個十分困難的問題。不同於建築師、技師，室內設計產業因為沒有統一的課綱、教程，所以很難去做檢定，也因此延伸出相關爭議。 延續社群與行銷時代的影響，網路有利也有弊，雖然網路加速作品的傳播與名聲的累積，但同時也產生照片版權、盜用與抄襲等的問題，而且防不慎防，加上網路的法律漏洞太多，我們除了透過輿論譴責，其實很難有具體的懲處。設計師除了做好自我保護，用更好的作品去抵制、用實力證明自己才是最佳的解決方法。 在社群與行銷時代下，室內設計產業目前有哪些好的發展？ 社群與行銷的發展，除了讓設計作品的曝光增加，也讓設計師的名聲傳播得更快且更廣。尤其這兩年因為COVID-19的關係，比起以往透過實地移動來增加交流，網路造就了許多新的聯繫與傳播方式。 當移動受限，也讓我們意識到，社群與行銷的重要性，除了各個設計公司、設計師更加注重自媒體，設計界的大小活動都需要仰賴網路。像是 TID的頒獎活動從線下轉成線上，也藉此讓我們發現社群與網路行銷傳播的影響力；以往頒獎典禮受限於場地大小，參與人數約在三至五百人左右，但2020年第一次的線上頒獎典禮，卻擁有約49萬的觀看次數，這對於團隊來說是莫大的鼓勵與信心。 網路不僅跨越地域，同時也逐漸跨越領域，原本僅受室內設計產業關注的活動，在社群與行銷時代下，也引起了一般大眾的關注，加上不受空間、地點與時間的限制，也提升設計師與大眾的參與度。所以網路延伸出的新時代，提供室內設計產業一個很好的行銷管道，讓專業與非專業人士都可以參與並了解。  CSID 對於產業的助力與責任？ CSID今年已經邁入第43年，接任理事長對我來說是非常重大的責任。在亞洲地區，台灣是備受關注與注目的，對於台灣的設計，尤其是室內設計，要如何走出國際？如何讓世界看到我們？早期，台灣、日本、韓國是亞洲地區擁有強大設計力的地方，然而隨著時代變遷，台灣的腳步慢了許多，像是泰國、菲律賓、新加坡、馬來西亞等東南亞國家的設計實力不僅快速成長中，甚至已經超越我們了。 CSID身為亞太空間設計聯盟副主席，在亞太地區的地位讓我們負有相對的責任，我們必須告訴設計師不僅要團結，更要把台灣的室內設計做出指標性。當你拿出台灣室內設計的名片，即是告訴各個國家，台灣在地的設計是不一樣的，是具有溫度的、是能夠改變人們的生活體驗、是可以創造生活價值的，它不只是表象、虛榮與浮誇的。這不管對於我或是協會，甚至是每一位設計師來說，都是非常重要的意義與責任。  如同CSID 推動的社會設計計畫，希望讓更多的人接觸到設計，並體驗設計帶來的便利性、設計邏輯延伸的思考，當設計擁有這些價值後，會讓更多的人認同並理解設計的價值。我希望藉由擴張台灣的設計力，進而影響不同的年齡以及階層，讓這股力量反饋回來，成為一個循環，再造就新的創意，並影響他人。 我也鼓勵年輕一代的設計師，要將眼光放大至整個亞洲，甚至是全世界。在資訊如此透明且發達的時代中，我們應該透過學習，重新梳理出台灣自己的設計脈絡，創造以台灣角度出發的設計，才能找出屬於我們的市場。  CSID 未來發展的方向?  首先，協會團隊的年輕化。以往，CSID在年輕世代的眼中，是大前輩、老師們聚集，一個崇高且被仰望的組織，仰望沒有不好，因為協會長年累積的地位，才能夠被受仰望與尊重。除了保有前輩累積的經驗與傳承外，我們希望有更多年輕世代的設計師加入，為協會帶來更多年輕、新的觀點與視角，同時我們也會延續這份尊榮，讓他們感知協會為產業做出的努力，能讓他們引以為榮。 其次是品牌化，不管是TID獎項、國內的廠商與品牌、優秀的設計師，甚至是CSID本身，怎麼讓設計產業中的這些要角，透過品牌化走上國際，成為室內設計產業中的推手，也是協會未來需要努力的方向。  資料及圖片提供」中華民國室內設計協會（CSID） 採訪」歐陽青昀 

迪化街百年葉晋發商號的華麗蛻變、蔚為話題的三峽禾乃川豆製所、新竹車站的微改造、全新國民法官法庭等，這些專案可說是大眾熟知的精彩作品，幕後的操刀團隊皆為由蔡嘉豪建築師所創辦的「本埠設計｜蔡嘉豪建築師事務所B+P Architects」。 近期，本埠設計完成了「屏菸1936文化基地」的常設展展場空間設計，甫完工便已在社群媒體上引起熱烈討論；而受基隆海洋科技博物館委託的「潮境智能海洋館」也已進入試營運階段，是北北基首座以海洋生物、科技發展虛實整合的水族館。除了面向大眾的公共場域外，團隊也承接了不少私人住宅案，《室內interior》特別邀請蔡嘉豪建築師進行專訪，來聊聊在設計的執行面上，他所重視的要點有哪些，以及在改造 / 興建的歷程中，所秉持的原則和概念，又該如何付諸於現實？     蔡嘉豪 本埠設計｜蔡嘉豪建築師事務所B+P Architects創辦人。  致力於以不同材料及空間，透過構築與活動想像的生活場所的可能。作品透過空間的建構過程，思索建築與生活的狀態，並關注材料構築與環境，同時探索城市建築具有時間、場所意義的生活樣態與空間架構，並探索氛圍特性；作品涵蓋公共與私人之建築、室內與策展，包含展場空間、住宅、商場、學校、車站、學校、水族館等，透過大小尺度的探討，更關注新舊併置的建築可能。 面對老屋活化議題，以「整理」手法來重現建築之美。 在成立本埠設計之前，蔡嘉豪任職的公司深耕於迪化街，十分關注老舊建築相關議題，持續進行改造、重塑之委託。2016年時，決定自立門戶成立工作室，由於他畢業於英國倫敦大學巴特雷建築學院（Bartlett School of Architecture），在替公司命名時，字母「B」的意象便在他心中萌芽，剛好B也是建造（Build）的字首，非常符合他的職涯志業。 葉晋發商號－米糧桁。主要設計採取減少碰觸、減少鎖固等不破壞歷史建築的原則。 而構築空間時，除設計概念外，更需要關注包含都市、景觀、營建施工等範疇，公司就好像一個整合各式專業的連結埠口（Port），「本埠設計B+P Architects」這個名稱因此而生。   禾乃川豆製所。 公司承接的首個專案，便是迪化街百年「葉晋發商號－米糧桁」的改造，此作獲得許多獎項的肯定，也讓大眾更加關注本埠團隊的動態，爾後，在蔡嘉豪的帶領下，團隊經手了眾多亮眼專案，更涉足各式展場設計，例如老醫院空間活化與協助弱勢青少年再生的「禾乃川豆製所」、教育部美感教育計畫成果展「紙屋簷」等，近期亦與台灣設計研究院合作，進行新竹、嘉義等古蹟車站再改造；每次專案的歷練，都讓團隊對設計有更進一步的理解，能與不同的專業領域相互合作切磋，也是蔡嘉豪認為執業過程中最有趣的一環。 禾乃川豆製所。 閱讀和理解基地為首要 公司的核心精神，在於「閱讀環境背景」，這裡的環境，泛指建造建築時所處的基地及其周遭，你必須靜心閱讀、梳理所有痕跡，並將這些痕跡作為創造建築的根基，有了這個基底後，再透過設計手法做出回應；若是室內設計的委託，則會專注在既有面積中，找尋相關的蛛絲馬跡，來勾勒屬於居住者的未來生活樣貌。 潮境智能海洋館全區示意圖。 蔡嘉豪強調，不論是新建空間或是公共場域的改造案，他非常重視與背景的相互呼應，不論是實體的物理環境，或者是與人的關聯，所有的設計發想都蘊含著團隊經過考察後所得出的見解，期望替大眾帶來不同於以往的經驗，或是嶄新的觀點。   從2樓回望大型缸體。 至於在日常中，如何保有對設計的熱忱？蔡嘉豪說，他非常喜歡旅行，對事物都有探索的興趣，「觀察」是他生活的一部分，也因為敏銳的觀察力，讓他有著靈活的思緒。設計的初期，都是從「想像」出發，有了畫面後再輔以縝密的調查、梳理現實，讓想像和實際得以結合，「邊做邊調」是必經過程。 屏菸1936文化基地。利用金屬、擴張網等元素，符合空間的工業調性。 他也提到，自己並非對每項事物都有透徹的認知，此時就需仰賴團隊的協作，集結大家的力量，共同發想討論，再從中歸納出共識；最重要的就是，莫忘所有空間都是「生活」所需，因此要將自己帶入角色來思考，以創造貼近業主或目標群眾的更多可能性。 工作貓道。山形牆與巨大機械堆疊出層次。 請登入會員，至名人堂專區閱讀更多內容。 資料及圖片提供」本埠設計B+P Architects 採訪」陳映蓁

俞挺 建築師，美食家，專欄作者 1972年生於中國上海 現居於上海 Wutopia Lab的主持建築師，聯合創始人。 Let's talk論壇聯合創始人，城市微空間復興計畫聯合創始人，FA青年建築師獎聯合創始人。 清華大學建築學學士，同濟大學建築設計與理論博士，教授級高工。   Wutopia Lab事務所和他們的作品被大量的國際知名設計獎項所認可，被選為Architectural Record Vanguard Firm 2018, HD-Wave of the Future Honorees 2019, Archdaily China Building of the year'18 Top Three. Wutopia Lab曾獲ICONIC AWARDS, German Design award, Best of Year Award, iF, IDA, FX international design award等獎項，也曾被INSIDE, WAF, WAN, DFA, Frame, Dezeen等獎項提名。Wutopia Lab，一個以魔幻現實主義，創造日常奇蹟的全球當地語系化建築設計事務所。主持人俞挺近年以別具特色的空間語法，打造了看似夢幻實存現實的商業空間，屢屢造成城市話題。而一切，其實源自於他具備藝術家的浪漫與想像力，同時也懷有建築師的理性務實，複雜、宏觀、創意的思維，讓他的作品令人耳目一新，偶爾也挑出了當代人的隱性想望，獨特的世界觀與設計思考，讓人難以用建築師／藝術家／劇場設計等單一角色來定義。   熱愛藝術的建築師 俞挺投入設計產業迄今27年。回首最初，他並未把建築師視為終身職志，1990年在清華大學就讀的首個學期，對當代藝術的興趣更勝於建築學，像海綿般吸收藝術領域的知識與經驗，教授介紹的柯比意（Le Corbusier）、萊特（Frank Lloyd Wright）或是後現代主義都未能激起他對建築學的熱情，直到一天，在北京外國語學院的歌德學院裡翻閱了密斯凡德羅（Ludwig Mies van der Rohe）的專書，被畫面裡的極簡美學與豐富隱喻所吸引，作品呈現的極簡主義精髓，不是蒼白呆板的大白牆，而是對線條的精練純粹、對物料質感深刻理解之後的結晶，淨簡卻自蘊豐厚深度，當下的震撼讓他萌生「做建築師是一件很酷的事」的念頭，開始投入研究密斯凡德羅less is more的減法哲學。然而，less is more究竟為何而減？要減掉什麼？他卻無法從當時的建築師、大師身上獲得合理的解答，內在對於藝術的喜好與敏銳，引導俞挺開始轉往他方尋找答案，就此深深影響了日後的設計思維。   在藝術領域裡，倪瓚文人畫的逸氣與梁楷的瀟灑筆觸給予俞挺獨特的美學體驗，那種放鬆、靈動、簡筆的山水畫和人物畫，與西方極簡主義講究的精確、嚴密相比別有意趣。而羅斯科（Marks Rothko）、達利（Salvador Dalí）、夏卡爾（Marc Chagall）、梵古（Vincent Willem van Gogh）、馬列維奇（Kazimir Malevich）作品裡的色彩、構圖與創作觀念，則讓俞挺擺脫了傳統中國文化的桎梏，靈感更加奔放自由，羅蘭巴特（Roland Barthes）的哲學養份與博觀思維，更打開了他內在的精神枷鎖。就這樣，汲取東西方養份，建立了俞挺視野博大且善於微觀的特質，以及懷有彈性開放且尋思諸多可能的胸懷。俞挺表示，近年對他影響最大的「複雜系統的新思維」，即是融合了第二熱力學定理、量子力學、混沌學說的複雜系統思維方式，幫助他徹底擺脫傳統建築師的思想桎梏，在設計上呈現出開放、多樣與當代性的表達，同時又能從其中讀到一抹汲自傳統、某些審美與思索的影子。     設計在於精神 而非尺度 俞挺的建築背景為內在積澱出紥實底蘊。他認為，建築有別於其他藝術類型，它能塑造出一座讓人可以踏入的三維空間，空間裡的使用行為賦予它人文體驗與人文精神，再加上時間性的參與，構成了建築空間的四維思考。因此，創作內涵的意義更勝於量體尺度。   擺脫建築尺度的迷思，更精究內蘊的精神觀，可以從俞挺過往的作品讀出。那些看似類地景裝置的微建築，就功能面而言或許單純，它其實更像是一種啟發思考的精神場所，可謂是小而宏大的具體印證。俞挺坦言，「大」對許多建築師而言是誘惑，好像只有宏大的敘事才能滿足雄心壯志，但他以量子力學裡所說的「世界是由事件組成」的角度來思考作品，認為創作者如果內在具備一個複雜、系統的眼光，就能跳脫單一個體的侷限，換來發展系列的大布局。因此，每個小建築（微型裝置）都可視為作品裡的組成部分，從第一個逐漸發展至多個，甚至數十個，作品群裡的每一個體都自有特色與探索目的，不同的小作品之間又有一貫的核心思路彼此聯繫；就觀念上而言，它們是一個具有共同意義的大型作品，拆分閱讀亦能欣賞內部建構的獨立世界。當想通了這點，設計思考就無需拘泥於尺度的大或小，而是傾注於作品裡的精神核心。   俞挺認為，每個微建築都可以從一個切入點入手，切入角度與場所精神會構成對自身、他人、社會、世界的思考和表達，因此尺度限縮未必會限制發揮，更重要的是設計思考的切入點，以及作品想表達的精神性。他進一步分享，微建築的切入點大致有二：第一、對於身體的真確瞭解；第二、對於身份的清楚認知。這些都會影響設計者如何將場所、時間、技術貫徹起來融會表達，創造出一種新美學，並且從中充分體現出自身的思考與信仰。     新時代閱讀空間 魔幻感的書店空間，是俞挺作品裡最引人矚目的亮點，這些書店都各具特色，就像一座充滿故事性的空間，承載著城市歷史、品牌精神甚至奇思妙想。在數位時代，實體書店的存在意義究竟為何？俞挺認為，在當今科技社會下，書店是一個微型文化綜合體，它的意義除了購買、知識分享，同時也提供了社交功能，這些特質奠定書店不會因時代更迭或科技進步而消失，因為它提供了一種有深度的、知識分享的社交，尤其近年新冠疫情籠罩下，人們經歷了嚴格的防疫隔離生活，更加彰顯出實體交流的珍貴與重要。   然而，在訊息爆炸的數位時代如何讓消費者主動走進書店，靜下心來享受閱讀？俞挺以設計為助力，在書店規劃的著墨上，尤其重視空間予人的閱讀享受，在意場域氛圍能否讓人放鬆；原因在於，他觀察大多數時候人們對閱讀會有一種戒備和緊張感，因此希望空間氛圍能讓閱讀者鬆緩情緒，消弭內心的戒備感，用開放的心境去探索書店裡的知識與樂趣，自在的悠遊其中，打開書本沉浸閱讀享受。   喜歡閱讀的俞挺，也分享了近年喜愛的書籍以及給予他的啟發，這些書單亦透露出他博觀思考的特質。《真實的幻獸：從神話寓言中現身的二十七種非虛構生物》（The Book of Barely Imagined Beings），向他展現了一個從未瞭解和涉足過的生物世界，理清了他對生物學的許許多多誤區，意識到生命如此豐富多彩，生物進化和生存方式也給予他設計靈感，醒悟建築設計所掙扎的諸多原則有時是作繭自縛。《大地之下：時間無限深邃的地方》（Underland: A Deep Time Journey）展示了人類學對於人類社會的思考，給予他許多新角度，重新認識了看待世界的方式、方法。第三本書《莫斯科紳士》（A Gentleman in Moscow），是一本閱讀體驗極其舒服的小說，讓人愉快的、深入的去閱讀、去瞭解。他也喜歡《惡棍來訪》（A Visit from the Goon Squad），認為這本小說的寫作結構非常棒，可從中瞭解了許多與他不同的生活方式和理念。第五本書是《地中海三部曲》（Empires of the Sea, 1453, City of Fortune），講述威尼斯、奧斯曼帝國、君士坦丁堡的陷落，將歷史書寫得生動、細節豐富、波瀾壯闊當中又不失細膩的探究，令人歎為觀止。     靈感是種日常功 身為一位建築設計師，保持源源不絶的靈感是必要的。談到如何尋獲靈感並且維持創意？俞挺分享，其實靈感與創意來自日常累積，生活周遭的一切現象都可能是靈感來源，它並非偶發也無法速成，身為設計者必須要時刻敏覺環境訊息、閱讀世界脈動，持續豐厚自身內涵與思考深度。   他從量子力學的觀點打比方，城市裡的物體是由不同事件組成，世界與城市也是由不同事件組合而成，不同城市之間有著相同點與相異點，若由此切入就能跨越界域限制，覓得其中的關係與可能，從博大視野縱觀全局，靈感自會源源不絶。面對設計題目其實就是盤點日常浸潤在這些事件群裡的感受，哪個事件觸動腦海的迷因（meme）來切合入設計，當你維持在敏覺與累積的狀態裡，每天都有創意的火花驅動著你，靈感會推著你去等待著一個合適的設計機會出現把它實現，而不是有了設計任務才開始苦思靈感。   面對將在地特色融入空間的命題時，大多數設計者會從物體著手，可能從材料、建築、形式、或者取用當地某個具體象徵來進行轉型、變化。然而，俞挺的作品卻巧富新意，宏觀思考的特質讓他在規劃城市空間時，更輕盈地將在地文化與群眾記憶織入其中，隱約扣合又別出心裁，其中奧秘在於他會從人類學的角度來剖析在地文化與群眾記憶。俞挺認為，「物」的文化價值取決它能否在群體記憶裡佔據神聖、重要的位置，何不先深入探掘「群體記憶」與「物」體之間的隱性關係，再為它賦予新形象與別致體驗？因此在做研究時，他會從體驗群眾記憶來著手，深知無論是鮮明或是被人遺忘的模糊記憶，都會變成事件存在於各種載體裡，或許依然體現、或許深深隱藏，有賴仔細研究與耙梳來挖掘搜集，在累積了龐大的素材資料後，再使用less is more來進行精萃，從中提煉出那個最重要的記憶點，並用當代手法將它織入設計方案裡，透過實體的建築空間領人重溫當地的集體記憶。  請登入會員專區閱讀全文

本期金點設計獎系列報導，邀請「樸實創意」的許哲瑜老師進行專訪。他與「中間研究室midroom」的郭中元老師，共同策劃了眾多精彩的地方性展覽，例如「川游不息—綠川展2018」、「串遊季REUSE」等活動，更成立「中島GLAb」團隊，進駐台中最古老清代建築「臺灣府儒考棚」，將其打造為全新生活風格美學的實驗場域。 近期兩位老師亦與觀光局合作，操刀「PLUS 19台灣溫泉鄉」計畫，以台中谷關和新北金山為示範區，嘗試挖掘各溫泉區特色，形成具地方意象的品牌，替旅人找到更貼近當地的旅遊提案；此計畫榮獲金點設計獎標章肯定。《室內interior》特別前往台中，在臺灣府儒考棚獨特的空間底蘊中，與許老師聊聊他的執業歷程，並分享計畫執行的點滴。   許哲瑜（右） 多年來於藝術創作界的投入外，透過設計整合能力導入品牌策劃，讓企業及公部門的品牌深入文化擴及到各種服務場域，協助全台超過80 個以上企業及公家機構，推廣出獨特的台灣品牌美學文化，近年來策劃之展覽，屢獲國內外設計大獎。   郭中元（左） 利用創意與美感的結合帶給許多人意想不到的視覺感受，賦予一個品牌屬於自己的新生力量，量身打造一套適合品牌、且能永續經營的設計規劃。藉由獨特的設計思維，拉近觀者與設計的關聯性，近年來策劃之展覽，屢獲國內外設計大獎。 「PLUS 19台灣溫泉鄉」計畫識別情境圖。 台灣有著豐富的自然地貌，是全世界高山密度最高的島嶼之一，四季皆有不同的風情，也因為特殊的地殼結構與山脈分布，從南到北蘊藏了19處珍貴的溫泉資源，到溫泉區，除了泡湯還可以做什麼呢？為落實永續觀光發展理念，交通部觀光局攜手許哲瑜、郭中元兩位專業人士，共同策劃「PLUS 19台灣溫泉鄉」計畫，透過盤點在地特色，結合設計與美學概念，替台灣溫泉區帶來全新觀點和未來的發展性。   谷關，位於台中市和平區，作為台灣中部橫貫公路（簡稱中橫）前身的第一站，曾是紅極一時的旅遊景點，民眾欲從中橫前往花蓮，多會於谷關下榻一晚，享受溫泉的洗禮。1999年9月21日，發生了令人難以忘懷的921大地震，中橫自此變色，破碎的地貌導致道路多處崩塌，某些路段更開啟了長達20多年的封閉管制，谷關從中橫的行車起點，成為了終點，使得當地觀光大受衝擊。 前期委託攝影師Sam進行影像踏查，查察谷關風貌。 許哲瑜老師表示，這20年間，谷關從「順遊」的角色，變成需要「特意造訪」，但綜觀整個環境和產業結構，大都維持著過往的經營模式，缺乏從源頭導入明確的設計、美學相關的概念雛形。他以日本為例，日本的風景區和遊樂區可說是人民日常生活的一部分，有嚴謹的設計理念與程序，確保完工後的品質，反觀台灣的風景區，較難與在地文化跟特色產生連結，因此，在發想「PLUS 19台灣溫泉鄉」計畫時，他企圖透過轉譯手法，為台灣溫泉區帶來新的視覺觀點；許哲瑜邀請了各領域的創作者及團隊一同加入，以各自專業領域視角切入，藉由實際訪查發掘當地專屬DNA，使其成為貫穿溫泉區的脈絡，從頭建立起具有品牌概念的執行方式，藉由設計和美學整合，讓一個已經沒落的風景區，重新擦亮招牌。  「PLUS 19台灣溫泉鄉」識別擷取谷關當地群山環繞的意象，加深溫泉文化和在地的鏈結。 坐擁山、嵐、霧美景，隱身山林的體驗   成為路途終點的谷關，能夠端出什麼吸引旅客特別來訪的特色或體驗，是策展團隊認為十分重要的因素。團隊從眾多面向著手梳理，發現谷關地形環山圍繞，透出一股清澈、隨時間變化的動態質感，生態資源豐富，不只有溫泉，更有「谷關七雄」之稱的山林，遊客得以穿梭在雲霧和氤氳熱氣之間，探訪天然地理優勢之下，谷關極度多樣化的動植物生態，在知名攝影師Sam（樊為聖）的鏡頭下，團隊窺探了當地的各種姿態跟風情，並從中發想出計畫的切點：谷關的生態。   由建築師陳宣誠帶領「共感地景創作」進行遊客中心外觀的再造。 此外，許哲瑜也思考著，如何從公部門可著力的視覺環境、步道、服務中心的軟硬體進行改善，並以策展方式結合溫泉本身的特質，作為地域性品牌重整及翻轉的示範性概念，也希望革新遊客中心以往的定位，重新定義空間的型態和功能；本次計畫改造了谷關遊客中心，透過動線、指標跟設計創作，更深入探討地方個性、生態環境、文化特色等，遊客中心作為旅行中繼站，提供資訊和休憩之餘，也期望將空間轉化為載體，向外界述說谷關的脈絡，讓到訪的旅客能深刻體會地方魅力。  於入口區進行包覆式地景創作，由銅瓦、鋁瓦和錏瓦組裝的外立面可反射採光和周遭樹影。 原遊客中心並不具有吸睛特色，有鑑於此，許哲瑜邀請知名建築師陳宣誠，與其帶領的共感地景創作團隊打造全新樣態的遊客中心「嵐霧林間」，於入口區進行包覆式地景創作，樹狀結構象徵著環山與林間的意象，串起人和群山之間的關係；由銅瓦、鋁瓦和錏瓦組裝的外立面，樹影、光影襯於其上，依著時間和觀看角度的差異，描繪出只存在於當下、獨樹一格的畫面，材質選擇是表現大自然情緒的美好方式，也能加深國內外旅客與谷關的共鳴。   進入谷關前，先到「入關博物館」 遊客中心被賦予新角色：入關博物館。插畫家陳怡庭描繪出谷關常見、具代表性的鳥種。 谷關有著豐沛的林木、鳥類與昆蟲種類，有著鮮明的個性和特色，策劃團隊賦予遊客中心一個全新角色：「入關博物館」，意味著在進入谷關之前，可先行於此了解當地風光，許老師進一步分享道，設立地方微型博物館的靈感，來自於他某次前往德國魯爾工業區參訪當地博物館的經驗，館內記錄了這地區的歷史、自然資源、人文發展等歷程，不論正面或負面的歷史皆真實保存，博物館談的是居民生活的「意識」，以及運用設計策略來翻轉在地，達到創生目的，這令許哲瑜感到十分驚豔，他認為若城市可以正視自己的過去和現在，當面對未來挑戰時就會更有信心。 整合谷關相關資訊，成為旅人的基本指南。 他希望運用公部門的資源，建立一個相對美好、屬於在地的風景區案例，入關博物館遂應運而生。「森之形自然教育團隊」實地走訪遊客中心周圍的步道和自然環境，轉化為標本述說生態環境，包含展出以蝴蝶紋理與谷關周邊石塊作為對應關係的創作，還有幻化迷人的蛾類、甲蟲等；而天空中翱翔的鳥兒，則邀請插畫家陳怡庭從她的視覺觀點，繪製飛翔姿態的圖像，讓旅客體會谷關的風土。  策劃團隊經過嚴謹的田野調查，在入關博物館中重塑了人與自然之間的相互關係。 谷關因地形走勢，蘊藏豐富自然圈，走往入關博物館的地下2樓，迎來的是混合林的植物圍繞，展示著乾溼分明的林相及生態，猶如順著山徑而行，身旁的巨幅植物影像由廖浩哲工作室團隊實際採集後拍攝，帶來身歷其境的虛實感受，自在的沐浴其中；另外，也委請親子日常風格品牌Little Seed Collection主理人，為圖書館進行主題選書，成為大人小孩心靈補給站。群山環繞之下，谷關更有著多條步道，山野雙人組TaiTai LIVE WILD阿泰＆呆呆進行了步道踏查，並於入關博物館中揭露高度、行走難易度等登山訊息，讓遊客得以依據自身能力挑選適合路線，帶領旅人用新視野走入谷關的山林泉水之間，藉此產生地域連結。   地下1樓展示著實際走訪步道和自然環境後，採集而成的標本。 為因應遊客服務中心的再設計，POM（Project On Museum）及樂誠創意團隊共同重新製作入關博物館各樓層指示標誌，更配合「山湯」主題，將指標系統延伸到附近的捎來步道，讓展覽不光停留在市內，更可以延伸至戶外進行整體規劃。許哲瑜提到，整個谷關溫泉風景區的計畫，是他近年非常喜歡的作品，透過靈活的設計整合，用厚實底蘊向大眾傳遞地方故事，打造一個可以以自身力量持續發展的觀光景點。 巨幅植物影像由廖浩哲工作室團隊實地採集後拍攝。 觀點是不可缺少的一環 「樸實是一種設計態度，最簡單也最不簡單」。樸實創意在策劃每個案子時，都是從單純與業主共創的心態出發，並在一次次的激盪下，勾勒出多姿的設計樣態。許哲瑜將自己定位成「設計整合者」，在初接觸委託案時，首先會確認業主需求和目的，明確的輪廓有助於執行後續事項；另外，不論是策展或設計發想，皆需根基於既存事實，再行深入挖掘後，提出清晰的「觀點」，並利用各式細節表達欲呈現之議題，藉由設計的統整，轉譯成可被民眾理解的論述；如同上述介紹的谷關溫泉風景區計畫，也是奠基於在地的真實生態，再輔佐上多個範疇的設計專業，發展出一套完整架構。  地下2樓的乾燥林相與潮溼林相，貼近谷關地貌。 近期備受關注的「臺灣府儒考棚X中島GLAb」，也是許哲瑜和郭中元的另一代表作。「中島GLAb」的命名，意指台中位於台灣島的中間，許哲瑜表示，一個城市應該要有自己的觀點和生活風格，跟其他城市相比，沒有台北的潮流生活、台南的文青悠閒、高雄的港都氣魄；因此，如何呈現台中一貫的曖昧、生猛、矛盾的灰色地帶，是他們在策展時努力的方向。 「臺灣府儒考棚 X 中島GLAb」。 考棚目前已舉辦兩檔展覽（即將推出第三檔），藉由策展、編輯概念等形式，以不同思維的層次組合，混合出台中獨有的步調，成為地方踏遊的平台。許老師笑說，之所以會進駐考棚，歸功於2019年執行「串遊季REUSE」的成功，「串遊季REUSE」聚焦於文資修復、品牌塑造的過程，整個展期共吸引約兩、三萬人次到訪，台中市文化資產處認為策展團隊以溫柔又理性的語彙，能替文資修復開啟更多可能性；也因為考棚新舊融合的包容性，讓他們有很大的彈性和自由，可以落實內心的實驗想法。   中島GLAb第二檔展覽—URBAN VS. OUTDOOR。展場一景。 針對日後的願景，許哲瑜期許自己與團隊能夠更專注於設計整合的本質，設計可以發生在任何場域、任何活動中，透過核心價值的剖析，發展出清晰的結構，以利貼近群眾；就執行面而言，企圖拓展多元的策展手段，並更深入探究品牌整合的細節，企圖藉由設計翻轉既定印象，也能增加和商業、工程等其他領域之間的交流機會。   資料及圖片提供」樸實創意 採訪」陳映蓁

以台南為發展據點的都市藝術工作室，2007年由人稱「杜姐」的杜昭賢總監創立，在杜姐的帶領下，工作室策劃了眾多令人驚艷的城市展覽，例如台南月津港燈節、漁光島藝術節、新竹過好年等，今年更以「2021臺灣國際光影藝術節－黑暗之光」與「2021漁光島藝術節－安棲之嶼」（傳達設計類與整合設計類）榮獲三枚金點設計獎標章。《室內interior》特別前往台南，邀請杜姐暢談策展的執行歷程，並分享長期縱橫於業界，針對藝術、展覽、生活三者之間串聯的見解，以及對她而言，藝術所擁有的能量能替社會創造哪些新價值？ 杜昭賢 現任加力畫廊（INART）、B.B.ART、都市藝術工作室及BeArtStore負責人，曾任台南市二十一世紀都市發展協會執行長、台南市政府社造委員、台灣省視覺藝術聯盟理事、世寶坊畫廊負責人、新生態藝術環境負責人。並曾經擔任多起文化活動策劃以及計畫主持人，如月津港燈節計畫主持人、台南運河環境藝術節策劃執行、海安路藝術造街等。 都市藝術工作室 「藝術具有最大的包容與創造性」，都市藝術工作室由一群視覺設計、影像傳播與公關行銷的七、八年級生組成，在總監杜昭賢帶領下，從台南出發，透過各種空間改造、藝術品進駐與展覽規劃，呈現古都的創作能量與文化脈絡，藉此形塑不同的利基市場，讓美感在城市中蔓延。秉持「讓生活更美好」的願景，針對不同個案，提供全面的策略規劃、創意設計到專案執行與管理，讓藝術深耕各個角落，使人們得以想像，並創造更好的未來。   都市藝術工作室團體照。 台南，是座迷人的城市。多元歷史背景交織出府城的精彩故事，豐厚的文化底蘊、濃厚的人情味，和眾多貼近庶民生活的街坊小吃，更是令旅人意猶未盡、再三造訪的主因，曾聽聞：「台南最美的風景是生活」，這句話對杜姐來說，也是心有戚戚焉。身為土生土長的台南人，這座城市的景致，都是她成長過程中習以為常卻不可或缺的日常，而土地與風情則孕育出她對美學的涵養，也因此，她堅持扎根台南，致力於推動家鄉的藝術風氣，期間亦前往舊金山進修，回國後任職於台南市二十一世紀都市發展協會執行長，2004年接下「海安路藝術造街計畫」的任務。 海安路藝術造街資料照：郭英聲《烙印》與打開聯合工作室《藍晒圖》。 早期的海安路曾十分繁華熱鬧，後續卻因失敗的地下街開發計畫而導致沒落，街區滿是斷垣殘壁、毫無生氣，杜姐透過豐富人脈，號召藝術、建築領域的朋友，利用當地原有面貌，重新打造各式風格的公共藝術，透過藝術造街的形式，將街道轉變成「無牆美術館」，頹廢的海安路蛻變成充滿文藝氣息的街區，是附近居民閒暇時的散步首選，更逐漸成為遊客必定會造訪的景點之一。 2021臺灣國際光影藝術節－黑暗之光：千田泰廣《日行跡》。 海安路藝術造街的成功，讓杜姐更加深刻地思考關於藝術推廣的議題，過往人們對於藝術的認知與了解不如現今，她曾開設過兩間深耕當代藝術的畫廊，每每舉辦活動時的參與人數卻屈指可數，不過，當藝術進駐公共場域後，不僅拉近了與民眾的距離，不同年齡層的觀者更在每次的遊覽中得到交流機會，共享藝術的美好，也活絡了城區的經濟價值，這是杜姐心中的美好畫面；於是乎，她遂創辦了「都市藝術工作室」，透過戶外策展的方式，竭力擴展藝術之於社會和大眾的影響力。   從白盒子走向公眾 「戶外策展」，是都市藝術工作室現階段認為最為可行的藝術推廣方式，杜姐率領同仁，踏足台南、台中、高雄等地，推出別具特色的城市展覽，杜姐說道，藝術具有充沛的能量，不管身處何處，它都是提升民眾對美學學習和感知的利器；不過，杜姐也提到，做戶外策展時，「適切性」是關鍵一環，當展品進入公共領域，它就必須接受大眾的審視及評斷，因此，策展單位得跟藝術家密切討論，必須剖析展出環境的風土文化，並在理念和實際之間尋找平衡，讓展品能涵納藝術家欲表達的概念，面對普羅大眾時又能保有一定程度的彈性，藉此構築出具共鳴的展覽全貌。 2021臺灣國際光影藝術節－黑暗之光：黑川互動媒體藝術《光廊》。 有鑑於此，杜姐扮演的策展人可說是重要的「中間人」角色，作為和公部門、藝術家、在地居民及觀者間的溝通橋樑，需要具備多方面的協調、整合能力，而良好的敏銳度與實踐力更是不可缺少，杜姐奠基於對藝術的深厚了解，認識眾多不同風格、類型的藝術家，再加上她對空間有著獨到眼光，初見一個場域時，她可快速描摹出展覽雛形，亦可於腦海中的資料庫媒合適當的藝術作品，她認為策展人需要建立自己的資料庫，對美學的看法也得十分精準，尤其是在策劃戶外展覽或執行公共事務時，必須提出可容納多方論點的觀念，並細膩梳理脈絡，讓隱於展品後的精神清晰呈現於大眾眼前。   2021新竹光臨藝術節：護城河燈區－游文富《奇幻花園》。 杜姐生活於台南，對家鄉有著強烈的情感鏈結、熟知民情，規劃屬於台南的展覽也較為駕輕就熟，但若前往另個城市，面向截然不同的群眾時，主軸和作品該如何跟地方融合呼應？對都市藝術工作室而言，每次的策展都是全新過程，前期需歷經嚴謹綿密的田野調查，只有親自感受當地的生活，抓取出極具魅力的特色，甚至國外參展者亦會提早至當地駐點，有了親身體驗才能製作出情感流動的作品，「多數展品現地製作」是策展團隊貼近城鎮的方式。 2021新竹光臨藝術節：護城河燈區－蔡筱淇＆吉川公野《風．光．逐夢》。 另外，也會針對每次的主題，邀請合適藝術家一同合作，並盡量挑選使用不同媒材的創作者，企圖使民眾遊走於展品間，即可實際感受材料的張力，藉此認識多變的藝術語彙，「教育」也是杜姐想經由策展推行的一個目標。 藝術節不再只是藝術節 兩年一度的「漁光島藝術節」已邁入第三屆，這個以沙灘和防風林為展場，以天光與海洋為背景的藝術節，儼然成為台南的指標性活動。位於安平港南側的漁光島，僅靠漁光大橋與市區相連，橋的一端是繁華安平都會區，另一端卻是有著原始林貌的漁村，跨越一座橋，即可進入世外桃源。2017年，台南市政府文化局對外公開徵求「漁光島藝術節」策展，在當時，有些居民擔心島上辦活動會破壞寧靜生活，但一方面也有人希望透過藝術進駐，帶來觀光人潮和商機，改善經濟生活。 陳建智《脫殼激動》。以「擬生」的脫殼狀態，開展出自體與環境的關係。 何采柔《起伏》。創作靈感來自於休憩的動作，作品設置於漁光島林海之間，穿梭樹林後到沙灘時帶給觀眾休憩的聯想。 因此，策展單位必須審慎思考如何在正反聲音中確立執行方向，同時藉由藝術節讓更多人知道：原來台南有一處這麼美麗的秘境。盡享美景之餘，如何珍惜生態環境，也是策展團隊極為重要的課題；透過藝術家的創作，讓藝術成為觸媒，填充小島更多特色與表情，以低調、不喧嘩的方式，讓自然生態和地景藝術相互串聯，共同塑造出符合漁光島唯美沉靜的氛圍，造訪者可以從天光、海洋、沙灘、璀璨黃昏和星空中，找到親近小島的方式，留下自己的專屬回憶。 邱承宏《漁光》。由工業吊車和水晶燈組合而成，試圖以帶有超現實感的物件組成，暗喻自然和人工相互交織而成的精神場所。 阿部乳坊《將變成樹與天空》。由藝術家的旅行者系列延伸，樹象徵著根連結著大地和起始點，天空代表外在、空間及其他萬物。 第一屆以《在漁光島放空的99種方式》為主題，邀請民眾前來台南美麗的後花園，創造自己的放空方式，並得到前進的動力；第二屆《海島新樂園》試圖結合「兒時回憶」、「自然地景」及「樂園想像」，來探討漁光島的過去、現在和未來。 南藝大建築所B群《海朝你的方向吹來》。這是一個與環境對話的現地創作，頭頂上的針織網將無形的風視覺化；作品的另一端木平台延伸至海，感受風與浪的關係。 而榮獲金點設計獎整合設計類標章的第三屆《安棲之嶼》，則是對2020至2021年席捲全球的新冠病毒疫情，所造成的焦慮不安作出回應，期望創造一個天人共存、安身立命的棲居之地，來討論「相對安定的生存狀態」；展覽鎖定在「療癒」二字，從島嶼本質出發，請藝術家轉化環境特質，並聚焦於各自對漁光島的感受或反應，形塑出安棲之所。杜姐表示，藝術的介入給予了城市島嶼發展的新契機，除了地方美學的實踐，更希望透過藝術節尋找經濟效應和發展可能性，進而強化社區認同感，再加上大眾的共襄盛舉，才能真正落實效益，讓藝術節成為城鎮行銷的厚實底蘊。   范承宗《筌屋》。魚筌是一個古老的容器，過往是捕魚的工具，此作品嘗試將這個容器以不同的尺度和面貌重新詮釋。 今年漁光島藝術節的主視覺，亦獲得金點設計獎傳達設計類標章，藝術家劉致宏運用系列作品《聲音地誌》的創作手法，以感性、自由的黑白筆觸，蒐集漁光島上各種風景的聲音，將其視覺化，再委由「一件設計工作室」框選筆觸構圖、賦予色彩後，分成「海浪拍打消波塊」、「風吹木麻黃樹林」以及「沙灘步行」的平面創作，呈現主視覺。 藝術家劉致宏蒐集島上聲音，將其視覺化後，再由「一件設計工作室」轉化成主視覺語彙。 呼應「安棲之嶼」的策展主軸，畫面以較為柔和清新的配色呈現，藉由圖像即可感受由自然和藝術交織而成的迷人景致。藝術節的所有環節緊扣著漁光島，在在與土地連結，不論是展品、周邊活動如漁光小旅行、工作坊等，讓遊客用不同角度探索島上的各種樣貌，並由島民視角訴說著漁光島的點滴故事，捎來更加沉浸的體驗，並享受安然於此的片刻時光。 配色清新柔和，讓人感受漁光島的迷人風景。 用藝術促進城市變革 疫情之下的策展，更是充滿挑戰和不確定性，團隊面臨了場勘時間的壓縮和諸多限制，亦需提出通盤防疫細項，雖然辛苦，但都市藝術工作室的同仁們都樂在其中，因為藝術有著治癒人心的力量，在這動盪世代中，我們擁有如此美麗的環境，我們依舊可以進入島內修復身心，只要看到參與者真心的笑容，或收到對於藝術節的反饋跟迴響，就是策展團隊最大的成就來源，也鼓舞了他們在這條路上堅持下去。 2021漁光島藝術節展會紀錄。 此外，只有得到在地居民的認同，藝術才能在社區扎根且長久發展，因此如何永續經營，更是需要關照的部分；以漁光島藝術節為例，由於策展團隊不間斷地與相關群眾進行溝通、加深合作關係，時至今日里民多已十分投入於活動中，也很願意給予協助，這對藝術節而言，具非常大的助益。   當藝術走出美術館，介入公共環境後，除了提升民眾的視覺美感外，杜姐更期望能在繁雜的現實中，為城市建造一座避風港，在遊走過程中修復身心，和自己的內心對話，找回平靜愉悅的情緒。 2017月津港燈節法國知名藝術團隊Groupe LAPS《Keyframes》。 「開創」，是杜姐創業至今的最大收穫，不侷限於傳統的策展思維，致力於帶來突破，例如由都市藝術工作室策劃的月津港燈節，則是令台灣燈會走向藝術化，且具在地特色的最佳典範，也因為月津港燈節的成功，近年來許多縣市的燈會活動也開始關注藝術性，在杜姐眼中，這就是一個良好的循環，更是她對藝術、城市的理想實踐；而時代不停轉變，她時刻提醒、鞭策自己和公司同事，不能停下前進的腳步，要隨時學習新觀念，才能將藝術作為敘事語言，替每個有著無限可能的街道和城市，譜出精彩藍圖。   2018曾瑋《星光》。 談及未來願景，杜姐表示推廣藝術是她一生的使命，城市藝術的盛行，加深外國藝術家前來合作或參與的意願，民眾在日常生活中即可觀賞多樣化的精彩作品；除了國內的耕耘外，她也希望能引領台灣藝術家與國際接軌，讓世界看見更多來自台灣豐沛的創作能量。 2018森岡厚次《候鳥：文化之橋》。 杜姐也鼓勵有意從事藝術策展領域的人，要多方學習，增強自己的百般武藝，在執行公共事務時，需有明確的大方向目標，才有辦法歸納出展覽細項，並做出準確判斷；策展從來都不僅止於關注展覽主軸，而是得踏實解決所有枝微末節的事宜，溝通和整合的能力也是必備條件，放開心胸廣納新知的同時，莫忘對藝術的純粹熱情。 同場加映：從漁光島走向世界舞台 漁光島藝術節的成功，開啟了台灣藝術家前往國外參展的契機。加州長堤市非營利組織Creative Class Collective 因為漁光島而注意到都市藝術工作室，近期Creative Class Collective於加州長堤市舉辦Art Renzei展覽，便請都市藝術工作室引薦台灣藝術家陳萬仁的錄像作品《午夜憂鬱》，至長堤市政廳展出。   資料及圖片提供」都市藝術工作室 採訪」陳映蓁

金普頓大安酒店 1 樓大廳。 位於台北東區巷弄內，金普頓大安酒店邀請如恩設計研究室操刀，並與經驗豐碩的原碩照明設計團隊合作，以「城市中的靜謐方舟」為概念，不僅品牌的時尚摩登精神，更融入在地傳統人文色彩，將台灣常見元素如花磚、鐵窗等融入室內，交疊出酒店簡約靜謐卻不失舒適氛圍。 強調「光」作為住宿體驗的一環，模擬旅客在外忙碌一整天後自台北街頭漫步回酒店，並進入客房準備休憩的一系列情景，光的布局隨著心境起承轉合，最終收束於寧靜的臥房。 客房內照明營造休憩氛圍。 自酒店入口，光便營造如家一般的感受，捨棄過度的炫目及浮誇，僅有微微打亮的招牌及大廳自然流瀉出的光感。大廳白日藉由自然光影及燭光豐富挑高空間的層次；夜間以隱藏式燈溝照明洗亮四周白色磁磚壁面，座位區則以布紋玻璃柔化崁燈光線，微微提亮空間，並透過燈控系統隨著時間變化場景，隨著天色漸暗，室內的光線對比愈加明顯，使空間白日、傍晚、夜間皆呈現不同表情。   電梯以深色材質為主，與明亮的大廳形成對比，隱喻轉換的心情，照明同樣以「先壓縮再放大」的手法處理。踏出電梯則是全白的廊道，僅以兩側燈光溝槽作為動線指引，避免打擾空間的簡潔。打開房門，白色明亮的過渡空間延續廊道語彙，在此潔淨疲憊的心靈，木質門檻後轉換為適合休憩的氛圍，柔和光線營造輕鬆感，並通過對比突顯房內精心設計和空間感。 廊道以兩側溝槽照明引導動線。 12 樓的餐廳則加強戲劇性，配合別緻的造型燈具，以光的演繹區分出早、午、晚餐及夜間酒吧等不同氛圍，均勻的環境光避免強調彩色立牆的存在感；吧檯透過酒櫃及造型吊燈點綴台北街頭飲酒的熱鬧氛圍。   光可以感染生活的情感 台灣光環境獎至今已四屆，原碩照明幾乎每年都有入圍、得獎，陳宇晃觀察到，每年參賽的作品越來越多、面向也愈發多元，同時民眾對於光環境的支持，大大增加了執政者的信心更樂於推廣優質作品，彼此相輔相成，他舉例新竹甫結束的「光臨藝術節」，吸引大批民眾前往參觀，同時各地縣市政府也都有類似的活動及建設正在進行，在在顯示出光環境的教育已於民眾心底發芽，人們愈加注重夜間光的品質。 12 樓餐廳。   而「金普頓大安」作為光環境獎成立以來唯二獲獎的商業空間作品，與人們的生活連結更加緊密。陳宇晃認為，「人」是室內光環境中最優先需要考量的因素，而光的角色除了滿足人的外在機能需求，更需要喚起內在情感，「一個好的設計師必須讓人對生活產生想像，能讓人產生熱情的空間，才能激起人們心理上的共鳴」，對於陳宇晃而言，光能夠為空間烘托氛圍，引導情緒與想像、陪伴著各樣生活回憶，這便是光在日常生活中扮演的重要角色，不僅為了照明，而是提供感受。   原碩照明設計有限公司 成立於 1999 年，致力於結合光與環境、建築、室內空間。除了呈現美學藝術與工學技術外，兼顧經濟效益與能源節約，屢屢獲得國內外照明設計獎項。我們深感「光」不僅只是提供照明的工具，如何將光、建築及空間做最完美的結合為本公司的最高工作目標。 圖片提供」原碩照明 採訪」林慧慈

屏東縣立圖書館總館 將建築轉向面對城市。 建築原為落成於 1983 年的屏東縣立中正圖書館，隨著時代演變，館內不僅設備老舊、空間不足，主入口離主要道路需經轉折才能抵達，原先四面對稱且封閉的形式主義設計也不再符合當代圖書館需求的高度公共性，因此屏東縣政府委由曾經手過高雄大東文化藝術中心、台南市立圖書館的張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所擘劃，與大公照明設計團隊合作，一起在國境之南點亮閱讀的燈塔。 建築不將「打掉重建」視為改造的唯一途徑，而是新增一座形式獨特的透明圖書館大廳，保留屏東市民原有的空間記憶，同時彌補舊建築匱乏的流動性與開放性。並將建築轉向 90 度，使其直接面對城市，重新與市民生活連接。 夜間泛出溫暖光線。 新大廳由連續的 Ｖ 型鋼結構形成平行四邊形平面的大空間，大面玻璃帷幕將戶外綠蔭透過戶外廊道的中介引入室內，打破原先封閉沉重的氛圍。室內黑色鋼構以原住民三角形圖紋為意象，向在地族群文化致意；大廳內兩座三角型鐵構燈籠引入自然光，並定義出預期人會聚集的區域，使其身處室內但抬頭仍能望見屏東永遠晴朗的藍天。 舊圖書館建築則拆除沈重的混凝土樓梯與欄杆，改以不鏽鋼圓形樓梯以及橡木壁板，使其成為垂直串連各樓層的室內閱讀中庭。其中特意將三層樓的書庫移除樓板及結構，成為擁有一座大階梯的白色空間，作為青少年圖書館及視聽區使用，滿足投影、講座等機能，成為活動最多樣性的場所。 大面開窗引入綠意。   打亮適當的光 設計師提到，「提供舒適的光環境」是本次設計主軸，尤其圖書館應該以功能性需求優先，使用剛好的燈具打造適當照度的環境，避免不必要的照明。室內空間以 3000K 的暖白色為主，選擇「無眩光」的燈具，避免過度刺眼，以整齊的配置創造充足且均勻的光環境，僅加強重點區域以補充閱讀所需亮度，提升民眾閱讀時的舒適度。 在滿足閱讀需求後，設計師選擇泛亮新大廳中的整片木質背牆及連續性的 Ｖ 型鋼構，使其成為空間視覺焦點，並增加大廳視覺明亮度，於入夜後向外微微泛出暖意。 圓形樓梯連結垂直動線。   白日以玻璃帷幕反射周遭樹林倒影，減少建築量體的巨大存在感，夜間照明以相同主軸，避免過亮及過多燈具影響周邊公園生態環境，僅以基本的燈打亮地面，滿足雨遮、座椅、步道等人行空間所需安全性與視覺，四角的樓梯塔樓如同燈塔般溫柔地矗立，讓圖書館靜靜地隱於森林之中。 設計師認為，不論何種照明設計，最重要的即是空間的舒適度，燈光應融合入建築及室內空間；其次則需減去多餘的燈具，以最少的燈滿足功能上的需求，並營造豐富的層次效果。 3 樓青少年區大階梯。   大公照明設計顧問 自 1992 年創立以來，於台灣、中國大陸及香港地區參與設計超過 1400 個照明設計專案，大公照明團隊在最短的時間內瞭解設計原意、安排人性化的光環境，項目涵蓋各類型建築、室內及景觀照明設計。一個好的專案絕不是靠單一角色完成，而是整個團隊一起合作的成果，我們非常榮幸能夠與有共識的業主及設計者共同創造精緻的作品。 圖片提供」大公照明、張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 攝影」丰宇影像 採訪」林慧慈

銀座聚場 拱廊街。 這裡曾是人聲鼎沸的熱鬧商店街，落成於 1936 年，然而隨著商圈轉移，店家的鐵捲門一扇扇拉下。設計師江佶洋談起初次到訪此地的樣貌，漆黑的巷弄裡沒有商家也沒有人，一切寂靜無聲。因此在討論初期即定調「有燈就有人」的主軸，基地位於拱廊街中段，自巷口根本看不見立面，但只要建築前方有一盞燈亮起，便能吸引人一探究竟。 然而「要用什麼樣的燈？吸引什麼樣的人？」卻成為一大難題，既要能代表「銀座聚場」的精神，又必須融合於街區氛圍之內，一直到建築工程進入後期，他們才在 3 樓頂棚下找到「那盞燈」。 銀座聚場正面。   那是兩盞歷經風霜的日光燈，在國際商場成立時即存在，「我覺得日光燈是某段時期台灣人共同的回憶，很能代表台灣人的殷實個性」，江佶洋保留了它鏽蝕的原貌，僅將燈管改為現代光源以滿足省電與安全性；且因 3 樓屋簷下維修不易，又與建築團隊合作，從 2 樓咖啡廳窗框結構延伸出活動手臂方便後續使用。 設計師分享，這盞旭光牌日光燈已經陪伴在地居民 60 年，現在整條商場巷弄內只剩這兩盞燈會亮，藉由重新修復，它便能伴著銀座商場再下一個十年、下個世代。   銀座聚場的 1、2 樓為咖啡廳，照明需要能吸引人，但光線必須溫柔、不打擾鄰里作息。1 樓吧台區特意將地坪打亮，營造出水的意象，並使用磁磚、磨石子等材質仿擬「浴池」，呼應基地易淹水的環境；吧台上方的吊燈則改造自建築舊有的木窗框格紋，作為視覺重點，引起路過行人的好奇。 1樓咖啡廳。 3 樓以上則是旅店，照明保持低調安靜，維護住客的隱私，僅貼心地在枕頭上方、走道轉折或盡頭處以小檯燈、壁燈作為提醒。空間整體皆以結構隱藏照明，許多鐵構看似窗框、扶手，或 3 樓洗手台上的結構，卻兼有燈具機能，使光在精心巧思下看似自然地從適當的位置透出，溫馨的氛圍滿溢整個空間。 設計沒有標準答案 具有劇場及藝術背景，在處理老屋照明規劃時，江佶洋大多聚焦於空間脈絡及當代人在空間中的行為，理解空間的前世今生、未來會如何運用，再來討論需要什麼光線、怎樣的燈。「我覺得最難的是設計沒有標準答案，它可能在這個空間裡合理，到下一個房子就變不適合了。」為了給予每一個使用者切身的光，瓦豆團隊常花費許多時間來回探討，如銀座聚場5 層樓約 40 坪的空間，便花費了 3 年才完成。 4樓民宿。 過程中常被工班質疑「沒有人這樣做」，江佶洋解釋，他們不是刻意不一樣，而是希望讓每一個人都有自己獨特的樣子。如果設計的成品與個人的家庭、成長經驗相關，或許它就會被好好對待，再流傳給下一代，讓燈不再是用壞即丟的產品，而是精神象徵的具象化，使百年之後的子孫有故事可以向他們的後輩訴說。   瓦豆製作有限公司 2014 年《瓦豆.光田》榮獲老屋新生大獎金牌。2018 年《台中舊酒場雅堂館D.E棟照明規劃》、2019 年《新竹縣定古蹟姜阿新洋樓光環境規劃》分別入圍兩屆台灣光環境獎。2021 年擔任文博會花蓮館燈光設計，獲得紅點設計 Best of the Best 大獎、Japan Good Design Award。 圖片提供」瓦豆製作、一起設計、叁捌地方生活 攝影」李易暹 採訪」林慧慈

Shadow In Motion 「某方面來說我覺得光更像空氣，不一定要被看見，但能感覺到它的存在，你可以聽見光的聲音、從肌膚感受到光的溫度，如同全身心飄浮其中、受到光的洗禮。」設計師豊田啓介以詩化而浪漫的語句形容道。儘管光的體驗如此感性，其背後的理論與過程卻充滿理性的運算，一如 Noiz 團隊的作品，極其科技、未來且講求精確度。 與日本平面設計大師原研哉共同合作的台南市美術館二館停車場公共藝術裝置「Shadow In Motion」便是其代表之一，使用遊戲引擎進行運算及實時渲染，並以三維鐳射掃描場地，使所有數據誤差皆小於 1 毫米以內，最終完成一件充滿動態感的「四維平面設計」作品。   設計師強調，這並不是一件單純的照明設計作品，而是對於光影動態的巧妙運用。基地位於地下停車場入口，是唯一能引入日光之處，因此人車的行動、日光軌跡顯得更加重要，「動能」成為設計主軸之一。裝置由三列的薄帶鋁板組成，運用「莫列波紋效應」（moiré effect）原理，隨著天氣、時間及觀者的移動形成獨一無二的視覺與體驗。白日光影的移動為到訪者留下深刻印象，入夜後更展現截然不同的面貌，與陽光相反，照明自停車場向裝置內部輻射，並自下往上打亮，更加全面地瀰漫於空間各處，使人感覺彷彿漂浮於光之上。   下一個世代的設計 在 Noiz 的作品中，常常能見到跳脫一般思維的想法，這點或許從他們選擇使用的工具便可洞見。在「Shadow In Motion」中，Noiz 運用現今仍不常見的遊戲引擎進行所有設計，不僅能快速的模擬光線變化，更可以輕鬆地變更材質及觀看角度，甚至模擬人在不同速度下行走的視覺。 而這並不是他們第一次的嘗試，早在兩年前東京的住宅案「House In Todoroki」，他們便使用遊戲引擎完成全案，設計師分享道，不僅在更改及渲染上更加簡便，由於對光線的精確模擬，實際成品與遊戲引擎內幾乎一樣，使得在與客戶及工班的討論上也更加易懂，能夠確實看到每一個細節樣貌。   作為「數位建築」（Digital Architecture）的實行者，科技對 Noiz 而言不僅是輔助的工具，更是設計思考的一部分。隨著虛擬化「元宇宙」的時代即將到來，數位空間設計成為下一個世代必經的議題，如何將實體與虛擬彼此轉譯，將虛擬世界裡的想像化為實際、將現實世界的體感氛圍複製入數位空間，更是 Noiz 目前致力的方向。 並且使用遊戲引擎做設計的另一個好處是，成品資料會永遠存在於數位世界中，豊田啓介興奮地談道，也許未來就能使用自己家的場景玩射擊遊戲、殭屍遊戲，拓展了建築的用途與想像。期待不久的將來，我們也能在數位世界裡再次體驗「Shadow In Motion」那魔幻而充滿動能的光。   Noiz Architecture design and planning Noiz Architects 由豊田啓介、蔡佳萱與酒井康介建築師主持。事務所服務項目包含公共藝術、建築、室內及家具設計，現階段的工作分佈於台灣、日本、中國等地。Noiz 相信即使在此資訊爆炸的時代，周遭仍有許多未經發掘的素材，並為每一件設計案提供最是獨特的方案。 圖片提供」Noiz、中強光電文化藝術基金會 攝影」Kyle Yu 採訪」林慧慈