王俊宏 森境設計創辦人 1999年創立王俊宏室內設計，2012年成立森境設計，堅持設計源自於生活的態度，不僅追求藝術形式表現、講究極致工藝，更透過客觀視角，化解空間難題，集眾人之力，朝美學境界與獨創性前進，讓設計從拔尖之「木」，匯頂級之「材」，創極上之「森」。持續追求設計、工藝、藝術與生活的進化，讓空間設計，不只是設計。     請簡述自己。 「人無信而不利」是我人生的座右銘，我覺得誠信非常重要，如果工作跟生活中沒有「信任」作為一個錨定點，人就會像浮萍一樣，沒有根，就此隨波逐流。設計工作也是如此，設計師經手的案子規模可能從一間小住宅到一座社區，業主基於信任將空間交託給我們，我們也該誠懇地把所有工作確實完成，再交付予甲方。   我平時是較偏向感性的人，雖然整體而言還是有一顆熱忱的心，有著去衝刺、去探索的欲望，但是在工作上，身為領導者必須理性，不能任意而為，決策理應顧及團隊員工，確保公司流暢運作，擔起應負的責任。     回顧自己的35歲？ 35歲我還在摸索自己的道路。我34歲成家，35歲第一個孩子誕生，身為一位住宅設計師，我對家的定義在那時才進一步產生更深刻的體認，人生的拼圖也大致有了比較清晰的輪廓。當時在衝刺事業，其實錯過了很多孩子成長的瞬間，但孩子的存在始終帶給我充足的溫暖和前進的動力。他的出生對我的設計思考產生很大的影響，開啟了另一個設計緯度，我意識到人與空間的關係，不能僅僅依循當下年歲的主觀解讀，而是應該擴大同理，思索從0到80歲不同身分的多元視角。   相較於年輕時候總是充滿熱情、想用自己的設計征服所有人，成家後自己所經歷人生的蛻變，讓設計開始轉向「形隨機能」，體認到設計不是用炫技手法去征服他人，而是思考使用者的真實需求，同理各種類型的業主。     35歲的我還在摸索自己的道路，因為孩子出生，我對家的定義才進一步產生更深刻的體認，人生拼圖也在那時候才大致有了一個比較清晰的輪廓。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 我早年在俱意設計馬昌國先生的公司工作，經常在馬先生的桌上看到《室內 interior》雜誌，也開始追溯公司收藏的期刊，閱讀各期《室內interior》內容，閱讀雜誌收錄的前輩大師作品，我對登琨豔的印象特別深刻。當年他在事業高峰期放下一切，轉換跑道到上海重新開始，這段經歷激起了我的憧憬，也埋下一顆種子，在日後促使我前往上海、踏足更多城市。   第一次在《室內interior》發表的作品《珍藏》。以貝殼意象呼應維納斯的誕生，設計靈感源於藝術與美，打造出如珍珠般閃耀的設計，開啟無盡想像的都市秘境。（詳見《室內interior》319期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 年輕時候資訊得來不易，買的每本《室內interior》都會反覆翻閱，直至封面受損都樂此不疲，很珍惜閱讀的每一頁內容。現今訊息流通的速度快速，資訊的氾濫反而容易讓人產生一種「迷航」的錯覺。   對我來說，《室內interior》在空間美學這個板塊，一直扮演著一位引路者，不管是建築、人文、藝術還是空間，都報導著最前沿的設計題材，深挖最動人的設計故事，我覺得《室內interior》就像一個導航系統，引導讀者前行的方向，也讓所有人都能從中找到屬於自己的遠方。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 《慢步》。這個作品完成於新冠疫情期間，當時我往返於兩岸工作，時常平均三天就移動到另一座城市，最北可達烏魯木齊，最南到海南島和香港，有時在飯店醒來，我會忘記自己身在何處。長期把時間耗在通勤上，缺乏整理內在思考的餘裕，對很多事開始依賴直覺反應，我覺得這漸漸背離了我從事設計的初衷。蔣勳對「忙」字的見解彷彿象徵我十年間的工作狀態，為了事業到處奔走、不斷產出，但是「忙」這個字拆開，就是一顆心的消亡，「心都死了，還談什麼創作呢？」。   新冠疫情期間的隔離，讓我紮實地慢了下來，隔離期間沒有雜事，規律的日出而作、日落而息，人的步調和心態因此靜了下來，體會到「慢」的感受，開始湧現豐富的創作靈感。作品名《慢步》，「慢」是時間，「步」是空間，因為在被封閉時格外嚮往開闊的地方，所以在設計中融入四十米的環形竹林。   過去為了讓公司茁壯，工作模式與心力都聚焦在追求「量」，在每個城市的停留都是為了工作，高壓生活令我沒有心力去沉澱或思考，因為疫情，我的心態改變了，不再追求「量」的累積，而是更期待「質」的深入和挖掘可能性。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《慢步》。慢，才能體會時間的流逝；步，才能悠遊於空間的自在，以竹為核心，創造自然環繞的空間，讓人體悟空間之美。（詳見《室內interior》362期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 室內設計是一份專業的服務諮詢工作，所謂「食君之祿，擔君之憂」，應該放下個人情緒、站在專業角度思考業主需求，妥善完成工作，而不是汲營於自我主張的表現。秉持誠信至上的精神，誠實地面對所有一切然後付諸行動，真誠地服務甲方。   設計究竟是在成就誰？是設計師自己還是客戶？這把誠實的尺應該錨記在哪裡？我認為，設計者應該更誠實地面對自己，設計是客製化的服務，不是以參賽為目的的創作，因為最終居住在空間裡的人是業主，空間裡的生活是屬於他的，設計師的思考重心應是如何完善業主的夢想，成為他築成理想的助攻手。     您對未來的期許？ 室內設計產業的運行邏輯有兩個板塊，一是知識庫，一是方法論。知識庫源自每個人積累的知識量，越多越好；至於方法論，每個公司各有主張，我想更深入這個領域，盡可能輸出一些自己的實務心得，引發他人的共感，也希望能透過《室內interior》這樣優秀的平台分享給更多人。把自己的感受和經驗整理為方法論，進行分享和傳承，即便是錯誤經驗也可以作為他人借鏡，從中吸取到更深刻的教訓，我想釋出這樣的資訊，分享給更多對這個行業感興趣的人，這是我未來想做的事情。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 祝福《室內interior》35歲生日快樂。一篇篇報導、一則則專訪，每一頁都記錄著35年來的設計脈絡，《室內interior》是設計師展示作品及思考的平台，也是靈感汲取的來源，祝願《室內interior》能繼續引領業界，邁入下一個35年的里程碑。     《室內interior》一篇篇報導、一則則專訪，每一頁都記錄著35年來的設計脈絡，既是設計師展現的平台，也是靈感汲取的來源。     資料及圖片提供」森境設計 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

沈志忠 沈志忠1998年畢業於倫敦藝術大學雀爾喜學院，返台後陸續創辦建構線設計有限公司與沈志忠聯合設計有限公司，並擔任負責人與設計總監職務。其設計理念是透過建構的「線性張力」探索空間本質，挖掘空間與空間相互的恆定關係。 執業以降，國內外獲獎無數，歷年來囊括涵蓋亞洲及歐美等指標性設計金獎獎項，同時受邀出席兩岸演講邀請，不勝枚舉。   請簡述自己。 成為室內設計師的契機，起源於幼時家中有請建築師畫圖，當時看到圖面覺得非常有意思，這個記憶也於無形間引領我走上這條路。我認為自己是設計產業中不善社交的「獨行俠」，也拜個性所賜，我能完全將所有的時間和精力投注在設計中，浸淫於藝術和美學之中。   一直以來我的夢想都是希望自己的設計可以被更多人看見，這股強大的動力讓我遭遇困難或瓶頸時，反而會不斷鑽研，探尋自己認可的結果或方案。我的座右銘是：「當你不如意的時候就向後看」，因為是真心喜愛設計這個工作，過程中的所有挫折都能夠自我治癒。     回顧自己的35歲？ 35歲算是我設計職涯剛起步的時期，我從倫敦藝術大學畢業回台後，致力發展「空間藝術化，藝術機能化」的概念，不過當時設計界的風氣著重於風格化發展，因此得不到認同，令我頗為苦惱；我一直在思考如何跟業主溝通，怎樣將實用機能藉由藝術角度進行詮釋或美化，透過不斷的演練、實戰經驗逐漸總結出屬於自身的脈絡及流程。   35歲這個階段還有一件影響我深遠的事情，就是兒子的出生。兒子出生前我是個非常理想化的人，可以不計成本、甚至自掏腰包，只為呈現符合內心標準的作品；但兒子出生後，我開始慢慢收斂自己的藝術家特質，必須更務實地思考設計之外的面向，藉此達到一個適切的平衡。     35歲是我的職涯初期，透過多重的試煉和經驗累積，逐漸找到合適的設計脈絡。同時，也因為孩子的出生，我必須拿捏好理想和務實之間的平衡。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 在我年輕時，《室內interior》扮演著導師的角色，替我指點出學習的方向，在資訊還不是如此充足的年代，我每個月都很期待閱讀《室內interior》，因為雜誌收錄了許多前輩的作品，編輯團隊的文字亦精闢闡述了設計見解和思維，這些精彩案例都是我成長的養分。也因為雜誌的高度和專業的定位，不論是過去或現在，我都十分期盼公司作品能登上《室內interior》，這算是鞭策我不停前進的驅動力。 第一次在《室內interior》發表的作品《放懷翱東西》。「透」反映出虛、實，當空間的媒介轉換為穿透性的材質，他們已從獨立空間的物件，躍升為整體空間的物件，同時被閱讀著。（詳見《室內interior》232期）   您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》在每個時代節點都為台灣設計界定下了一個高度，同時提供所有設計者一個理解、閱讀趨勢的管道。我認為《室內interior》最大的價值在於，對年輕世代而言，雜誌扮演著指導的角色；對中生代設計者而言，雜誌是我們追尋的目標，清晰承載著台灣室內設計發展史的演進，也忠實記錄了每位設計者的樣貌與印記，是非常重要且珍貴的存在。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 公司作品《行墨鑄境》被選為《室內interior》368期的封面，對我個人而言是非常大的肯定跟鼓舞。直到現在我依舊親力親為在做設計，期許自己能以最純粹的初心，真誠地替業主打造他們的專屬境地。每個案子我們都盡心盡力地完成，能得到雜誌的青睞真的是件令我很開心的事情，也讓我激勵自己要不斷保有創新的能量或有所突破，努力開創更多設計可能性，並以更成熟的思維實踐理念。 至今在《室內interior》發表的最特別作品《行墨鑄境》。本案的設計以「墨鑄」為主軸，追求並呈現墨水般深邃而多層次空間；在動線規劃上，設計師細膩地將公私領域劃分，保有彼此的獨立性。（詳見《室內interior》368期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 我一直維持著從一而終的心境，以熱忱的態度跟極高的自我要求確保設計的純粹跟自身理想。美學這件事情是需要不斷耕耘的，現在我們所運用的材質、空間語彙、格局思考等，都是這20年多來我所歸納出的論述；設計師必須因應基地條件以及業主生活需求提出適合的方案，有鑑於此，形式、材料、工法皆勢必要能解決問題，並做出良好的整合。   另一方面，設計除了突顯「美」之外，更需回歸本質，專注於人與他們的生活，因此跟業主的溝通也是非常重要的環節，有助於使設計的力量真正走入日常，而非僅停留於表層的風格型態。透過對談，我們梳理了龐雜的資訊，去蕪存菁，訂出最為合適的策略，並依此邏輯選擇契合的材質與表現手法，構築空間樣態。     您對未來的期許？ 相信設計從業者對自己都有很大的期許跟很強烈的目標，就我而言，現階段最大的願景是希望團隊可以在穩定中求突破。身為設計師與經營者雙重身分，我自知肩上責任重大，如何在創意跟管理兩方面取得協調，真的非常困難；再加上我本身的藝術家性格，管理者該具備的理性與果斷，是我必須不斷學習的課題。   最近我也在思考，工作之餘該如何安排自己的生活？我十分喜愛大自然，時常到花蓮「閉關」，赤腳踩著地、聞著大地的味道、聽海吹風，享受身心的淨化，反璞歸真回到最原始的狀態；我也開始登山、打太極拳，嘗試在工作之餘放慢自己的腳步。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 保持初心是最重要的，我從事設計行業約20年，依舊把自己想像成新鮮人，用滿腔熱忱揮灑創意；正如同《室內interior》這35年來一直扮演著教育跟推廣的角色，對業界有莫大的幫助，期許《室內interior》繼續維持這樣的高度和做法，指引並陪伴設計者們前行。     期許《室內interior》保有初心，以教育和推廣的定位伴隨設計師們前進。   資料及圖片提供」沈志忠聯合設計 採訪」陳映蓁

魏郁珊 淬山設計總監 2019年創立淬山設計。反覆探討空間的比例線條，置入細膩的色彩元素與肌理質調，在加減之間尋求完美平衡，形塑舒適清新的氛圍。設計之本，唯有不斷淬鍊，基石便能成山。 請簡述自己。 我的作品沒有特定風格，十分講究「客製化」，致力將客戶的喜好或是想像化為現實。如何適切拿捏各風格所需的元素？我認為多觀察、多增廣見聞都是很好的方法，現今世代無論由書籍、網路汲取新知，或是出國遊歷拓展視野已非難事，客戶所描繪的空間畫面一定也跟他的生命經驗息息相關，因此，多管齊下的體驗生活是設計者很重要的課題。   我的個性比較瞻前顧後，一同共事的夥伴就格外關鍵，目前雖然沒有員工，但有跟平面設計師、軟裝設計師、施工相關廠商合作、共同組成團隊，各司其職發揮所長，同時創造無限的可能性，我覺得這樣的設計能量最為強大。   展望自己的35歲？ 現階段希望穩穩地在設計業界走下去，不求公司一飛沖天，但求默默耕耘，期待日後有機會能進軍國際，承接國外的委託案，嘗試更多有趣的挑戰。台灣市場的空間類型雖然多元豐富，但在現實基地條件方面依舊有著諸多限制，如果有機會踏足不同國度的文化民情並留下自己的設計軌跡，相信會是我的設計里程碑。     展望35歲，期許自己穩紮穩打、站穩腳步，並積累設計能量，做出國際化視野與質量的作品。   與《室內interior》的緣分從何開始？ 求學時期我就對設計行業很有興趣，在逢甲大學就讀室內設計系時，同儕都會經由《室內interior》了解當時台灣厲害的設計前輩們所提出的見解，並觀摩設計圈的流行趨勢，甚至也會翻閱雜誌尋找憧憬的設計公司，作為就業的參考。   《室內interior》和日本節目《全能住宅改造王》算是我走上室內設計師這條路的啟蒙者，前者增長並豐厚了我對設計的思維，後者最令我觸動的環節，即為節目中的職人時常將委託者舊家看似不堪用的樑柱、建材保留下來，並藉另一種形式賦予它們新生，不僅留下曾經的記憶，也實踐了「重新再利用」的理念；這部分對我有著深遠的影響，時至今日永續環保材料的應用亦是我關注且探索的課題。 第一次在《室內interior》發表的作品《TIMELESS》。當時正處於探尋自我、慌張無法定義屬於自己風格的階段，與此案客戶聊天，客戶堅定地說：「就是因為你沒有既定的風格，才能擁有無限的可能」。每一次的案子都能帶來成長。（詳見《室內interior》348期）     您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內interior》最具鑑別度的部分在於，雜誌對於風格和元素呈現的接納及包容度十分廣闊，不同流派的作品都有機會被報導刊登。   另一方面，媒體有其社會責任，對於觀念的推廣必須扮演推進的角色，並替圈內圈外的雙方搭建起溝通橋樑；設計的存在終歸是為了解決問題，現今大眾必須面對自然能源匱乏的現實，如何運用最少的有限資源改善人類的居住品質，同時保有地球永續的可能，我認為是室內設計界目前亟需關切的議題，也鼓勵《室內interior》能在這個面向提供更深入的資訊。   至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 每個作品都是生命歷程的印證與成長，在《室內interior》發表的第一個案子《TIMELESS》，它見證了我在探尋設計定位時的徬徨。從事藝術相關行業的客戶，洞察了我作品中的多元性，給予我很大的鼓勵，讓我知道就算沒有特定風格也沒關係，因為這樣就有著不被侷限的無限可能。   另一個餐酒館作品《Curious. Taiwan》則融合了複雜的語彙及樣態，並以「中西合璧」的邏輯擘劃空間氛圍，西方畫家的壁紙與壁布被用於燈籠表層，艷麗大膽的色彩在光源襯托下呈現一抹新式東方的氣息。客戶的豐富閱歷大大拓展了我的眼界。 至今在《室內interior》發表的最特別作品《Curious. Taiwan》。此作著重於將未嘗試過且複雜的元素與材料在空間中兼容，並符合品牌空間意象概念。設計師認為這是最大的挑戰，也很開心達成目標。（詳見《室內interior》352期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 如前述所提，我對風格美學雖沒有特定的喜好或習慣，但每個案子一以貫之的精神就是「整合」，該如何巧妙安排諸多元素是我非常注重的環節；與客戶的溝通則是一場靈魂的拷問，要懂得協助他們爬梳真正的需求，並在合理範圍內做出取捨，藉此打造與個性契合的專屬境地。針對住宅設計，我重視情感交流和互動，因此公共空間面積通常會較私領域來得寬闊；商業空間的部分，則會奠基並延續品牌的核心價值，考量商空翻新率高，材料選擇較為多元，有鑑於此，我會盡量使用環保材構築場域架構，以期達成永續願景。     您對未來的期許？ 現今講求跨界合作，我期許自己能更積極的向外尋找更多可能，工作技能只是個工具，重要的是腦袋裡的知識要如何活用、突破僵化制式的思維，構建具故事性的空間。和不同領域的佼佼者進行切磋交流的過程，因大家思考模式相異，很有可能互不理解甚或產生衝突，但我認為優秀的設計者要能夠針對各種情境做出對應，梳理並統整各個面向的專業，這也是我日後欲發展的方向。   環保建材是未來的必定趨勢，在設計上我會盡量說服客戶選用，雖然我的力量微小，但如果能透過設計作品將這些理念傳遞出去，觸及懷有同樣價值觀念的人們，就有機會使永續材料更加普及化。環保材質範疇博大精深，對於製程、特性的鑽研我亦需持續學習，期望能與更多優秀的台灣材料商共同前進，優化業界生態也替地球資源盡一份心力。     《室內interior》已經35歲，請給我們鼓勵與話語。 期待《室內interior》能持續呈現內容的多元性，帶領設計師和讀者們擴展新的視野，一同構畫更精彩的生活想像。同時也希望《室內interior》在空間與建材議題推廣能有更多元的著墨，成為設計的「卓見」，呈現更多不同的設計面向與視野。   《室內interior》多元的包容性是我最喜愛的特色，交織出設計與生活的全新想像和視野。   資料及圖片提供」淬山設計 採訪」陳映蓁

自二十世紀以來，展覽演變成展示藝術品的核心場域，對空間的強烈意識，也成為書法家創作的重要特質。展名「當巨浪襲來」由此而來，不僅是空間之巨，也是視線之巨，探討藝術家如何以書法創作回應高聳白牆，展現來自不同文化背景的觀看視角。本次邀請卜玆、李茂成、和田浩志、於同生等四位藝術家參展，以尺幅、書體、風格、內容、字數、色彩、材質等變化，為傳統書法譜出新意，折射出當代書法藝術的萬千面貌。   展間純粹白淨的背牆，將每幅書法作品完美烘托，令人賞心悅目。 一則縮影：從文人書齋到藝術家工作室 卜玆以猶如「車手掣彎、戰機劃空」的速度振筆疾書，筆法兼容唐代、晚明草書及清代篆書，成就別樹一幟的自我狂草書風。卜玆於1980年代屢獲獎賽肯定，而後矢志成為專職書法家。他數度搬遷創作空間，從空軍眷舍、三合院到挑高的工業區，作品與之相輔相成。   卜玆，《悠悠盡日閑》2010-2011，水墨／紙本。 本次展出7件作品，其中2000年的《金剛般若波羅蜜經》，以每字不到0.2平方公分的小楷寫就，反映書寫時戒慎修持的心神。後期的《風》則典出明人徐渭詩，全幅採濃重飽滿的大字狂草書成，行筆每二到三字即重新沾墨，維持由漲墨至濕筆的節奏，宛如大風陣陣吹拂，令人遙想風起雲湧的意象。蘇軾云：「大字難於結密而無間，小字難於寬綽而有餘」，卜玆大字密實如織錦，小字則疏朗若浮雲，以從容不迫的自信回應經典難題。   卜玆利用小楷將每字行距控制在0.2平方公分以內，感受藝術家凝神靜氣的心緒。 兩畝方田：從唐人詩句到宋畫名蹟 李茂成受到清代崇碑風氣影響，將隸書和魏碑的渾厚融入草書創作，著重於對生命的探索。《星垂平野闊》取自杜甫詩句，全幅用筆圓轉且不露鋒芒，結構多做扁方，單字濃淡對比鮮明，由濕到乾、由快入慢，周而復始，猶如在沙灘上作字，起始為浪所浸潤，隨著退潮消散，又在浪起後重獲新生。   （左）《星垂平野闊》，（右）《谿山行旅》，在臨摹古人詩作，將探索生命的精神融入作品，引人入勝。 《谿山行旅》取自台北故宮所藏北宋范寬名畫，李茂成在青年時期曾臨摹此作，畫風亦為之影響。近年興之所至，揮就「谿山行旅」四字，「谿」、「行」二字拖長且連綿的用筆，狀如瀑布及林道，引領觀者進入心中丘壑，產生可行、可游的想像。   三維線條：以線質召喚生命 和田浩志生於日本福岡，在京都成長，自五歲開始習書。受到日本書法先鋒井上有一等人影響，近年致力於少字數創作。有別於墨象派前衛書家，和田浩志保留了文字的可識性，並期盼以充滿力量的線條觸動人心。   和田浩志，《乃_14》2023，水墨／紙本。 本展精選12件單一字數作品，所書內容多源於自然萬象，反應出和田浩志的人生觀，以及立足於日本經典文化，對生命的思考與期望。《夢_16》尤其特殊，在書成後，刻意揉捏紙張並重新展開，使既有線條和非預期墨痕如奇蹟般地融合，據此成為完美的藝術品。藉有意無意之間、剛柔並濟的創作手法，開啟與西方抽象藝術對話的契機。   四度空間：英文字母的漢化變形記 於同生取法魏碑的雄渾，近年來於台灣各大書法獎賽頻獲首獎。有感於日本書法圖像化的趨勢迄今已逾百年，且持續主導台灣當代書藝，於同生力求突破字義與畫面的直接關聯，將文字載體代換為英文，並保留漢字書法的用筆及線質。   於同生，《墨舞 NO.2》2024，水墨／紙本。 本次展出五件作品，其中《閃閃動人》以原作及數位微噴輸出參展，不僅透過色彩衝擊視覺，也是以當代製作版畫的觀念，回應法書複製的經典傳統。新作「墨舞」系列一反過往英譯中的思維模式，改採概念命名，作品中可見墨線曲折迴旋，字勢欹側欲穿紙面，彰顯出跳脫文字桎梏，轉而重視線條與空間共奏的意圖。   展覽空間明亮乾淨，漫步其中欣賞四位藝術家的獨特風格，在多樣創作中沉澱心緒，體會每刻安寧。 2011-2013年間卜玆沉浸在大字狂草創作之際，李茂成亦如發狂似地埋首於書法創作；2017年和田浩志決意面向國際時，於同生亦轉身投入英文書藝。他們透過對深厚傳統的奠基，潛心創作，開闢對書法藝術的全新想望。   當巨浪襲來 時間」2024年9月28日至11月2日 地點」誠品畫廊丨台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店）   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

台北當代藝術館（以下簡稱當代館）於近期推出「Beta+」及「熱影像」兩展，由邱杰森與莫珊嵐、陳韋綸兩組策展人以新世代觀點，展現現在進行式的當代藝術。位於一樓展區及戶外廣場的「Beta+」，主要探討當代社會資訊的短暫性和有效性議題，有別於傳統的靜態展覽，作品如同有機體般，在展間不斷變化與重組；二樓展區「熱影像」以網路世界中的影像環境為背景，探討被塑造的想像世界，如何影響人們對於社會的認知價值。   「Beta展區」數位新媒界 展覽「Beta+」以數位技術和新媒體為背景，聚焦當今社會瞬息萬變的科技與視覺文化，展覽匯集了來自蒙古、法國、新加坡和台灣的孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold（蒙古）、林育正、瑪莉．哈維爾 Marie Havel（法國）、克萊蒙．菲利普 Clément Philippe（法國）、超級浪、黃萱、楊子強（新加坡）、鄧雯馨、鍾興賦等九組藝術家，以多樣媒材與創作手法，展現當代空間、環境與視覺文化的多重面向。   視覺文化與身份的探索 超級浪 Hyper Wave《游離的引線》Dissociated Fuses 。 在當代館廣場上，超級浪的大型裝置作品《游離的引線》矗立其中，以潛水艇作為媒介，重構台北湖的歷史景觀，探討自然、歷史與科技之間的交錯​，進入潛艦內部，從監看螢幕觀看，當海平面上升後，台北城被淹沒的預示情景。   鍾興賦 Chung Hsing-Fu《有一天是一天》Surviving Day by Day。 鍾興賦《有一天是一天》以行為表演結合錄像裝置，探討身體與日常生活中的衝突與游離，從個體經驗出發，反思資本主義社會中的身體與身份問題。   黃萱 Huang Xuan《靜物》Still life。 黃萱《靜物》是一場關於抑制動作和音量的表演，藝術家試圖以最安靜的方式放置物品，強調動作的約束與自我控制。   動態創作與即時性呈現 楊子強 Yeo Chee Kiong《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》Teleporting Project #02_ Ju Ming 2024。 楊子強《電子傳送門之貳號專案：朱銘 2024》以3D列印技術重現已故雕塑大師朱銘的頭像，透過逐層堆疊的像素模塊，展示數位雕塑在虛實間的跨越與重構。 林育正 Lin Yu-Cheng《箱構 3.0：巴斯卡箱 _ 演算之所 I》BOX-OLOGY 3.0：Pascal Box _ Calculate in space I。   林育正《箱構3.0：巴斯卡箱 / 演算之所 I》以鷹架搭建空間，各式箱子與物件在展間不斷變化陳列，像是一個舞台讓物件本身自行表述，嘗試從自身記憶編寫出屬於自己的解讀及故事。   孟克波洛兒．干波爾德 Munkhbolor Ganbold《Possibility》。 孟克波洛兒・干波爾德的《Possibility》融入蒙古傳統貼花工藝技法、撕裂舊作的碎片，結合來台期間所拾獲的物件和材料進行創作，從重組中，透過物件位置的移動形成新的排列，產生不同意義與功能。   瑪莉．哈維爾 Marie Havel《擲骰子壁畫》On a Roll of the Dice。 瑪莉．哈維爾（Marie Havel）《擲骰子壁畫》以互動遊戲為基礎，透過擲骰子獲得的指令共創壁畫，決定作品的即時發展。特別的是，作品直至展覽結束才算完成，畫作的未完成狀態呼應了周遭持續變動的建構過程。   當代空間的重塑與演化 克萊蒙．菲利普 Clément Philippe《混凝土賽利昂》Concrete-Xérion 。 克萊蒙・菲利普的《混凝土賽利昂》以現地創作的形式，利用混凝土、硫酸銅與電線等工業材料，將當代建築中的隱藏元素可視化，揭示其背後結構與力量。   鄧雯馨 Teng Wen-Hsin《數位藻礁》Algal Reef。 鄧雯馨《數位藻礁》源於桃園大潭藻礁保護串連活動，藝術家以程式編碼將真實的海洋風景轉化為虛擬空間的資訊海，將錄像投射在不鏽鋼球上，旨在喚醒人們對在地意識與生態保育議題的關注。   「熱影像展區」虛實交錯的網路世界 根據統計，每日約有近四億張影像被上傳至社群平台，隨時間不斷增長的數據驅動技術，顯現了當代社會進入超出預期的狂熱狀態。陳韋綸以過往策展實踐與影像研究為基礎，試著將「網路」作為理解影像作品的框架，匯集九組國內外藝術家與團隊參與展出，一同探討影像媒介的轉變與變異、當代影像敘事的多重樣貌以及數位資本主義與網路文化的關聯。   影像媒介的轉變與變異 丹尼爾・卡諾加 Daniel Canogar《Chyron》。 西班牙藝術家丹尼爾・卡諾加（Daniel Canogar）的作品《Chyron》，以透過即時生成的演算技術，使全球新聞字幕成為不斷更新訊息的編織網，在不同意識形態下，展現新聞生態的脆弱與不穩定性。   李勇志 Lee Yung-Chih《環保稽查員》系列 Recycling Bin Series 。 曾從事環保稽查員工作的李勇志，將稽查過程中所記錄的回收物影像投影在帆布上，在令人感到熟悉又奇幻的斑斕景致中，探討幻象的表面與物體本質不變之間的關係。   莊培鑫 Chuang Pei-Xin《你有感覺到熱熱的嗎？》Do you feel any heat 。 莊培鑫在《你有感覺到熱熱的嗎？》作品中，運用3D掃描技術，將物質表面轉換為數位檔案，透過結合結晶與礦物的雕塑物，思考礦物所帶有且不可見的能量，是否能透過數位模式被再次生產。   當代敘事的多重樣貌 致穎 Musquiqui Chihying《雕塑品》The Sculpture。 致穎《雕塑品》在實驗紀錄片中，融合表演與影像敘事，以中國北京國家博物館近年所成立的非洲雕塑收藏品影像，探討具權威性的博物館，如何展示與詮釋來自異地的文化遺產，以揭示在博物館幽暗陰影中難以窺見的藏品面貌。   吳梓安 Wu Tzu-An《日常日長（或一次自拍）》Quousque eadem (or a self-portrait)。 吳梓安《日常日長（或一次自拍）》以翻拍超八攝影機和十六釐米膠卷、如日記電影的實驗影像中，思辨電影傳統與自我建構的敘事差異，以自我記憶的拼貼，呈現個體如何在數位時代中重塑自身的認同。   許哲豪 Hsu Zhe-Hao《系統無法辨識 “蟲新路一段”》Error { debug again and again. }。 許哲豪《系統無法辨識“蟲新路一段”》以西元兩千年前夕因系統錯誤，而增生的千禧蟲（Y2K bug）事件為背景，透過迷因般的影像敘事手法，詼諧詮釋交錯於網路與現實世界中的全球性網路災難場景，暗示虛擬與物質世界難以被分離。   網路文化與數位資本主義 吳宜曄 Wu I-Yeh《Generative Data》。 吳宜曄《Generative Data》以學習模型的演算技術，將社群平台無限推播的圖文，重新進行數據提取與分析，試圖藉由作品提供一種方法，以理解個體與數據、演算法、監控資本主義與行為剩餘間的關係。   李亦凡 Li Yi-Fan《important_message.mp4》。 李亦凡《important_message.mp4》從一系列的網路陰謀論出發，探究在當代網路科技發展下，人們無法確定資訊的真偽，抑或是在爆炸性訊息的餵養中感到恐懼的生命狀態。   馬修・格里芬 Matthew Griffin《The Outernet》。 來自澳洲的藝術家馬修・格里芬（Matthew Griffin）《The Outernet》則是化為如言語失控的觀眾，將新聞主播轉為因其話語而啞口無言的觀眾，並以黑色幽默的手法，批判社群媒體對個體的數位侵擾，與監控資本主義對隱私的侵蝕及自由的威脅。    為配合此次展覽，當代館藝術商店推出限定MoCA藝術香氛片，融合「Beta+」及「熱影像」主視覺設計，調和帶有濃郁大地氣息的廣藿香，揉以青茶與杉林的清爽空氣，散發獨特的草本泥土香味和佛手柑的回甘茶香，與盛大的展覽相呼應，不禁引人駐足、一探究竟，感受數位時代下帶給人們的震撼和嶄新視野。   「Beta+」＆「熱影像」 時間」2024年9月28日至12月29日 地點」台北當代藝術館主題策劃展區2F   資料及圖片提供」台北當代藝術館 編輯」林靖諺

由台北市都市更新處主辦的「2024台北老屋新生大獎」，日前於南港瓶蓋工廠舉行頒獎典禮，宣布「評審團大獎」3件最具代表性作品、10件傑出作品「BEST 10」及1件「整建維護特別獎」，推廣老屋活化的魅力及改造後的新想像。 主視覺。   台北市都市更新處表示，建築乘載使用者、場所本身的回憶，老屋不僅保存了城市歷史及文化，更顯現其包容與開放性；本屆老屋新生委會員主席李清志則提到，獎項推動至今感受到城市的改變，老建築的保存不僅關注於硬體空間，更應該注入新生命、多元的經營手法，讓老舊街區綻放過去的榮耀。   評審團大獎名單 今年獲得評審團大獎表揚的3件作品，分別在不同向度具有突破性及社會影響力。作品背後的價值跟故事更可讓人感受老屋帶來的感動，同時充分體現老屋新生的無限可能。    AKA café  AKA在日語是赤色的赤—「紅磚」及「紅瓦」是多數人對大稻埕的第一印象。AKA不僅是一間咖啡廳，也是酒吧、香道、花道、茶道的體驗空間。老屋曾是富商郭烏隆的豪宅，AKA團隊希望能夠重現以前的繁華景象，將百年前發生於這座宅邸內的故事以更精緻隆重的形式呈現。    市定古蹟北一女中光復樓－一座流動的博物館  北一女中光復樓建築特色為平面曲尺形，外觀簡潔線條強調水平線特徵，屬於台灣早期現代主義風格建築，於1933年竣工。這座三層鋼筋混凝土建築至今仍用作教室、行政及教師辦公室，是台灣校園古蹟中難得由校友會自主啟動古蹟修復再利用計畫的研究。   設計團隊「何黛雯林雅萍建築師事務所」以古蹟調查研究知識系統、古蹟修復設計整備工程呈現教育推廣的共伴共創，期待喚回更多參與者、校園師生與校友們的生活記憶與情感。    玉成戲院錄音室  玉成戲院1978年開幕，因2001年納莉颱風造成了大淹水，戲院損失慘重而長期歇業荒廢。來自美國的錄音與混音師Andy Baker一直在尋找合適空間打造自己的錄音室，廢棄的玉成戲院完美符合他心目中理想錄音室的樣貌；2016年起即展開了自行改建戲院為錄音室的浩大工程。   新生的玉成戲院錄音室保留了舊戲院的售票口、古董放映機和佈告欄，錄音室也以戲院原有的金廳和銀廳命名；歷史空間再利用更賦予了錄音室獨特的空間形式與音場效果。   BEST 10名單  BEATA  「BEATA」一詞是拉丁文「最快樂幸福的人」之意，隱藏在山坡上的校內食堂，是陽明交通大學師生們的補給站，空間使用多年已略顯老舊、動線規劃不符需求，校方希望此處能多元化延伸，並與校園周遭紋理及動線串連。   設計團隊「許志維建築師事務所」透過縝密的開窗比例，讓風景跟大樹成為空間襯景，並於三樓規劃「人良閣」，配置設備齊全的共享廚房以及可供各式講演活動的人文講堂。    boven雜誌圖書館  boven雜誌圖書館收藏眾多創意與設計美學相關的外文雜誌，期待打造一個激發靈感的場所。基地位於台北市東區地下室，是無對外窗的密閉室內空間，建築師引用陶淵明「桃花源記」概念，藉由製造一個又一個「懸念」，透過動線引導進入場域的過程，刻意讓入館者的視野先縮小，經過轉折後再放大視野，就像走進桃花源，讓人不自覺驚呼原來裡面別有洞天。    老布莊的共生  原先的訂製西服公司搬遷，改由戶外裝備品牌進駐，經營管理單位Kawas第一家實體店落腳於迪化街的老布莊，早年布市的繁華盛況顯現在室內裝修材料上，華麗的大理石從地板延伸至牆面，退縮無落柱的騎樓則提供了進出貨的臨時動線。設計團隊「力口建築」盡量保留地坪與牆面石材，實木架以最小構件輕觸固定於牆上，石材背景交疊展示牆成為新舊融合立面，並將舊布尺轉化為入口門把。    杉遍野．隨野家  「隨野家 . 生活」為關渡平原農業區的友善放牧養雞場，設計團隊「曲墨建築師事務所」在實地體驗農場的務農生活後，在設計上以同樣的友善與永續自然態度做出回應：利用台灣疏伐木柳杉的末段為主材，將其應用於食農教育空間的改造上，且杉木切割後的餘料細分能製作成不同尺度的小家具，最後剩餘的小碎木便成了農場土地最佳的天然乾燥墊料，整根杉木末段均無一絲浪費的永續應用。   也應用總監郭恩愷多年來所建立的可逆式工法，採螺絲與螺栓鎖固打造一處自然農場，其可恢復性與可擴充性的設計，只要將這些樹材固定的螺絲退去，便可恢復到杉木狀態。    河神的丸子  原典創思團隊以展覽選物空間，承接多元的創意發揮，社群串連的多樣性，期盼打造一個貼近社區需求的公民客廳。這座60年老屋曾是台北市府員工宿舍，歷經歲月變遷閒置多年未使用。團隊接手後秉持著「修舊如舊，卻帶新意」理念，在結構加固的基礎上，保留了原有的兩層樓前庭後院、大樹、磁磚、磨石子樓梯、浴缸、木窗等特色元素。改造過程則以布置和簡單裝修的方式，導入創意主題和特色觀點，賦予老屋新生。    沿岸3.0  設計團隊「沿岸有限公司」承租了擁有許多故事與居民生活痕跡記憶的雙層空間，打造成自身辦工場域。攜手擅長運用原始材料的「一日一土建築空間計畫」，透過實木、金屬、水泥等材料構建內部，亦使用金屬、青磚等元素搭配訂製鐵件收納櫃。門口的大片金屬落地窗設計，讓白天陽光灑落反光的倒影意外成為自然屏障，空間充滿低調、溫暖、剛硬、明亮等豐富感受。    城市舞台  「城市舞台」是台北市藝文活動及劇場驗出的重要場所，設計團隊「莫國箴建築師事務所」期待透過建築設計方式抓住、留下並再現經典的黃金歲月。整修標的分為「城市舞台」及「藝文大樓」兩棟建築物，除劇場演出設備整體更新外，設計者更在意的是建築物外觀在都市環境中的自明性。以簡潔幾何造型的矩形量體凸出於原建築外觀，並以格狀金屬板／擴張網拼貼紋路呈現舞台的「走位」概念，將內部劇場空間立體化轉譯至建物外牆，改變視覺焦點，成為八德路／敦化北路體育園區中的文化新亮點。    昭和浪漫洗濯屋  「昭和浪漫洗濯屋」作為霜淇淋專賣店，店名結合建物前身洗衣店「洗濯屋」用途。建物為面寬窄身的房子，設計團隊在改裝期間深感老屋魅力，於是在狹長空間中隔出小小的座位區，一樓呈現戰後蓬勃發展的昭和時代氛圍；二樓情境則設定為戰前的昭和時期。    森³ sunsun-museum  基地是常見的老公寓民宅，經由打開立面，向室內迎入公園的綠，重新梳整空間的內外關係，作為老屋新生的第一步。森³ sunsun-museum思索如何藉由設計帶來更多維度的啟發，讓城市人們重新產生對於生活的嚮往，遂透過實體空間的營運，試圖匯聚視覺、空間、時尚、選品、展策等跨領域能量，在繁忙城市中打造「設計 x 藝術 x 美學」新場域。    萬座曉劇場  萬座曉劇場原為台北製糖所B棟倉庫，為日治時期的蔗糖製造工廠，後由台北市政府指定為市定古蹟。命名以「萬」代表萬華，「座」即取自日本「劇場」之意，更象徵糖廍從日治時期至今的歷史意義，其中「萬座」更是許下未來萬人入座之劇場發展目標，期待萬座曉劇場成為台灣表演藝術的門戶。   整建維護特別獎  重生（恩寓公寓 電梯增建及外牆整新） 建築物由屋主長輩自行興建，第二及第三代家庭成員決議進行整建維護，除延長建築物的生命週期，也及早因應未來老年化生活的準備。除了新增電梯，也增加外牆拉皮與部分的結構補強等項目，電梯外牆部分選用深棕色的德國皮紋氧化鋁合金板，輔以開窗，無論白天黑夜都成為該社區地標之一，同時建物整體選用淺色系塗料，使電梯外觀成為重點，並於西側新增開窗，使樓梯間重獲採光。   資料及圖片提供」台北老屋新生大獎 編輯」陳映蓁

藍騎士藝術Bluerider ART台北．敦仁展間，近期推出藝術家「威利・希伯：巴洛克珍珠」（Willi Siber : Baroque Pearls）個展，展出牆上裝置、雕塑等多達十數件新作。以大自然為靈感，將觸動希伯感官的上施瓦本巴洛克教堂輝煌，如同跳脫常規、飽滿渾圓的「巴洛克珍珠」，以不規則形狀傳遞真善美寓意，表現其對自然與生命的歌頌，承載著巴洛克的華麗，為物體注入感性靈魂，在形變與材料轉換中，帶領觀者進入如聖樂般洗滌心靈的震撼。   《Wood wall object》，2020/2021，木材、鉻瓷釉。   希伯長期以抽象裝置創作聞名。作品承襲德國南部上施瓦本地區巴洛克藝術與文化的風貌，受大自然風景的滋養，將巴洛克華麗的色彩與律動以及對大自然的全心感動，融合轉化為抽象作品。藝術家表示其作品始終是自由且獨立的物體，不需要敘事性地解釋。基於物質的可塑性，著重於對形狀、色彩、質地的探索，試圖顛覆觀者的視覺認知。   《Tafelobjekt》，2023，琺瑯、纖維板。   展出焦點之一大型4米三聯幅作品《板面物體》（Tafelobjekt），以光滑表面強化木質纖維板的有機圓弧體，漸變的光線反射，隨觀眾移動帶來如四季變幻的起伏畫面，趣味感十足。另外二張黑、白新作，對稱凹凸、陰陽調和，如同珍珠般的觸感挑動神經。   《Stehende》，2023，烤漆、鉻瓷釉。   知名的鋼材雕塑系列《站立》（Stehende）與《木質牆面裝置》（Wood Wall Object）覆蓋著源於巴洛克的華麗色澤，鮮明的亮面烤漆，彷若大自然般靈巧生動。 藝術所擁有的多重樣貌 在長達45年的創作歷程中，威利・希伯始終圍繞著材質、形狀、色彩與光線不斷探索。希伯對形式性的研究，推翻傳統框架，將幾何形狀、線條與顏色共構成對「美」與內心感知的詮釋。延續對形狀與色彩間的交互，創作出形體間的矛盾感，嘗試混淆熟悉的感知，形成希伯獨特的藝術語言。 《Color blocks》 ，2024，合成樹脂、木材。   創作早期以繪畫為主，之後因繼承父業木材廠，逐漸對雕塑及立體裝置產生興趣，1980年後漸以木質材料為主要創作媒介。希伯曾表示：「我的創作源於改變。」木頭的生硬質感在弧線刨塑下，轉化為帶有韻律的圓弧形狀，創造意想不到的外觀形式。   《Sculpture》，2023，鋼、纖維板。   希伯從木材、鋼到纖維板，嘗試著一切可能性的突破。著名的鋼材雕塑系列中，扭曲的金屬由硬化鋼組成，這類材質即便在極端的承重負載下也不輕易斷裂，經希伯之手，呈現玩趣如吸管彎曲的輕盈。看似簡約，卻是一系列複雜的精密工藝與上色掌控，無縫焊接的物質性與明亮色彩起到相互作用，顛覆觀者對金屬輕重的認知趣味。   《Sculpture》，2022，鋼、鉻瓷釉。 此次展覽呈現希伯一系列特別創作，貫徹對於材質的優雅轉化，將巴洛克戲劇風格及大自然風貌，幻化為令人驚歎的抽象作品。 威利・希伯：巴洛克珍珠 時間」2024年9月7日至11月10日 地點」Bluerider ART 台北．敦仁   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺  

游雅清 游雅清設計空間 主持設計師 作品《陽光禮讚》獲得2012年TID Award 居住空間類 | 複層TID獎作品《立樺建設忠孝無極》獲得2020德國iF Design Award、義大利A'design Award、德國Iconic Award 游雅清的設計趨向均來自於生命的覺察與關注，為每個不同的室內空間，揉和延展出更精彩而獨特的空間性格。作品強調彰顯空間的人文氣質，使設計不只是純粹的視覺或裝置藝術，而能因應不同的空間特質，與人產生對話，且重視使用者的細膩感受，精心規劃映托空間、風格獨具的構圖。     請簡述自己。 人會隨年齡經歷有所轉變，在不同情境也會浮現各種面向。身為設計師，我性格中自信、直率果斷的特質，使我面對工作裡大小決策能迅速判斷、精準呈現於空間作品。然而私下的我對人對事溫和隨興，兩相對照，是明顯有所切換的。因此我認為毋須對現階段的「自己」下定論，替自我保留彈性，自然不會對他人評價過於患得患失。     回顧自己的35歲？ 我在倫敦求學時攻讀視覺藝術，已立定志向進事務所，希望累積建築、室內設計的實務能力。回台灣後積極投履歷、進入了「竹間建築事務所」跟隨簡學義老師工作學習，累積非常扎實的設計思考與實踐方法。   幾年過去，35歲那年適逢我創業第三年，幸運承蒙建設公司青睞，接連承接兩個頗具規模的公設設計案，無論量體、建材應用或創意發揮，皆讓當時的我獲得突破的能量。那時的我正努力追尋嶄新的設計策略，同時對空間裡的曲線、弧面感到興趣，便試著應用於這兩個案子，並完整地執行至工程尾聲。當時自己的熱切及設計活力，仍歷歷在目，無論學習或創造能量，都是充滿爆發性的一年。     35歲的我不停地追尋嶄新的樣貌和手法，或許稍顯稚嫩，但有充滿爆發力的熱情。     與《室內 interior》的緣分從何開始？ 在英國讀書時即有閱讀《室內 interior》的習慣，回國後剛入事務所上班時，記得簡老師有座書庫存放琳瑯滿目的建築書籍，而唯一一本空間設計雜誌就是《室內 interior》，且依每期出版順序陳列，是我每月必讀的雜誌。   2012年，我在台南設計的自宅《陽光禮讚》榮獲TID Award，首度登上《室內 interior》，難忘當時替自己雀躍和驕傲的心情。不過如今回頭檢視，該案恰逢35、36 歲獨當一面、設計能量爆發的年紀，創作亟欲突顯創意及個人理想，假如交給現在的我，其實不一定會追求完美、卻會更和諧。   例如當時我利用許多錯層、高低差連接空間，並以光影作為視覺軸心、表現空間的生命力；以視覺張力來看確實達成目標，但更上一層去體現空間的生命力、情感柔軟度的抽象感受，尚有著力空間，也是多年後再回顧才有的設計體會。   第一次在《室內interior》發表的作品《陽光禮讚》。著重思考日光與空間、生活與鄉里的關係，以竹籬概念平衡引光與隱私，靜靜紀錄時光。（詳見《室內interior》232期）     您認為《室內 interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 《室內 interior》是設計圈的標竿，對我們五六年級生而言，登上這個媒體正如獲得TID Award 一樣具備公信力及困難，一年裡有個案子能刊載在《室內 interior》就很開心，至今仍懷著這般情懷在看待這本雜誌，可以說《室內 interior》是陪伴我們這些設計師一起成長的平台。     至今在《室內 interior》發表的最特別作品？ 最特別的首個作品是《陽光禮讚》，又因為是個人私宅，入選《室內 interior》刊載給予我鼓勵，無論設計能量或個人情感，皆錨定了一個生命階段的理想。   第二重要的作品是同樣在台南的《夕日細語》，它甚至獲選為《室內 interior》326期的封面，對我而言皆是重要而榮耀的作品記錄。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《夕日細語》。以珊瑚橘基底的底色增添溫度，明晰光影軌跡，納入室內造型，讓空間與日昇日落無聲對話。（詳見《室內interior》326期）     您所主張並實踐的空間精神/ 美學？ 早期設計時，我會努力說服業主接受我的創意，急著替設計概念爭取更多表現空間。但年紀漸長、人生狀態和課題不停滾動更迭，我轉而希望在主觀創意及使用者理想間取得平衡，並將折衷拿捏視為這份工作給我的個人課題。   因為設計，我總在不斷打磨執念的過程找尋更全面的提問與解答，換個角度想，這是人生中極美好的事。   前陣子聽聞甘泰來老師可愛且率性說：「就隨順吧⋯⋯」我認為那也是現階段自己的設計軸心和生活哲學，隨順我心不是期盼完美，而是各方狀態的和諧圓滿，不隨波亦不勉強。以此態度注入設計，我希望作品不僅實踐某種表面狀態，還能帶入生命深度與廣度，持續透過作品傳達這份心境。     您對未來的期許？ 無論是年少的熱血勇敢，現在的內斂沉穩，都在作品裡留下思想軌跡。我將持續在設計道路上應對人生的問題，從中淬煉並勉勵自己不斷精進。我認為工作與處世皆然，隨順因緣、由衷感到平穩自在，自然能表現在設計與空間氛圍，何時何地皆流動而敞亮。     《室內 interior》已經35 歲，請給我們鼓勵與話語。 在台灣，《室內interior》是以客觀、專業角度去審視設計作品的媒體，多年來記載無數優秀的設計作品、傳承美學視野，無論從前或當前環境，能成長到35 歲皆是不容易的一件事，尤其持續地輸出紙本，更顯珍貴。也感謝雜誌團隊們的付出，不忘初衷，維持設計產業裡眾人仰望的紙本媒體價值，無論未來雜誌經營方向會隨時代變化如何調整、多元化，我都給予深深的祝福，願《室內interior》的視野觀點能持續流傳。     謝謝雜誌團隊因應時代的努力，或許日後方向會更多元，但我認為《室內interior》紙本的價值不會因此被抹煞。     資料及圖片提供」游雅清空間設計 採訪」室內雜誌編輯部、江瑜

陳連武 城市設計 設計總監 德國iF設計獎、德國red dot紅點設計大獎、日本G-mark Good Design Award、美國 IDEA傑出工業設計獎 出生藝術世家，父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系，並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷，養成其獨樹一格的設計風貌。於1999年成立城市設計，定位為專業的室內設計司，提倡『後風格主義』，主張設計不該被風格所侷限，而是挑戰曾經的創意，顛覆已發展的形式與思維，注重將設計概念的完整且流暢地體現於空間中。     請簡述自己。 我是一個很幸運的人，從小就知道想往設計領域發展，擁有這份天賦並運用它幫助別人，認為這是自己來到世界的使命。我把設計當作是面對真實世界和真實自我的途徑，透過設計試圖更了解自己，也更認識世界；對我而言，設計也像是人生的課題，或者是一場修煉，這個修煉至今持續進行，未來會走往哪個方向我不確定，只能說我非常感謝，也會繼續努力。     回顧自己的35歲？ 我的35歲適逢千禧年，1999年台灣發生921大地震，我深刻認識到人生無常，間接促成我毅然前往紐約再深造，把身處異國的自己當成一塊海綿，竭力吸收不同文化的養分，更新對設計的理解。紐約多元融合的文化，讓我深刻的意識到不該困守於狹隘認知，在異國時我接納了形形色色的風土民情養分，觸動我想挖掘自身多樣面貌的企圖，這都要歸功於當年出行的決定。至今，我依然希望能一直保持35歲時的精神，放開心胸，多看、多體驗。     35歲的我決定到異國充電，把自己當成一塊海綿，竭力吸收不同文化的養分，去了解外面的世界和更新對設計的理解。     與《室內interior》的緣分從何開始？ 在我讀研究所時，當時的室內設計類雜誌較傾向裝潢，並不是那麼強調設計與空間的關係。但是在《室內interior》出現後，它讓我驚訝，覺得建築人也應該讀這本雜誌，它點出了室內和戶外、和建築之間的關係，以及設計與空間的關係。後來，自己投入室內設計領域後，想讓作品登上《室內interior》的企圖也在我的心底萌發。   作品第一次登上《室內interior》是在1996 年，它給予我很大的肯定。在完工後業主特意寫給我一封感謝函，信裡有一句話說得很好：「原來，設計師也是創造幸福感的工程師。」   這是多麼大的鼓勵！我一直把它當成座右銘，這是一份非常溫暖的動力，讓我覺得自己能透過設計給予別人幸福感，這封信促成了我的使命感，對我而言，美的本質應該要能讓人碰觸到幸福，如果人們能夠透過我的設計，從日常中感受到美好，甚至產生幸福感，那才是我身為設計師一直在追求的目標；要貫徹它其實並不容易，在學院裡我們學習到各種關於美的標準，如何拋開過去訓練的認知，把為他人建構「幸福」作為重心，是我「修煉」的一部份，同時也是我對設計的反思。   第一次在《室內interior》發表的作品《空間尺度和分際》。在重新規劃布局後，搭配玻璃材質連貫空間，將美景引入業主與家人共進晚餐的天倫之樂。（詳見《室內interior》51期）   您認為《室內interior》雜誌之於台灣空間美學領域的意義？ 這35年來市場變得更多元，《室內interior》也面臨了需要明晰自身定位的問題。我發覺《室內interior》走向一個有趣的方向，借用電影《美國情人夢》的橋段比喻說明，有個配角拿著一部攝影機，對著一個空中飄舞的塑膠袋聚焦拍攝了三分鐘，即便沒有一句台詞，這個過程也讓人感覺到難以描摹的美感，這份美需要一個人來掌鏡、挑選，最後呈現在觀眾眼前，要如何切割、放大，這個過程是很重要的。   《室內interior》就是這個掌鏡人，從空間切入作為出發點，是一個很棒的開始，但是你們並不自滿於此，還與時俱進地發展出更多元的面貌，這點也使我聯想到自己的美學。   美不是只有一種風格，它有各種層次和面向，以前的我對《室內interior》會存在一種固定印象，認定你們只會刊登某種風格的作品，但是如今的《室內interior》讓我放下這份成見，我會想先投稿，讓你們看看我的作品，再來交流彼此的想法，從中開啟另外一個審美角度的鏡頭，看到更多不同方向的思考。   我期許台灣設計界能呈現百花齊放的狀態，每位設計師的主張都如此不同，作品五花八門，當一個平台能夠像《室內interior》這般，用相對客觀的角度和不帶刻板印象的視角去呈現作品時，才是一個真實的台灣設計呈現。     至今在《室內interior》發表的最特別作品？ 《湖濱散記—獻給父親》是我和父親的聯合創作。空間裡的藝術作品是我父親的畫，我父親在2017年逝世，作品的刊登則在2018年，在我心裡，這個作品是獻給父親的致意。   空間規劃裡，要揀選哪些畫作、對應哪些家具和設計，都是我與父親對話的一種方式，透過這樣的思考，讓我理解了藝術的存在不應該被侷限在美術館，它也能融入生活，透過空間做到更好的表述。   至今在《室內interior》發表的最特別作品《湖濱散記—獻給父親》。取用梭羅《湖濱散記》華爾登湖及木房子的意象，凝鑄於空間，將其父陳道明八幅抽象畫作自藝廊攜入生活場域，詮釋畫作與空間的雙聯展。（詳見《室內interior》294期）     您所主張並實踐的空間精神／美學？ 有了孩子之後，我對設計和生活有了不同解讀，已經超越對美的追求。對現在的我而言，有一件事情是能夠超越美的，那就是愛。   當你將關愛之情投注於設計，對業主的關懷會讓你看到空間不同的可能性，就好像以前我會希望行李箱保持乾淨純美的狀態，但是當我發現自己的孩子在上面貼滿心愛的貼紙時，我會捨不得撕下來，也在那一剎那從對美的堅持進一步跨入對愛的包容。   每個住宅空間都承載著家庭成員的互動與情感，我必須在這當中投入關愛之心，才能把各方面都料理完全，用更寬廣的視角與更柔軟的心態去看待，才能讓使用者在空間裡感受幸福。我不太刻劃風格，更樂意用「後風格」來定義自己，「後」這個字，可以解釋為在風格之後，也可以是反風格的意思。我希望自己的作品能貼合業主的需求與期待，呈現獨一無二的靈魂。     您對未來的期許？ 導演李安曾經說過，風格是一種心魔。如果你執意要表現出某種特定風格，它反而會限制你的發展。反觀創作這件事，如果我執著於表現自己，它反而會侷限了設計能量，我希望未來能在持續變化裡嘗試更多挑戰，湧現更多創作能量，並且從中獲得樂趣。   我認為心態保持快樂有益於創作，我不認同堅守苦行僧般的嚴肅情緒，即使面對挑戰也會抱持與業主一同「遊戲」的愉悅心態，讓彼此激發創意的火花，用開放心態理解對方生活，明晰出「家」的形貌。   我發現，縱然業主對居家懷抱不同期望，他們的共同點都是期待「精緻」，這份「精緻」正是「城市設計」的專業體現，「精緻」是設計、機能、美學、溝通、服務的總合，我期許團隊能不斷打磨、提升，一同交流、學習，踏實且認真地對待每一天。     《室內interior》已經35 歲，請給我們鼓勵與話語。 媒體需要考量很多面向，比如市場定位和觀眾喜好，但是如果顧慮這些，就會在創作時絆手絆腳，我覺得《室內interior》很勇敢的地方在於，能放下來自市場與流行的束縛，專注思考要為讀者呈現什麼樣的美學內涵與設計內容，請繼續保持這份純粹。同時，也希望今後能透過《室內interior》將台灣的作品推廣出去，讓更多人看到台灣設計的多元與精彩。     《室內interior》一直專心思考要為讀者呈現什麼樣的美學與設計，請保持下去。 資料及圖片提供」城市設計  採訪」室內雜誌編輯部、江瑜