記得奧罕．帕慕克的《純真博物館》，故事主旨以男主角凱末爾對女主角芙頌的愛為核心，透過不斷收集她使用過的物品，以填補得而復失的遺憾；作者收集現實中對應的物件，蓋起一座真正的博物館，透過這些觸手可及的物件，就像故事中的情節落入現實。如果愛一個人，就連她遺落的菸蒂都是可愛的，只因那些菸蒂牽引過她不同時間和不同地點的情緒變化，看到那些遺落的物件，彷彿就看到通往特定回憶的鑰匙。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《軀幹》，2023，無聚氨酯泡膠塗佈於無酸紙，69.1 x 54公分。     臺北市立美術館兒童藝術教育中心（簡稱北美館兒藝中心）近期推出的展覽「痕跡悄悄話」，就像是屬於大眾回憶的「純真博物館」，策展靈感源自於日常中不經意留下的痕跡：床單的褶痕、地上的腳印、揉成一團的紙張，或衣物上的汙漬……這些常常為人忽略的細節，無聲地訴說著生活的軌跡。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《憂慮》，2023-2025，布料、發泡膠、鋼繩與金屬結構，330 x 174 x 180公分。     由館內策展人郭姿瑩策劃，邀請法國藝術家戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé），以及台灣藝術家劉書妤與蕭禹琦共同參與，以「痕跡」為主軸，作品涵蓋立體、陶土、錄像與空間裝置等多元形式，另外包含兩件委託創作。邀請觀者透過藝術的角度，重新凝視生活片段，在日常細節裡尋覓那些悄然留下的印記，細品那些無聲遺留在時光中的意義。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《敏捷#4》，2016-2025，布料、發泡膠、塗層、環氧樹脂、木結構與人造草皮，100 x 135 x 179公分。     個體和外在環境的對話與連結   三位藝術家透過自身的生命經驗和獨特的眼光，將抽象的回憶轉化為具體的藝術裝置，引導大小觀眾與其互動，觸發自身的情感共鳴。如法國藝術家戴爾芬・普伊耶，她的作品聚焦於肢體移動與環境互動的軌跡，利用拓印與雕塑般的造型，定格瞬間的動態。作品《軀幹》和《憂慮》皆取材自引體向上的動作，呈現身體繃緊的肌肉張力。     蕭禹琦《棉被山景》（螢幕截圖），2020，錄像，3分10秒，循環播放。   《敏捷#4》則表現身體伏倒在橫桿上，彷彿摔倒或是力竭的瞬間。她先繪製圖案、剪出模板，再以發泡膠壓製身形，透過手作過程的手部力道差異，留下獨特痕跡，形成懸浮於二維與三維之間的人形印記，凝聚時間、動作與材料的交會。   蕭禹琦《蔓延攀爬》，2025，二手衣料、布料，尺寸依空間而定。     蕭禹琦的創作則捕捉日常中易被忽略的細節為靈感，以臥房為舞台，展現作品如錄像《棉被山景》，每天為起床後凌亂的棉被拍照，串聯每天不斷變化的「棉被山」，將時間的流動轉化為可見可感的影像。     劉書妤《裊裊：或者目送一顆蘋果》，2023，瓷土、色料、釉，10 x 10 x 10公分。   《蔓延攀爬》則是邀請觀眾共同參與的限地製作，也是為回應本展覽創作的委託新作，藝術家向大眾募集舊衣，將貼合身體的布料剪開、編織，重構為自牆面垂降到地面、如同瀑布般的布料地景，不僅富有視覺衝擊，同時也將眾人的舊衣背後的回憶、生活與思緒悄然交織。   劉書妤《漫遊者：地理》，2025，台灣陶土、八里山土、砂、木作、不鏽鋼網、紗布、聲音裝置，尺寸依空間而定。     《裊裊：或者目送一顆蘋果》創作靈感源自藝術家劉書妤在外公告別式期間，注視著煙霧一縷縷消散於空氣中，感受時間和生命無聲地流逝的經驗。以蘋果象徵時間與記憶，螺旋狀的蘋果皮造型仿擬繚繞的煙，從新鮮到腐壞的過程，映照出生命的脆弱與無常，也引發觀者對告別與失落的共鳴。     「痕跡悄悄話」展場照。   《漫遊者：地理》則以陶土版畫組構出城市風景，窗戶、磚牆、路標與欄杆……將心理狀態轉化為日常景象的立體地圖。對劉書妤而言，創作是一場「漫遊」——以身體與感官重新感知熟悉的街道，並將個人記憶與地方經驗凝結於作品中，讓平凡場景成為獨特而私密的思想痕跡。   「痕跡悄悄話」觀眾創作區。     展覽的動態延伸   在藝術家的作品展陳之外，本展還有特別為觀眾設置的互動創作區域，邀請展出藝術家戴爾芬・普伊耶與劉書妤將作品概念延伸，以及特別委託藝術家廖祈羽與張暉明共同設計「時間碰碰撞撞」體驗裝置空間，透過親身體驗貫徹展覽的核心主旨，邀請觀眾實際動手參與，從中探索行為與痕跡的關係。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     展期間舉辦多場定時導覽、團體導覽、故事日，同時也和野孩子肢體劇場、展出藝術家蕭禹琦、劉書妤合作推出「我們曾經坐在這」默劇表演、「影子的房間」夜光工作坊及「我的美術館遊記」拓印工作坊等適合不同年齡層的工作坊與演出，透過更加多元化的形式，以及更加生動的表現，探索生活中的藝術。   「痕跡悄悄話」 展期」2025年9月27日至2026年2月22日 地點」臺北市立美術館 兒童藝術教育中心   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

時值初秋，新加坡濱海灣金沙會展中心再次迎來設計界焦點盛事。FIND－Design Fair Asia第四屆展覽於近期盛大落幕，匯聚來自22國、超過250個頂尖品牌，五座國家級展館，以及85位世界級講者，共同勾勒亞洲設計的未來藍圖。 「2025 FIND－Design Fair Asia亞洲設計展」主視覺。 作為新加坡設計周的重要環節，不僅是設計成果的展示場，更是數千名設計師、創新者與產業領袖進行深度對話、激盪創意的核心平台。從國際設計巨擘到嶄露頭角的在地創意工作者，FIND體現設計領域中全球化與本土性的共榮。   國家展館：設計文化的多元敘事 展場中，五座國家館以其獨特的文化底蘊與設計哲學，成為訪客探索世界設計脈動的窗口。   左：Fas Pendezza；右上：Il Giardino di Legno；右下：Swan。 義大利館彰顯「義大利製造」的極致工藝與創新精神，從FAS Pendezza精緻的經典遊戲桌、Il Giardino di Legno量身打造的戶外家具，到Swan永恆的軟裝家具與Composit的現代廚房與室內設計，義大利品牌持續引領卓越的全球潮流。特別的是，展館內陳列奢華皮革配件、織品、手工寢具、裝飾塗料及威尼斯玻璃等，充分展現傳統與創新並存、工藝與科技共舞的設計價值。   左上：Wasoo；左下：Mobella​；右上：PDM；右下：Res。 泰國館以「Living Thai Space: The Absence of Power」為題，呈現一場融合傳統、創新與永續性的動態展演。Mobella將舒適感與國際美學融入家具設計；PDM則將泰國文化轉譯為當代設計語言。RES展現鋁製工藝的專業，WASOO則以稻稈等生物材料突破永續設計邊界。 左：Maison Craft；右上：Bendi-Bangkok；右下：Sculpture。 此外，Maison Craft與在地社區合作，發揚自然材質的工藝傳統；Sculpture展出包括聞名世界的Sexy Chair在內的未來家具；Bendi-Bangkok則以永續實踐進行實木彎曲技術的創新，共同刻劃出當代泰國設計的豐富面貌。 Knights Craft。 印尼館以「Embracing the Earth Society」為核心概念，透過九家參展商展示該國文化活力、創新實力與永續理念，聚焦於尖端材料與中小企業的成果，反映印尼在全球設計舞台上日益重要的地位。 捷克家具品牌mmcite。 展會現場亦匯集來自捷克、香港、法國、日本及中國等地的優秀品牌，形成一股強大的全球創造力浪潮。捷克館的Hunat、mmcite等品牌，香港集合CSI Floorings等團體、法國Casamance、日本Anonimo Design與Sanyei Corporation、中國的Bonas與JNJ Mosaic等，均在此齊聚，共赴設計界盛事。   捷克玻璃工藝品牌Hunat。 另外，由獲獎工作室A Life by Design設計的FIND全球高峰會會場，本身即是一件沉浸式裝置藝術，其以「設計國度」為主題，運用新加坡代表性的紅色為主調，搭配季節色彩、未來感入口，以及超過千公尺的精細布料構組而成。Anonimo Design的漸變弦線屏幕、Events Partners的座椅，以及Mill利用回收材料製成的地毯與家具，共同將新加坡推向全球設計前沿，創造既具象徵意義又充滿轉化能量的空間。   Anonimo Design。 設計靈感在一個個精心打造的展位中具體成形。義大利品牌Danilo以其藝術性牆面飾材聞名，此次展位靈感源自森林的層次生態與羅馬競技場的宏偉，引領訪客深入其設計世界。牆面藝術專家Arte則將展位構思為一座自然綠洲，有機形態、綠意點綴與設計師家具共塑出精緻而溫馨的氛圍，促進探索與交流。   左上：AID；左下：Arte；右：Deluxe Systems。 思想交鋒：全球高峰會的深度對談 為期三天的FIND全球設計峰會，匯集了來自23國、超過80位業界領袖，針對建築、酒店、地產與創新等領域議題進行演講。議題涵蓋城市韌性、人工智慧創新、具意義的奢華設計與文化認同等。 從左至右依序：Mario Cucinella Architects創辦人Mario Cucinella、Keiji Ashizawa Design創辦人Keiji Ashizawa、Ramboll的全球設計總監Hossein Rezai-Jorabi、 札哈．哈蒂建築事務所（Zaha Hadid Architects）Simon Yu總監。 重磅講者包括Mario Cucinella探討「創造性同理心」、札哈．哈蒂建築事務所的Simon Yu論述「都市轉型：建築作為變革催化劑」、Ramboll的Hossein Rezai-Jorabi分享「一個過去，多種未來，多重現在」以及Keiji Ashizawa闡釋「量體的層疊：空間與物件的整體觀」。 左：Gensler常務經理Angela Spathonis；右上：EDG Design設計總監Erin Juhl；右下：SOM副主理人Shumin Zheng。 今年高峰會亦引入關鍵女性視角，如Gensler的Angela Spathonis、SOM的Shumin Zheng及EDG Design的Erin Juhl，共同探討設計如何回應當今社會、文化與環境的挑戰。國際照明設計師協會（IALD）、亞太空間設計師協會（APSDA）及新加坡室內設計師協會（SIDS）等專業組織亦帶來專題討論，從光線在空間中的塑造，到文化遺產推動科技永續，乃至彌合設計教育與業界實踐的落差，內容十分多元豐富。為支持專業發展，所有峰會環節均提供免費的SIDAC持續專業發展積分。   新銳發聲：EMERGE @ FIND的視野拓展 由新加坡設計理事會呈現、FIND支持的EMERGE @ FIND，本屆以「設計中的對話」為主題，迎來最大規模展覽，從東南亞擴展至泛亞洲舞台。新加坡品牌SUPERMAMA創辦人Edwin Low首度擔任聯合策展人，與Suzy Annetta共同策劃。 左：SUPERMAMA創辦人Edwin Low；右：Design Anthology總編輯Suzy Annetta。 展區匯集超過75位設計師與百件作品，迎來自中國、香港、日本、韓國及台灣的新聲音，與東南亞的知名創作者並列。其中七位設計師更獲選為年度「FIND社會先驅者」，包括韓國OK Kim、印尼Threadapeutic、菲律賓Meyte Chen等，為展區注入大膽新穎的觀點。   從左至右：韓國設計師OK Kim、印尼設計師AlvinT、菲律賓設計師Myte Chen。 FIND－Design Fair Asia的VIP買家計畫，專注於為頂尖設計、家具及燈飾品牌，與東南亞地區的優質買家進行精準商務匹配，透過客製化議程與預先安排的一對一會議，協助品牌與分銷商、設計公司、地產開發商及酒店業領袖建立深度連結，除了發掘新品，更能參與高峰會與導覽考察，掌握產業趨勢。在250個國際品牌支持下，展會成為全球品牌，向東盟及亞太地區邁進，創造顯著的商業價值。   2025 EMERGE@FIND參展作品。 資料及圖片提供」Fiera Milano、dmg events 編輯」林靖諺

利用影像記錄生活已經是日常中不可或缺的一部分，無數拍攝上傳的畫面，就此拼湊出一個人的小世界，然而無論是現實中抑或虛擬，保存的空間終究有限，在整理影像的去留時，一幕幕過往的回憶又觸動了多少心弦？     《新店 直到她跟鏡子說話，我們開始變成朋友》，2021，45 x 60cm。     《相機不見了》是攝影師陳建維在谷公館的首次個展，展覽內容一百多幅攝影作品，有些臉孔是他熟悉的親友，有些只是旅途中共享片刻擦肩的過客；有些場景熟悉一如台灣民眾的日常，有些畫面卻來自地球另一端，對觀眾來說連在網路上都不會刻意去查詢背後的資訊。這些零星的光影相互串連，橫貫2020至2025五年的時光，展現攝影師所踏足的國家與經歷的人事物，將喜怒哀樂定格於畫面中，成為永恆的風景。     《台北 嗨！法蘭～》，2022，120 x 60cm。     《台北 認識的小女孩長大了》，2022，45 x 60cm。     失而復得的紀錄   曾在音樂界、時尚名人圈拍攝眾多作品的攝影師陳建維，主修電影出身，後專職於平面攝影，在作品中融入電影般的敘事氛圍。本展以《相機不見了》同名創作命名，靈感源於他遺失相機的真實經歷，他形容當下的心情：「記憶像著急的跑馬燈」，過去曾經紀錄的種種畫面，那些曾經的光影、心跳與呼吸，一瞬間全都宛如當場蒸發。     《東京 以後盡可能不住在澀谷》，2023，60 x 45cm。     原來一台相機能裝下的，不只是影像，而是這幾年所記錄的自己，器材的遺失，不僅是物理上損失了一個工具，更象徵著個人視覺記憶的斷裂，失去相機的佐證，連帶記憶的細節也變得不再篤定。陳建維先生於心頭許願，如果失而復得，期待以此舉辦一場派對、或者準備一個擁抱，贈與陪伴自己多年的親朋好友，意外的是，隔天就在與家人翻找過數次的桌邊角落尋得相機的蹤影。     《台北 她問大人，不能多說點好話嗎》，2023，45 x 60cm。     如此戲劇性的失與得，觸動了陳建維攝影師。多年職涯，初期以拍攝人與土地為主的他，後逐漸延伸至流行雜誌、唱片、時尚與廣告等領域，跨過平實的民眾日常和炫目的商業場景，他都能從中找到激發強烈情緒與姿態的觀察角度。對陳建維攝影師來說，攝影不只是工作，更像是一場蒐集畫面的遊戲，在為作品起名的過程裡，他曾說：「相機是一種幻術，真正生活的人比較重要。」如此在鏡頭下捕捉無數光影的變幻，也拼湊人們在當中生活的真實。     《聖米歇爾 真正生活的人比較重要》，2023，90 x 120cm。     《墨爾本 山丘上的盤絲洞》，2023，60 x 120cm。     情感與記憶的重構   《相機不見了》是一場關於失去與重逢的影像敘事，也是一場重構視覺認知與縫合時間的行動，步入數位影像時代，人們一邊從拍攝的畫面中尋求真實，一邊又再加以精工修飾。當記錄的過程因突如其來的意外被迫中斷，記憶與觀看也隨之產生裂縫；影像的存在，見證了一段被打斷、又重新串起的記錄旅程，以記憶為軸，在整理影像的同時，對過往所發生過的一切進行再拼貼與再詮釋。     《墨爾本 我最喜歡的位子》，2023，45 x 60cm。     在這五年當中，陳建維攝影師將所見所聞編織成一首影像敘事詩，笑與淚在畫面背後的事件裡交錯，內容包含家人的失智、因此淡化雙方的衝突和對立，反而讓他與對方重拾親情，得以建立新的情感聯繫，成為可以互相微笑的朋友。還有在法國記錄好友謝淑薇重返網壇的心路歷程，以及騎著單車追逐陳彥博在巴黎公園訓練跑步的軌跡。跟曾寶儀是小學同學的他，曾相約一同去阿里山採藍莓，好友燦笑的臉龐，也為陳建維攝影展點綴了美麗的光彩……在這當中流動的情感與時光背景，也等待著與有過相同情感經驗的來賓與其產生共鳴。     《新店 他找了一整天的相機》，2024，80 x 120cm。 《萬里 消失的海邊泳池，有小黑在》，2024，60 x 90cm。     與其合作超過25年的音樂人李宗盛曾形容陳建維攝影師拍照偏向單純喜歡這件事，而非著重於留下自我的證明，在按下快門的瞬間，不知道且不理會，時間的長河將賦予這瞬間怎樣的意義。「失而復得」反映的是一種普遍而深刻的人類經驗，這些影像中的人與物已經隨時光長河沖刷至無法回返的彼岸，然而留下的記錄仍如許真實、觸手可及，創造第二次擁有和失去的可能性，是否仍舊保有最初的情感與意志，抑或已然成為新的記憶？     《彰化 有光》，2024，45 x 60cm。     照片中發生過的事件已然發生，但人們觀看的視角卻已經不同，經歷疫情爆發、解封，世界又恢復自由的日常，而生活仍在繼續、記錄不曾停止。   《相機不見了：陳建維》 展期」2025年8月30日至2025年11月1日 地點」谷公館 MICHAEL KU GALLERY（台北市敦化南路一段21號4樓之2）   資料及圖片提供」谷公館Michael Ku Gallery 編輯」江瑜

家具是人們生活的友伴，是刻劃生活溫度的承載器具。一件心愛的木家具，就像貼心的知己般，陪你度過歲月時光，溫柔承接你疲憊的身軀，給你安心的依靠。   在重視量產與速度的時代，台灣各地有一群真心熱愛木家具的匠人，日日親手打磨每一件木家具，呈現它最動人的紋理與姿態，給予每件家具獨特的靈魂，讓它們跳脫了一般家具的定位，升華為可長久傳家，蓄含生活故事的器物。   財團法人新光三越文教基金會與路力家器具攜手舉辦的2025木質生活展《未定的輪廓》，將台灣木作工坊與木作匠人的精彩作品同場並呈，9月26日至10月6日於新光三越台北信義新天地A9九樓宴會展演館，帶領觀眾進入木作人的世界，踏入一場融合產地故事、工坊製程，到創意設計的旅程。        木創作的感官旅程 2025木質生活展《未定的輪廓》帶領觀眾走進木家具的前身至成型，從沉浸式的參觀過程裡，感受木作人的世界，體會他們對木家具創作的執著與熱愛，從木香氣味到輪廓紋理，探訪手工木家具最動人的溫度。   展區一：尚未成形　回溯源頭的產地故事 走進原木的世界，回到雕琢前的真實面貌，從木種原貌、紋理到氣味，感受它最純樸的質感，各具特色的紋理與節點，呈現每塊木材獨一無二的特色。   展區二：未成之聲　工坊製程的沉浸式體驗 捕捉創作過程的瞬間，透過工坊內的聲音、景象、設計原稿的交織，重溫創作過程的一抺光景及木家具成型的瞬間。   展區三：日常輪廓　創意設計落實成型 精選品牌原創家具與小木器，展現它最具生命力的美好樣態，呈現每件手作的內涵與故事，實木不同的色澤和質感，傳遞工坊的創作哲學。 特色看點 木作職人不僅是木藝的創作者，更是促進自然原物與時光對話的書寫者，每件作品都注入了他們對於木頭的熱愛、對環境與時光的禮敬、對創作的堅持與鑽研，透過2025木質生活展《未定的輪廓》精選作品，並呈著他們的理念與個性。   雙手創造的美麗之物　路力家器具 重視細節、觸感的「路力家器具」，從設計到工藝，專注於家具的榫接與流暢曲線，細心傳遞實木溫潤質地與獨特紋理，讓它成為療癒人心與留存情感美麗收藏。 作品：Y4 休憩椅 - 單人款 介於沙發與餐椅之間，外露的結構設計，結合舒適面料的包覆，厚度僅不到5公分的曲面變化薄型背墊，呈現視覺輕盈且予人高舒適度的乘坐體驗。（路力家器具）   木工與木雕並治的結晶　木夫 「木夫」作品樸實、低調且溫潤，融合木工與木雕專長，重視留白與簡約線條，賦予木創作功能與詩意的平衡，讓自然原料隨著歲月積累蓄存溫度，化為生活裡最動人的陪伴。 作品：Woody 掛勾 造型簡單趣味，像是牆上冒出來的小鬼或是探出頭來的毛毛蟲。吊掛功能性之外，也以小型雕塑作品融入家中。（木夫）   用永續理念讓木作新生　even 重視自然永續的木藝工作室「even」，擅長讓回收木轉化新生，保留其歲月痕跡，將生活感觸融入家具與藝術之間，製作令人莞爾且友愛環境的個性作品。 作品：果樹盤 可擺放水果、點心或各種小物，為餐桌與空間增添可愛趣味。（even）   讓台灣檜木綻放新生　w2 wood work 「w2 woodwork」從台灣檜木出發，重視永續環保及木料循環利用，以「reuse + rebirth」的精神，把檜木的清新與自然帶進居家生活，連結人與土地的記憶。 作品：台灣檜木 格柵電視櫃 格柵門片有著散熱功用，同時將檜木香更好地傳散於居家，為生活中增添木質的美麗與香氣，予人來自森林的清新氣息。（w2 wood work）   實用本質精工入裡　微一設計 「微一設計」致力於將傳統工藝結合當代美學，採用天然木材結合車枳、雕刻、鑲嵌等技法，融合台南傳統的「茄苳入石柳」鑲嵌工藝，讓木製品不只有實用性，也是長存於生活的美麗愛物。 作品：花瓶鳥｜大．小 用木藝精工創作的花器，將花草化為鳥類頭冠，在變換花瓶鳥的髮型中，增添生活樂趣。（微一設計）   集結城市力量的推廣平台　優木良品 「優木良品」由嘉義市政府文化局推動，藉由木產品認證機制，為優質木產品與品牌形象加值，透過創新設計、生活論壇等多元切角，推廣臺灣木產業、木工藝與木教育領域，形塑臺灣木產品生活風景。   作品：STAND Series－C型邊桌・胡桃木 簡約線條與輕盈造型，讓木家具擺脫厚重印象，有了融入多種風格空間的可能。細節上呈現的榫接工藝與天然木紋理，訴說了它出眾的精緻質感。（優木良品—卓恩研究室）   作品：優木良品—來嘉座 以螺旋形路線及之字型折返鐵道呈現生動的視覺姿態，融合舒適與功能的單椅展現積層曲木的工藝與職人精神。（優木良品）     木工藝，有著歷久彌新的經典魅力，透過一代又一代的木藝匠人，傳承精要、探索新藝，媒合了傳統元素與當代美學，創造合於需求且具收藏樂趣的木作，讓自然與永續成為可親近可實踐的進行式，2025木質生活展《未定的輪廓》透過展覽忠實展現了台灣當代木作人的情感、溫度與那些值得收藏的品牌臉譜。   2025 木質生活展《未定的輪廓》 展期」2025年9月26日至10月6日 地點」新光三越臺北信義新天地A9 九樓宴會展演館 ※ 每日開放時間依百貨營業時間為主。 了解更多活動資訊：https://reurl.cc/EQm8Rn 

劇場是一個有趣的平台，不僅是呈現藝術的所在，同時也讓觀眾與表演者所闡述的故事在此交會，透過講述與演繹，或寫實、或抽象，讓觀眾得以自由選擇站在抽離或投入的角度，去觀看每個事件的來龍去脈。臺北表演藝術中心以台北這座城市為出發點，通過每一次的表演與策展，嘗試與世界建立對話的橋樑，就在不斷的對話與想像反覆辯證的過程中，這座城市的外在形象與內部本質逐漸清晰成形。     蘇文琪、YILAB一當代舞團，《暗宇之感》。     第27屆台北藝術節以「超限動」為主題，有感於現代生活中的食衣住行皆經過資訊數字化，長期沉浸在串流、訊息與可編輯圖像，人們的思維不斷被真假資訊填充；期待透過科技、身體、記憶、地景的交織，邀請民眾走入劇場，重拾感受與思辨的力量。8檔精選作品，橫跨劇場、舞蹈、影像等多元形式，展現當代表演藝術的豐富面貌，在無法重來的演出中，鼓勵觀眾關閉手機，敞開與生俱來的感官與心靈，以便盡情感受每一分每一秒都無法複製的真實經驗，深入藝術的觸動與城市的溫度。     蘇文琪、YILAB一當代舞團，《暗宇之感》。     真實與虛擬的交織   北藝中心逐步拓展「亞洲共製中心」角色，透過與國際機構的合作，以及跨國藝術家的創作計畫，帶來《暗宇之感》、《旅行的舌頭》、《黏著的手、縫合的山體》等作品，跨國合作的展演於國際連結等面向展現文化活力。藝術家蘇文琪與YILAB一當代舞團 《暗宇之感》邀請觀眾潛入黑暗、釋放五感，「體感」是這趟旅程的核心，是一場身體的深潛與感知的航行，在抽離視覺干擾後，透過每一次呼吸，重新憶起肉體與意識之間的聯繫。     蘇文琪、YILAB一當代舞團，《暗宇之感》。     《旅行的舌頭》集結台灣劇場導演李銘宸、作家溫又柔、日本劇場導演張碁（Jang-Chi）和菲律賓藝術家奈絲．蘿柯（Ness Roque），以「食物」為主題，反思食物如何反映國家和不同文化中的轉譯。《黏著的手、縫合的山體》則由泰雅族視覺藝術家林安琪Ciwas Tahos與日本舞蹈藝術家松本奈奈子，以「迭馬哈霍伊」和「山姥」兩個分屬不同脈絡的傳說，向觀眾闡述來自不同母系文化的女性力量。     蘇珊娜．甘迺迪，《安琪拉拉拉（無限循環中）》。     《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》，由三位藝術家洪千涵、洪唯堯、曾睿琁共創，歷時四年的梳理彼此的真實關係，解構姊弟、伴侶、姻親等社會身分，重新解讀倫理議題，看似單純針對生殖技術的疑問，細密牽動著情感、倫理與責任的細線。     林安琪Ciwas Tahos、松本奈奈子，《黏著的手、縫合的山體》。     《演算混亂ㄐㄧㄑㄧˋㄖㄣˊ》（jactynogg zontaanaco ジャkuティー乃愚・存taアkoコ）的創作者日本剛左小組（contact Gonzo），透過即興結合打鬥、武術元素的演出形式，融合藝術家yang02以人工智慧、機器學習為主的藝術創作，透過AI機器技術重新詮釋人類的生活慣性，從中觸發不同的思考方向。     洪千涵、洪唯堯、曾睿琁，《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》。     集結國際共創   作為集體協作的社群實踐，台北藝術節聚集多位國際藝術家的支持與共製，呈現多部國內外首演作品，內容涵蓋AI實驗、親密關係、生態神話、表演與語言的多重維度，經由藝術家的眼光令繁複的主題相互交織，呈現獨一無二的精采，折射現實的感官記憶。     洪千涵、洪唯堯、曾睿琁，《FAMILY TRIANGLE：二生三，三生萬物》。     德國別具代表性的劇場導演蘇珊娜．甘迺迪（Susanne Kennedy）與藝術家馬庫斯．塞爾格（Markus Selg）的《安琪拉拉拉（無限循環中）》（ANGELA (a strange loop)），呈現在鏡頭前看似完美無缺的網紅生活，鉅細靡遺地循環日常，既是一場映照人類數位生存處境的鏡子，也是一趟深入後人類意識核心的感官旅程。     麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo），《斷片》（LAPSE）。     印尼國寶級行為藝術家麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo）的《斷片》（LAPSE）製造了一個暫時的避難所，在這段時空的間隔中，引領觀眾關注當代社會秩序走向混亂、連結逐漸消失的狀態；也將混亂與失敗轉化成詩意的能量，讓感官引領眾人經驗一場深刻的擾動與釋放。     麥拉蒂．蘇若道默（Melati Suryodarmo），《斷片》（LAPSE）。     《此時此地》（On Stage）的創作者瑪麗亞．哈薩比（Maria Hassabi）是一位來自賽普勒斯、現居紐約與雅典的藝術家，透過肢體動作釋放訊息，將空間與身體視為整體，觀眾眼前所見的一切，既是過程，也是結果，讓觀眾一同進入這份安靜與專注，不只是一支舞作，更是一場集體凝視的行為藝術。     瑪麗亞．哈薩比（Maria Hassabi），《此時此地》（On Stage）。     透過這次台北藝術節，自當代藝術出發，在劇場中編織連結，不同文化背景與議題得以同台共構，體現劇場不只是表演，更是「共創與共生」的場景，藉此串連人與人之間的共性，在盛大的虛擬敘事中，摸索真實的存在意義。   資料及圖片提供」臺北表演藝術中心 編輯」江瑜

台灣輕奢家飾選品品牌INLUXE CASA，近期獨家引進享譽國際、來自英國倫敦的藝術骨瓷品牌Rory Dobner，成為Rory Dobner官方唯一認證的台灣總代理，此次合作不僅是雙方近九年合作默契的深化，更為台灣居家風格注入一抹獨特的英倫藝術想像。 INLUXE CASA店內陳設。   藝術與生活的交會 來自倫敦的Rory Dobner，曾於1998年榮獲「Burns Young Artist of the Year」年度藝術家榮譽，擅長運用不同媒材創作風格鮮明的作品，而他與妻子Claire共同成立的同名品牌更以細膩的手繪插畫風格聞名，作品多源於與孩子的日常互動，將想像力轉化為令人著迷的視覺語言。 Rory Dobner。 品牌特色在於將藝術細節與實用設計結合，採用高級骨瓷瓷器與 22K鍍金材質，於倫敦工坊中純手工繪製完成；不論是22K鍍金骨瓷杯盤到香氛蠟燭、家飾物件，皆具收藏價值，也能融入日常生活。 手繪過程。   其中最受矚目的《愛麗絲夢遊仙境》系列，以Lewis Carroll的經典文學為靈感，將故事中的角色融合Rory Dobner招牌的黑白線條插畫，重新演繹奇幻場景；柴郡貓的神秘微笑、瘋狂帽客的天馬行空，都化為細膩線條，呈現於馬克杯、點心盤與燭台之上。喚起童年幻想之餘，也象徵當代人對「情緒價值」的追尋──對新世代的消費者而言，商品不再只是物件，而是一種情感寄託與自我風格的展現。Rory Dobner的愛麗絲系列，正巧用其迷幻與童趣風格，加上鮮明的故事，喚起人們的內在療癒感與想像力。 愛麗絲馬克杯禮盒組。   INLUXE CASA總監Brenda提到：「我們希望藉由這個系列提醒大家，錯誤與徬徨並不可怕，反而是生命養分。就像愛麗絲的旅程，每一次跌撞其實都開啟了未知的可能，堆疊出獨一無二的生命價值與意義。」 瘋狂帽子先生咖啡杯禮盒組。   爵士和愛麗絲點心盤中( 21公分)。 Brenda進一步分享，與Rory Dobner的緣分從一開始的選品引進，到今日成為官方唯一認證的台灣總代理，是一段跨國信任與美學理念深度結合的歷程。INLUXE CASA深耕歐美十年，期許能將更多優秀的品牌和創作精神引進台灣，也希望讓台灣品牌透過再造，與海外品牌展開更密切的合作，這樣的雙向交流一直是她打造輕奢生活新視野的核心信念。這份理念，也映照於品牌持續推動的跨界合作，此次攜手台灣男裝選品店 「Mr. Manners禮貌先生」與桃園複合式家居店「青苑昕」，藉由主題聯展、限定展示空間與品牌共創計畫，共同詮釋Rory Dobner的倫敦紳士精神與當代生活品味。 居家應用情境。   INLUXE CASA晶華麗晶精品旗艦店 地址」台北市中山區中山北路二段39巷3號B2     資料及圖片提供」INLUXE CASA 撰文」陳映蓁

北師美術館與國家文化藝術基金會「策展人培力＠美術館」合作，2025年11月2日前推出由新生代策展團隊Nn̄g Project策劃的「亂流：半睡飛行夢」展覽。 展場照。攝影：dulub studio 在飛行成為日常的年代，天空同時覆載著航空科技、資訊網絡與人類情感的流動，策展人張文豪、黃羿瑄及黃銘樂以「天空、飛行、航空、機場」為出發點，邀集來自南韓、香港與台灣的九位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時也思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化。 展場照。攝影：dulub studio   展覽靈感源自英語諺語 The Sky’s the Limit（無可限量），策展團隊卻將其顛倒為 The Limit’s the Skies（極限就是天空），拋出提問：「當全球移動與資訊傳輸如呼吸般頻繁時，我們是否還能共享同一片天空？」在這個被衛星監控、訊號交織的時代，天空早已成為無形網格的一部分，而飛行經驗也不再只是浪漫自由的隱喻。 展場照。攝影：dulub studio   機場場域的再造 展覽以「機場」為策展核心，四件特別委託製作的新作圍繞「流動」展開，呼應機場作為跨界節點的複合意義──既是不同區域交會的運輸節點，也是許多法律與管理程序的執行地。 展場照。攝影：dulub studio   一樓大廳由台灣藝術家張庭甄以《祝福是不幸的尾巴》系列揭開序幕，模擬航班顯示器與虛構太空垃圾的起降時間，並結合聲音與報刊的裝置，建構出一個平行時空的「出發──抵達」場景。香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》將窗外雲海化作流動的內心劇場，讓觀者在視覺與情感的交錯中遊走；同樣來自香港的徐皓霖，則以《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。 張庭甄《祝福是不幸的尾巴》系列。攝影：dulub studio   李鈺淇《把我的眼睛沉入你的眼睛》。攝影：dulub studio 進入二樓，曾彥翔的裝置《Wet Edge of A Circle》利用幾何結構呼應塔台與航廈物件，營造靜止卻不斷延展的「流動」感；而林彥翔的兩組作品分別以成田與桃園兩座機場為起點，交織出個人視角與區域地緣、歷史記憶與當代空間再造之間的張力；新作《來自塔的預言》則追溯成田機場抗爭的歷史，將個人經驗、地緣政治與土地記憶疊合，讓飛行不僅僅是抽象的旅程，而是與現實衝突交織的辯證。 曾彥翔《Wet Edge of a Circle》。攝影：dulub studio   首次來台的南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安 v2.0》重現匿名影像網站的社群機制，挑戰演算法宰制的網路生態；勞麗麗的《飛行備忘》則將候鳥遷徙與田野影像並置，探索落地與飛行之間的情感協商。 洪辰煊，《午安，晚上好，晚安 v2.0》。   李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則如旅途中隨筆般，以紙張與廣告片段拼貼出漂浮的時空。台灣藝術家羅懿君的作品更直接觸及物質與政治的交錯，將甘蔗、農具與健身器械轉化為《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機──紫電號》，指涉資源、戰爭與身體之間的矛盾平衡。 李秉璈，《滯緩與神遊：空船》。   在亂流中尋找航向 「亂流」不僅象徵飛行的突發狀態，更是策展團隊對當代處境的隱喻。當人們穿梭於跨境流動與資訊網絡之間，飛行已成為觀看社會景觀、身體狀態與文化記憶的折射鏡，展覽藉由機場的場域轉換，召喚觀者對「天空」的凝視與反思，重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。   亂流：半睡飛行夢 日期」2025年11月2日前 地點」北師美術館     資料及圖片提供」北師美術館 撰文」陳映蓁

在四川眉山的土地上，Club Med地中海鄰境．黑龍灘度假村坐擁5.6萬平方米的建築面積，紮根於龍泉山脈的層巒疊嶂與黑龍灘水域的靈動氣韻，以酒店為核心，向外延伸餐廳、泳池、遊樂園和水療SPA等等功能，空間中的每個面相皆鉅細靡遺地體現Biophilia（親生物性）的創作理念。     結合地形高低差，透過樓梯安排下沉景觀，環繞樓梯的巨型穹頂式環形螢幕，豐富通行路徑的樂趣。     通過系統性分析所在地的水文、地貌、植被等特徵，設計團隊將在地印象轉化為空間元素，以黑龍灘獨特的山水地形為基底，將自然意象注入設計中的每個環節，讓建築的骨架與地勢交織共生，在人文生活理念與自然環境之間建構有機對話。     大堂以航行於水面上的船隻作為主題，裸露的天花和木質結構帶來古時船艙的聯想，同時帶來通透的空氣感。     倚山擁翠 內外交融   全案主架構的設計靈感源自川西傳統的林盤聚落，受其不拘一格的體量布局、遍地綠色庭院、田野和山林所啟發，描繪了一幅建築與自然和諧共生的生態畫卷。在黑龍灘度假村的建築群間，交錯縱橫的植物與水池安於梯田般的結構上綻放，令建築塊體宛如於山野間生長，在美觀之餘，這些綠植也構成大堂中心串接不同區域的廊道，將各處獨立場域連動為一個整體，空間多採用大幅落地窗，降低室內外的隔閡，沿著不規則的建築走勢，視野轉折錯落，橫看成嶺側成峰，隨腳步移動，人為設計的符號與在地生態種種對應，令每個角度都可自成風景。     水的元素貫穿整體，蜿蜒步道輔以造型燈條，描繪有機流動的曲線。     大堂揚棄冗餘的裝飾性元素，利用空間架構表現雕塑般的震撼視覺，裸露的屋頂搭起宛如山脈般的形象，更通過其富有韻律的結構線條，強化場所精神，室內空間戲劇性的起伏與外部的自然景觀形成和諧奇妙的對照。兩側天花挑高夾道，效法層巒疊嶂的山體輪廓，配合頂部天窗陣列投下自然光，錯落疊映的天花縫隙和異材拼接，篩落層次豐富的光影肌理，宛如在山林漫步時，穿透樹梢和林蔭的細碎陽光。     雕塑如樹冠舒展、藤蔓延伸般的立柱造型，線條指向天花、往外漫擴，拉高整體視覺。     流動不息 自成脈絡   回顧黑龍灘的起源，素有「川西第一海」的美稱，基於大型人工水庫的修建，灌溉此地的生機，才扭轉了在地原先十年九旱的地理條件，成就如今的美麗風景。這段歷史淵源同樣深入黑龍灘度假村的設計，主建築體塊懸浮於人工營造的水面，輔以玻璃與落地窗，形塑湖水漫入空間的視覺幻象，水體的靜謐特性，既如鏡面倒映雲影與建築輪廓，同時隨風舞動漣漪與波光，為沉靜的空間捎來動態景色。     簡化樹木結構，構成餐廳的視覺焦點，木質立柱搭配藤蔓狀金屬裝置，拉近自然生態與一日三餐的關聯性。     前台設計如一葉扁舟，引人意會到度假村即是一處迎接無數船舟停泊於此方水域的寧靜港灣，跟隨大堂樓梯的引導，螺旋下沉的環形動線串連其他功能區域，環繞巨型穹頂螢幕以數位影像構建的海底世界，人群匯聚於此、川流不息，深入空間內部的過程既如步步走向地心、又似是探索地下深海。經過山水的滋養，生命得以破土而出，全日餐廳因而化為山林的姿態呈現，通過木質鋪陳，以及宛如樹木枝枒的立柱、天花結構，賦予空間野生的呼吸感，與窗外的樹頂相映成趣，也讓用餐的來賓化為森林生態的一份子。     水療區提取抽象化的竹子造型環繞坐區，間隙加入小巧照明，搭配牆面的竹葉圖紋，讓人彷彿置身於竹林間聽風小憩。     化山水於一隅偏安   流水意象如同無形筆觸，既串連起室內外的場景互動，同時又因應不同環境條件形塑不同場域樣貌，室外無邊泳池以台地式布局鋪展，鏡面水體與天際線相接，承襲天空的無邊壯闊；室內恆溫水樂園內含巨型葉脈天花、植物造型噴水裝置與滑梯，建構宛如童話世界般的雨林景觀。水療靜池則藏身於「水岸竹隱」之中，取用巴蜀竹林意象，在竹影婆娑間融入天然屏障，為放鬆身心的環境維護使用隱私。     酒店中的350間客房皆附設陽台，藉戶外風光豐富場景，進一步呼應人文與自然共處的主題。     圓形草坪作為室外活動區域，寬闊的空間富有多樣可能性，可舉辦派對或搭建休閒帳篷，與全通透玻璃幕牆的多功能廳形成可自由切換的使用彈性。350間客房均設陽台，邀請窗外的山景入室，寢區背景牆以「流雲」為主題意象，淺竹青與水墨線條交織，在坐臥起居的細節中感受自然的詩意。     衛浴間採用長虹玻璃作為隔板，平衡採光和使用隱私，在整體簡潔的設色背景中，白瓷浴缸和石紋地板的質感豐富了空間層次。     資料及圖片提供」P A L DESIGN GROUP  編輯」江瑜

來自英國的「光之雕塑家」安東尼．麥考爾（Anthony McCall），以「固體光」（Solid Light）藝術裝置聞名國際，被譽為跨越當代藝術與實驗電影的先驅，首度在台個展日前揭幕，內容涵蓋9件精彩作品、18件檔案文件，以及素描、攝影與錄像作品，展覽重點正是其近年備受國際肯定的「固體光」系列，完整呈現麥考爾從平面到立體、從二維到三維，乃至從電影到裝置的創作脈絡。     「光之雕塑家」安東尼・麥考爾首度在台個展，聚焦呈現麥考爾固體光系列代表作。     解構電影與雕塑   實驗電影自名稱回溯，「實驗」一詞就概括了整個領域的顯著特徵：例如非常規的敘事順序，故意的失焦、快速的剪輯，與畫面不同步的音軌等等，透過這些實驗性的拍攝手法，促使觀眾更加主動去思考觀看體驗，挑戰主流審美、探討電影的娛樂性和藝術性。作為一名實驗電影人，麥考爾自70年代就開始嘗試變化創作形式，受拍攝過程所啟發，他發覺經過攝影的框架與解讀，使作品呈現和觀眾所接收到的內容再一次出現了變化，以此延伸思考：是否能有一種創作方法，可以消解鏡頭語言的過渡，讓觀眾直觀地走進他所建構的作品畫面？     麥考爾固體光系列作品打破電影、雕塑與裝置的界線，在黑暗中帶領觀眾穿梭於光線、空間與時間之間，探索存在與感知的邊界，並與作品互動、融為一體。     展中必看的亮點之一《描述一個圓錐之線》（Line Describing a Cone），便是他在1973年搬遷至紐約定居、並投入「固體光」系列的首件作品，被視為當代藝術與實驗電影領域的重要里程碑，藝術家本人稱之為「第一部存在於真實三維空間中的電影」，捨棄主觀敘事，牽引觀眾與之互動。結合現代科技，此作以16厘米攝影機拍攝，一開始觀者會看見螢幕上呈現一個白點，緊接著以光為筆，描畫點、線、面，隨時間推進，延伸繪出完整的圓形線條，在螢幕與投影機之間的空間內，透過光束形塑立體的圓錐，打破抽象與具體的觀念。     探索光與時間的互動   展覽重點聚焦於橫向投影、結合聲音與空間感知的藝術裝置，在展場幽暗的環境中，利用投影光束和煙霧，呈現光的形體和可以觸摸的質地。除了《描述一個圓錐之線》(Line Describing a Cone)，亦呈現2000年後創作的3件橫向固體光系列作品，以及垂直投影之作，讓觀眾走入光中、融入作品的動態。同時，麥考爾的素描、攝影、手稿、錄像等作品，則自多維角度呈現其創作理念的不同面向。     《離去（靜默兩分鐘）》（Leaving (With Two-Minute Silence)）。當觀眾置身於黑暗空間中，在煙霧的輔助下，眼前的三維形體將更加清晰浮現，彷彿一座由光構成的雕塑。     若問藝術家如何看待自己的作品，麥考爾表示，他會採用Circle與Loop為其分類。Circle是結構型的循環，透過首尾相連的敘事，如《面對面I》（Face to Face 1, 2013）讓光等速重複的移動路徑，重點是讓觀眾自由穿梭在光牆間，自行決定體驗的始終；與之相對，Loop則有絕對的開始，此類項目以作品《離去(靜默兩分鐘)》(Leaving (With Two-Minute Silence)為代表，探索投影變化的節奏。在走進展場前，藝術家也提醒觀眾，不妨先看向投影機再轉身，自探索光錐所形塑的大型空間結構，再轉向研究螢幕上揭示的線描圖形，以便更加全面地將整體畫面收入視野。     視覺的革新體驗   綜觀安東尼．麥考爾的創作歷程，他橫跨繪畫、雕塑和攝影的領域，結合科技手法給予觀眾心靈上的觸動，不斷拓展藝術的邊界，這樣的挑戰精神不僅限於對外，也同樣對自身發起。一如展中的垂直投影作品《天光》（Sky Light），相較於其他作品橫向投影呼應電影播放的水平性，麥考爾轉而利用垂直投影，展現出另一種雕塑性的特質，此作以投射在基座上的方式呈現，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態，彷彿獨立演出的自然劇場。     垂直投影《天光》（Sky Light）模型，以投射在基座上的方式，展現固體光的雕塑性，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態。     黑格爾曾說：「身在純粹的光明，就如處於純粹的黑暗中一樣，什麼也看不見。」麥考爾無意將自己的作品限定在某個標籤中，透過創作不斷探索固有思維的邊界。在他創作的世界裡，「固體光」因應所在環境與觀眾的肢體語言相互對話，交織生命的動態，光的推進與退卻，不僅是物理現象，也象徵著人與人之間的際遇與流動，每一刻的珍貴，既是因為當下的獨一無二，也因為它銜接著下一刻嶄新的未知。     資料及圖片提供」富邦美術館 採訪」江瑜