司法改革的第一步—「國民法官」制度即將於 2023 年元旦上路。司法院委託台灣設計研究院協助，共同打造全新的國民法官法庭，透過全台以及離島 22 間地方法院的空間場域調查、深入研究服務流程，打造更舒適無壓迫感的參與體驗。 雙層法檯與 45 度角的檢辯席位，創造審判活動區的新互動（新北地院）。 近期正式啟用新北、南投、高雄地院 3 間國民法官法庭，由曾主持新竹、嘉義火車站改造計畫的蔡嘉豪建築師，再度攜手負責指標視覺的博瀚設計，採用同一模組的空間改造設計規範，為國民法官打造出溫暖明亮的法庭場域。 視覺與空間配置的巧思，打造沒有壓迫感的法庭空間（高雄地院）。  　 打造「以國民法官為主」的新型態國民法官法庭 司法院長許宗力表示，「國民法官法庭」是國民參與審判制度具體實踐的重要一環。本次國民法官法庭不只是單純設計法庭空間，而是致力於打造「人民參與」的司法殿堂。為迎接國民法官的加入，空間設計打破法院嚴肅、壓迫的傳統刻板印象，納入多元、包容、透明對話的語意，並兼顧多方使用者的需求，打造出讓國人能更安心參與審判的新型態國民法官法庭。 國民法官法庭雙層木作法檯，層次分明為新型態的國民法庭（新北地院）。   設計保留建築原始風貌，盡可能減少改動，透過全新設計打造親民面貌。新的法庭空間以白色、木質調為基底，象徵公開透明、溫暖且富有人性，並使用大面積的淺木材，傳達出「十年樹木 百年樹人」的象徵，同時法檯背牆則選用台灣特有的「和平白大理石」，形塑明亮視覺。 微弧型的天花線板從旁聽席延伸至主背牆，削弱垂直線條的冷硬感，並使視線通向法檯，並聚焦於司法天平上。法庭上配備「無障礙設施」，希望能使每一位參與審判的國民感到友善、可親，實現國民法官制度多元、同理及包容的精神。   和平白大理石主背牆與法官入口融為一體（高雄地院）。  　 調節職業法官與國民法官的互動方式 法庭中使用者多元，因應法檯座位需要容納 9 至 13 位法官與國民法官，規劃創新的「圓弧形雙層主法檯設計」，讓國民法官的視線沒有死角；坐在中間的審判長，也能夠隨時關照國民法官需求，讓審判的過程中更易於溝通。 檢、辯席位的 45 度角扇型配置，也使所有參與者都能夠聚焦於法庭上攻防，更有助於實踐證據裁判、公平審判的核心理念。除了法庭場域，用於討論案件的「多功能評議室」也進行改造，運用輕盈的色彩與軟性的材質，提供國民法官咖啡廳般的休息空間，減少流程進行中的不安感。 弧形法檯橫越整個審判活動區，形成良好的互動視野，讓參審者平等的參與審判（高雄地院）。   這次設計導入國民法官法庭的設計行動，讓嚴肅的司法領域有不同的樣貌。從民眾的角度出發，打造兼具美感與實用的新型國民法官法庭，希望讓每位參與的國民法官都能夠在這個地方，自在且自信的為正義發聲，落實司法參與的意義。未來也將由桃園、新竹、苗栗、彰化、橋頭、基隆、宜蘭等 7 所法院，繼續接棒完成國民法官法庭的改造挑戰。 國民法官休息室強調提供獨立休息空間的設計（南投地院）。   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」林慧慈

Gucci選址於佛羅倫斯領主廣場（PIAZZA DELLA SIGNORIA）開設Giardino 25全日咖啡餐酒館。   Gucci Giardino 25空間前任租客是座頗具歷史的花坊，此店命名靈感亦結合了花之元素，靈感來自於Gucci Garden的連結（Giardino即是義大利文「花園」的意思），25是品牌創意總監Alessandro Michele的幸運數字，除了經常出現在他設計中，現在也以此數字為餐酒館作名。   正如花店的繽紛色彩一般，這座空間也以對比作為視覺特色，讓室內景象與佛羅倫斯的周邊環境相襯，延續了過往花店的色彩、馨香與豐郁，同時融入了品牌的經典個性。店內有如一座藏身於城市角落的祕境，裡部舒適且略具隱私感。空間風格將傳統托斯卡尼商店與雅緻法式小餐館特色相融合，溫暖典雅，氛圍悠然。   佛羅倫斯擁有豐富的歷史文化與古蹟，城市濃郁的人文氛圍令人迷醉，Gucci Giardino 25餐酒館亦將環境的歷史特色表現於空間裡，一如品牌義大利工藝與奢華復古的特色，天花板上外露的木樑與滿室精工木作相襯，展現出18世紀晚期的風格元素。八角橡木拼花木地板、芥黃色立面，以及吧台與餐桌採用的雲紋大理石均為空間加入了典雅印記。   餐廳座區重視隱私感，除了鬆開桌距，線條古典的座椅採用孔雀藍皮革包覆，用舒適觸感款待消費者，在此亦可使用品牌家居系列 Gucci Décor知名的臘葉印花餐具系列用餐，享受悠閒時光。Gucci Giardino 25餐酒館全日供應餐食，採用預約制，自開幕以來，已是品牌支持者心中的城市新訪點。   Gucci Giardino 25 電話」+39 055 75927012 地址」Piazza della Signoria, 37r, 50122 Florence 圖片提供與版權」Gucci 編輯」Sumile  

新竹市文化局所屬南大路警察宿舍於2016年登錄為歷史建築，迄今已逾80年歷史。房舍保存完整，由新竹市政府出資整建，保留原有建築結構並考據當時生活樣貌，共留下兩棟日式建築房舍，成為新竹後火車站最有歷史風味的景致。2021年由時藝文化創意股份有限公司承攬營運，並以串聯古今地域與文化身分的「下竹町」賦予場館新意義。   下竹町外觀。 全台首度公開作品 認識竹塹建城軌跡 「下竹町」正式開幕之際，首檔展覽特別邀請台灣古建築研究第一人、學者及建築畫家－李乾朗教授展出其作，由燕樓故事館吳淑英女士策劃、時藝文化創意共同舉辦「築跡往・返」古建築手繪圖特展。 李乾朗教授於展覽現場速寫。 古建築是過去與現在對話交流的媒介，透過細細審視「築跡」，跟著房舍往返古今，彷彿引人穿越時空，回到過去探秘，進而更認識現今的一磚一瓦。   「築跡往・返－李乾朗古建築手繪圖特展」展場。 李乾朗教授被稱為台灣傳統建築先行者，更是古建築的知音人，與生硬的歷史研究不同，他以親筆手繪方式，記錄下他所走過、深入解析過的每棟建築。作為台灣傳統建築研究與文化資產保存維護的重要學者，李乾朗教授也是一位國寶級建築畫家，展覽現場有超過30幅他的珍貴手繪圖稿作品，當中更有8幅手繪作品是全台首度公開，獨家於下竹町展出。 首度公開的展件－下竹町解構透視手繪圖。 導覽影片帶領觀者以時間軸爬梳新竹300年來的建城軌跡，呈現民居、宗教建築、庭園樓閣到百年古城門等代表古建築作品，重現絕美的竹塹風情。此外，更搭配互動體驗區域「臨摹大師之手」，讓民眾跟著大師的透視之眼跟解構技巧，以全新視角認識新竹這座城市。  手繪下竹町。 串聯周遭景點 深入走訪城市 本次特展共分為3個單元，以時間軸展示，分類解析各式代表古建築案例，同時帶領觀者辨識新竹洋風建築特色。假日則提供團體定時導覽服務，在地居民及文史工作者透過個人記憶和歷史背景出發，介紹下竹町的繁榮風華跟展覽內容，期待藉由多樣化的藝文活動，串聯新竹動物園、孔廟、玻璃工藝博物館等景點，帶來一場有趣的新竹小旅行！ 築跡往・返－李乾朗古建築手繪圖特展 日期」2022年2月5日至4月17日（每周一休館） 地點」下竹町-新竹南大路日式警察宿舍 資料及圖片提供」下竹町 編輯」陳映蓁

由「精品酒店之父」Ian Schrager 於 2017 年推出的酒店品牌 PUBLIC，本著「平民奢華」的創新理念，為行業帶來衝擊性改革。時至今日，「奢華」的定義不再受限於金錢、物質享受、地位象徵等俗套思維，而是講求體驗與感受。PUBLIC 與時俱進，致力推動新奢華主義，設計屬於所有人的奢華體驗。 入口立面。 儘管在新冠疫情下，PUBLIC 關閉了將近一年半的時間，期間仍不忘為酒店注入新活力，並於 2021 年 6 月以全新形象示人。除了提供基本的奢華住宿服務，各項設備更是經過精心設計，充分展現出品牌嶄新的創作理念。酒店設有多元的餐飲選擇，包括新開業餐廳 Popular、Cantina & Pisco Bar 、全新現代雞尾酒吧 BAR CHRYSTIE、多媒體空間 HOUSE OF X 及經過升級的快餐市集 LOUIS。以上餐廳均由屢獲殊榮的秘魯大廚 Diego Munoz 主理，他曾掌管世界 50 大最佳餐廳中排名第一的拉丁美洲餐廳，擁有豐富的料理經驗。   全新夜生活空間 飯店大廳。 不論是小酌怡情還是盡興歡暢，PUBLIC 都會是享受夜生活的絕佳去處。旗下 5 間酒吧性格定位鮮明，除了多樣性的餐飲服務外，截然不同的氣氛、情調、風格都能滿足各類客人的需求。其中 BAR CHRYSTIE 將年輕一代的潮流文化發揮得淋漓盡致，提供一系列精緻香檳及以珍罕烈酒製成、超越傳統的創意調酒。其前衛風格正好與酒店身處的紐約下東區（前身為貧民窟及住宅區）形成強烈對比，盡顯創辦人 Ian Schrager 的個人特色—將兩種看似互不相干的原素結合，碰撞出意想不到的火花。   盡顯優雅氣質的 BAR CHRYSTIE 著重溝通與交流，務求成為一個促進人與人之間聯繫的公共空間。非一般的大堂酒吧，讓客人放鬆身心之餘更加入玩味風格，靈感來自 1920 年代—正值雞尾酒興起的好萊塢黃金時代 ，同時向傳奇酒吧如巴黎麗茲酒店內的海明威酒吧及威尼斯著名哈利酒吧致敬。 HOUSE OF X 為一個劃時代多媒體空間，為客人帶來前所未有的夜生活體驗。由傳奇的 House of Yes 俱樂部團隊成員共同設立，目標成為新生代城市夜生活的嶄新地標及表現空間。 電梯區透過鏡面與燈光呈現奇幻視覺。  Schrager 表示，團隊致力將夜生活體驗昇華至另一境界，就如超越傳統馬戲表演的太陽馬戲（Cirque du Soleil）及全球知名戶外藝術活動「火人祭」（Burning Man）般帶來顛覆性的改變，提供一個多媒體、多元化、多感官的體驗，迎接史無前例的全新面貌。HOUSE OF X 結合表演藝術，盛載無限歡樂與驚喜。這亦是 Schrager 工作生涯中首次全權負責酒店旗下空間的一切設計工作，朦朧的燈光加上狂熱激情的前衛設計，為夜生活文化掀起新序幕。 Lounge Area   大眾化的奢華體驗 PUBLIC 力求進步及革新，與時俱進，永不停步。品牌企業及旗下酒店致力為客人提供最真摯、完美及刺激的體驗。本次重新開幕不僅空間硬體上升級，軟體與服務上更是呈現最奢華的體驗，以 PUBLIC SERVICE（公共服務）及 PUBLIC EXPERIENCE（公眾體驗）兩大主軸，實踐締造「屬於所有人的奢華體驗」的品牌承諾。為此，品牌特別設立 PUBLIC SERVICE 部門，能有效管理酒店內的一切營運工作，帶來更快捷方便的服務。透過卓越的團隊合作與現代科技的配合，令整個住宿旅程變得輕鬆愉快。 房間內部。   PUBLIC EXPERIENCE 則可謂 Schrager 40 年酒店事業中，繼引入「精品酒店」概念後另一巔峰之作。在現今社會，酒店不單是一個為旅客提供住宿服務的處所，更是一種感官體驗，就像劇院般呈現出嶄新的視覺效果及設計，從此不再乏味。酒店亦以精美的餐飲體驗、俱樂部及其他休閒活動迎接一眾本地及海外旅客，更重要的是締造一個「屬於所有人的奢華體驗」，結合現代科技令一切生活細節變得方便、快捷及舒適。PUBLIC EXPERIENCE（公眾體驗）讓客人以親民的價格享受最佳的設計、餐飲、娛樂、奢華服務及科技，是全球數一數二的精品酒店體驗。   Schrager 曾說：「真正的奢華不在乎物質，而是精神；不在乎物件的價值，而是個人的感受。」奢華體驗能提升生活節奏，令一切變得方便、快捷及舒適；同時營造家的感覺，讓客人感到賓至如歸，隨心所欲地做自己所想的事。奢華就是如此簡單，奢華屬於我們每一個人。 房間內部。   資料與圖片提供」PUBLIC 編輯」林慧慈

新冠疫情的蔓延，讓國內外許多活動都因此深受影響。其中，享譽全球的國際藝術展《印象莫內－光影體驗展》台北站原定於2021年6月展出，然而，因新冠疫情的爆發，改由高雄站為亞洲巡展開啟序幕。 雖然展覽延期半年的時間，但感動依舊不變！為了迎接回歸台北站的《印象莫內－光影體驗展》，開幕記者會不僅邀請金鐘主持人廖科溢擔任引言人，主辦單位更邀請芭蕾舞團隊搭配印象派大師竇加最引人注目的芭蕾舞者系列，虛實互動演出，以現代科技打造的聲光體驗，感受印象派的浪漫靈魂與細膩絕美。 暖人心的沉浸式藝術展覽 《印象莫內－光影體驗展》2021年底於高雄站風光落幕，帶給南台灣民眾無限美好的藝術能量，在高雄展期的最後一週，許多民眾表示：「坐在展場不捨得離開，希望未來還有機會回到高雄。」台北站開幕當天，主持人廖科溢也說到：「這是今年最溫暖人心的沉浸式藝術展覽」。 《印象莫內－光影體驗展》帶領觀眾走進影響現代藝術甚巨的關鍵畫派，深入淺出、編年解析印象派與當時歐陸社會政治發展的緊密關聯，以「印象派之父」莫內為首，集合雷諾瓦、塞尚、竇加等18位印象派大師逾2000幅作品。台北站再升級，以超過6公尺的巨幕環繞包覆，搭配動人的古典配樂與香氛，將印象派對「光」與「色彩」的極致癡迷，透過現代科技完美重新演繹，帶領觀眾沈浸當代藝術史最璀璨的篇章，一窺影響未來百年的浪漫革命。 四大展區，多元體驗 展區共分四大塊，前導介紹區介紹印象派主要風格、藝術家及重要代表作品，先奠定觀眾對印象派的基礎認識。緊接著是莫內極富盛名的名作《睡蓮池上的拱橋》、《睡蓮》系列作品常看到的中日式步橋，實景重現莫內花園的田園風光，遊走在步橋上方，提供觀眾宛如置身名畫之中的想像。 而沉浸式投影區則結合影像、聲音、氣味，營造全方位體驗的觀展環境，帶領觀眾一同回到印象派的輝煌年代。最後再來到繪畫區，將方才的體會親自描繪出來，為印象派藝術體驗寫下完整的一頁。展覽的最後設置限定周邊販售區，提供民眾選購周邊，延續展覽的感動，此次的限定周邊也與PChome24h購物合作，提供精選周邊線上販售，方便民眾快速選購。 《 印象莫內－光影體驗展 》 時間」2022年1月14日至4月5日 地點」新光三越A11 LegacyMax（台北市松壽路11號6樓） 購票」KKTIX 資料及圖片提供」KKLIVE  編輯」歐陽青昀

LOEWE基金會公布2022年LOEWE工藝獎30位候選人名單。 此次為第五屆LOEWE工藝獎，入圍作品為當代手法演繹古老工藝佳例，來自世界各地的創作者駕馭古老工藝，並運用當今物料、技術素材創作出與現代社會相關，含容歷史同時前瞻未來之作，亦有著眼人與自然環境關係的作品，扣合了當今環境保護意識。 工藝與文化是LOEWE的重要精神亦是與時俱進的動力，LOEWE基金會在品牌創意總監Jonathan Anderson倡議下，於2016年創立此一年度大賽，目的在推廣傳承與創新，表揚有才華、遠見、勇於革新及為未來工藝發展訂立新標準的工藝家。 今年收到來自116個國家的藝術工匠提交超過3,100件作品角逐，由設計、建築、傳媒、藝評及博物館策展翹楚組成的評審團，選出來自15個國家的30位候選人及其作品，創作媒材包括陶器、木製品、紡織品、皮革、織籃、玻璃、金屬、珠寶首飾及漆器等，評審重點聚焦於技術水平、創意和藝術理念，並從中選出融合技術與及創意的出色之作。基金會將於6月30日公布本屆工藝獎得主，30件入圍作品於7月1日至7月30日在首爾工藝博物館（Seoul Museum of Craft Art ，SeMoCA）展出。全球觀眾亦可透過LOEWE基金會創立的The Room數碼平台，飽覽歷屆LOEWE工藝獎候選人之作，欣賞當今最具創意的工藝結晶。查詢詳情請瀏覽>>theroom.loewe.com Annika Jarring（瑞典） 作品：《Line》 媒材：玻璃、矽 運用建築結構結合古典花瓶形態，配合自己研發的創新玻璃製作技術塑造這件雕塑。以漢朝的金縷玉衣為靈感，用黑色矽線將392片長方形透明玻璃串起造出立體形態，重疊的黑色矽線富流動感，令作品結構更穩固，同時有輕巧又堅硬，營造脆弱的視覺特質。 Aware（法國） 作品：《Strata》 媒材：絲綢、梣木 以地質現象及與人類歷史的關係為題，作者用幼細絲線包裹木雕，用熱燙斗將絲線黏在木材上並刷上墨水，呈現一個坡度形態，象徵地球不同地質時期的地層面貌。 Blast Studio（英國） 作品：《Blue Tree》 媒材：舊咖啡紙杯  以一棵人工樹探討人與自然的關係以及人類在生態系統的角色，譜寫一篇可持續發展宣言。廢棄的外賣咖啡紙杯被打成紙漿，經3D打印技術造出樹的四個組件，紙漿染成靛藍色，再經打印，塑型及堆疊成有樹洞及凹凸坑紋的柱體結構，足以支持保護生物及植物依附生長。 Chikuunsai Tanabe（日本） 作品：《Connection》 媒材：竹藤 這件織籃比例完美手工細膩，散發和諧之美，造型富時代感，又顯出作者有深厚的傳統日本竹籃編織造詣，捆織技術造出的圈環相扣，濃厚詩意表達人與自然之間的連繫，並將古老物料與當代手工技術巧妙結合起來。 Dahye Jeong（韓國） 作品：《A Time of Sincerity》 媒材：馬毛 馬毛織籃精緻而紮實，由細馬毛編織而成，創造出靈活幾何設計。作者將五百多年前朝鮮王朝製作黑笠的製帽技術融入古老陶藝造型，以針穿上有彈性馬毛線，織出相扣圈環，展現粗樸韻致，頌讚生命之美。 Kate Malone（英國） 作品：《Magma Interrupted》 媒材：結晶釉、粗陶器 由多個幾何形單元組成，造型有豐富動感，散發強烈感染力，每個單元要精確平衡然後才能整體燒製，龐大體積與精緻結晶釉完美合一，可見作者的熱情及對結晶釉技術純熟掌握，對黏土在不同步驟中的變化亦瞭如指掌。 Marianne Huotari（芬蘭） 作品：《Ananasakaama》 媒材：瓷器、金屬 以嶄新手法演繹芬蘭傳統織毯（ryijy），以瓷塊取代羊毛線的角色，每塊小瓷片由黏土塑形上釉燒製，上千塊瓷片手工縫到金屬底座，大小形狀不同，層疊排列形同魚鱗，造工細緻色彩鮮艷，烘托裝置造型美態與光澤質感，與形狀和質地相得益彰。 Mel Douglas（澳洲） 作品：《Deviation》 媒材：窯燒、冷加工雕刻玻璃 這件玻璃製品經窯燒及冷加工處理，精準切割成兩個不同的結構，經窯燒及冷加工處理，再以手工磨砂及重疊裝置，最後在玻璃表面以手工蝕刻線紋，在平面圖像及立體器物之間，營造出視覺深度的錯覺。 高寶惠（台灣） 作品：《Urushi Paper Pleats Bench》 媒材：紙、米膠、日本漆 用脆弱的描圖紙造出可以承受人體重量的長凳，將物料功能性推至極限。傳統上用於日本木工的漆料從未用於描圖紙，紙張捲起加漆料令其硬化，再用米膠將紙卷黏起成凳，造型均衡優美，有自然環境的韻味。 Soyun Jung（韓國） 作品：《Someone Is Praying for You》 媒材：單絲線 將單絲線縫到水溶性布料上造出這巨型紡織品，手工極之繁複，作者用單絲線勾勒縹緲風景輪廓，然後將布浸入水中，最後剩下單絲線組成的深度立體感，淨色構圖散發靜謐之美。 圖片提供與版權」LOEWE 編輯」Sumile

本期《室內》介紹的荷蘭東南部大城馬斯垂克的工業廠房Timmerfabriek再利用案例，是工業廠房再利用話題的延燒。近年來陸續介紹過許多工業建築再利用的案例，無論是南非開普敦當代美術館Zeitz MOCAA、丹麥哥本哈根筒倉公寓住宅The Silo、英國倫敦老煤廠購物中心Coal Drops Yard，還是荷蘭境內的鐵路倉庫圖書館LocHal、倉庫住宅Pakhuismeesteren和Fenix I，大多數工業建築在停用多年後，都無法馬上得到更新利用，有的甚至一度遭拆除的威脅，主因都是改造建設充滿許多技術上的挑戰。 流行音樂廳輔助建築的北立面。攝影：Kim Zwarts 每座工業建築都有其特質和優缺點，原結構是否堅實？室內格局是否能配合新功能？每個環節都需要細密測量、謹慎設計，才能得到重新定義。在設計概念上，建築師們最關鍵的起點不外乎兩個立場：是要採取新舊大膽對比路線？還是謹慎保存古蹟原貌？   Timmerfabriek是荷蘭馬斯垂克的原陶器工廠倉庫，場域自19世紀以來就是軍事和工業基地。如今古蹟成功翻新，轉型為文化工廠。圖中是2019年新增建的流行音樂廳輔助建築。攝影：Kim Zwarts  項目簡介 業主」馬斯垂克市政府 總建築師」Maurer United Architects建築和城市景觀事務所 合作單位」BAM Bouw en Techniek、Consultancy Brekelmans、Ben Kok Acoustic Consulting  時代變遷的宿命  Timmerfabriek工廠建築群興建於1905年至1911年之間，曾是荷蘭皇家水晶和陶器工廠Koninklijke Sphinx的一部分，由工坊、倉庫、展覽室和發電站組成。誠如以往介紹過的工業古蹟再利用項目，廠房廢置不外於供需失衡、產業轉型、企業外移等因素，Timmerfabriek的命運也是如此，千禧年後，陶器工廠被芬蘭外資收買接管，生產線全部移轉到斯堪地那維亞半島，頓時，長達175年歷史的國寶級產業，及其曾是荷蘭境內首創的大規模工業廠房，就此走入歷史。 Timmerfabriek建築群規模龐大複雜，由工坊、倉庫、展覽室和發電站組成。除了北端的流行音樂廳輔助建築是新增部件，其他部分和現有元素盡可能保留或再利用。版權：MUA 閒置的廠房部分升級為國家級古蹟，部分則晉身市級古蹟，改造計劃進程歷經近20年的輾轉跋涉，並在經濟危機後浴火重生，終於在2019年全數完工，成為流行音樂廳Muziekgieterij和建築論壇Bureau Europa的新據點。  兩座表演廳的入場大廳。原倉庫結構得以完整保留，新開的天井使1、2樓之間有視覺互動，天窗的自然光也能進入底層空間深處。攝影：Kim Zwarts 閒置廠房浴火重生  原廠房的建築結構與風格粗糙豪邁，雖與馬斯垂克細膩典雅的城市面貌產生強烈的對比，但Timmerfabriek外強中寬的工業本性，完全符合席捲全球的古蹟翻新和文化工廠風潮。鋼骨結構開間寬敞，為未來新功能提供靈活性和大容量，配合城市對文化和休閒產業的需求，改造為文化工廠最適合不過！ 音樂廳的入口大廳扮演建築內部定向與樞紐的重要角色，也是充滿活力的社交熱點。攝影：Harry Heuts 長型建築從原廠房中央的主入口分成南北兩大部分—朝北的部分原為二層樓的倉庫，轉型為流行音樂廳Muziekgrieterij，包括可容納1100席站位的大音樂廳和可容納350席站位的小音樂廳；朝南的部分原為陶器工廠的陳列室，如今轉型為建築論壇Bureau Europa的展覽廳。 在古蹟保存的立場上，建築師選擇謹慎修護原貌。斑駁的磚牆毫無修飾地保留下來，牆上的裂痕好似凍結在時光走廊裡。攝影：MUA 原建築內錯綜複雜的空間搭配音樂廳和建築論壇的輔助功能，細分成多個子項目，包括音樂廳的入口大廳、錄音室、排練室、衣帽間、辦公室等，新建築位於原廠房的北端，與大音樂廳相鄰，主要佈置後臺、化妝室、演職員出入口、卸貨口等，是流行音樂廳的輔助建築。  從 2 樓觀賞席欣賞流行音樂廳的舞臺。新元素一律以黑色標示。舞臺後方的大面積磚牆採用從其他倉庫回收的裸磚；舞臺也使用從拆遷的籃球館回收的木地板。攝影師：MUA 可容納1100席站位的流行音樂廳。原倉庫建築開間寬敞，滿足新時代演出形式和樂團編制的需要。攝影：Kim Zwarts  新舊元素相輔相成 在保存與創新的取決上，建築師認為設計宗旨應在修護古蹟、致力新舊融合，而非突顯對比。原建築的現有元素在最大程度上得以保留或再利用，微調和改善也在最謹慎求真的態度下執行；新元素則以黑色部件標示，並採用木材、鋼鐵等質樸的材料，以輔佐原建築的底蘊。 Timmerfabriek寬敞的鋼骨結構，為熱門音樂廳提供靈活性和大開間，非常適合改造成新時代的文化工廠！攝影：Harry Heuts 例如，斑駁的磚牆毫不修飾地原汁原味的保留下來，與新注入的混凝土地板和精準簡潔的黑色鋼元素融合成新整體，細部修復也令人有時光停駐的錯覺，磚牆上的裂痕、風化的痕跡、褪色脫落的壁紙、破損的 洗臉盆和使用多年的儲物櫃都保存在上個世紀的時光走廊裡，完全沒有刻意修飾的意圖。2樓頂上帶有燈條的棚屋屋頂也是倉庫的典型特徵，改建設計在2樓樓板部分開口，為底層引入充足的自然；光窗戶在舊鋼框架中添加三層玻璃，不但增加 絕緣值、確保室內恆溫，同時保障室內採光。 可容納350席站位的流行音樂廳。攝影：Harry Heuts 為符合流行音樂廳的需要，原倉庫局部深化滿足高度要求，原建築鋼結構的脈絡得以完全保存延用。攝影：Kim Zwarts 為符合新用途的需要，底層小面積局部深化滿足高度要求，但絕不影響原建築鋼結構的脈絡，除了原建築元素生命的延續，高效再利用市區內其它建物的回收建材也是本案的一大亮點，例如，從當地拆除的倉庫建築所回收的磚和木樑等建材得到新用途；拆遷的體育館木地板也被成功重新使用於兩座舞臺。  新建築位於原廠房的北端，由長廊和樓梯與大音樂廳相連，是流行音樂廳的輔助建築。攝影：Kim Zwarts 小音樂廳和入口大廳的2樓佈置排練室及音樂家的社交空間。長形帶天窗的棚屋屋頂是典型的倉庫特徵，在新隔溫建材的輔助下，延續新生命。攝影：MUA 結合新時代生活社會經濟需求的文化活血  Timmerfabriek綜合體為工業區再利用的案例另添一項佳作，承續西歐文化遺產保存傳統，修復古建築的同時，不但彰顯原建築的風貌，重現過往歷史文化和生活場域，也引進新元素輔佐老建築的重生，為古蹟重啓新生命。 倉庫南端原為陶器工廠的陳列室，如今轉型為建築論壇Bureau Europa的展覽廳。攝影：MUA 原建築謹慎細心地保留下來，歲月的痕跡與風華得以完全呈現，新舊部件成功地融合成整體，彼此襯托更現風采，使一度廢棄的歷史古蹟重新洗練成新傑作，除了硬體的整修和增建，也結合新時代生活文化與社會經濟的需求，工業古蹟注入文化活血，為臨近尚待開發的新住宅和辦公綜合機能區增添經濟和社會價值。  不同年代的建設痕跡難免彼此碰撞衝擊，在求真的態度下，謹慎地保存下來。攝影：MUA  褪色脫落的壁紙和豐富的歲月痕跡為老建築增添韻味。攝影：MUA  圖片提供和版權」Maurer United Architects 建築和城市景觀事務所 撰文」朱瑄文 Shiuan-Wen Chu 

FENDI女裝總監Kim Jones以書籍向品牌精神與布魯姆斯伯里（Bloomsbury）的藝術和文學運動致敬。   FENDI推出的藝術書藉《The Fendi Set》以20世紀上半葉興起的布魯姆斯伯里文學運動為題，蓬勃的文學、藝術、思想滙集，著名人物包括畫家Vanessa Bell、Duncan Grant及Roger Fry與作家Clive Bell和Virginia Woolf。   Kim Jones兒時居住於英格蘭南部雷威斯，比鄰的羅德梅爾和菲爾勒村莊有許多布魯姆斯伯里家族成員的生活痕跡，啟蒙他對於布魯姆斯伯里蓬勃的文化、藝術運動的認識，布魯姆斯伯里文人學派（Bloomsbury Group）與 Virginia Woolf常成為他與朋友討論的話題，他除了收藏布魯姆斯伯里文學運動相關人士的簽名書籍和展示版本，也將它作為FENDI春夏系列舞台和敘事的靈感來源，以此讚頌女性藝術家的力量，並回顧布魯姆斯伯里文人學派成員前往義大利的旅程與途中收集的創作靈感。   《The Fendi Sets》攝影集也是對Virginia Woolf 與 Vita Sackville West之間愛戀、以及向名作《Orlando》其對性別和時間的演繹的致敬。Kim Jones與著名紀實與肖像攝影師 Nikolai von Bismarck在書中運用感性及浪漫手法，回顧這對戀人所鍾愛的地點，回顧了布魯姆斯伯里文人學派與 FENDI 在英格蘭和羅馬共同遺留下的資產。   Nikolai von Bismarck費時超過11個月深入研究、參觀和拍攝布魯姆斯伯里文人學派曾居住過的房屋和花園，一探當時的工作與生活環境，跟隨其腳步穿過薩塞克斯和肯特郡的鄉村，隨著他們的旅行足跡到訪羅馬，造訪他們在當地工作和生活過的工作室，以及他們在書信中繪畫、勾勒和描述的各個地點，在深入感受與體悟後著手創作。 布魯姆斯伯里文人學派成員們的旅程裡的空間經驗與建築特色也影響了Nikolai von Bismarck的創作手法，為了表現這些地點的斑駁感和紋理，以Fendi新系列的布料與飾面，他探索了多種攝影和印刷技術：反轉染料、投影片攝影、多種尺寸和格式的底片，甚至過期的寶麗來底片，或是運用布魯姆斯伯里文學運動當時的相機拍攝技術。   在《The Fendi Set》攝影集中，運用多層次、多紋理手法來拼貼圖像，橫向畫面與充滿浪漫風情的色調，每個部分都經過多種紙張和印刷技術的處理。也將布魯姆斯伯里文人學派成員原始信件和日記的摹本，與 Nikolai von Bismarck 的攝影作品並列，特別是 Virginia Woolf 與 Vita Sackville West 兩人的情書，讓整本攝影書就像一部具有維多利亞時代魅力的精緻相冊。   《The Fendi Sets》攝影集同時邀請研究 Virginia Woolf的專家與布魯姆斯伯里學者Mark Hussey博士撰寫序言，他引用了紐約伯格時尚圖書館的Virginia Woolf日記和信件等珍貴檔案為攝影集製作摹本與謄寫詞彙。知名演員Tilda Swinton亦為此書撰寫序言。整本《The Fendi Sets》攝影集中，均使用 Virginia 與 Leonard Woolf 為霍加斯出版社精心設計的「Caslon」字體。   這本攝影書一如小說《Orlando》中跨越時空的敘事特色，在美學意念上流露出縹緲空靈、如夢似幻般的特質，猶如一件高訂華服般的精緻質感、觸感與飄逸氣息，它也像滿懷愛意的書信，誠摯的寫給布魯姆斯伯里及FENDI品牌，歌頌著歷史時光與美好未來。 圖片提供與版權」FENDI 編輯」Sumile

「記憶沒有形體，卻儲存在身體，無法抽離。」徐佳寧透過「記憶在身體留下的痕跡」，探索時間、空間和物件的質感，利用日常累積的身體經驗，去意識和尋找儲存在體內輕薄又強韌的記憶。 徐佳寧，天空突然消失的月份，2021，油彩、壓克力顏料／畫布，25.5 x 17.5 cm（each），set of 31（局部）由31幅小畫作組成，代表5月的每一天，描繪的是房間遮光簾上的光影變化。 誠品畫廊將於2月12日推出藝術家徐佳寧的個展，主題圍繞在「身體」與「記憶」，共展出21組件繪畫作品。除了闡述思鄉和對時間、空間的記憶，徐佳寧也描繪了2021年疫情三級警戒期間，通過身體所意識到的空間壓迫感。 徐佳寧，打開一張折過的紙，2022，油彩／畫布，91 x 116.5 cm 徐佳寧1996年生於桃園，繪畫是她擅長且持續鑽研的媒材領域，經由層層堆疊及時間累積的油畫，其豐富的色層和特有的光澤，分外呼應她所關注的「身體」與「記憶」主題。 徐佳寧，彼地，2021，油彩／畫布，53 x 45.5 cm 徐佳寧形容自己的身體就像「薄紗製成的泡泡」，而將泡泡吹成飽滿形狀的空氣就如同生命時間不停歇地往前推進，也將生活的一切、新的情感和經驗不斷灌入薄紗泡泡，同時在泡泡上留下記憶的痕跡。因此，她採用輕薄和流動的筆觸來表現記憶的輕巧，和身體如薄紗般存在的姿態。 徐佳寧，無題，2020，油彩、壓克力顏料／畫布，41 x 53 cm   透過繪畫，徐佳寧不僅回應對世界的感受，也探究繪畫這項媒材的特殊性：當身體的記憶被召喚出來，使用的顏料重量與質地、畫筆與畫布觸碰的手感、筆觸行進的方向等，就是畫家最直接的感受，而記憶也就在這樣細膩輕薄、緩慢流動、層層堆積的過程中被探尋出來。更多內容請見>>誠品畫廊   展覽資訊 展期」2022年2月12日至2月26日 地點」誠品生活松菸店 誠品畫廊（台灣110台北市信義區菸廠路88號B1） 開放時間」週二至週六11：00～19：00（日、一休館） 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」歐陽青昀