眾所期待的台北當代藝術博覽會，將於 5 月 20 日至 22 日於台北世貿中心一館正式回歸！本屆台北當代延續對本地貢獻的使命，積極面向台灣藝術市場，同時也前瞻時局變化，開拓創新、實踐跨域，與 62 間精選的國際頂尖畫廊，共同思考在旅行限制下的展示方法，將來自 200 位藝術家、1000 件世界最傑出的當代藝術作品，帶到台灣觀眾面前。 2020 台北當代展場照。   台北當代因應近年線上線下、虛實整合的探索等趨勢，迎向未來並持續轉化，與此同時，並不自限於藝博會的體裁，而是作為一個平台去思考、回應新時代的迫切議題。台北當代聯合創辦人與聯合總監任天晉（Magnus Renfrew）認為：「因應全球局勢的轉變，本屆展會打開許多嶄新面向和思考，亞洲的藝術市場正在重新調整步伐，而台灣正扮演著關鍵的角色。」   三大展區帶來 62 間國際藝廊 儘管新冠疫情未歇，本屆展會的國際畫廊參展比例仍超過 6 成，而畫廊的代理陣容，更可見到國際化與本地化雙向互融的趨勢：國際畫廊代理台灣藝術家，如香港馬凌畫廊及法國 LIUSA WANG 畫廊；或本地畫廊代理國際知名的藝術家，如亞洲藝術中心及 DOPENESS ART LAB 等。足見台北當代的成立與經營，推動並見證了以亞洲為中心的前瞻策略逐漸成形，成為助益畫廊與藝術家雙向成長的國際平台。 Thao Nguyen Phan〈 First Rain〉。圖片提供：Galerie Zink   來自全球的 62 間參展畫廊將分別於三大展區展覽。當代網域（Galleries）呈獻具國際規模的頂級畫廊，為有深厚收藏實力的本地藏家，提供藝術市場的藍籌股作品。新生維度（Edge）聚焦 7 間新興畫廊及與亞洲文化脈絡連結的藝術作品，帶來新穎的前端視野，包括首度參展的 BANGKOK CITYCITY GALLERY、Gallery COMMON、Galerie Julien Cadet、333 畫廊等。 微型單元（Solo）則主打展示年輕藝術家或中生代藝術家個展，完整且深入了解其創作內涵與風格，共有 16 間畫廊，包含專營攝影作品的絕版影像館，將帶來陳榮輝首次於台灣展出的攝影作品；Carl Kostyál 畫廊帶來 Felix Treadwell 特為本屆展會創作的全新系列畫作；Woaw Gallery 展出 Charlie Roberts 具超現實神秘氛圍的當代生活創作等等。 Mak2〈Pandemic Love 4〉© Mak2，圖片提供：de Sarthe   整合虛實潮流 提供完整參與體驗 因應市場與時局，台北當代此次挾著近兩年深化整合線上線下展會的經驗而來，同時呈現實體展會無可取代的優勢與數位藝術交易的熱潮。全新規劃的線上單元「藝動區塊」（Launch Stage）NFT專區，回應方興未艾的數位藝術收藏風潮及市場需求，將與三大國際知名 NFT 平台：Feral File、Art Blocks、Outland，以及新興的本地平台 SOYL 合作，展示單一藝術家在該領域最具獨特性的計畫，包括生成式、互動式藝術，形式實驗與批判性論述等。 本屆亦延續 2020 年創設的「Taipei Connections」數位平台計畫，著重跨國、跨領域、跨文化的連結與交匯，替品味卓越的藏家廣泛展示來自世界各地的當代藝術，希望在實體展會回歸的同時，更融合數位平台不受地理限制的優勢，實現更多元而周到的收藏服務。 Kazuhito Kawai〈未來日記〉。圖片由 Kazuhito Kawai 及 KOTARO NUKAGA 提供。   攜手各領域領袖 場內外共襄精彩藝術計畫 在展會現場方面，公共藝術展區「實境計畫」（Node）挑戰空間限制，展示藝術家的大型作品，今年將由双方藝廊、TKG+與御書房藝廊，分別帶來徐瑞憲、邱承宏、郝經芳與王令杰，共 3 組藝術家令人驚艷的裝置藝術大作。「台北開放平台」（Taipei Platform）由台北當代的合作夥伴共同策劃，包括：走路草農藝團、花開、SOYL 所有、朋丁、鳳嬌催化室等，於展會期間陸續舉辦 11 場工作坊，包括實驗性的表演活動以及讀者互動等項目。 「點閱沙龍」（Salon）計畫則由各家參展畫廊推出價格低於 8,000 美元的精選推薦作品，觀眾可一次瀏覽不同輩份、地區、媒材的當代藝術傑作，期待以親切的收藏價格及展出形式，吸引、培育更多年輕及新進藏家。 （左）Mariko Mori〈Divine Stone V〉，圖片提供：SCAI The Bathhouse 攝影：Nobutada Omote. （右）安塞姆 · 雷爾〈無題〉，圖片提供： SPURS 畫廊。 除展會現場活動外，台北當代長期推廣的「藝術解密」（Decoding）計畫，由台北當代聯合總監岳鴻飛（Robin Peckham）擔任主要講者，續為超過 50 間全台菁英企業與文化機構提供獨家藝術收藏課程，包括金馬賓館、遠雄建設、台灣室內設計專技協會等，展會也將延續此股知識動能，吸引全新客層與新世代藏家走進當代藝術收藏的領域。 此外，每年台北重點之一的「思想串流論壇」（Ideas Forum），本屆以「知識作為逃生出口（Escape into Understanding）」為題，攜手文學、音樂、哲學與各界權威，如小說家紀大偉、《Wild Blue Media》作者Melody Jue、藝術家Ashley Bickerton、鄭淑麗、鐵木爾．斯琴（Timur Si-Qin）等，交織探討藝術、生態、人文等多元領域議題。詳細場次資訊將於 5 月上旬公布於官網。  2020 台北當代展場照。 主辦單位表示，觀眾與參展者的健康與安全是會展的優先考量，因此，今年台北當代將實施分流入場與限量票券，早鳥門票優惠最後倒數，只到 5 月 15 日，購票請至官網或 ACCUPASS 活動通。活動詳情請見台北當代藝術博覽會官網。 資料及圖片提供」台北當代藝術博覽會 編輯」林慧慈

FENDI Casa在米蘭市中心斯卡拉廣場開設首間旗艦店。這座旗艦店毗鄰米蘭重要地標斯卡拉歌劇院，位在街口的一座典雅建築之中，外觀有13扇挑高的拱形窗口呈Ｌ形序列，將室內景致如精美櫥窗般對外呈現。   FENDI以優雅、工藝、創新、奢華與獨特風格錨定品牌形象，FENDI Casa代表著義大利頂級的手工精品家具，將每件作品視為藝術創作，強調低調奢華與精緻質感，重視家具的生命力與文化傳承。旗艦店亦忠實投射出上述精神，店內空間融合品牌精緻、奢華特色，同時利用虛實、光影、材料之間的對比，優雅別致的細節與質感精緻的家具、家飾相互輝映，整體並俱著摩登、典雅氣息。   店內擁有兩個樓層，規劃起居、用餐、寢室與戶外等主題空間，豐富的家具、家飾混搭陳列，將FENDI品牌的純正、獨特與工藝等價值觀在每個主題場景中展露無遺，讓人近距離欣賞名家設計的家居產品；像是由Marcel Wanders設計的Five沙發和扶手椅、由Atelier Oï設計的Arches桌、Thierry Lemaire 設計的Parsifal沙發和扶手椅，搭配Toan Nguyen設計的Marrakesh桌子和Cristina Celestino設計的Vittoria餐具櫃。新款 Ford 餐桌搭配Doyle椅子，同樣由Toan Nguyen設計的Sandia沙發和扶手椅，加上由 Chiara Andreatti 設計的Astuccio Canes邊桌。睡眠主題區地面鋪設大理石，陳列著Marcel Wanders工作室設計的Landscape床組、由 Atelier Oï設計的Vanitoso梳妝台。在起居區中，則有Thierry Lemaire設計的Grand Plie'沙發和扶手椅，與Toan Nguyen設計的Tarsia茶几。舒適的閱讀區演示著Dimorestudio設計的Roma沙發床於空間實境的效果。全新戶外家具區域陳列著由 Piero Lissoni設計的Sagano系列。   同時，FENDI Casa也將Peter Mabeo及其同名設計工作室合作，在2021年底邁阿密設計展（Design Miami）發表的KOMPA系列的六件「Gallery Pieces」，佈置於精品店入口與櫥窗，展現連繫著過往今來的傳承精神。像是Chichira櫥櫃、efo和Loma凳子，Foro和Shiya椅，以及旗艦店入口陳列的 Madua椅，每件均擁有獨立編號並於波札那手工製作，載負著歷史與工藝意義，為櫥窗與室內風景增添動人溫度。   備受大眾喜愛的FENDI家飾亦散見於旗艦店內，包括點綴FENDI品牌經典黃色的新款Yellow Sign地毯，以及飾有品牌中經典FENDI Pequin條紋圖案的Tiles地毯，或是時尚大帝Karl Lagerfeld設計的Karligraphy logo圖案—Big Karl地毯。品牌將這座米蘭之家視為重要里程碑，未來將極積在國際重要城市拓點，提供戀家的人士走入FENDI Casa的世界，實境感受品牌迷人的家居美學。 資料及圖片提供」FENDI Casa 編輯」Sumile  

近年，全球因極端氣候變遷的影響，使得永續議題日益受到重視；人們開始認識循環經濟、響應理念，並投入產業供應鏈，企圖為地球及未來生活的環境帶來改變。 台灣設計研究院（TDRI）於2018年開始，以《你在圈內嗎？》為題發起展覽，鏈結消費者、設計師、製造商三方，開啟大眾從基礎環保概念進入循環經濟與循環設計的契機；2020年，《下十年》則以一年中人類將地球可再生資源用盡的「地球超載日」出發，講述在循環設計的思維下如何確保資源與消耗間的平衡。 2022年，由經濟部工業局主辦、台灣設計研究院執行、竹工凡木設計研究室進行策展的《the SPIRAL 轉不轉 — 循環設計展》，是歷年來展期最長、循環設計案例及展品最多的循環展。總共邀集67家廠商、245項展品參展，包含國內35家廠商、163項展品，國際有來自泰國、德國、日本、丹麥，共計32家廠商、82項展品參展。 以《the SPIRAL》為靈感，意指物質、能量、意識等在時間軸上不斷地轉動、前進並延伸，以此規劃四大展區。  展區1：「SPOT 看見現況」 透過「大聲光電」—藝術家姚仲涵、曾睿彬所帶來的沉浸式藝術展演。參觀者會被塵霧包圍，感受當前環境惡化的現況；更以作品《倒數時光》不斷跳動倒數的時、分、秒顯現出「2030」沉沒倒數與「crisis」字樣。希望透過聲光體驗激起參觀者的危機感，反思解決環境問題的急迫性與重要性。  展區2：「ECHO提出作為」 推出循環設計產物，模擬人們熟悉的生活與辦公空間到戶外市集空間，讓參觀者實際感受身處循環商品下的情境，了解循環生活呈現的精緻與美好；同時號召民眾能以消費展開行動，進而讓所有循環力同時運轉起來，達到越在地越國際，越轉動越循環的使命與願景。  展區3：「ECHO開拓可能」 藉由埃森哲5種循環商業模型（Five Circular Business Models by Accenture）整合廠商、「疫情特區」與「設計師專區」，透過展示呈現設計的創新流程、設計戰略等未來設計，讓商業端與設計端能有媒合轉動的循環化機會。 展場帶來臺灣設計師與地方產業、學術機構共同研發從廢料再製的新材質以及運用在多元的生活型消費產品，宣導循環設計另一個很重要的發展方向—以租代買，循環設計不僅改變使用者的認知與行為，使用產品服務系統來增加的服務價值也是另一種永續發展機制。 疫情專區展出包含小智研發的MAC Ward快速模組化防疫醫院計畫、芒菓丹的廢晶圓板再生防疫隔板等，也代表藉由設計的創新介入已鏈結台灣各領域跨產業鏈，為循環經濟創造更多循環化機會。  展區4：「360°鏈結國際」 串聯丹麥、德國、日本、泰國等政府及民間組織，從解決國際環境議題發展至相對應國際政策與民間組織提供的對策辦法。 以彩天科技提供最新元宇宙的透明屏幕帶來台灣美好的海陸空影像，以及「循環共享餐桌計畫」的主廚推薦和名人分享菜單；策展團隊還以「循環菜單」統合臺灣在地循環設計產物，來與國際夥伴對話交流，展現越在地越國際，越轉動越循環的精神及樣貌。 落實循環理念 展區選用「洛陽紙櫃」的循環製品「蜂巢紙」建構輕隔間與展牆、展台到桌椅物件等，「鳳嬌催化室」把不可能再造的製紙淤泥化為可能的「泥不老紙」印刷，不僅減少展場施作的資源耗費，輕量模組化的特性也大幅降低運送之中的碳排放，落實從展場本身、每個尺度的選擇都體現循環。 資料及圖片提供」 台灣設計研究院 編輯」歐陽青昀

曲家瑞說：「以前我把畫畫想的太偉大、太神聖，心裡有很多大故事、大劇場，當我明瞭很多事情後，現在畫畫就像是日常。」 曲家瑞，現任實踐大學媒體傳達設計學系所副教授，生於1965年台北市，1981年到紐約讀高中，描繪「吸塵器」的畫作獲得紐約州高中素描組冠軍，老師認為她有天分，隔年又以彩色的抽象畫作破例獲得高中AP美術素描組最高成績。之後，曲家瑞取得美國古柏聯盟學院（Cooper Union）藝術系學士（1988）、哥倫比亞大學藝術研究所碩士（1990），1997年返台，迄今身兼大學老師、作家、藝術家、策展人等多重角色。 不同於2019年，曲家瑞在「誠品生活蘇州」舉辦「曲家瑞，你哪位？」個展，展出30年來逾百幅畫作、利用3000個玩偶縫製的巨型玩具毯等的作品。此次的展覽，她將目光轉移到真實人物身上，從小品靜物到巨幅人物，她用壓克力顏料及碳筆，畫出自己對身邊人與物的觀察。 曲家瑞在紐約讀高中時奠定繪畫的基礎，即使日後身兼數職，畫畫仍令她感到療癒。這幾年專注在肖像畫，她認為：「東方藝術家畫東方人物的肖像不多，我想，總要有人記錄這時代的人吧！」 以當時3歲半的姪子為主角的《翰翰》是這系列的第一幅畫作，天真的臉龐透露出早熟的氣息；接著，她又以甫動完手術的80歲母親為主角畫下《母親蘭》，母親身上的花襯衫是父親送的禮物，上頭爭豔般盛開的花草圖案對照母親的病容，形成強烈對比；《元元》則是畫下妹妹窩在蜷曲棉被堆裡看手機或自拍的模樣，「她已經50歲了，活的還像個高中生，看不出經歷過許多心酸起伏，我希望能像她這樣自在豁達。」 另外，《光宗》、《三角》、《小P》等分別是以便利商店店長、友人、學生為主角，喜歡觀察人的曲家瑞，不一味追求肖像的外在寫實，而是藉由仔細描繪主角身體和服飾的特徵，傳達人的精神與心境狀態，「把一般人最不平常的樣子畫出來。」 除此之外，主角臉上的膚色也由多種顏色構成，「人臉上的光一直在改變，我沒有辦法給一個絕對的顏色，也喜歡這種不確定性和流動感，像是留住生命的時間。」這樣的靈感，來自於幾年前她陪母親出國旅行，從手機鏡頭中意外看見自己臉上的陽光「好漂亮」，「那種又黃又橘的亮光一直在我心裡，因此，當我畫人物的時候，可能就在搜尋他們臉上的那道光。」 150x110公分是曲家瑞許多肖像畫的尺幅，因為她認為這是觀看肖像最舒適的尺寸，而且也最容易和畫中人物產生連結，都像是認識、或身邊再平凡不過的人。這次展出的兩幅自畫像，一幅是宣洩式地畫出面無表情的自己，另一幅則是穿著內衣和沾滿顏料的長褲的自己。自畫像對曲家瑞來說「像是一個『段落』，畫到某個階段必須回顧自己、調整狀態後再出來。」不過她也自承，「每幅畫都是一場抗衡，那個未知引領我一直向前。我不能讓畫作跟我一樣興奮，它們要平靜點。」 曲家瑞個展 時間」2022年5月4日至5月28日 地點」誠品畫廊∣台灣110台北市信義區菸廠路88號B1（誠品生活松菸店） 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」歐陽青昀

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得iF與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內 interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。 上篇：朱志康 奇蹟從「不可能」誕生 將原有結構柱體以水泥包覆，打造神聖氛圍。 成都方所書店：空間會走出自己的命運 介紹朱志康的代表作品，不得不提曾獲選 14 間「全球最美書店」之一的「成都方所」，自 2015 年完工並獲得多座國際大獎肯定，引領中國複合式書店設計風潮，至今開業 7 年，許多書店更迭淘汰頻繁，方所卻仍然在成都具有一席之地，有許多人將之視為經典。事後回想，朱志康談道：「空間會走出它自己的命運」，儘管施工時遇到許多超出想像的突發狀況，甚至開幕前需要整個設計團隊進入現場協助，還擔心成品會不符預期，結果居然大受好評，讓追求完美的他體會，很多事情做就對了，不必過於擔憂，每件作品都有自己的命運。   詢問朱志康認為「成都方所」相較現在如百花齊放的書店，有何與眾不同的魅力？他也有點摸不著頭緒，「或許因為我們並不是為了『被看見』才做設計。」 以特殊鑄銅材質包覆手扶梯，打造「豁然開朗」的視覺。 他解釋，設計一開始單純是為了解決尺度過於巨大的挑高地下空間，位於千年歷史的大慈寺旁，以此連想到將書藏於洞穴內的「藏經閣」，洞穴內以大切面的水泥包覆空間兩排原有柱體，建構出宗教般的視覺比例，跳脫一般書店配置，閣樓的藏書櫃與穿梭書與書中間的空橋，在「不能增建夾層、隔間」的條件下，完美地滿足了書店的機能需求。此外，空間設計上運用許多壓縮後釋放的手法，如入口的電扶梯即以鑄銅包覆，像是進入山洞前的神祕隧道，透過「豁然開朗」的體驗，加深看到主殿時的感動。   近年許多「網紅」書店將「吸引人潮進入書店」視為首要，但拍照、打卡後的下一步是什麼？為什麼成都方所可以令人「進入後逛到不想離開」？儘管自己因為閱讀障礙而不喜歡讀書，朱志康卻十分喜愛逛書店，在設計書店時，他會將自己視為消費者，去思考如何做出自己會覺得舒適、想一直逛的空間，因此在真正下筆繪圖時，所有空間格局、動線皆已在腦裡設想好。他認為，舒適美觀的空間固然可以吸引客群，但最重要的是要讓顧客對此心有所感，享受書店所給予的閱讀氛圍體驗。 兒童區，以圓弧造型打造親民尺度。   Jolab佐研院：信任與誠實，成就美的殿堂 與提提研面膜創辦人李昆霖在朋友介紹下認識，兩人一見如故，第一次會議便談妥了佐研院的規劃構想，而也是因為他與朱志康內心皆有喜歡「挑戰」的特質，才有獲獎無數的「佐研院」誕生。建築外立面高聳，潔白的外觀有如美術館，內部為 2 層樓的 8 米挑高空間，除了作為研發、生產基地，也需滿足對外展示、參訪等需求。 Jolab 佐研院坐落於高雄，為研發、生產美顏保養品的工廠。攝影：李國民 在規劃的過程中，朱志康與業主不斷溝通、把原訂提案推倒重來，發覺其內心真正的想望，是要打造一間「外國人也羨慕的工廠」，如果面膜是塑造容貌之美的作品，「我們是不是可以把工廠做成美術館、藝廊？」乍聽瘋狂的想法，卻得到業主的信任與支持。除了外觀運用設計手法放大視覺尺度，內部也以色彩、比例塑造如殿堂般的氛圍，讓空間影響人們的情緒與行為，使進到工廠的員工及參訪者油生崇敬之心，抱持著製作與欣賞藝術品的態度對待手上的產品，成就最完美的專業。 全白外觀打造殿堂神聖感。攝影：李國民   基地位於高雄，炙熱的南部陽光使得建築綠化特別重要，朱志康將其拆解為頂部的空中花園與半室內空間的懸吊式花園，讓陽光經過雙層綠化的綠蔭間照射入無塵室，懸吊式花園空間導入空氣對流降低室內溫度，讓無塵室節約許多空調與燈光上的能源使用。 植物的自然生機亦應證了廠房的潔淨，如果在設備層內的樹都能存活，何況無塵室內的設備及產品。朱志康笑說，自己也是因為這次經驗開始相信植物有靈性，原本開幕前樹已經有點枯黃，大家都覺得它應該活不了，但開幕後在大家的關心下居然越活越好。 半室內空間的懸吊式花園。攝影：李國民   由於室內僅能做兩層樓且樓高 8 米，1 樓研發中心與成果展示區以階梯式的設計做分區，抬高的研發中心下方，規劃作為庫存及運輸的區域。朱志康更靈機一動將無塵室的參訪動線上移，運用挑高空間 4 米深的管道層，做了 60 公分寬的檢修貓道作為參觀通道，使參訪者自上而下觀看，除了避免打擾員工作業，亦能看見最真實的工作狀況。 他分析，「大家都說這是最美工廠，其實不是美，而是最真實的工廠。」員工會因為隨時可能有人來參觀，所以端正自己的姿態，參訪客戶也因看得見每個細處的乾淨整潔，對於品牌專業產生信任。在設計時，朱志康會將自己置入參訪者、員工、老闆三者不同的角色去體驗空間，模擬每個人的心態、與空間的互動關係。   將參訪動線設置於工作區上方，呈現真實樣貌。攝影：李國民 關於佐研院的故事，最著名的即是那簡潔俐落的屋頂，在設計師的堅持下完美還原了設計構想僅數公分厚的線條。縱然所有人都反對將原有屋頂拆掉重蓋，業主仍舊相信他，一同將 99 分的作品推向 100 分的完美，而成品也不負他的信任，獲得了好幾個國際大獎，並受到外國客戶的讚賞。朱志康認為，佐研院的成功，除了感謝業主的信任外，最重要的便是「誠實」，真誠地坦白自己的需求，雙方才能合作，探索出切中核心需求的作品。   擦亮 HCG 工廠：「我們只是擦亮原有的，卻讓所有人找回自信。」 朱志康與 HCG 的緣分，始於台灣設計研究院「 T22設計振興地方產業計畫 」中「打開工廠」的活動，媒合 5 組設計公司與陶瓷產業工廠，藉由設計將民眾帶入實際工廠製造現場。面對偌大的HCG廠房，設研院找來擅長操作大尺度空間的朱志康設計團隊，期待給予這個近百年的台灣知名傳產品牌嶄新面貌。然而匠人們對於品牌的堅持，使提案過程不如預期的順利，他說道：「我們雖然很苦惱，但也還好他們拒絕了之前的提案，讓我們最後做了更重要的事情。」 打亮 102 米長的隧道窯具。攝影：李國民 最後完成的成品令人難以相信，他其實僅點亮了幾盞燈，以「光」點出那些美麗卻未曾被注意到的角落，如半完成品的輸送帶、102米長的隧道窯具、大型吸塵機具等，透過最輕的手法巧妙揭露並轉換他們最熟悉的日常，並「還原」原始的方向指示系統，制定可延續執行的指標設計規範計畫，並以百年前的鐵板噴漆技術，噴上企業代表色的藍色，加強日式工廠的氛圍。   「你必須跳脫設計師的既有框架，去看到空間本質上最美的那一塊」，朱志康說明，像集塵塔隱身於工廠兩棟建築物之間的陰暗角落，平時無人聞問、只想快速經過，但當他們打亮之後，才發現巨大的藍色集塵塔猶如八爪章魚延伸出錯綜複雜的管線，讓老舊的工廠頓時成了賽博龐克電影裡的場景，員工們會來這裡拍照、打卡，連在此工作30餘年的廠長都說出「原來我們工廠這麼漂亮」。 還原百年前的鐵板噴漆工法，打造簡單易懂的方向指示標誌。攝影：李國民   「其實我什麼都沒做，只是擦亮、還原，卻讓工廠從上到下的同仁找回百年產業的自信與認同，這是我覺得最有意義的事。」他提到，許多人會請他改造、裝修老宅，但其實只要經過妥善的整理，老物、老屋都有其自有的歲月之美。 朱志康反省，「設計不能以保護為名，卻行破壞之實」，很多老建築被抽走內涵的人與物，覆蓋上精美的設計手法後，反而失去了原本的韻味，本次HCG工廠透過「不加也不減的設計」，卻保留了工廠本身的美麗，讓空間與其中的人事物，自己講述品牌的百年風華。   藍色的巨型集塵塔宛若賽博龐克場景。攝影：李國民 資料與圖片提供」朱志康空間規劃 採訪」林慧慈

以「成都方所」書店聞名，朱志康是設計師、是藝術家，更是一名書店創辦人，曾以家具作品獲得 iF 與紅點設計獎，並參與 2016、2017 年威尼斯雙年展官方平行展、2022 年屏東落山風藝術季等，更是大獲好評的 2019 台灣設計展「超級南」空間統籌，如此多元的身分來自同樣多變的職涯。本期《室內interior》專訪朱志康設計師，了解其從國畫到空間設計的選擇心境、對於設計的核心精神，並分享諸多精彩作品的背後故事。   朱志康 擅長於將記憶帶入作品中，讓人們對空間產生共鳴。強調「真實」，不賦予風格，首要先了解空間的本質以及業主的需求，解決空間應用上的問題，讓空間擁有自己的個性。作品獲得多項國際獎項，曾被列為設計趨勢指標，並受到歐洲策展單位 GAA 邀請，在威尼斯建築及藝術雙年展期間展出創作，讓世界看到了現代新東方設計。   人生是一齣早就埋好伏筆的電影 大學時朱志康最常畫的國畫主題皆與空間有關，如廟宇、山水等，而非常見的花鳥靜物，這些養分也隱隱影響著他後續的設計風格，例如其最著名的作品「成都方所」書店中，柱子便沿襲了他過往國畫善用的比例與畫風，將廟宇的儀式感賦予到空間之中，壓縮視覺塑造出兩排柱體及中央的視覺核心，使書店產生宗教般的關係，而這些都是大學同窗所發掘，他才知道原來自己受到國畫藝術的潛移默化頗深。   從傳統國畫跳到設計領域，再一路從平面設計、產品設計，到後來踏上了更有挑戰性的空間設計一途，朱志康的生涯道路轉了好幾次彎，現在回首過往，卻發現一切早就埋下伏筆，「我以為自己是很有邏輯的判斷、選擇職業，後來發現我的國畫作品也是在畫空間，好像冥冥中安排了自己這條道路。」他以「電影」形容這一路的過程，非正科畢業、也未曾設想過志向，卻不知不覺地踏上這條路，像是早已暗藏伏筆的電影，身為演員只能隨著腳本前行。   參與 2016 威尼斯建築雙年展官方平行展，展出作品「山．水」。   揣摩大師的靈魂 「我從小成績不好，沒辦法跟人拚第一，也因此找到新的路、發現新的可能性。」人生路徑與大部分的設計師不同，令朱志康更加重視「獨特」的重要性，他笑說，自己很少從設計媒體上尋找靈感，因為那些都是其他人已經做過的設計，靈感應該是從生活瑣事的視覺體驗中發想，因此他更常看電影，或從事各種未曾挑戰過的體驗。此外，朱志康也會教導學生去研究大師的作品，「不要只看表面，更要學到大師的靈魂。」他甚至會去閱讀那些大師的自傳或紀錄片，以體會設計者創作的背景與心境。   談起自己心目中的大師，瑞士建築師 Peter Zumthor 是朱志康最為推崇的對象，更曾親自朝聖其 1996 年於瑞士建成的代表作品「沃爾斯溫泉桑拿房」。他分享，其他大師可能是代表一種風格、一種主義的極致，但 Peter Zumthor 的作品談的是精神與心靈性，一如其最新作品「布魯登．克勞斯田園教堂」以實驗性的手法打造出室內燒灼的痕跡，透過光與材質呈現對於宗教聖人的崇敬。朱志康相當佩服，「他的作品是一個體驗、一種感受，不是為了什麼機能而做的，走進去就像穿越時間，手法非常厲害。」 受邀參與2022屏東落山風藝術季，作品「來自海上的祝福」。 攝影：李國民   無關書的書店 體驗之於空間的重要性，亦可見於朱志康 2017 年所創辦的「無關實驗書店」之中，將其戲稱為一場「設計的極限遊戲」，推翻了他自己過往書店設計經驗中的那些「不可能」。雖然擘劃過大大小小的書店，但一開始拿到這個空間時，他們有兩年都想不出如何為其打造獨一無二的設計，後來他決定反向操作，做一個「沒有空間的空間」，書店內的燈光僅打在一本本封面向外擺放的書上，其餘空間則隱身於黑暗之中，將視覺感官上的設計提升至心理層面，塑造出一個「靈魂閱讀」的空間。 商業模式上亦創新，讓書店不只是賣書，而是販賣「閱讀」，他舉例，人們造訪酒吧除了喝酒，更多時候是期待享受酒吧的氛圍與體驗，書店為何不能如此？因此在入口處設置具有儀式感的「告別式」空間，象徵向外在桎梏告別，呼應「靈魂閱讀」主題，店內陳設、選書及活動皆經過精心安排，營運上則是需要購買門票進入體驗。 朱志康於2017年創辦「無關實驗書店」。攝影：李國民 書店已於 2021 年 6 月閉幕，朱志康笑說 3 年來的每個過程都是意外，原先只想做短期的實驗書店，沒想到大獲好評，中間經歷許多浮沉，在去年 3級期間終於下定決心停業，往下一階段邁進。他表示，做設計的過程就是一直在學習放手，無關書店的設計與經營更是一次挑戰放手的極限，一路上不停遇到巧合與奇蹟，「人生就是這樣，很多奇蹟，但奇蹟的本身必須要很誠實。」   奇蹟誕生之處 朱志康認為，從事空間設計，需要具備非常客觀的觀察能力，要能看見業主、空間、環境與自身的真實需求，才能以客觀角度提出可能方案，其中最難的是客觀地觀察自己，他也仍在學習，不去用自己習慣的手法思考問題，「如果不抽離自己，我們沒辦法看到新的可能性，完成的作品也會越來越相似。」 去年完工的書店空間新作「長沙open house」，將空間打造為一艘飛船。 他表示，每一個設計都是因應空間問題所誕生的解決方案，「找到問題、解決問題」說來簡單，卻是設計的根本，創意應該為了實用而服務，如果創意不能解決問題，創意就沒有用。 他喜歡去探索、實驗很多新的可能性，也因此他更喜歡挑戰別人認為困難、不可能的空間條件，從執業後第一個案子的小辦公室、方所書店的巨大尺度、無關書店的實驗，到佐研院的動線改造與 HCG 百年工廠，朱志康一直在挑戰各樣的不可能。他形容自己是「貪玩」的設計師，只要沒嘗試過、有可能性的，他都有興趣嘗試，「我發現只要有解決不了的地方，就可能會出現奇蹟；只要有卡住的地方，就代表只要突破了，就有一種新的可能性。」 「長沙open house」 下篇：朱志康 作品背後的故事：成都方所書店、佐研院、擦亮HCG工廠 資料及圖片提供」朱志康空間規劃 ​採訪」林慧慈  

3月29日至31日，來自23個國家的75位評審委員齊聚在德國柏林歷史悠久的工業設施Wilhelm Hallen中，進行了2022年iF設計獎的最終評選會議。今年iF設計獎共收到近11,000件、來自57個國別/地區的作品報名參賽，成為iF有史以來參賽數量最多的一次；經過三天密集的評選過程，評審團一共選出1,973位參賽者榮獲2022年iF設計獎。而iF設計獎中的最高殊榮—iF金質獎，一共選出73件傑出作品，其中台灣有2件作品奪下此獎項。 由德國發起的iF設計獎以「優良工業設計」為名，自1954年起，iF設計獎已成為舉足輕重的國際獎項，同時也是卓越設計的認證標章。iF設計獎表彰的設計領域包含：產品設計、包裝設計、傳達設計、服務設計、建築設計、室內設計、專業概念、使用者經驗 (UX)以及使用者介面 (UI)，共九大項目。 iF International Forum Design GmbH執行長Uwe Cremering表示，協會為有史以來最成功的iF設計獎感到自豪！獎項自創辦以來，從來沒有收到這麼多的的參賽作品，這也反映了參與者對他們的組織以及國際、獨立和公正的專家評審團的信任。他對此表示衷心的感謝，感謝所有參賽者和評審委員，感謝iF的團隊，還有所有參與比賽的公司和設計師們的。 評審團也表示，今年的參賽作品中他們看到了三項特點。第一，清晰的洞察力，使得品牌更接近使用者的實際需求；第二，清晰的洞察力轉化為驅動理念，推動品牌走向更加理想且美好的未來願景；最後，則是品牌動向，新的和不斷改進的創意繼而改變了使用者體驗，以使用者的視角來實現設計想法，通過更大的效能和慾望建立新的關聯性。 2022年iF設計獎的頒獎典禮預計在5月16日於德國弗里德里希皇宮劇院（Friedrichstadt-Palast）舉行，邀請得獎者與大眾一同關注這場盛事。今年，台灣共有333件作品獲獎，本期《室內》將介紹2件來自台灣的iF金質獎作品。（完整得獎名單請參考iF設計獎網站：https://ifworlddesignguide.com） 台灣iF金質獎作品  Bamboo Book House  設 計 者」Yung Design Group / 莊哲湧 參 與 者」張郢丰 湯巧伶 攝 影 者」 三川二目空間攝影 空間性質」接待中心 主要材料」竹子、鋼構、木皮、植栽 面      積」105坪 項目年份」2021年 Box Yung Design Group 是一家專精在建案、旅館、休閒產業商業空間的設計公司，歷年完成水舞行館、彭村梅SPA旗艦館、順風醫美及產後護理之家...等知名品牌商業空間，以及許多住宅大樓建案公設。團隊設計風格多元、不拘泥固定樣式。設計專注客戶品牌精神、同時關心空間的使用者，持續將品牌導入空間。 設計團隊提出「竹書屋」的設計概念，並以「快閃書店」的空間使用模式作為構想，除了打破一般人對於房屋銷售印象，同時奠定業主的品牌形象以及產品的市場定位。 採用竹子元素鋪陳出更深一層的品牌力道與書卷氛圍，設計手法結合現代主義建築的系統式思維，展現工整又自然的外觀；內部則以簡約的基調和大面的木質書牆貫穿，各個空間圍繞滿佈綠意的中庭，讓自然光線能在此穿越流動。 銷售中心本身為臨時建築，所以設計團隊透過輕量化的工法以及使用可回收建材，致力減少臨時建築任務完成後拆除所產生的營造廢棄物，企圖在設計上兼顧美學與永續作為最終目標。 然而，很意外的業主在銷售結束後，決定延長建築物的使用期限，與知名書商洽談文化活動事宜，在未來的日子裡，此處的夜晚燈光依然會點亮，讓其成為一件更具意義的作品。   得獎感言： 上個月收到iF入圍通知，看到分數蠻高的就很開心了，但只覺得這個案子應該得獎有望了，完全沒想到竟然會是難得的「金獎」，老實說現在仍感到驚喜與驚訝！這幾年在設計接待中心時，我們一直秉持著去銷售化的想法與業主提案，很幸運的業主都能接納我們的構想，也給予我們支持去發展這樣的理念，接連幾個案子我們以「咖啡廳」、「美術館」、「書店」等想法去營造賣場氛圍，提供購屋民眾能以更愉悅、更放鬆的心情，面對人生重大的支出決定—買房體驗。 竹書屋這個案子我們仍是以這樣的心情在做設計，特別的是這次多了竹子的運用，選用竹子的背後其實當時有好多的想法，包含藉以鋪成品牌的書卷氣，實現輕量化的工法，拉近與周邊環境的協調感等。在設計進行中，我們也鼓吹業主找書商合作，讓這案子完成時能呈現出「真的」書店的樣子。總之，如果撇除金獎的榮耀，我們仍然很喜歡這個案子；不過，能得到金獎真的是超級開心！  共聚之家   設 計 者」都市山葵 / 方瑋建築師事務所 / 方瑋 參 與 者」賴士詠 陳炤燊 陳佳吟 林郁晨 Utima Lena 攝 影 者」Studio Millspace / 揅空間工作室 Architecture Photography  空間性質」獨棟住宅 主要材料」鋼構、混凝土 面      積」53.9坪 項目年份」 2020年 Box 創作方向介於建築、地景與藝術的融合與挑戰，期待以空間為媒材，觸發新的感知體驗與生活的可能性。 參與作品範疇由美術館、旅客中心、校園建築、飯店、集合住宅、獨棟住宅、都市景觀、室內設計與裝置藝術。 獲獎紀錄： 2022德國iF Award 金獎/2021金點獎年度最佳設計入圍/2018 台灣住宅建築獎 佳作/2014 ADA AWARDS新銳建築獎等。/2014 SDA AWARDS最佳建築及空間環境規劃 此作是位在台南市的建築更新改建的方案，在面寬5.89米、深9.06米、高12.2米的有限基地中，透過由室內尺度的拿捏與組織，藉由開口與適切的線條規劃，將室內外空間，建築的量體、陽台與戶外6米的街巷、緊密鄰棟之間，塑造出和諧關係。 此作的家庭成員為三代同堂、共五位成員。設計團隊將公共空間內的重要元素拆開後，分別將其佈置在各個樓面。1樓為餐廚房與爺爺的生活空間，2樓為起居室與年輕夫婦臥室，最後3樓則是5歲姐妹的房間加上琴房與一些彈性隔間。 藉由水平的劃分，各個層面形成符合居住者所需的獨立空間；以2樓的起居室維空間主軸，並搭配4樓曲面屋頂的多空能空間與陽台，光景樓梯又巧妙的串聯起垂直動線。讓此作形成一個具有緊密尺度、亦小亦大，又有留白餘韻與連結都市天空的一棟白色住宅。   得獎感言： 很榮幸都市山葵/方瑋建築師事務所獲得2022德國iF Award的金獎肯定，住宅更新（Renovation Residence）的想像力，是我們在共聚之家的設計過程中，持續努力的議題。住宅整建方案最困難的是在既有的條件下，再一次回應各種新的使用方式與價值觀的不同需求。 在本次的方案中，我們關照的面向有，建築外觀所影響的巷道氣氛、空間量不足下的空間組織與彈性以及室內外型態一體感的設計風格與感受。我們也將這樣的小住宅方案視為一顆改善環境文化的種子，一部分照顧與回應委託者的需求與期待，另一方面則為巷弄環境提出一種柔軟且全新的樣貌，讓都市中老的住宅社區能夠持續的更新演進，並且擁有一定程度室內外開放與連結的延伸關係，讓建築的風格與室內的生活都逐漸變成環境中的一種重要氣息，期待發展出一種台灣感的日常與美學，融入在我們的每一天。  資料及圖片提供」iF DESIGN、Yung Design Group、都市山葵 / 方瑋建築師事務所 編輯」歐陽青昀

忠泰美術館近期推出五週年展《生生LIVES：生命、生存、生活》，試圖在這個充滿不確定性的全球未來局勢中，重新省思與探問最根本卻也最基進的主題：「生命」、「生存」與「生活」。 本展主題與架構設定，源自於2019年美術館內部團隊共同聚焦於「生」的複層解讀後，邀請蔡宏賢和鄭慧華擔任共同策展人，李明璁、洪廣冀及鄭陸霖擔任策展顧問，共同加入這個持續一年以上的對話與討論。   策展人蔡宏賢 ©蔡宏賢                                               策展人鄭慧華 ©鄭慧華 以跨領域、跨學科的討論，匯聚12組來自國內外的藝術家，透過聲音、影像、館內及戶外裝置等作品型態，探尋各種生命形式的可能性、生存哲學及倫理、科技發展與社會生活型態。   剖析「生」的意義 2019年底人類發現新冠病毒，隔年3月WHO正式宣布病毒進入全球大流行，世界也因此產生了顛覆性的轉變。忠泰美術館五週年展的主題和架構設定，便是誕生在這個動盪的時局中，議題定為名詞「生／LIFE」與動詞「生／LIVE」的結合－《生生LIVES》，聯手多位跨領域專家，企圖以跨領域的對話與思考，探討在科技與人文交織的當代，面對未來，我們將何去何從？   以「未來」作為展覽主軸，涵蓋「生物藝術」、「人工生命」、「基因工程」、「科技倫理」、「人與環境」、「跨物種與性別階級」等多元論點探索，邀集著名藝術家－Charlotte Jarvis、dividual inc.、Ed Atkins、Lynn Hershman Leeson、Nicholas Bussmann、Peter Sasowsky、SUPERFLEX、何采柔、張欣、鄭波、魏廷宇、顧廣毅，從策展過程到每件作品，皆蘊含複雜且豐富的對話關係，涵蓋「生」的多重意涵與多重角度，以各種形式探問生命的可能性。   以身體及聲音重新體驗城市 何采柔〈搖欄IV〉  © 忠泰美術館 本展企圖打破藝術和日常生活的界線，邀請觀者以身體及聲音重新體驗城市脈絡。踏入美術館前，首先會與何采柔的作品〈搖欄 IV〉相遇，以「搖籃」和「圍欄」兩者層疊之意象，包圍忠泰美術館，讓人反思自身所在，特別是面對COVID-19疫情中，人與人的「接觸／隔離」、社會的「開放／封閉」以及「連結／疏離」的新定義。 何采柔〈Heads down〉  © 忠泰美術館  另一件位於忠泰企業1樓大廳的全新現地創作〈Heads Down〉，則是將日常劃分排隊秩序所見的「紅龍」予以解構／倒置，藉由遊戲互動，觀者以自身的行動對這被曖昧化了的關係展開新協商。   張欣聲景創作〈一千七百步〉 © 忠泰美術館  從美術館1樓大廳延伸到附近的瑠公圳公園中，則有張欣全新的聲景創作〈一千七百步〉。數字來自於藝術家田野調查時，偶然聽到公園中人們的談話，透過觀眾手上的行動裝置呈現的GPS定位方向引導，將我們重新置入台北城市的記憶、歷史與景貌中，體驗美術館周遭的「日常」景況與疫情的「非常」狀態中，引領觀者靜心閱讀環境生態，並與之對話。   用藝術探索生命的可能性 魏廷宇〈生命遊戲〉 ©忠泰美術館 1970年英國數學家約翰．何頓．康威（John Horton Conway）發明「生命遊戲」（Game of Life），試圖以運算探索生命可能性。2022年，台灣藝術家魏廷宇的全新互動裝置作品〈生命遊戲〉依照康威「生命遊戲」的演算規則，產生動態和電子聲響，也是觀眾可以輕觸的木製單元格，創造更多層次的感官和資訊維度。   《天堂+地球+喬‧戴維斯》紀錄片 © 忠泰美術館 美國導演彼得．薩索斯基（Peter Sasowsky）的《天堂+地球+喬．戴維斯》紀錄片，記載了被譽為「生物藝術之父」的怪才－喬．戴維斯（Joe Davis）的科學與藝術的生命探索歷程，他將一首詩歌、陰道收縮的聲音等合成至基因分子中，再傳至外太空，成為人類生命與外星生命溝通的橋樑，透過科學、藝術等複合的方式，轉譯、存儲生命的形式與意義。 Nicholas Bussmann全新現地創作〈未來逝者的口述檔案〉© 忠泰美術館   在隔離和國境封閉的時代，德國作曲家暨藝術家尼古拉斯．布斯曼（Nicholas Bussmann）相信來自人們身體感官與直覺的真實感受，本次展出全新現地創作〈未來逝者的口述檔案〉，創造出一個懸浮於展場中間如有機物般、隱約透光並發出呼吸聲的裝置，這些代表生命的「頻率」與「能量」，能在靜謐氛圍中與你我產生共鳴，並轉化為一場與個人內在的對話。 〈每個終點都是一個新的起點〉攝影作品 ©忠泰美術館  丹麥藝術團體SUPERFLEX曾於2018年至不久前因火山爆發而被覆滅的島嶼洪加東加島（Hunga Tonga），拍攝電影作品《洪加東加島》，以幽默的想像力，藉由虛構的人形生物，從海底浮出地表為故事主軸，挑戰人們所認知的時間、空間和物種觀念；而其攝影作品〈每個終點都是一個新的起點〉，照片中荒蕪素樸的景象，看似是個尚未有人為力量介入的世界，但那其實只是從洪加東加島上收集來的沙子的放大圖。 鄭波《寫生》 ©忠泰美術館   中國藝術家鄭波的〈寫生〉系列則關注探討跨物種之間的平等倫理，並以此探索萬物共存之道。疫情肆虐期間，鄭波每天走入居住環境周遭的山野裡，以近似「觀修」和傳統臨摹的方法與自然相處，完成了366張24個節氣的作品。觀眾能自在地於榻榻米展間中，親近這些素描，並直接眺望美術館窗外的綠意和環境。   「生存」法則中的哲學與倫理 顧廣毅〈酷兒白蟻計畫〉 ©忠泰美術館 〈酷兒白蟻計畫〉由藝術家顧廣毅與研究社會性昆蟲「白蟻」的科學家合作，共同建立一個虛構的跨物種未來情境，嘗試思考如何重新詮釋由生殖和性別決定階級的白蟻社會，並研究出非人生物在性別與勞動階級的新想像，試圖構築一個由人與非人生物共同形成的「酷兒生態系」（queer ecosystem）互利共生結構之可能。 Lynn Hershman Leeson〈無限引擎〉 © 忠泰美術館 被譽為媒體藝術先驅的美國藝術家琳恩・赫什曼・李森（Lynn Hershman Leeson），其作品〈無限引擎〉根據既存的基因工程遺傳學實驗室，重新建置了空間裝置、場域，將攝影、繪畫、文件、與遺傳學和倫理學專家的訪談影片紀錄並置，讓表演、資訊檢索、合成的DNA測試、以及透過人為手段強化的人類物種演進的未來敘事，呈現於觀眾眼前。 Charlotte Jarvis〈可能〉© 忠泰美術館    英國藝術家夏洛特．賈維斯（Charlotte Jarvis）的作品〈可能〉，是一件持續進行中的計畫／作品，藝術家跟蘇珊娜（Susana Chuva de Sousal Lopes）教授共同研製出世界上第一批「女性」精液。〈可能〉作為某種宣言，一種理論性的自傳，目的在改寫既有的文化敘事，並用藝術和科學瓦解傳統生殖的階級制度和主流的父權價值。   科技發展與社會生活型態的想像 Ed Atkins〈溫暖、溫暖、溫暖的泉口〉 © 忠泰美術館 英國藝術家埃德．阿特金斯（Ed Atkins）的作品〈溫暖、溫暖、溫暖的泉口〉使用了動作擷取裝置和臉部辨識軟體，以自己的臉為原型創造了一個「數位化身」，寓意著虛擬空間中無數意識的「漂流」的可視化。作品簡約流暢卻承載著複雜而迂迴的感情，它可能來自於對於生命及生存形式的疑問。   dividual inc. 〈遺書／輸入的痕跡〉  © 忠泰美術館  天災人禍頻繁的現在，假使生命盡頭已近在咫尺，你有什麼話想留給最親愛的人？藝術團體dividual inc.的〈遺書／輸入的痕跡〉展示著一篇篇經由網路收集而來的「10分鐘遺書」，並於展間裝置中還原呈現遺書的書寫過程，書寫者當時的心理狀態，包括輸入力道、猶豫深思的時間等，而這些與藝術家一起的共同創作，則代表著人類生命最終的情感細膩交代與記憶的回放。   反思後疫情時代 《生生LIVES：生命、生存、生活》企圖眺望未來的跨領域對話，重新思考生命最根本的定義，並延伸至生存和生活的複雜多重解讀。忠泰美術館邀請每位觀者參與這場關於未來的思辨歷程，在這動盪多變的局勢當中，反思自身與時代的意義。   生生LIVES：生命、生存、生活 日期」2022年3月19日至7月31日（週一休館） 地點」忠泰美術館（台北市大安區市民大道三段178號）   資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

對於旅行與居家的藝術，路易威登自有一套玩美哲學。品牌新展覽 Objets Nomades於台北台北流行音樂中心文化館揭幕，本次展出的全新Objets Nomades系列作品並邀請陳瑞憲與三石建築事務所協同主持人蕭博文共同規劃展場，以獨特視角引導觀眾欣賞品牌精緻的家具、家飾。 看點一：瑰麗飽滿的空間設計 本次展場空間邀請知名設計師陳瑞憲與三石建築事務所協同主持人蕭博文共同設計，展場空間以迂迴動線、縫隙穿透、相互借景等特色，將台灣的老建築常見的撞色元素相襯精品家居作品，同時也意喻著台灣多元文化的內涵，空間色彩瑰麗飽滿，每一旋身都自構不同風景，繽紛、優雅的相襯Objets Nomades系列作品，呼應品牌精品家具的旅行概念與文化融合精神，令觀常感受更加獨特。     看點二：台灣山櫻花色彩迎賓 2022年路易威登 Objets Nomades展覽期間恰為台灣特有種「山櫻花」的綻放的季節，熱愛自然的陳瑞憲設計師特別以「山櫻花」的桃紅色作為觀展的起點，別具意義。     看點三：Objets Nomades系列新品 Objets Nomades系列是品牌的頂級家具系列，此系列的實驗原型產品皆是向品牌過去的經典訂製作品致敬，並加入全球設計名師的當代視野與特色，自2012年問世以來，邀請全球知名設計師發揮創意，創作別致的旅行靈感物件，再由路易威登負責打造，設計師包括：Campana兄弟、Atelier Oï、Maarten Baas、Barber與Osgerby、Damien Langlois-Meurinne、India Mahdavi、Oki Nendo、Gwenaël Nicolas、Raw Edges、Patricia Urquiola、Marcel Wanders、吉岡德仁、André Fu、Atelier Biagetti、Frank Chou。集藝術、工藝與收藏性，既是家具也是收藏，本次Objets Nomades系列推出多件新品，讓人近距離欣賞設計名家的巧思。   新品一：Aguacate酪梨飾片 設計」Fernando與 Humberto Campana   Campana 兄弟的作品Aguacate（西班牙文「酪梨」）燦如鮮艷的烈日，在路易威登手工編織的皮革帶中綻放光芒。Aguacate限量推出30件，每件均由9 個不同尺寸色彩豐富的酪梨形狀作品以16個亮面的黃銅扣環固定在一起。   Aguacate可以裝置在牆上使牆面煥發耀眼光彩，或是隨意懸掛在房間隔板，表現個人創意。 新品二：Cosmic Table宇宙圓桌 設計」RAW EDGES Raw Edges創作的 Cosmic Table（宇宙圓桌）探索簡單線條構造別致形體，底座簡潔卻巧妙無比，採用三片彼此互扣碳纖維結構曲板以路易威登皮革包裹，結合尖端科技以及品牌精湛的傳統工藝。 豐富的色彩與邊緣形成優雅對比，彷彿描繪出一條無限延伸的線條，勾勒出底座的形體，覆上玻璃桌面後立即成為空間焦點。    新品三：Merengue蛋白霜坐墊 設計」Fernando 與 Humberto Campana Campana兄弟以Merengue（蛋白霜餅）為靈感創作的坐墊，造型一如擠花袋塑型的蛋白霜餅螺旋，坐墊由八折瓣片組成，每瓣皆由路易威登柔軟的皮革搭配羊毛襯裡製成，精緻瓣片組成一個美麗的螺旋。 Merengue擁有豐富色彩、甜美造型與便攜尺寸，像是讓人置身於愛麗絲夢遊仙境裡的魔幻情境。    新品四：Petal Chair花瓣椅 設計」MARCEL WANDERS 工作室 Marcel Wanders希望為生活帶入花卉的空靈之美。這款花瓣椅結構優雅，鋪蓋著9片乳白色皮革縫製的軟墊，宛若盛開的花朵。座椅溫柔地包裹使用者，彷彿將人置身於花團錦簇中。 這款功能與美學兼備的椅子，設計上模仿自然採用四片花瓣為座墊，演繹路易威登經典的花卉圖案。鑄鋁製作的底座，設計靈感來自樹木，四支腳營造出春天花園細緻纖柔的感覺。     新品五：Signature Sofa & Armchair沙發與扶手椅 設計」周宸宸 周宸宸的Signature 扶手椅及沙發線條靈感取自中國雲南的梯田，以及亞利桑那州大自然鬼斧神工的羚羊峽谷，三公尺長的沙發可舒適地容納四個人，並有多種顏色組合供選擇。 椅座分為室內款與戶外款，室內款可看輕盈的線條結構包覆著路易威登精緻皮革與義大利Paola Lenti的立體「圓點」布料。戶外款為首件專為戶外使用而設計的Object Nomade作品，採用路易威登傳奇防水帆布和 Paola Lenti 的「Brio」，鮮豔且耐用。      看點四：Petits Nomades別致家飾 2018年，品牌推出Petits Nomades家飾系列，此一系列兼具功能性與裝飾性，可以靈活運於空間中，由Objets Nomades菁英設計師負責打造。本次展場空間，可見如何靈活混搭Objets Nomades與Petits Nomades的作品，為室內構築特色景致。       資料及圖片提供」路易威登 採訪」Sumile