「我們的家鄉—地球很美麗」，許多美國太空總署NASA的太空人在訪談中都這麼描述他們從國際太空站觀看家鄉星球的經驗：一片死寂真空的宇宙裡，地球是唯一充滿生氣蓬勃色彩的星球。但是，現實窘境是地球生態系統正面臨著大崩壞，人類獨大的現代文明方式正劇烈改變自然環境的樣貌，甚至有科學家宣稱已經進入「人類世(Anthropocene)」時期。 NASA。中國三峽大壩建造前影像。1993 年 9 月 24 日至 2016 年 8 月 22 日。NASA 提供，U.S. Geological Survey (USGS), Landsat Missions Gallery, U.S. Department of the Interior / USGS and NASA 面對殘破的自然生態，聯合國教科文組織在2019年「聯合國氣候變遷會議」的網站上清楚地寫著世界各國應該如何行動：「迄今為止，各國的野心不足以實現協定中的三項氣候目標，分別是2030年前要減少 45%的二氧化碳排放量；2050年前實現氣候中和（意味著零淨碳足跡）；本世紀末前，使全球溫度的上升控制在1.5°C內。」如果依照聯合國教科文組織同年發表的氣候變遷科學研究報告書，會發現，如果各國再不實際行動，10年後我們將面臨地球生態系統崩壞的世界級災難。  對於此一世界重大議題，紐約MoMA美術館在嚴峻的新冠疫情中策劃了《損壞的自然》(Broken Nature)展。這項展覽討論如何運用設計的「修復」潛力，來修補人類和生態物種、環境之間的關係。如果設計的本質是解決人類文明的問題，我好奇展覽將如何討論設計能為目前光速般損壞的自然環境提出解決方案？或者，運用設計保護獨大的人類物種？ 初始觀點：優雅地滅種  《損壞的自然》其實來自2019年第22屆米蘭三年展(XXII International Exhibition of La Triennale di Milano)《損壞的自然：設計承載人類生存》(Broken Nature: Design Takes on Human Survival)，總策展人寶拉·安東內利(Paola Antonelli)是建築暨設計部門資深策展人(Senior Curator, Department of Architecture and Design)，在紐約MoMA工作超過25年，此展覽也是她首度在米蘭策展。 亞歷克斯・高德(Alex Goad)，《MARS》(Modular Artificial Reef Structure)，2013。2019 米蘭三年展 《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 2019年，在紐約設計出版刊物Core 77舉辦的設計論壇上，安東內利表示，《損壞的自然》最先來自2013年在MoMA內部的提案，但是當時時機尚未成熟，也許環境議題還不那麼急迫，所以未能實踐。最初的概念來自一項簡單的想法：人類終將滅絕。我們也許沒辦法完全控制滅絕，但是我們對什麼時候、如何滅絕能有一些掌控。因此，安東內利認為人類可以設計自己優雅滅絕的方式。 這簡單的想法讓《損壞的自然：設計承載人類生存》進一步來討論如何、怎樣設計人類的滅絕。而米蘭三年展的版本是為了「世界公民」(citizens of the world)而展出，而不是設計師；因為我們身為公民，每個人都有責任。策展團隊不選擇常用的「區塊」子題手法來處理，而是以流動、觀展的方式，其中展出超過100件作品，以廣泛內容、並非單一主題聚焦討論，從宇宙、社區、日常的觀點，提供世界公民在嚴峻環境中生存的設計方案。 修補人類環境和自然的關係？ 此次，紐約MoMA和米蘭三年展合作，呈現《損壞自然》的精選迷你版本，在《損壞的自然：設計承載人類生存》的眾多觀點中，選擇「修復性設計」作為主題聚焦。在「修復性設計」策展觀點基礎上，《損壞自然》認為環境是多樣、相互連結的體系。展覽要探索人類棲息地中那些複合的系統，並進一步討論在這涉及經濟、社會、政治、以及自然生態的多樣連結體系中，設計如何作為修補角色？在「修復性設計」的大主題下，選擇45件作品，其中有些作品也成為MoMA新典藏。 稻田亞希。《想演化 #1》(Think Evolution #1: Kiku-ichi (Ammonite))，2016-2017。藝術家、久保田雄藝廊(MAHO KUBOTA GALLERY)提供 展出作品呈現能提供多樣策略的設計物件和概念，解決損壞自然所帶來的相關問題，來幫助人類去修復與其他物種的共享環境關係。不僅是生態環境危機的緊急難題，例如污染、材料消耗、全球暖化，也包括像是家庭、性別、種族、階級、民族等基本制度和概念的議題。同時展覽內容，呈現設計師、工程師、藝術家、科學家之間存在的共享關係，以及這些不同領域間持續相互合作、影響下所產生的設計。 像是為了解決來自多樣的環境壓力、海水升溫造成珊瑚大規模死亡，全球正在開發新的養殖方法，種植不同珊瑚物種，直到可以將珊瑚移植回天然珊瑚礁為止。來自澳洲的亞歷克斯·高德(Alex Goad)在2013年的設計作品《MARS》(Modular Artificial Reef Structure)，以3D打印樹脂模具的晶格系統，作為陶瓷模塊化的人工礁結構。在沉入水底之前，珊瑚片會附著在這結構上，就像是一座堅固的骨架，讓移植珊瑚可以在其上生長。《MARS》提供複雜幾何造型為許多其他依賴珊瑚礁的物種，如魚類和軟體動物，以及更廣大的珊瑚礁生態系統提供保護性棲息地。  有些作品專注在廢棄物的議題。把廢棄物作為可大量獲取的材料，從新資源的角度來看待、運用。英國設計師亞歷山大·格羅夫斯(Alexander Groves)與村上梓(Azusa Murakami)組成的彘工作室(Studio Swine)，他們的作品《罐子城的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)是街上拾得的廢棄物件，有棕櫚葉、陶瓷磚、籃子底部等。在廢棄的籃子底部填滿沙，再將不同物件壓印翻模，做成鋁凳的模具。這件移動式鑄造裝置，以食用油為燃料，熔化從城市街道上收集的鋁罐，作為各種造型的棕櫚凳子。《罐子城的棕櫚凳》靈感是來自巴西聖保羅的地下拾荒經濟，由拾荒者收集回收物件放在拉車上，再拿去回收。  英國彘工作室(Studio Swine)，《罐子城 市的棕櫚凳》(Palm Stool from Can City)，2013。藝術家提供 廢棄物議題也有討論運用新科技和材料，開發製造和建造新方式，讓廢棄物能回收再利用。像是法國阿爾勒(Arles)的路馬工作室(Atelier Luma)是藻類實驗室，專注在探索微藻和大型藻類的生物材料潛力。此次展出的 2019年設計計畫《藻類地理》(Algae Geographies)，是路馬工作室採購當地海洋植物，在實驗室進行種植、混合、乾燥階段，要創造替代石化產品的塑料，同時扮演能吸收二氧化碳排放的材料。路馬工作室團隊製作區域內資源、專有技術、文化檔案的網絡，進一步與地中海區域的設計師和在地社區合作，重振當地經濟。  也有作品以想像實驗的方式提出解決問題的設計方案，像是美國建築師穆斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)所創立的實驗室實驗室(theLab-lab)以建築想像圖取代實際建造的設計。實驗室會依照匿名客戶不同的要求，以建築數位繪圖作為一種溝通的媒介，依客戶所想的設施視覺化。此次展出許多想像方案的建築數位繪圖。除此，也有以批判性設計(critical design)來思考解決生存方案的作品。 穆 斯塔法·法魯基(Mustafa Faruki)，實驗室實驗室(theLab-lab)。《匿名客戶的接收供應設施》，2018—至今。藝術家提供 來自英國設計師、目前任教紐約新學院的安東尼·鄧恩(Anthony Dunne)和菲奧娜·拉布(Fiona Rab)共同組成鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)，專長就是批判性設計。他們展出2009年的設計計畫《為人口過剩星球的設計：覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet：Foragers)，討論人類未來獲取糧食的方式需要從根本上重新思考。 MoMA展場平台上放置著鄧恩&拉布以玻璃強化塑膠材質打造鮮豔綠色的物件，十足的未來感造型，其實是在人體以外的腸胃系統裝置。連結到人體周圍外在環境，進行「外包」的糧食資源，這項裝置協助人類在人口過剩的地球 覓食，甚至消化人類無法食用的東西，像是粗韌的根和纖維素物質，但是這些卻是其他哺乳動物和鳥類賴以生存的食物， 甚至人類祖先在早期也能夠食用。 《損壞的自然》MoMA 展覽現場，圖為鄧恩&拉布工作室(Dunne & Raby)2009 年作品《為人口過剩星球的設計：覓食者》(Designs for an Overpopulated Planet: Foragers)© 2020 The Museum of Modern Art。攝影 Robert Gerhardt 看完紐約MoMA版的《損壞的自然》，也許設計真的能夠解決某種因人類文明所產生的問題。從這些展出的案例，策展人安東內利認為，從復育急速死亡的珊瑚礁，到思考為人口過剩的星球提供糧食的場景，設計、建築一直以來能夠在不同階段、背景、環境下，橫跨時空並迅速推動建設性的改革。 然而，如果我們對於自然環境的關係仍是以「取得資源」為出發， 要如何如他所言，設計可以改變人類行為，或是自然環境的行為？《損壞的自然》展出的《蜜蜂計畫》(BEE' S project)讓我萌生這樣的問題。《蜜蜂計畫》是目前任教倫敦的葡萄牙設計師蘇珊娜·蘇亞雷斯(Susana Soares)在2007年的設計和科學計畫，運用蜜蜂獨有的精密嗅覺，訓練蜜蜂來作為人類醫療疾病、懷孕診斷的有機測試。展場裡三件工藝精緻的玻璃製品，其實在真正使用時，裡面會有受人類特別訓練的蜜蜂，來作為不同用途的醫療測試。 看著《蜜蜂計畫》美麗的玻璃物件，讓我想起幾年前全球各地原生種蜜蜂大量死亡，各地的數據都不同，最高數據大約是30-40%。主要原因包括棲息地、化學農藥的使用，沒想到我們熟悉的蜜蜂有一天居然也會成為可能瀕臨危機的物種。蜜蜂族群數量下滑，導致各地農場缺少蜜蜂作為農作物授粉的重要媒介，也意味著人類世界糧食供給也發生問題。那麼，蜜蜂作為醫療測試的用途，顯得有些 超現實。  朱亞·奧曼(Julia Lohmann)。《因為這很重要》，2013。海帶植物裝置， 2019 米蘭三年展《損壞自然》裝置現場。米蘭三年展(Triennale di Milano)提供。攝影 Gianluca di Ioia 如果整體大環境的基本面沒有獲得改善，如聯合國教科文組織所言人類僅剩10年不到的時間，設計真的能保護人類免於生態大浩劫所帶來不宜人居的狀態？除了設計作為解決方案之外，近年國際趨勢很多朝向規劃生態保留區，作為讓自然環境免於浩劫的方法之一。所謂生態保護區，是免除、降低人類活動對環境的干擾。 以美國拜登政府舉例來說，年初頒布對應氣候危機的行政命令，其中一項是暫停所有公共土地上的新油氣租賃。其中最深具野心的政策目標，是在2030年前分別保護30%的陸地、30%的沿海海洋，作為自然保留區。2019年美國《國家地理》雜誌報導，中國將以生態廊道區的概念設置大熊貓國家公園，其規模是美國黃石公園的3倍，橫跨不同省份，目前試點區總面積2.7萬平方公里，跨越四川、陝西、甘肅3省12市30縣，因為動物沒有省份的概念，只有隨著自然韻律遷徙移動的原始生存本能。 凱利·賈茲瓦克(Kelly Jazvac)。《塑料異構體》(Plastiglomerates)，2013。凱利·賈茲瓦克提供 雖然是大熊貓國家公園，這生態廊道保護的不只是熊貓，還有其他珍貴的野生動植物，像是雲豹和金絲猴等。一位台灣海洋科學家曾跟我說過，台灣大多數溪流，都早因為水泥攔沙壩的設置成為階梯式溪流，對我們來說是溯溪的好步道，但是魚如何在階梯式的河川水中游？他認為修補大自然最好的方式就是不要理它，讓自然自己療癒。 經濟發展和生態修復之間總是棘手的政治問題，「修復性設計」也許是人類一起作為損壞自然共犯的良心行為。  撰文」Chia-Ling Lee 

巷弄常常是展現民間生命力的地方。「小南通咖啡」位於台北市和平東路的小巷中，基地及其周圍多為屋齡四、五十年的老公寓，傳統機車行與店舖圍塑出「台味」的氛圍，雖然有點凌亂、有點老舊，卻真實傳遞出一種屬於台北的親切感。 楊竣淞設計師表示，業主於洽談時提出了一個以「南國」作為概念的開店企劃，希望讓整個咖啡廳具有南國風情，且融合城市的民生樣貌，藉由台灣的小食（如筒仔米糕、黑輪等）和精心烘焙的咖啡，打造一個有別於坊間常見精品咖啡館的文青感，而是企圖加深與當地居民的連結，希望設計的介入可以為店面創造出更具個性化的美學標準。   位在巷弄內的基地屬於梯字形平面，小南通咖啡企圖讓店面跟社區與人有著密切連結，強化台灣在地文化的氣息。 元素解構與重組 設計師進一步解釋基地的限制，本身比馬路高出約70公分，平面整體形似梯字狀，進入室內後會發現此處是一個斜的角度空間，這樣的條件加深了平面配置的難度。設計的出發點是由「整理」開始，打除潮濕的牆壁，改由磁磚阻斷內外水氣，室內沒有增加隔間和壁面，而是將老公寓整理至最適用的狀態，並透過材料的選擇突顯風格；過度刻意營造的風格，有時反而會與環境格格不入，那該如何注入業主期待的「南國風情」呢？楊竣淞說，就他自己的認知，所謂的南國其實就是台灣這個島嶼，因此他從台灣自身內涵回看，並爬梳城市特色，例如帶有攤販感的店面、違章建築中常使用的材料、隱約復古的視覺意象等，他讓這些元素看似自我的獨立置於空間中，但彼此卻又可以相互交融在一起。   半穿透的摺疊式拉門讓空間多了「打開」的可能性，讓坐在吧台的顧客在不經意間成為了框景中的主角。 設計團隊梳理業主對於「南國風情」的想像，並透過材料和意象的堆疊，讓復古與現代的交會深刻存在，又不顯突兀。 基地本身有一些舊材料的痕跡，譬如波浪板的雨遮、外觀原有的馬賽克等，雖然狀況不甚良好，但設計團隊試著延續這些物件的存在，因此選用相同的材質來構築本案。拿掉大門原有的鋁窗，取而代之改以半穿透的摺疊式拉門，並於室內重塑一個攤販式的吧台區，呈現出「屋中屋」的視覺效果，由摺疊門向內望去，隱約有種在市場看望騎樓攤販的既視感。 在室內建立一個攤販式的吧台區，呈現類似「屋中屋」的視覺效果。設計師以「時間屋」的概念形塑量體，充滿著時代感的細節。 吧台區是極具細節的量體，包含拱形折鐵、八角窗等，鐵件元素從門面一路延伸進吧台，緊接著，將黛綠色調的馬賽克和油漆以協調的比例鋪設，屋中屋的形態使空間彷彿有了分界，讓料理的人、與品嘗食物的客人，有著互相對視的有趣關係。另外，設計團隊亦將外部的局部牆面表層剔除，再利用舊式的木工手法，將窗戶包覆成木結構，由外向內營造出一致的語彙，同時產生新舊融合的張力感受。 ​設計師明確劃分出煮食及調配飲品的區域，並以廚具的抽油排煙系統作為輔佐，藉此降低味道相互影響的問題。   硬體方面的周全考量   針對咖啡廳的機能需求等規劃，楊竣淞提到，最困難的部分就是食物烹煮與飲品調理之間的安排和平衡，由於小南通咖啡提供眾多台灣特色小食，擔心「味道」成為難解的問題，設計團隊遂將吧台分為前後區，前區處理有味道的食物，並請廚具廠商協助計算排煙量，力圖減少油煙對店內的影響。 大面積的綠色基底，搭配黑鐵燈具以及鍍鋅浪板，看似極具衝突感，實則令人印象深刻。 針對燈光的布局，楊竣淞設計師表示，「最好的燈光計畫，就是給予彈性的可能。」盡量將直接照明降至最低，改使用調光器因應明暗需求，座位上方的鐵件吊燈是視覺的焦點，利用直觀的燈泡作為主要光源，並隨著燈泡質感的明暗變化，為空間塑造出一種時間停滯的氛圍效果。在本案中，開物設計將懷舊情懷與創新語彙相互交疊，構築出一個獨樹一格且具記憶點的小型營業場域，用老元素建構空間張力，默默陪伴著你我。    燈光計畫方面並非採取「均亮」的模式，而是更注重明暗對比與陰影感，渲染出空間氛圍。 設 計 者」開物設計 / 楊竣淞 羅尤呈 參 與 者」高彰孝 攝 影 者」李國民空間影像事務所 空間性質」咖啡廳 坐落位置」台灣 主要材料」鍍鋅鐵、黑鐵、波浪板、磁磚、抿石子、木皮、乳膠漆 面    積」35坪 項目年份」2021年 ​ 開物設計 自2007年創立以來，開物設計以靈活的文化符碼，營造出空間的價值與深度，成功為客戶提供創新策略與商業模式，整合空間特質以開展出競爭優勢。為成就空間之多元與獨特，開物設計延攬室內設計專才，與行銷企劃、平面設計、藝術文化領域之菁英積極合作，以跨領域的組合，創造出組織靈活、專業分工而理念一致的堅強團隊，打造不設限的空間型態。為住宅、娛樂空間、辦公空間、公共空間和商業空間設計出創新而精湛的新氣象，進而延伸出家具設計、燈具設計、產品設計和平面設計的全面性規劃，全面提升空間設計的完整與價值，並榮獲如台灣TID Award、金點設計獎、韓國K-Design Award、義大利A'Design Award、美國IDA Award銀獎等大獎。 資料及圖片提供」開物設計 採訪」陳映蓁

由中國知名建築師馬岩松帶領的MAD建築事務所設計的「海口雲洞圖書館」已於近日正式落成並投入使用，這座一體成形的混凝土建築被英國《泰晤士報》稱為「2021年最期待建成的建築作品」，它將為海口市民及遊客帶來更獨特的城市公共文化空間。 MAD建築事務所 MAD建築事務所由中國建築師馬岩松（如圖）於2004年建立，是一所以東方自然體驗為基礎和出發點進行設計，致力於創造可持續並具未來感與東方意境的有機建築的國際建築事務所，期望透過作品重新建立人與自然的情感聯繫，並在社會、城市、環境和人類之間取得平衡。MAD經手的項目豐富多樣，設計種類遍及城市規劃、博物館、歌劇院、老成改造、藝術作品等。MAD建築事務所現由馬岩松、黨群、早野洋介領導。   位在海口灣畔世紀公園中的海口雲洞圖書館，由MAD建築事務所操刀。攝影CreatAR Images 作為中國南端重要的港口城市，位在海南省的海口市曾是海上絲綢之路的重要一站。近年，由於海南國際旅遊島、海南自由貿易港陸續建立，海口的經濟急速發展，影響力也與日俱增，如何透過提升城市公共空間的獨特性和藝術性，為居民帶來更具人文氣質的生活環境，並塑造城市的性格及歸屬，成為了重要議題。   俯瞰圖。雕塑性極強的量體中，有著圖書館、市民活動空間等機能。攝影：CreatAR Images 「海口雲洞圖書館」，是大型國際公共藝術項目「海口．海邊的驛站」中，第一個落成的高標準驛站。「海口．海邊的驛站」邀請了十多位全球頂尖的建築師、藝術家以及科學家等（如隈研吾、劉家琨、Patrik Schumacher等），共同跨界打造16座以「自然．共生．未來」為理念的地標性公共驛站。而「海口雲洞圖書館」位處於海口灣畔的世紀公園中，整個項目包含了圖書館和市民活動中心，建築南側的圖書館，內含可藏書萬本的閱讀空間及多功能影音區，免費開放予大眾使用；北側為提供服務的設施，例如咖啡廳、淋浴間、公共休息區跟屋頂花園等。   形體似「蟲洞」，奇幻又獨特 開卷之初，往往是人們最期待的時刻，海口雲洞圖書館也是如此，人們從熟悉的城市現實走入建築，開啟一段新的時空之旅。馬岩松表示：「精神屬性是建築的核心價值，它將渲染一座城市的人文氛圍。我們希望這裡是人們日常生活中願意前往並停留的城市空間，建築、藝術、人文和自然在這裡相遇，它們將開啟人們的想像，並指引且探索出不同美感所蘊含的意義」。 藉由通透材料的運用，模糊室內外界線，半戶外露台可更貼近海岸景觀。攝影：存在建築 靜處於陸地與海洋之間的建築雕塑性極強，洞形空間的層次及複雜性將空間一層層拉開，自由有機的形態塑造出多變的牆面、樓板、天花等要件，也有效模糊了室內室外的邊界，建築裡外的孔洞像極了大自然中隨處可見的「洞穴」，大小不一的孔洞將自然光線引入室內，同時也提升了通風效果，為常年處於炎熱環境中的建物「降溫」；人們藉由孔洞看天望海，好似透過時空的通道查看身邊本已熟悉的世界，建築裡不同的氛圍與尺度，和人的活動產生觸碰，勾勒出一種屬於此場所的儀式感。   貫通首層與二層的面海階梯式閱讀空間，除了供人閱覽外，也是日常舉辦文化交流活動的場地，與主要閱讀空間相鄰的兒童閱讀區，利用天窗、孔洞、壁龕等元素，激發孩子們探索的慾望；可開啟的玻璃天窗及超大弧形推拉門為圖書館帶來更好的採光、觀海視野與通風感，結構形態圍塑出的多個半室外空間及和平台，也是人們閱讀及望海的絕佳場地。為適應當地炎熱的天氣條件，建築外圍的迴廊以懸挑手法操作，藉由物理遮陽降低熱輻射傳導，以實現建築節能的理念。 可透過孔洞看天望海，彷彿穿梭於隧道般，多變的景致豐厚了層次。攝影：存在建築   弱化材料存在，突顯空間感受 MAD建築事務所選擇以「反材料」的方式構建本案，避免過度表現結構構造，企圖消除材質本身固有的文化意義，使空間感受躍身為主角。而混凝土是種液態材料，流動、柔軟多變的樣態是它最大的特點，海口雲洞圖書館整體建築是由混凝土澆築一次成形，屋面及樓板皆採用形似格子鬆餅（Waffle）的「雙層中空肋板」形式，既能滿足大跨度、大懸挑的受力需求，又能利用結構的中空來鋪設設備管線，以及填充建築保溫材料，讓室內空間更為簡潔完整，也成為實現建築、結構、機電一體化設計的關鍵。 細部結構。利用「雙層中空肋板」手法滿足建物的受力需求，亦可將管線與保溫材料藏於其中，使內部更為簡潔。攝影：存在建築 作為傳遞知識的載體，海口雲洞圖書館跳脫過往呆板制式的外觀樣貌，以有機的線條、輕盈柔和的樣態，為城市塑造出有趣且令人驚喜的地景。 資料及圖片提供」MAD建築事務所 撰文」陳映蓁

  德國自古以來在工業設計領域中的地位是全球公認的。由德國發起的iF設計獎以「優良工業設計」為名，自1954年起，iF設計獎已成為舉足輕重的國際獎項，同時也是卓越設計的認證標章。iF設計獎表彰的設計領域包含：產品設計、包裝設計、傳達設計與服務設計、建築與室內設計、專業概念，並在今年新增了使用者經驗 (UX)以及使用者介面 (UI)2大項目。 2021年iF設計獎共收到9,509件、來自52個國別/地區的作品報名參賽，成為iF有史以來參賽數量最多的一次，各獎項數據也打破以往的紀錄。此次一共選出1,744位參賽者榮獲2021年iF設計獎，獲獎者皆通過線上初選以及最後決選兩階段的評選，同時因應新冠疫情，98位國際設計專家透過iF全新開發的線上評選機制以完成此次的評選任務。 最後，iF設計獎中的最高殊榮—iF金質獎，一共選出75件傑出作品，其中台灣有6件作品奪下此獎項。 評審團表示，從今年的參賽作品中看到設計師們因應時勢、積極解決新的需求問題，針對衛生防疫、永續環保等，將世界面臨的挑戰融入到設計當中，同時表現出設計不再只是一種目標、宣言或是價值主張的抽象概念，它也涵蓋了我們的真實體驗。獲獎作品表現出的強烈企圖，讓評審團感受到它們的發展潛力，並從中看見了希望的曙光。 以往iF設計獎會在德國柏林舉辦頒獎典禮，邀請獲獎者前來一同慶祝。然而，受制於新冠肺炎疫情的考驗，iF設計獎已連續兩年取消頒獎典禮，今年雖然也無法舉行，但主辦單位透過與世界知名的設計博物館：德國維特拉設計博物館、倫敦設計博物館、上海楊明潔工業設計博物館、美國波士頓設計博物館、丹麥設計博物館、維也納應用藝術美術館以及荷蘭登博斯設計博物館的合作，為獲獎者們打造數位舞台，並在5月10日當天以24小時快閃的形式展示此次得獎的作品。 今年，台灣有170位、共267件作品獲獎，本期《室內》介紹回顧6件來自台灣的iF金質獎作品。而2021年iF設計獎年度獲獎作品將刊登在iF design app上，讓大眾一同響應設計的創新力（The CreatiFe Power of Design）！ （完整得獎名單請參考iF設計獎網站：https://ifworlddesignguide.com） 台灣iF金質獎作品 Collaboration Pro 筆記本電腦／仁寶Compal Collaboration Pro是一款可翻轉的筆記本電腦，可在各式場景下提供最便捷的打字體驗。例如，只需將鍵盤擡高，即可符合人體工學的標準打字需求；將顯示器向前拉近，就能在狹窄空間內使用；使用者還可以直接在LCD觸摸屏上進行編輯或是透過平放共享繪圖區。 評委表示，該設備採用完備的人體工學設計，在不影響可用性、功能或美觀的前提下，能夠轉換成最適合用戶共用、進行創意工作或專注使用的模式，令人印象深刻。 Philips B1D5000 顯示器／Philips Experience Design、TPV Design Team Philips B1D5000 顯示器是一款結合了二合一的顯示器以及電子墨水顯示屏的一創新產品。這款顯示器通過將兩種屏幕技術進行結合，詮釋了Philips 對科技創新的追求，幾何立式造型，可傾斜、左右旋轉、調節高度並支持樞軸旋轉，最大化滿足用戶的多樣使用需求。 評委表示，這款雙屏顯示器不僅功能完備，更實現高效運轉、高能源利用率，它簡單、有效、環保的種種特性皆表現了優秀設計的卓越精神！ VR Cap／仁寶Compal 這款VR帽是全球首款頭戴式顯示器，巧妙結合了全新VR顯示器和可拆卸針織頭套。彈性扁平帽由特殊線材平織而成，面料透氣性絕佳，長時間佩戴也沒問題；針織帽可拆下機洗，衛生且環保；同時，可以根據客戶的需求定制。 評委表示，該產品在其同類產品中大膽地引入了前所未有的形式、舒適性和功能性。這是有史以來首款可穿戴式帽子VR顯示器，另闢蹊徑的設計得到了評審團的一致贊賞。 台灣傳統瓷磚圖鑑／爿爿花 台灣傳統瓷磚圖鑑收集了台灣20至80年代的四種傳統瓷磚，並根據瓷磚的形狀和圖案對其進行記錄和分類。第一部分通過作者在臺灣各地拍攝的圖片，介紹瓷磚的相關歷史；第二部分展示了經由作者重新繪制的100塊特色瓷磚圖案。 評委表示，這本眾籌的書籍中，視覺和產品設計、建築和室內設計之間產生良性的碰撞，除了在文化和歷史背景下展示瓷磚之外，也通過瓷磚帶領讀者瞭解世間的變化。 2019台灣設計展《超級政策》／Mengdom Design Lab 2019台灣設計展於屏東縣舉行。其中，《超級政策》是展會的一部分，旨在促進屏東縣政府的九項主要政策。設計靈感來自超市中的傳單與廣告，如傳統市場的標示一樣，字體均由手工書寫，將政令文件巧妙地轉化成色彩繽紛的廣告，激發讀者的閱讀興趣。 評委表示，從未見過沉悶的政策措施能以如此吸睛的方式發佈，這是對政策資訊宣傳的重審、完美執行的成功案例，這也成為了政府宣傳中的新一代黃金標準。 學美．美學—校園美感設計實踐計畫／台灣設計研究院 該項目旨在借助設計培養學生們的審美趣味，消除學生審美修養障礙，解決臺灣普遍缺乏美感修養問題。與此同時，這一項目還為設計業做出貢獻，幫助提升公眾審美，以實際行動解決審美問題。 評委表示，雖然這只是個小規模的地區型專案，卻具有帶來改變的驚人潛力！該專案使用全面的「共同創造，以人為本」的服務設計流程，打造了別具一格的學習環境和體驗，為參與者帶來巨大收穫。同時，也強烈體現了以用戶為中心和參與式的開發流程。 資料及圖片提供」iF DESIGN ASIA  編輯」歐陽青昀

天蓋地的紅色毛線如血液織繫著輕舟、黑色則如同夜空包裹燒焦的鋼琴，這樣夢境一般的場景，是塩田千春最具代表性的系列作品。作為 25 年創作生涯最大型且全面性的展覽，本展由日本東京森美術館館長片岡真實（Mami Kataoka）策劃，展出超過 100 件雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描、舞台設計及其相關圖稿等，2019 年在森美術館展出時，130 天內吸引超過 66 萬人參觀，藝術如何走出學院受到普羅大眾歡迎？一如展覽名稱「顫動的靈魂」，塩田千春的作品不僅給予觀眾直面靈魂的震撼，更象徵著藝術家看似纖細卻無限漫延的生命。 《去向何方？》。攝影」林冠名   此次移師台北市立美術館，樓高、動線、空間氛圍皆與森美術館不同，作品都是到現場研究完空間之後，思考觀眾的感受，再重新編製。策展人片岡真實亦說明，作品呈現依據空間會有所更改，如入口處的第一件作品《去向何方？》，一艘艘以白線細密纏繞的船懸吊半空中，緩緩向上航行，卻看不見最終目的地，藉此意味著現代人每日收到過多資訊，卻受其迷惑，反而不知道該去向何方。此作在森美術館安排於入口的電扶梯上方，利用燈光照明襯托，觀者從下方隨著白舟而上抵達展覽。但在北美館則安排在入口長廊處，觀者則是沿著白舟向前，兩側為大面落地窗，利用自然光與玻璃倒影襯托展品如夢似幻的氛圍。   提到塩田千春，多數人腦中會浮現的第一幅作品即是《不確定的旅程》，透過滿室的紅線彼此糾纏表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態，映照出藝術家內心世界的一角。鐵製的船則來自塩田小時的回憶，每次回到位於高知的老家時，都必須坐一個晚上的船，船上那種搖晃、不安的感覺帶給她相當深的印象，如同渺小的人類處於浩瀚的宇宙中。 《不確定的旅程》。攝影」林冠名 塩田與紅線的緣分開始於2015年威尼斯雙年展的作品《手中的鑰匙》，她提到，日本與台灣對紅線都有相同的意象，便是牽起人們的緣分，除此之外，紅線也能代表血液、血管的顏色。除了紅色，塩田的作品中也常使用黑或白的線條，她將立體空間視為畫布，以作畫的概念創作，因此作品中常使用黑線描繪框線。而白色象徵純潔、從什麼都沒有的空間開始，卻也代表著結束、死亡，同時具有起始與結束的意含，成為她較常使用的色彩。   藝術中的死亡與重生 塩田千春將生命歷程完全袒露於展品中，展覽特別展出她的第一幅畫作─《蝶倚向日葵》，童稚的線條與色彩出自 5 歲的塩田，她描述彼時連自己的名字都不會寫，卻已經能繪畫，12 歲時便立志成為藝術家，一路學習、磨練技巧從未放棄藝術之夢，但進入京都精華大學美術學院就讀油畫科後，她卻開始徬徨，發覺自己不管怎麼畫都會有其他人的影子。 《成為畫》。攝影」林冠名 作品《無題》是她的最後一幅油畫作品，放棄畫筆後，某天晚上她做了一場夢，在夢中她成為一幅畫，不停思索著如何移動身體才能成為傑出的作品，醒後她將夢境場景化為行為藝術作品《成為畫》，以畫布包裹周身，並潑覆紅色瓷漆，瓷漆接觸皮膚不僅難以清洗，更會造成傷害，但對塩田而言，這是她首次將自身全部投入，真正地展現出她所欲表達的情感。此後她開始創作裝置與行為藝術，如第一件嘗試用線跳脫二維空間的創作《從 DNA 到 DNA 》，是她感到蛻變重生的轉捩點。展覽依時間順序將《蝶倚向日葵》、《無題》、《成為畫》與《從 DNA 到 DNA 》等 4 件作品並列，呈現出塩田千春藝術生涯的初始，死亡，與轉型的重生。   塩田的創作始終與生命經驗緊密扣合，探索諸如死亡、生命、記憶、界線、身分認同等普世都會有的疑問，呈現出糾結、纏鬥等難以表達的情緒。如《靜默中》便來自藝術家9 歲時的記憶，看見鄰居家因火災而燒黑毀壞的鋼琴，帶給她相當大的畫面震撼，20 年後將其化為作品，黑色的絲線由鋼琴中向外延伸，塩田以細線代表音樂，呈現出鋼琴彈奏的模樣。展牆上她寫下「有些事物深深沉入我的心底，有些則無論多麼努力嘗試，也難以物質或語言的形式捕捉其樣貌。但它們卻是沒有形體的存在，一如靈魂。」 《靜默中》。攝影」林冠名 1996 年塩田千春前往德國就學並遷居柏林，那時圍牆倒塌不久，整個柏林瀰漫著一股特別氛圍，分別 28 年的東西德各自有不同的文化，撞擊出新的想法與機會，吸引許多藝術家前往。她思索著這些擁有相同國籍、說著相同語言的居民，如何看待生活、看待彼此？她跑遍大大小小的工地，蒐集了被丟棄的舊窗戶，在作品《內與外》以象徵交流的窗戶建構出一道圍牆，反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變。 《內與外》。攝影」林冠名   連結靈魂的細線 被策展人片岡真實形容是「沒有展出、不創作會活不下去的人」，在 2017 年收到森美術館辦展邀請時，塩田心想「活著真好！」老天卻在此時給予一個殘酷的考驗─她被診斷出癌症復發，歷經半年的治療後，塩田隨即投身於展覽準備之中。她描述治療的過程，人躺在病床上接受一個個不同的醫療儀器與療程，身體越來越健康，但靈魂卻感覺跟不上身體，身體彷彿不是自己的，她開始思考，當下的這些想法與情感，在肉體消失之後會去哪裡？本次展覽中的最新作品《外在化的身體》即呈現出藝術家的徬徨，以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模，藉此與身體對話，表達身心碎裂的束縛感，呈現出想要聯接靈魂與肢體的渴求。   在被診斷出罹患癌症後，塩田開始思考靈魂，因此展場動線的最後一個作品即選擇《關於靈魂》，在影片中她從寵物切入，一題題深入詢問這群德國孩童：「靈魂是什麼？靈魂在哪裡？是什麼顏色？動物是否有靈魂？人死後靈魂是否會消逝？」等問題。塩田分享，這件作品的創作動機來自她女兒，癌症復發時，女兒才大約 10 歲，身為母親，她非常擔心自己不在後女兒怎麼辦，孩子會怎麼理解死亡，她也很好奇跟女兒差不多時代的孩子們怎麼思考靈魂這件事情，因此才有了這個計畫，也透過影片召喚觀者一同思索存在的意義。 《外在化的身體》。攝影」歐陽青昀 劇場作品 除了視覺藝術創作，本次展覽更特別展出塩田千春為9部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計的作品，展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。塩田表示，舞台設計與藝術作品最大的差別在於觀眾的時間性，美術館不太會限制觀賞的時間與角度，但舞台有固定的表演時長，觀眾僅能坐在座位上欣賞，因此如何在種種框架內呈現視覺震撼及表演主軸，成為每次設計的重點之一。 在創作時，她會特別重視表演者與舞台的積極關係，如 2011 年創作歌劇《松風》舞台時，她以黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米、高度 10 米的巨型裝置，舞者們可在網上交錯攀爬。此外，與藝術創作不同，舞台設計需要與整個團隊合作，需要多方配合、參考他人意見，塩田非常享受這種和眾人一起創作的感覺。 劇場設計展區。攝影」林冠名   本次疫情中佈展，也是一次團隊合作的精彩作品，塩田先與 7 位團隊人員來台隔離 14 天，同時間北美館事先完成展場隔間、硬體等施工，塩田團隊則以技術顧問性質指導台灣約 50 人的專業團隊佈展，如何將錯綜複雜的細線拉好、做出藝術家希望的效果，在時間與默契的培養下逐漸加快流程，花費約兩周的時間通力合作完成本次盛大展覽。策展人片岡真實提到，在疫情下，許多美術館都只能改以線上虛擬方式，但她認為實體美術館有其重要性，親身體驗、沉浸於藝術品空間中，會帶給人與照片完全不同的感想，希望本次的展覽能為觀眾帶來思考生命的契機。   塩田千春：顫動的靈魂 日期」2021 年 5 月 1 日至 10 月 17 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展覽室（台北市中山北路三段 181 號） 資料及圖片提供」台北市立美術館 撰文」林慧慈  

仔細觀察周遭，會發現1980年代的流行似乎正重新席捲而來，復古的電影、爵士樂與衣著時常出現在你我周遭。這是個人人大放異彩的時代，誇大的配件、鮮豔的霓虹色彩與強烈自我主張，1970年代後期經濟的蓬勃發展帶動人們愈加注重自身需求與個性，美學上不再講求現代主義的極簡與機能主義，更多藝術與個性的展現仍深深影響著我們的世界，而談到1980年代的家具設計，cappellini更是無法略過的精采一頁。 設計的定義者 成立於1946年，原為義大利傳統手工訂製家具製造商，1980年代在第二代接班人 Giulio Cappellini 的慧眼下轉型，一如品牌核心的「創新」精神，cappellini從不設下任何風格或限制，抓準期待求新求變的時代氛圍，挖掘出一批批尚未成名但深具才華的年輕設計師們，作品儘管青澀卻充滿奇想，現今看來仍是相當前衛的經典。其中多數皆成為帶領著未來數十年的設計大師，如Tom Dixon便為cappellini留下早期的「S-Chair」，由一根精心設計的S型鋼製結構包覆手編稻草或不同面料而成，與纖細的外觀對比令人驚訝的舒適乘坐感，剛推出便受到市場熱烈好評，將Tom Dixon推上頂尖設計師之列。  S-Chair cappellini也與被《TIME》雜誌選為2005年全球100大影響力人物的跨領域設計師Marc Newson合作，在1990年後推出第一批發展出自我風格的作品「Embryo Chair」及「Felt Chair」，圓潤線條及科技感造型、在當時仍不常見的特殊材質，為Marc Newson打開知名度，「Wooden Chair」則展現了品牌與設計師探索材質極限的野心，完全由彎曲木結構組成，簡單的固定即形成不可思議地平衡，特殊的視覺吸引許多藏家，並被MoMA美術館納入館藏。 Embryo Chair 與  Felt Chair Wooden Chair 除了開發新人之外，cappellini也不放過任何為時代留下經典作品的機會，與已故的80年代日本設計大師倉俣史朗（Shiro Kuramata）合作，作為提出影響後代的「孟菲斯設計集團」成員中唯一的亞洲人，其設計融合對於現代主義的反思與日式極簡美學，線條與材質往往大膽且令人驚奇，如1987年的作品「Progetti Compiuti櫥櫃」，將看似常見的櫥櫃彎曲成S型，每個抽屜角度皆不相同，但開闔之間的流暢彰顯出對於細節的重視，置於家中何處都可成為焦點。 Progetti Compiuti chest of drawers 儘管已有眾多經典作品，cappellini的「創新」永遠不滿足於此，持續引領著設計時尚前行，2020年與知名設計品牌Cassina的藝術總監Patricia Urquiola合作，推出富含自由與創造性的「Lud’o Lounge chair」，設計師打破了過往面料與椅座一體的想法，透過精巧地構造與線條，舒適的軟墊如同一件大衣般可以輕鬆地「脫下」再「穿上」，讓家具的顏色、材質可以像每日換穿的衣物，隨季節、情境甚至心情而改變，並且每一個零件都可以完全回收與再利用，符合時代需求。 Lud’o Lounge chair 經典與創新並存 對丹意信實而言，2021年的現在正是將cappellini重新介紹予台灣客戶的最好時機，受到疫情影響，人們更加注重向內探求，使家成為個性的延伸，而這些令人驚奇的家居藝術品，全部收藏在今年開幕的D&L CASA三館門市。位於頂級家具品牌群集的仁愛路上，一進入口即可見到成立於1938年的經典品牌Knoll，繼承一戰後的包浩斯（Bauhaus）美學，設計線條與用料簡約而實用，沿著時代排序，後方則為風格迥異的cappellini，兩大經典品牌形成鮮明對比；後方則仿擬家中露臺設置，布置丹麥頂級戶外家居品牌Cane-line；走下樓梯，則有新世代義大利品牌qeeboo迎接，如人們熟知的「兔子椅」、「金剛落地燈」等，將居家打造成一處奇幻大膽的「動物園」，搭配Kartell、Artemide等D&L CASA原有義大利經典品牌，在三館門市為顧客提供經典、創新、舒適、藝術等多樣化的家居用品，依照個性與喜好搭配出最適合的住家環境。 資料及圖片提供」D&L丹意信實集團  採訪」林慧慈

隨著全球人口數量不斷攀升，都市化的問題相繼而來，進而造成住房短缺的現象，而炒房與囤房等因素更導致全球重要城市的房價居高不下，讓許多人難以無法負擔，生活成本大增。現今，全球己開發或發展中國家無不面臨房屋短缺和高房價的困境，面對未來住房在城市發展的趨勢，荷蘭的UNStudio建築事務所針對此項議題進行深入探討，並採取相關解決建議。 香港益發大廈；照片：Note Thanun on UNSplash 理解當代住宅真正的需求 2020年在新冠肺炎（COVID-19）蔓延下，不僅衝擊全球經濟，也波及到一些城市的房市，加劇了住房危機。為了解決這項問題，許多城市採取了積極的應對政策。舉例來說，2020年9月，英国政府提出「2021-26年經濟適用房計畫」（2021-26 Affordable Homes Programme, AHP），計畫在2021年至2026年間建造18萬套新住房，而有50%的新房將以共享產權（Shared Ownership）的方式呈現，期望能提升住房自有率。 此一計劃在2020年3月的財政預算已確立得到款項，其中包括英國住房協會（Homes England）撥款的75億英鎊。另外，大倫敦政府（Greater London Authority）得到40億英鎊的資金，預計在2021年興建8萬2千套新房。 UNStudio 針對阿姆斯特丹 A10 環城公路的城市研究揭示了高速公路城市的未來（BNA，2016年）。隨著電動車普及，空氣和噪音污染將會下降，因此環城公路將可能成為令人愉悅的林蔭大道。   2020年1月，德國柏林推出「五年租金凍結計畫」。為阻止近期柏林房租飆漲的情勢，超過150萬套位在柏林的房屋，其現有租金將遭到凍結或降低五年，以減緩城市紳士化（Gentrification）的現象，並確保中低收入戶能夠負擔得起柏林的租金。不過，也有來自反對黨與住房和房地產協會強烈反對的聲浪，他們認為限額會危害到城市內的房地產投資，加劇住房問題。 到底當代的住宅最需要的是什麼？要如何在各種外在條件的限制下，有效解決住房危機，同時確保住宅的品質？想要改善此現況，需要廣泛考量社會環境和城市長期綜合規劃，且各方都必須積極參與決策、共同確立長短期目標，並將共同目標至於個人利益之上，才能確實改善城市的住房危機。 新加坡 Ardmore 住宅中的重複模組圖示。 運用模組化設計改善住房危機 UNStudio早期的設計項目多為荷蘭的住宅，現今設計項目擴及全球，團隊從中積累豐富的設計經驗，能在有限的條件下打造優良住宅，創造具生活品質與大眾可負擔的住宅項目。   在生態與社會環境不停變動的條件下，UNStudio 創辦人Ben van Berkel認為，現代住宅需要更具靈活性，才能因應環境突如其來的挑戰。他相信透過模組化設計能夠有效且快速地完成房屋建造，是目前因應住房危機的可行解方。模組化設計以基礎模組為核心，可以自由進行分組和配置，達到節省成本和時間的效果。 卡達首都多哈地鐵網絡中使用的結構模組圖。圖片版權：卡達鐵路公司。 Ben van Berkel認為簡單或統一的設計才是公益住房或經濟適用房應該追求的目標。以位在德國慕尼黑的Van B住宅為例，UNStudio將模組化設計的概念帶入此建案，透過9個嵌入式家具模組並搭配設計團隊開發的一項智能系統，讓組合方案能最大化的運用在每個居家空間，並且提升室內功能的彈性和層次，使空間能隨時依據住戶的需求及習慣而重組排列。   模組化設計的可塑性高，能適用於各種環境與住房規模。若將模組化設計廣泛應用於房屋設計，即能實現在短時間內建造大量優良住房的目標。藉由提供《模組化設計手冊》，項目的承包商就能依照手冊中的指南與規範，分頭在不同地方建造房屋，亦能確切掌握項目從設計到施工的整體過程，在嚴格的預算內實現良好的住宅體驗。     多哈地鐵模組化設計手冊。 打造智慧城市 面對未來社會快速變遷，應用大數據整合與交換，城市得以快速分析現況，並有效地應對外在的挑戰和人民的需求。UNStudio的姐妹公司—UNSense，目前正在荷蘭的赫爾蒙德智慧港智能社區（Brainport Smart District, Helmond）展開名為「100所住房生活實驗室」（The 100 Homes Living Lab）的項目，旨在創造一個能根據現況不斷自我發展和調整的環境。 UNSense 推出的赫爾蒙德智慧港智能社區「100所住房生活實驗室」。圖片提供：Plomp 透過UNSense推出的城市數據平台，居民能自己掌握資訊的隱私和資訊共享的對象。另外，此平台有中立的第三方管理，借助控制面板，可為用戶提供準確的信息，了解數據交換產生的利益，達到數據平等交換原則。   UNSense 推出的赫爾蒙德智慧港智能社區「100所住房生活實驗室」城市數據平台。 根據弗若斯特沙利文公司（Frost & Sullivan）報導，2025年智慧城市（Smart Cities）將會創造價值2.46兆美金的商機。雖然新冠肺炎對社會發展帶來危害，卻也加速城市朝資訊整合的方向發展，藉由數據驅動化（Data riven）和外連基礎架構蒐集、分析資訊，達到提升大眾生活品質、適應未來城市發展等需求，進而高效改善住房危機的問題。 圖片提供與版權」UNStudio 撰文」紀奕安

Marquee夜店首度進駐亞洲地區，坐落於新加坡濱海灣金沙綜合娛樂城。ICRAVE希望將新加坡Marquee形塑為成人遊樂園，締造出絢爛的午夜嘉年華。   想暫時忘卻煩憂，來場徹夜狂歡的夜晚嗎？Marquee與Avenue皆為活躍於紐約和拉斯維加斯的知名夜店，是美國Tao集團的旗下品牌。Tao集團跨足全球餐飲業與夜總會，這2家夜店品牌首次踏入亞洲市場，一同進駐新加坡繁華的濱海灣金沙綜合娛樂城（Marina Bay Sands），並邀請紐約著名設計公司ICRAVE為這2個不同風格的場域打造各具特色且彼此相連的空間。   新家坡Marquee擁有3層樓的佔地，ICRAVE充分運用空間挑高且寬廣的優勢，不僅以舞池為軸心設置室內中庭，邀請更多的民眾共同感受沉浸式空間體驗；並在舞台後方規劃摩天輪，以打造光彩奪目的室內嘉年華。 ICRAVE是一家創新的設計工作室，過去的設計項目主要以美國夜生活為主，其設計理念在於深入探究業主的品牌背景，制定出能與業主品牌並駕齊驅的設計策略，希望作品不僅止於創造出空間體驗，也能為使用者締造出難忘的回憶。 精品區。呼應整體設計概念，以霓虹燈管與鋼鐵等元素共構出個性時尚的氛圍。 濱海灣金沙綜合娛樂城是新加坡最具代表性的地標，ICRAVE將它的奢華特色帶入新加坡Marquee與Avenue夜店的設計概念，融合科技和藝術在2家夜店打造專屬於大人的遊樂園，創造出不同風格的都會夜空間。   ICRAVE與動態設計師合作，在DJ台後方設置高聳的8k LED螢幕，並於舞池兩側裝設橫向LED螢幕，整廳的燈光效果會隨著音樂節奏舞動，帶動全場氣氛。 Marquee開啟你的狂歡之夜 新加坡Marquee內部共有4個吧台，提供全亞洲最優質的桌邊服務。 新加坡Marquee的裝潢構思在於結合戶外嘉年華與室內奢華風設計，以打造成年人的夜間遊樂園。舞池是店內空間的核心，貫穿３層樓的室內中庭不只增加空間在視覺上的延展性，也讓整室的民眾活躍於氣氛高漲的氛圍之中。絢麗的雷射燈隨著音樂節奏在漆黑的空間內舞動，帶來沉浸式的感官體驗，營造出盛大的室內嘉年華會。 其中1個吧台呈現奢華的視覺感受。 為了吸引人潮至不同區域，入口處設置在３樓，讓入場者可以縱觀全場，探索樓層。若是想稍微放慢步調，也可到風格各異的吧檯享受餐桌服務。 吧台設計以紅色及黃色相間，打造復古華麗的風格。 設計團隊ICRAVE參考過去許多夜店室內設計的精華，以70年代紐約傳奇夜店54俱樂部（Studio 54）作為靈感來源。ICRAVE嘗試將54俱樂部的戲劇張力注入新加坡Marquee的空間設計，民眾除了能搭乘舞台後方的巨大摩天輪俯瞰室內全景，在艙箱內使用觸空式自拍機留下難忘的回憶，也可與朋友從兩道配載LED燈的「陽光滑道」一路溜至底層，前往「夢幻酒吧」暢飲。 陽光滑道。店內設置2道配載LED燈的滑道，為空間增添趣味性。 舞池是夜店的靈魂角色，負責主宰全場的氛圍與節奏。ICRAVE與動態設計師合作，在DJ台後方設置高聳的8k LED螢幕，隨著音樂響起，四周的LED螢幕與絢爛的燈光效果會配合節奏變換形態，將現場氣氛炒至最高點，帶來豐富的視覺饗宴。     新加坡Avenue情境有如私人俱樂部。 Avenue私享的家庭派對 Avenue主廳。山型天花板搭配舒適的沙發與復古枝形吊燈，呈現低調奢華的居家風格。 想體驗家庭派對的氛圍，不妨移駕至新加坡Avenue，這裡帶有浩室音樂（Deep house）輕快活力的氣息，並富含趣味性與奢華感。整體設計上，主大廳採用大量木材元素營塑舒適氛圍，山型天花板搭配仿金合金網格與枝形吊燈，展現私人別墅般的雍容格調。大廳內配置造型優雅的沙發和座椅，同時設有吧檯服務讓人享受微醺氛圍。   酒吧。吧檯上方以仿金合金網格裝飾，暖色系基調呼應家庭派對的設計概念。 新加坡Avenue的主要特色是裝設了多項娛樂設施呼應主題家庭派對的概念，每間主題不同，各具特色。其中，1間個室設有2道全自動式迷你保齡球道，空間採用暗色系的裝潢基調再以霓虹燈光點綴。 迷你保齡球室。保齡球室的牆面以黑色為基調，搭配燈光效果營造迷幻的氛圍。 另一間則是華麗的遊戲室，設有撞球台、彈珠台、滾球遊戲台。此外，也規劃了個人VIP酒吧空間，或是獨立的 KTV室，滿足各種活動需求。 遊戲室。整室使用大量木質素材，與暖白光交織出豪奢的空間感受。 圖片提供與版權」TAO Group 撰文」紀奕安

峇里安達仕酒店（Andaz Bali）洋溢愜意的度假風情。 你是否渴望展開一場能夠放鬆身心的旅途？想盡情地徜徉在樸實的自然風光，親身感受南洋島嶼豐富的飲食和藝術文化，享受紓壓的SPA服務？峇里島（Bali）可以一次滿足你所有願望。   新入口大門選用沙努爾地區傳統的紅磚瓦片堆砌而成。 這座迷人的島嶼富含人文特色與自然資源，是人們鍾愛的度假景點，同時也吸引了凱悅酒店集團的目光，選為旗下安達仕精品酒店進駐亞洲地區的首個據點，並於2021年4月初正式營運。 峇里安達仕酒店鄰近登帕薩市沙努爾海灘。 安達仕（Andaz）是印地語「個人風格」的意思，而這個品牌致力發掘出各地獨特的本土風情，讓旅客藉由感官體驗融入酒店周遭的環境特色。峇里安達仕酒店位於登帕薩市沙努爾（Sanur）海灘附近，鄰近努拉萊伊國際機場（Ngurah Rai International Airport），酒店空間由曼谷建築設計師Tierra與日本Spin建築工作室聯手打造，設計團隊精心匯集當地獨特的元素，讓入住旅客體會到峇里島魅力。   酒店融合峇里島的建築風格，讓建築與自然環境融合，營造熱帶雨林的氛圍。 峇里島的建築風格主張人與自然共存，除了建材取自周遭環境，不特意追求精雕細琢，讓建築隨著時間推移展現歲月痕跡。峇里安達仕酒店整體空間風格深受環境啟發，尊重當地傳統與人文風情，將島上的文化遺產和藝術特色融入酒店的建築風格及室內設計，讓入住旅客能體會峇厘島的獨特魅力。   傳承自爪哇島文化的傳統木門窗雕刻。 在公共空間部分，入口大門採用沙努爾地區傳統的紅磚瓦片堆砌而成，而大廳木門窗的雕刻藝術則傳承自爪哇島文化。用餐區也瀰漫著當地的飲食文化與特色風情，鄰近海灘的漁夫俱樂部（Fisherman's Club）是酒店的招牌餐廳，以茅草屋搭配別致的木造設計，營造出海灘俱樂部的悠閒氛圍。 峇里安達仕酒店的豪華套房，室內裝潢皆選用當地建材，展現峇里島的度假風情。 位在酒店中心的小鎮廣場（Village Square）是一棟兩層樓高的建築，設計靈感來自登帕薩華人街的店屋（Shophouse），此一東南亞街區常見的建築型式，以樓層劃分屬性，作為商住合一之用。Shankha水療中心也提供24小時健身中心、桑拿室、蒸汽浴室、瑜珈室和冷熱水池等設施。   峇里安達仕酒店套房不僅空間寬敞，並設有私人露臺。 峇里安達仕酒店共擁有149間客房，包含12間套房與22棟別墅。此外，庭院內設置18套花園別墅和4套海灘別墅，客房與設施的配置強調綠蔭圍繞與熱帶景觀，讓旅客進出公私領域都能沉浸在靜謐氛圍裡，投入自然的懷抱。 舒適的睡寢空間。 走入客房，純樸悠閒的氣息迎面而來，室內設計以當地建築常見的白牆為基調，並選用竹子、安山岩、大理石與柚木等當地建材，散發濃郁的島國情調。 客房內的浴室為拉門式設計，視野開闊並享有隱私。 每間客房都設有私人露臺，視野可俯瞰花園、海洋或潟湖。而每棟海灘別墅均設有兩間臥室、配置廚房、餐廳和私人花園，甚至配備專屬游泳池，讓注重隱私的旅客能夠盡情享受度假時光。小鎮廣場旁設有4個相連的工作坊（Studios），作為舉辦宴會或活動的場地。工作坊的空間設計結合傳統峇里風格與當代元素，不僅可見島上精選的藝術作品，也採用玻璃幕牆增加自然採光，讓戶外的自然生機映入室內空間。 利用落地窗淡化裡外界線，在室內亦能享受戶外景致。 圖片提供與版權」Tierra Design, Design Studio SPIN 撰文」紀奕安