LOEWE基金會公布2022年LOEWE工藝獎30位候選人名單。 此次為第五屆LOEWE工藝獎，入圍作品為當代手法演繹古老工藝佳例，來自世界各地的創作者駕馭古老工藝，並運用當今物料、技術素材創作出與現代社會相關，含容歷史同時前瞻未來之作，亦有著眼人與自然環境關係的作品，扣合了當今環境保護意識。 工藝與文化是LOEWE的重要精神亦是與時俱進的動力，LOEWE基金會在品牌創意總監Jonathan Anderson倡議下，於2016年創立此一年度大賽，目的在推廣傳承與創新，表揚有才華、遠見、勇於革新及為未來工藝發展訂立新標準的工藝家。 今年收到來自116個國家的藝術工匠提交超過3,100件作品角逐，由設計、建築、傳媒、藝評及博物館策展翹楚組成的評審團，選出來自15個國家的30位候選人及其作品，創作媒材包括陶器、木製品、紡織品、皮革、織籃、玻璃、金屬、珠寶首飾及漆器等，評審重點聚焦於技術水平、創意和藝術理念，並從中選出融合技術與及創意的出色之作。基金會將於6月30日公布本屆工藝獎得主，30件入圍作品於7月1日至7月30日在首爾工藝博物館（Seoul Museum of Craft Art ，SeMoCA）展出。全球觀眾亦可透過LOEWE基金會創立的The Room數碼平台，飽覽歷屆LOEWE工藝獎候選人之作，欣賞當今最具創意的工藝結晶。查詢詳情請瀏覽>>theroom.loewe.com Annika Jarring（瑞典） 作品：《Line》 媒材：玻璃、矽 運用建築結構結合古典花瓶形態，配合自己研發的創新玻璃製作技術塑造這件雕塑。以漢朝的金縷玉衣為靈感，用黑色矽線將392片長方形透明玻璃串起造出立體形態，重疊的黑色矽線富流動感，令作品結構更穩固，同時有輕巧又堅硬，營造脆弱的視覺特質。 Aware（法國） 作品：《Strata》 媒材：絲綢、梣木 以地質現象及與人類歷史的關係為題，作者用幼細絲線包裹木雕，用熱燙斗將絲線黏在木材上並刷上墨水，呈現一個坡度形態，象徵地球不同地質時期的地層面貌。 Blast Studio（英國） 作品：《Blue Tree》 媒材：舊咖啡紙杯  以一棵人工樹探討人與自然的關係以及人類在生態系統的角色，譜寫一篇可持續發展宣言。廢棄的外賣咖啡紙杯被打成紙漿，經3D打印技術造出樹的四個組件，紙漿染成靛藍色，再經打印，塑型及堆疊成有樹洞及凹凸坑紋的柱體結構，足以支持保護生物及植物依附生長。 Chikuunsai Tanabe（日本） 作品：《Connection》 媒材：竹藤 這件織籃比例完美手工細膩，散發和諧之美，造型富時代感，又顯出作者有深厚的傳統日本竹籃編織造詣，捆織技術造出的圈環相扣，濃厚詩意表達人與自然之間的連繫，並將古老物料與當代手工技術巧妙結合起來。 Dahye Jeong（韓國） 作品：《A Time of Sincerity》 媒材：馬毛 馬毛織籃精緻而紮實，由細馬毛編織而成，創造出靈活幾何設計。作者將五百多年前朝鮮王朝製作黑笠的製帽技術融入古老陶藝造型，以針穿上有彈性馬毛線，織出相扣圈環，展現粗樸韻致，頌讚生命之美。 Kate Malone（英國） 作品：《Magma Interrupted》 媒材：結晶釉、粗陶器 由多個幾何形單元組成，造型有豐富動感，散發強烈感染力，每個單元要精確平衡然後才能整體燒製，龐大體積與精緻結晶釉完美合一，可見作者的熱情及對結晶釉技術純熟掌握，對黏土在不同步驟中的變化亦瞭如指掌。 Marianne Huotari（芬蘭） 作品：《Ananasakaama》 媒材：瓷器、金屬 以嶄新手法演繹芬蘭傳統織毯（ryijy），以瓷塊取代羊毛線的角色，每塊小瓷片由黏土塑形上釉燒製，上千塊瓷片手工縫到金屬底座，大小形狀不同，層疊排列形同魚鱗，造工細緻色彩鮮艷，烘托裝置造型美態與光澤質感，與形狀和質地相得益彰。 Mel Douglas（澳洲） 作品：《Deviation》 媒材：窯燒、冷加工雕刻玻璃 這件玻璃製品經窯燒及冷加工處理，精準切割成兩個不同的結構，經窯燒及冷加工處理，再以手工磨砂及重疊裝置，最後在玻璃表面以手工蝕刻線紋，在平面圖像及立體器物之間，營造出視覺深度的錯覺。 高寶惠（台灣） 作品：《Urushi Paper Pleats Bench》 媒材：紙、米膠、日本漆 用脆弱的描圖紙造出可以承受人體重量的長凳，將物料功能性推至極限。傳統上用於日本木工的漆料從未用於描圖紙，紙張捲起加漆料令其硬化，再用米膠將紙卷黏起成凳，造型均衡優美，有自然環境的韻味。 Soyun Jung（韓國） 作品：《Someone Is Praying for You》 媒材：單絲線 將單絲線縫到水溶性布料上造出這巨型紡織品，手工極之繁複，作者用單絲線勾勒縹緲風景輪廓，然後將布浸入水中，最後剩下單絲線組成的深度立體感，淨色構圖散發靜謐之美。 圖片提供與版權」LOEWE 編輯」Sumile

本期《室內》介紹的荷蘭東南部大城馬斯垂克的工業廠房Timmerfabriek再利用案例，是工業廠房再利用話題的延燒。近年來陸續介紹過許多工業建築再利用的案例，無論是南非開普敦當代美術館Zeitz MOCAA、丹麥哥本哈根筒倉公寓住宅The Silo、英國倫敦老煤廠購物中心Coal Drops Yard，還是荷蘭境內的鐵路倉庫圖書館LocHal、倉庫住宅Pakhuismeesteren和Fenix I，大多數工業建築在停用多年後，都無法馬上得到更新利用，有的甚至一度遭拆除的威脅，主因都是改造建設充滿許多技術上的挑戰。 流行音樂廳輔助建築的北立面。攝影：Kim Zwarts 每座工業建築都有其特質和優缺點，原結構是否堅實？室內格局是否能配合新功能？每個環節都需要細密測量、謹慎設計，才能得到重新定義。在設計概念上，建築師們最關鍵的起點不外乎兩個立場：是要採取新舊大膽對比路線？還是謹慎保存古蹟原貌？   Timmerfabriek是荷蘭馬斯垂克的原陶器工廠倉庫，場域自19世紀以來就是軍事和工業基地。如今古蹟成功翻新，轉型為文化工廠。圖中是2019年新增建的流行音樂廳輔助建築。攝影：Kim Zwarts  項目簡介 業主」馬斯垂克市政府 總建築師」Maurer United Architects建築和城市景觀事務所 合作單位」BAM Bouw en Techniek、Consultancy Brekelmans、Ben Kok Acoustic Consulting  時代變遷的宿命  Timmerfabriek工廠建築群興建於1905年至1911年之間，曾是荷蘭皇家水晶和陶器工廠Koninklijke Sphinx的一部分，由工坊、倉庫、展覽室和發電站組成。誠如以往介紹過的工業古蹟再利用項目，廠房廢置不外於供需失衡、產業轉型、企業外移等因素，Timmerfabriek的命運也是如此，千禧年後，陶器工廠被芬蘭外資收買接管，生產線全部移轉到斯堪地那維亞半島，頓時，長達175年歷史的國寶級產業，及其曾是荷蘭境內首創的大規模工業廠房，就此走入歷史。 Timmerfabriek建築群規模龐大複雜，由工坊、倉庫、展覽室和發電站組成。除了北端的流行音樂廳輔助建築是新增部件，其他部分和現有元素盡可能保留或再利用。版權：MUA 閒置的廠房部分升級為國家級古蹟，部分則晉身市級古蹟，改造計劃進程歷經近20年的輾轉跋涉，並在經濟危機後浴火重生，終於在2019年全數完工，成為流行音樂廳Muziekgieterij和建築論壇Bureau Europa的新據點。  兩座表演廳的入場大廳。原倉庫結構得以完整保留，新開的天井使1、2樓之間有視覺互動，天窗的自然光也能進入底層空間深處。攝影：Kim Zwarts 閒置廠房浴火重生  原廠房的建築結構與風格粗糙豪邁，雖與馬斯垂克細膩典雅的城市面貌產生強烈的對比，但Timmerfabriek外強中寬的工業本性，完全符合席捲全球的古蹟翻新和文化工廠風潮。鋼骨結構開間寬敞，為未來新功能提供靈活性和大容量，配合城市對文化和休閒產業的需求，改造為文化工廠最適合不過！ 音樂廳的入口大廳扮演建築內部定向與樞紐的重要角色，也是充滿活力的社交熱點。攝影：Harry Heuts 長型建築從原廠房中央的主入口分成南北兩大部分—朝北的部分原為二層樓的倉庫，轉型為流行音樂廳Muziekgrieterij，包括可容納1100席站位的大音樂廳和可容納350席站位的小音樂廳；朝南的部分原為陶器工廠的陳列室，如今轉型為建築論壇Bureau Europa的展覽廳。 在古蹟保存的立場上，建築師選擇謹慎修護原貌。斑駁的磚牆毫無修飾地保留下來，牆上的裂痕好似凍結在時光走廊裡。攝影：MUA 原建築內錯綜複雜的空間搭配音樂廳和建築論壇的輔助功能，細分成多個子項目，包括音樂廳的入口大廳、錄音室、排練室、衣帽間、辦公室等，新建築位於原廠房的北端，與大音樂廳相鄰，主要佈置後臺、化妝室、演職員出入口、卸貨口等，是流行音樂廳的輔助建築。  從 2 樓觀賞席欣賞流行音樂廳的舞臺。新元素一律以黑色標示。舞臺後方的大面積磚牆採用從其他倉庫回收的裸磚；舞臺也使用從拆遷的籃球館回收的木地板。攝影師：MUA 可容納1100席站位的流行音樂廳。原倉庫建築開間寬敞，滿足新時代演出形式和樂團編制的需要。攝影：Kim Zwarts  新舊元素相輔相成 在保存與創新的取決上，建築師認為設計宗旨應在修護古蹟、致力新舊融合，而非突顯對比。原建築的現有元素在最大程度上得以保留或再利用，微調和改善也在最謹慎求真的態度下執行；新元素則以黑色部件標示，並採用木材、鋼鐵等質樸的材料，以輔佐原建築的底蘊。 Timmerfabriek寬敞的鋼骨結構，為熱門音樂廳提供靈活性和大開間，非常適合改造成新時代的文化工廠！攝影：Harry Heuts 例如，斑駁的磚牆毫不修飾地原汁原味的保留下來，與新注入的混凝土地板和精準簡潔的黑色鋼元素融合成新整體，細部修復也令人有時光停駐的錯覺，磚牆上的裂痕、風化的痕跡、褪色脫落的壁紙、破損的 洗臉盆和使用多年的儲物櫃都保存在上個世紀的時光走廊裡，完全沒有刻意修飾的意圖。2樓頂上帶有燈條的棚屋屋頂也是倉庫的典型特徵，改建設計在2樓樓板部分開口，為底層引入充足的自然；光窗戶在舊鋼框架中添加三層玻璃，不但增加 絕緣值、確保室內恆溫，同時保障室內採光。 可容納350席站位的流行音樂廳。攝影：Harry Heuts 為符合流行音樂廳的需要，原倉庫局部深化滿足高度要求，原建築鋼結構的脈絡得以完全保存延用。攝影：Kim Zwarts 為符合新用途的需要，底層小面積局部深化滿足高度要求，但絕不影響原建築鋼結構的脈絡，除了原建築元素生命的延續，高效再利用市區內其它建物的回收建材也是本案的一大亮點，例如，從當地拆除的倉庫建築所回收的磚和木樑等建材得到新用途；拆遷的體育館木地板也被成功重新使用於兩座舞臺。  新建築位於原廠房的北端，由長廊和樓梯與大音樂廳相連，是流行音樂廳的輔助建築。攝影：Kim Zwarts 小音樂廳和入口大廳的2樓佈置排練室及音樂家的社交空間。長形帶天窗的棚屋屋頂是典型的倉庫特徵，在新隔溫建材的輔助下，延續新生命。攝影：MUA 結合新時代生活社會經濟需求的文化活血  Timmerfabriek綜合體為工業區再利用的案例另添一項佳作，承續西歐文化遺產保存傳統，修復古建築的同時，不但彰顯原建築的風貌，重現過往歷史文化和生活場域，也引進新元素輔佐老建築的重生，為古蹟重啓新生命。 倉庫南端原為陶器工廠的陳列室，如今轉型為建築論壇Bureau Europa的展覽廳。攝影：MUA 原建築謹慎細心地保留下來，歲月的痕跡與風華得以完全呈現，新舊部件成功地融合成整體，彼此襯托更現風采，使一度廢棄的歷史古蹟重新洗練成新傑作，除了硬體的整修和增建，也結合新時代生活文化與社會經濟的需求，工業古蹟注入文化活血，為臨近尚待開發的新住宅和辦公綜合機能區增添經濟和社會價值。  不同年代的建設痕跡難免彼此碰撞衝擊，在求真的態度下，謹慎地保存下來。攝影：MUA  褪色脫落的壁紙和豐富的歲月痕跡為老建築增添韻味。攝影：MUA  圖片提供和版權」Maurer United Architects 建築和城市景觀事務所 撰文」朱瑄文 Shiuan-Wen Chu 

FENDI女裝總監Kim Jones以書籍向品牌精神與布魯姆斯伯里（Bloomsbury）的藝術和文學運動致敬。   FENDI推出的藝術書藉《The Fendi Set》以20世紀上半葉興起的布魯姆斯伯里文學運動為題，蓬勃的文學、藝術、思想滙集，著名人物包括畫家Vanessa Bell、Duncan Grant及Roger Fry與作家Clive Bell和Virginia Woolf。   Kim Jones兒時居住於英格蘭南部雷威斯，比鄰的羅德梅爾和菲爾勒村莊有許多布魯姆斯伯里家族成員的生活痕跡，啟蒙他對於布魯姆斯伯里蓬勃的文化、藝術運動的認識，布魯姆斯伯里文人學派（Bloomsbury Group）與 Virginia Woolf常成為他與朋友討論的話題，他除了收藏布魯姆斯伯里文學運動相關人士的簽名書籍和展示版本，也將它作為FENDI春夏系列舞台和敘事的靈感來源，以此讚頌女性藝術家的力量，並回顧布魯姆斯伯里文人學派成員前往義大利的旅程與途中收集的創作靈感。   《The Fendi Sets》攝影集也是對Virginia Woolf 與 Vita Sackville West之間愛戀、以及向名作《Orlando》其對性別和時間的演繹的致敬。Kim Jones與著名紀實與肖像攝影師 Nikolai von Bismarck在書中運用感性及浪漫手法，回顧這對戀人所鍾愛的地點，回顧了布魯姆斯伯里文人學派與 FENDI 在英格蘭和羅馬共同遺留下的資產。   Nikolai von Bismarck費時超過11個月深入研究、參觀和拍攝布魯姆斯伯里文人學派曾居住過的房屋和花園，一探當時的工作與生活環境，跟隨其腳步穿過薩塞克斯和肯特郡的鄉村，隨著他們的旅行足跡到訪羅馬，造訪他們在當地工作和生活過的工作室，以及他們在書信中繪畫、勾勒和描述的各個地點，在深入感受與體悟後著手創作。 布魯姆斯伯里文人學派成員們的旅程裡的空間經驗與建築特色也影響了Nikolai von Bismarck的創作手法，為了表現這些地點的斑駁感和紋理，以Fendi新系列的布料與飾面，他探索了多種攝影和印刷技術：反轉染料、投影片攝影、多種尺寸和格式的底片，甚至過期的寶麗來底片，或是運用布魯姆斯伯里文學運動當時的相機拍攝技術。   在《The Fendi Set》攝影集中，運用多層次、多紋理手法來拼貼圖像，橫向畫面與充滿浪漫風情的色調，每個部分都經過多種紙張和印刷技術的處理。也將布魯姆斯伯里文人學派成員原始信件和日記的摹本，與 Nikolai von Bismarck 的攝影作品並列，特別是 Virginia Woolf 與 Vita Sackville West 兩人的情書，讓整本攝影書就像一部具有維多利亞時代魅力的精緻相冊。   《The Fendi Sets》攝影集同時邀請研究 Virginia Woolf的專家與布魯姆斯伯里學者Mark Hussey博士撰寫序言，他引用了紐約伯格時尚圖書館的Virginia Woolf日記和信件等珍貴檔案為攝影集製作摹本與謄寫詞彙。知名演員Tilda Swinton亦為此書撰寫序言。整本《The Fendi Sets》攝影集中，均使用 Virginia 與 Leonard Woolf 為霍加斯出版社精心設計的「Caslon」字體。   這本攝影書一如小說《Orlando》中跨越時空的敘事特色，在美學意念上流露出縹緲空靈、如夢似幻般的特質，猶如一件高訂華服般的精緻質感、觸感與飄逸氣息，它也像滿懷愛意的書信，誠摯的寫給布魯姆斯伯里及FENDI品牌，歌頌著歷史時光與美好未來。 圖片提供與版權」FENDI 編輯」Sumile

「記憶沒有形體，卻儲存在身體，無法抽離。」徐佳寧透過「記憶在身體留下的痕跡」，探索時間、空間和物件的質感，利用日常累積的身體經驗，去意識和尋找儲存在體內輕薄又強韌的記憶。 徐佳寧，天空突然消失的月份，2021，油彩、壓克力顏料／畫布，25.5 x 17.5 cm（each），set of 31（局部）由31幅小畫作組成，代表5月的每一天，描繪的是房間遮光簾上的光影變化。 誠品畫廊將於2月12日推出藝術家徐佳寧的個展，主題圍繞在「身體」與「記憶」，共展出21組件繪畫作品。除了闡述思鄉和對時間、空間的記憶，徐佳寧也描繪了2021年疫情三級警戒期間，通過身體所意識到的空間壓迫感。 徐佳寧，打開一張折過的紙，2022，油彩／畫布，91 x 116.5 cm 徐佳寧1996年生於桃園，繪畫是她擅長且持續鑽研的媒材領域，經由層層堆疊及時間累積的油畫，其豐富的色層和特有的光澤，分外呼應她所關注的「身體」與「記憶」主題。 徐佳寧，彼地，2021，油彩／畫布，53 x 45.5 cm 徐佳寧形容自己的身體就像「薄紗製成的泡泡」，而將泡泡吹成飽滿形狀的空氣就如同生命時間不停歇地往前推進，也將生活的一切、新的情感和經驗不斷灌入薄紗泡泡，同時在泡泡上留下記憶的痕跡。因此，她採用輕薄和流動的筆觸來表現記憶的輕巧，和身體如薄紗般存在的姿態。 徐佳寧，無題，2020，油彩、壓克力顏料／畫布，41 x 53 cm   透過繪畫，徐佳寧不僅回應對世界的感受，也探究繪畫這項媒材的特殊性：當身體的記憶被召喚出來，使用的顏料重量與質地、畫筆與畫布觸碰的手感、筆觸行進的方向等，就是畫家最直接的感受，而記憶也就在這樣細膩輕薄、緩慢流動、層層堆積的過程中被探尋出來。更多內容請見>>誠品畫廊   展覽資訊 展期」2022年2月12日至2月26日 地點」誠品生活松菸店 誠品畫廊（台灣110台北市信義區菸廠路88號B1） 開放時間」週二至週六11：00～19：00（日、一休館） 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」歐陽青昀

「上陸許可Traveling & Hugging」主視覺。 這兩年世界遭遇疫情重創，人們無法盡情、安心地享受國外旅遊，一股無以名狀的渴求、想出走的欲望，讓旅行成為生活中的救贖，驅策中島GLAb團隊策劃「台日旅行的想像」交流創作展，透過實體策展及跨國共創的方式，勾勒出人們對於旅行的記憶與期待，並回應後疫情時代世人對距離的想像，以及對移動的熱切渴望。 「土產包裹」作為此次交流創作的核心概念。 12位創作者，擁抱旅遊的想像 由許哲瑜、郭中元擔任策展人，木村一心為協同策展人，以台日城市交流為靈感、旅行的想像為媒介，邀請台日雙方共12位設計者，如方序中、李君慈、施博瀚、郭中元、郭欣翔、楊士慶、小林一毅、中村至男、加瀨透、矢後直規、田部井美奈、高田唯，進行交換土產的計畫。 參與本展的12位台日創作者。 以自身城市為視角（包含台北、東京、新北、新竹、京都、台中、靜岡、台南、鹿兒島、屏東、橫濱），找尋城中的樣貌與情緒，再挑選心目中具特色和代表性的物件，集結成「城市限定包裹」，互相寄給對方；最後，依循收到的土產線索，進行一場城市旅行的想像創作。  邀請觀者從創作者的圖像脈絡裡，重返旅行時光，並擁抱彼此的文化。 中島GLAb進駐台中市舊城區市定古蹟「臺灣府儒考棚」後，積極透過策展的專業打造舊城新面貌，思考如何串遊歷史空間與城市創新的更多可能性，展覽內容除了設計創作外，更邀請了近年投入打造城市旅行的大毅老爺行旅協同策展。 紀錄設計師們收到包裹當下的影片，以及每一份包裹的開箱照片。 團隊籌劃以旅店為旅行中心，輻射到周遭的風格品牌店家，規劃城市散策遊程，深入訪談12個風格品牌，如本冊圖書館、兆兆茶苑、綠光+marüte、永晶NAGAAKI等，並以中島GLAb風格ZINE推廣特色品牌，除回應城市旅行議題外，更希望擴大策展與在地產業共同合作的良性循環。   設計者依據所收到的土產包裹，將想像化為創作海報。 12位創作者×11座城市×12份包裹，串聯起兩塊土地的交流，揭開一場想像旅行，期待從這些圖像脈絡中，重新擁抱彼此的文化，並重返旅遊的時光。中島GLAb藉由豐沛的設計能量延續歷史建物與城市的對話，希望在疫情下透過創作展覽鼓舞大眾，也替這窒礙難行的年代，注入正向能量。 來自日本設計師的包裹均於展場實體展出，此為高田唯所挑選的土產。 資料及圖片提供」中島GLAb 編輯」陳映蓁

柏成設計攜手日本 Kobe Leather 神戶牛皮協會，打造出如花開般的「Bloom Chair」戶外單椅，在環保、不浪費的前提下，兼具美觀與輕盈、方便收納，提供人們另一種享受生活的方法。 攝影：許立忠 lillysixpic  這場夢幻合作始於 3 年前，神戶牛皮協會及 Kyosyu 先生來台拜訪，提出以神戶牛皮製作戶外家具的構想。由於疫情影響，人們越來越長時間待在家中，假日則移往郊區，戶外家具市場隨之增長。而神戶牛肉為世界知名的高級肉品，其皮革卻未引起關注並善用，多數都被棄置浪費。但他們發現，由於神戶氣候暖和，皮革相對較薄，且纖維量不變，使得神戶牛皮更加結實，在經過專門技術處理後，更達到可於戶外使用的耐用度。   圖片提供：柏成設計 如花般開闔的皮革座椅 設計以「Bloom」概念發想，設計師添入台灣街頭常見的燈籠、紅鳳梨彩球元素，不使用硬性結構固定皮革，而是以皮革作為結構本身，滿足戶外家具需方便移動的特性，網格狀結構不僅減輕重量（不含底座僅有 10 公斤），更避免了下雨時坐墊部分積水的困擾。最終成品就如同一朵花般，開闔一如綻放，折疊起來便可以輕便地帶走，甚至上飛機到世界各地，遍地開花。 攝影：許立忠 lillysixpic    Bloom Chair 每一個部分都使用了傳統的工藝與最新科技，除了特殊的牛皮加工技術，更仰賴數學運算、3D 列印等，加上日本的極致工藝，完整呈現原始設計理念，實木底座也同時呈現了傳統木工的價值。同時設計師運用大量的時間確保皮革的彈性，細究牛皮的纖維方向，以保留座椅的形狀完整和舒適度，維持高檔皮革的韌性和觸感。   在疫情下合作並不容易，但柏成設計與 Kobe Leather 經過 2 年密集地視訊會議、互相郵寄原型及樣品，更與百年工藝家具製造商永田良介（Taisuke Nagata）及日本皮匠職人片山喜市郎（Kiichiro Katayama）合作，將稀有的神戶牛皮革經過特殊鞣製，經歷無數次的實驗與測試後完成本次令人驚豔的作品。 攝影：許立忠 lillysixpic    新世代的設計 設計師提到，Bloom Chair 主要為新世代而設計，除了注重環保永續，盡可能避免資源浪費、減少包裝，人們的工作型態與生活模式亦更加多元，因此可隨身攜帶到世界各處的舒適單椅十分重要，無論是都會中的住家、鄉村度假別墅、擁抱自然的露營地，甚至在海邊悠閒地聽著浪潮聲，Bloom 為各種場合提供最佳的私人空間，提供人們另一種享受生活的方法，創造全新戶外家具歷史里程碑。 攝影：Kyosyu Mizohata   由於材料源頭的神戶牛每年產量有限，Bloom Chair 預計每年僅能製作 10 張左右，下單到發貨更預計需一年之久：其中皮革的染色和鞣製便需 3 個月，加上後續的加工及組裝，整個生產至少需要半年。目前正在持續做細部調整，預計於 2 月於永田良介商店開放購買，售價為 30,000 美元，單椅皆為客製化製作，客戶在下單時可以選擇皮革與木材漆的顏色。   Bloom Chair 接下來將於 2 月 8 日至 10 日於東京國際展示場的「東京春季禮品展 LIVING&DESIGN」展出實體，台灣民眾不用擔心無法親身體驗，日本方正在與台灣經銷商洽談，十分希望能將本次日台合作的夢幻成果帶到台灣大眾眼前。柏成設計亦表示，期待後續能嘗試更多不同的設計領域，進一步推動其充滿挑戰與創新的設計理念。 圖片提供：柏成設計  資料與圖片提供」柏成設計 撰文」林慧慈  

近期的台中很熱鬧！由台中市政府觀光旅遊局指導，勤美集團所推出的「PARK2草悟廣場」已於日前正式開幕，這項計畫是勤美集團繼誠品綠園道、金典綠園道商圈、勤美術館、第六市場、工家美術館、草悟道生活圈等專案後的最新力作，也是勤美集團深耕在地多年後，藉由創意實驗、跨界激盪所累積的能量，打造出結合日常生活體驗與商業發展的全新生態系。  PARK2草悟廣場由「禹樂空間整合」進行空間規劃。1樓長達340公尺長的鋁網牆，彷彿矗立於城市中的大型溫室。攝影：VOID Photography 這也充分呼應著知名作者珍．雅各（Jane Jacobs）在《偉大城市的誕生與衰亡》一書中提及的，城市是一個巨大且複雜的有機體，充滿熱鬧、友善相處的街道，以及各種主要與次要的池聚效應，是創造活力與多樣性的偉大城市的重要特徵之一。   占地約2,000坪，打造城市中的創意第三空間。攝影：VOID Photography 草悟道是台中重要的綠帶資源，位於中軸的PARK2草悟廣場，前身歷經假日廣場、停車場等不同時期，勤美集團融合了戶外生活和城市慢活的態度，廣邀各式具有生活風格的質感店家進駐，在這占地2,000坪，涵蓋1樓、B1兩層樓的基地中，發展出商業與公共空間結合的新型態複合設施，不僅加深場域原有的特質，更翻轉、顛覆了既有印象，打造不同以往的非典型公園！   多面向重塑文化生活聚落 PARK2命名的由來，來自與Part two雙關，象徵著公園2.0進化後的更多可能。整體計畫概念集結「公園」、「店鋪」、「藝文生活」三大主軸，以「大人系的公園」為想像，從建築、景觀設計、視覺設計、店鋪設計、野植生活、藝術裝置各種面向的再思考，以跨界混種的形式，探索未來自然與文化聚落的可能性。 景觀設計與「酉5PM TWCAUDEX」合作，布滿一系列具代表性的旱生植物。攝影：VOID Photography 建築與景觀設計延請「禹樂空間整合」，在既有建築的限制上翻轉設計，負責人呂明志與設計總監黃志凌思考如何在重塑空間之餘，也能同時探討現代公園的不足，以及發展的藍圖。公園，除了是親近自然的環境，應該也需要融合「產業、社區、文化」的內涵，擁有成為地域性中心的潛質，替新一代城市擘劃出革新樣態。 公園中隨處可見的綠植，貼近草悟道的地區形象。攝影：VOID Photography 近年由於疫情影響，加速了朝向戶外發展的生活趨勢，對都市人而言，公園是日常場景的延伸，公共性及商業設施的整合儼然成為發展走向，因此PARK2提出「都市叢林、文化綠洲」的概念，擷取對未來公園的想像，替這塊原本被城市忽略的空間，轉型植入「創新基因」。  右側的公共藝術作品－台灣石虎《擁抱幸福》。攝影：VOID Photography 1樓可見長達340公尺長的鋁網牆，彷彿大型溫室般矗立於自然綠植庭園之間，弧線型的設計順應原始的建築型態外，亦可將各單元量體有機地安排於邊界內外，這些大小不一的量體可作為特色店家的營運場所；鋁網材質所擁有的輕盈、透光性，加上弧形開口，能直覺地將民眾導引入內，在虛實之間創造出有如洞穴般，既連續又開放的動線。   Project On Museum（POM）團隊設計的 PARK2草悟廣場主視覺。 景觀設計則與台灣第一間專為塊根植物所建立的品牌「酉5PM TWCAUDEX」共同合作，在都市叢林中創造出一片神秘的荒漠，負責人曾浤澤針對場域提出「城市綠洲的獨立沙漠島」想法，規劃一系列代表性的旱生植物；而全新品牌視覺形象設計，則委由近年來在各大設計獎項嶄露頭角的Project On Museum（POM）團隊操刀，嘗試融合公園裡不會看到的噴漆概念，將指標以拼貼、重組的手法，讓每個字母各自成形，卻又代表不同面向的聚合。   Project On Museum（POM）塗鴉式指引系統，散布於廣場中。 B1亦打造了一座有機運動設施「打包運動場SPORT 2GO」，由生活起物googoods design莊騏鴻擔綱設計，將運動項目模組化，以多點或單點式的單元構件，一個載體一台小貨車就可以打包帶走，讓運動行為可隨時在城市閒置空間發生。五座運動設施則設置於戶外中庭，配合周圍餐廳、酒吧、咖啡延伸場域，在用餐、等待期間有個有趣串聯。   「打包運動場SPORT 2GO」。模組化的構件讓運動行為可以隨時在城市閒置空間發生。圖片版權：楊承Chen Yang 匯聚了植物、飲食、咖啡、音樂、藝術、運動休閒與不定期舉辦的假日市集、音樂表演等多項活動的PARK2草悟廣場，以隨興、不設限的態度，勾勒公園的新穎面貌，並集結草悟道周邊店家，共同構築台中的新文化聚落。   資料及圖片提供」PARK2草悟廣場 撰文」陳映蓁

以藝術性享譽全台的「月津港燈節」去年因疫停辦，睽違一年後，今年自 1 月 22 日起盛大登場！走過 10 年，月津港燈節是國內第一個以「藝術策展」重新定義燈會活動，並讓台南鹽水蛻變為無牆美術館的燈節，更曾榮獲紅點設計大獎展場設計肯定。 今年除了有上屆未及觀賞的作品強勢回歸，更擴大展出規模與展區，串聯整個鹽水小鎮，邀請包含日本藝術團隊「teamLab」、國際知名的台灣團隊「有用主張」等 70 組藝術團隊、展出高達 83 件藝術作品，並延長展期至 2 月 28 日止，橫跨農曆春節、元宵等假期，帶給民眾有別於以往的觀展體驗！   運用幻象－裂縫 / 有用主張  五大展區 整個鹽水都是光影美術館 今年燈節規劃五大展區：藝術燈區、徵件燈區、新創燈區，及車站燈區與巷弄燈區。其中藝術燈區以「禮物/PRESENT」為策展主題，汲取「禮物」和「現在」兩個意涵，象徵期盼人們把握當下珍惜此刻的深刻寓意。 本次將展區擴大至新闢公 18-4、公 2 等水域展區以及鹽水車站展區，並排除萬難邀請到國際知名的日本藝術團隊「teamLab」，在永成戲院建構出專屬的沉浸式互動投影空間，讓觀眾可以深入體驗國際級光影藝術展演；及作品連年入選荷蘭阿姆斯特丹燈節的台灣藝術團隊「有用主張」也在水域帶來全新大型裝置藝術作品《運用幻象－裂縫》，尺幅堪稱歷屆最大。 彩繪水族館 / teamlab   此外，今年徵件燈區也有別以往，全新策畫以「船說－One Piece 航行計畫」為主題，今年入選的水域作品在藝術性與創新性上都比往年更多元精采；公 18-2 後段水域更首度規劃水上船屋，作品除了平面繪畫，也涵蓋立體裝置、影像、聲音裝置、表演藝術等，不同船屋內的豐富樣貌，與以往觀展體驗大異其趣！ 而甫完工的公 2、公 3 及公 16 水域，首度新闢為提供年輕藝術團隊實際操作、獨立策展的「新創燈區」實驗場域，由藝術團隊 404N.F 規劃策展，攜手 XTRUX、謝政翰、陳恩澤等藝術家與團隊，帶來 5 件新型態的大型裝置藝術，呼應「月之美術館」做為藝術培育平台，持續帶動地方藝文產業的刺激與發展。 回居 Wandering Critical / 404 N.F 被內行人譽為「鹽水秘境」的五分車站倉庫群，今年也首度規劃為車站燈區，於 3 棟倉庫呈現新媒體藝術作品，結合建築投影、燈光照明及聲音藝術表現，帶領民眾進入一個嶄新、全光全影的擴聲魔幻世界。已先行開展的巷弄燈區「月之美術館－漫月美行動特展」主打藝術實驗與在地共創，由月之美術館虛擬館員「兔大叔」帶路，帶領遊客穿梭6條老街巷弄，探尋 17 件精彩創作以及 3 棟老屋空間。 斜影 / 徐婷 今年為串聯新創燈區至車站燈區，鹽水大眾廟前公 4 水域步道也布置了 5 組從台南市議會移展的花燈，規劃成完整參觀動線，方便遊客沿途賞遊；文化局並再與國道新營服務區合作，將月之美術館備受大小朋友喜愛的《連成兔行》大小兔子全新換裝，設置月美「兔大叔」燈箱，從新營服務區就引導大家走進鹽水月津港藝術之旅。 至理名言 / kit webster 歷年月津港燈節已邀請超過 300 組國內外藝術家參與製作，並累積超過 530 萬人次參觀，成為台灣極具代表性的國際級節慶。今年五大展區共計超過 83 件藝術作品，範圍更擴大、作品更精彩，人潮車潮分散同時使參觀品質更形提高，相當值得期待。 為突顯燈節十年帶給小鎮的轉型與發展，主辦單位並結合特色地景規劃一系列精采表演，春節期間於浮動平台規畫一系列特別演出企劃；1 月 23 日、2 月 5 至 6 日（春節連假末 2 日）、2 月 12 至 13 日（情人節前夕）在車站展區並邀請多組聲音及音像藝術家於倉庫群戶外空間帶來共感體驗滿分的聲音藝術派對！新創燈區則將在 2 月 19 日、26 日兩個周六帶來實驗性聲音跟影像互動現場演出，精彩企劃於各展區輪番上演，場場不容錯過！ 月光紛飛 / 禹禹藝術工作室 月津港燈節 日期」2022 年 1 月 22 日至 2 月 28 日 地點」鹽水月津港周邊、鹽水車站、街區巷弄 詳情請洽官方活動網站或臉書專頁 資料與圖片提供」台南文化局 編輯」林慧慈

迎接虎年到來，今年台灣燈會於高雄舉辦，於 2 月 1 日起至 2 月 28 號於愛河灣及衛武營雙主場展出眾多光環境藝術作品。愛河灣主燈於聖誕節、跨年時率先亮相，由十聿照明設計的總監賴雨農負責專案燈光設計，發想始於用「光」串聯愛河流域及灣區，依據上游至下游各區域的歷史發展脈絡給予不同主題的燈光色溫，象徵從歷史積累轉變為現代化的國際都市，不僅保留每座橋樑的歷史原貌，更透過燈光給予橋樑不同的現代化風情。 全球照明領導品牌昕諾飛為港都高雄打造全台最長「愛河主燈」。圖片提供：昕諾飛 賴雨農攜手知名照明品牌昕諾飛，透過其智慧照明方案打造全台最長「愛河主燈」，工程全長 7 公里共使用 12,000 盞 LED 燈及 128,000 個控制點完成，締造全台最長亮化專案紀錄。整體規劃不僅為 2022 年台灣燈會在高雄的活動主題場所提升整體光環境品質，彈性化的照明系統平日除基礎亮化功能外，節慶期間更可化身大型沉浸式藝術展演標的，每盞燈可提供 1600 多萬種色彩，大幅減少過往節慶一次性成本浪費，成為國際都市永續規劃的重要示範並讓高雄晉升為台灣光城。 昕諾飛提到，過去愛河沿岸各橋體及景觀是分年、分期施工，導致燈光形式不盡相同，如高雄橋、中正橋、七賢橋、建國橋景觀改造完成時間較早；而高雄流行音樂中心、輕軌橋、輕軌車站、大港橋屬於新式的燈光科技，因此造成愛河流域整體光環境整合度不佳。 全台最長沉浸式光展演，將既有高雄流行音樂中心的建築外牆燈光納入整體系統中。圖片提供：昕諾飛 本次計畫目的便是搭配台灣燈會進行光環境再造優化，範圍涵蓋愛河週遭大港橋、輕軌橋、高雄橋、中正橋、七賢橋、建國橋等 6 座橋體、沿岸景觀光環境設計及系統整合，移除原本橋樑上過時的鹵素燈和日光燈，並將既有高雄流行音樂中心的建築外牆燈光納入整體系統中，改用目前最先進的 LED 燈光技術及燈控系統，相較過往在燈光耗電量上平均可減少 50% 至 70%，節能效益可觀。 昕諾飛借重 2018 年曾為英國倫敦泰晤士河打造大型照明設施之經驗，此次搭配 2022 年台灣燈會進行愛河光環境再造優化，在節慶過後能仍帶給市民更好的河岸光環境享受並提升夜晚經濟效益，減少過去慶典一次性的成本浪費，建設、永續、娛樂三贏，體現出國際城市的規格及創意。 昕諾飛的燈光系統可因應節慶、主題創造特殊光效，透過橋樑、河面與燈光相互照映，創造出變化萬千的獨特河岸景觀。圖片提供：昕諾飛 資料及圖片提供」昕諾飛 Signify 編輯」林慧慈