1970年成立的Galleria是韓國最大的高級精品百貨公司品牌，以販售名牌和高級商品為主，領導了韓國的流行時尚趨勢。Galleria的第六家分店選址在首爾南部的光教，是近10年以來品牌開設最大的百貨分店，建築佇立在新城市發展區的中心，周圍被高樓住宅包圍著，「Galleria光教店」希望成為附近居民生活的一個焦點。   2020春季，由OMA（大都會建築事務所）克里斯•范杜恩（Chris van Duijn）設計的「Galleria光教店」正式開幕。建築造型猶如石塊一般，搭配馬塞克石材外立面讓人想起鄰近的水原光教湖公園的自然景色，而在石材體量上開鑿出的公眾步道是為文化體驗而設計。 公眾步道由一連串漸落的平台組成，不僅連接公共人行道至天台花園的動線，同時帶來展覽和表演空間；步道有著像經過雕琢寶石般的多棱玻璃立面，與不透光的石材形成強烈對比，路人可以透過玻璃看到室內的零售和文化活動，同時建築裡的人們則以全新的視角觀賞光教的城市風光，為傳統百貨公司的購物體驗引入創新元素。   韓華Galleria總裁及首席執行官Eun Soo Kim表示：「Galleria光教店透過與世界級建築師OMA的合作，收穫了一座在國內外廣受好評的創新建築。其設計有別於傳統百貨商店形式，採取了通過公共環路將光線傳導至大樓各部位的嶄新模式。Galleria光教店將會是最美的百貨大樓，有望成為代表韓國乃至全球的一座獨特地標，為顧客提供新穎的購物體驗。」   編輯」歐陽青昀 資料及圖片提供」OMA

由OMA管理合夥人大衛 ‧ 希艾萊特（David Giaontten）、專案建築師馮達煒帶領設計﹑Potato Head委託的 Potato Head Studios，已於峇里島水明漾（Seminyak）開幕，這是OMA首個同時為旅客和當地社區量身設計的酒店設計案，其地面空間向大眾開放，歡迎不同人士使用，既是酒店舉行文化節目的場所，也是當地居民的日常活動空間。   峇里島的渡假酒店，往往由旅客獨享，OMA在此作挑戰渡假酒店為旅客專屬的概念，打開空間面向一般大眾。建築師大衛 ‧ 希艾萊特表示：「峇里島的文化精髓，在於不同文化之間的互動。」Potato Head Studios除了提供私人酒店房間和設施，更同時創造公共空間，使來自不同地方的人們能於此聚集、彼此互動。   全案設計主軸以印尼的文化脈絡為依歸，利用開放平台與環境接壤，酒店多處使用混凝土質感的牆壁，由本地工匠巧製，走廊的立面設計則受峇里島傳統占卦曆「蒂卡」（Tika）啟發。   Potato Head Studios的建築為一個由基座柱子抬升起來的環形結構，裡面是私人酒店房間及其他設施，包括展覽空間及可以觀賞日落的酒吧。抬升的結構騰出地面間作為「開放平台」，直接通往海灘，而此空間充滿可能性，是節慶、文化活動及日常活動的場所，讓大眾共同體驗峇里島的當代文化。酒店屋頂作為向大眾開放的雕塑公園，設有一條公共走廊連接酒店餐廳、泳池及水療設施，並通往雕塑公園。    Potato Head創辦人Ronald Akili表示，他們的目標是為酒店業帶來一個嶄新的營運模式，而非改變行業本身。「假如我們能夠將人們聚在一起，享受好時光，並為他們帶來意想不到的體驗，他們便會受到啟發。」他稱讚OMA的設計完美地傳達了集團的意念：「創造一種嶄新的文化機構，糅合公共與私人空間、旅客與當地居民、未來願景與傳統手藝。」 資料與圖片提供」OMA 攝影」Kevin Mak 編輯」林慧慈

由梁志天設計集團創始人、國際室內建築師／設計師團體聯盟（IFI）主席梁志天發起的第一屆 IFI 全球大獎計劃（IFI Global Awards Program, IFI GAP）於2020年2月26日在杜拜圓滿舉行。IFI GAP 是室內建築/設計領域的全球最高榮譽獎，旨在選出及肯定國際最優秀的設計師及設計作品。   IFI GAP 共設四個獎項：IFI大獎（IFI PRIZE）、IFI同業貢獻大獎（Fellows of IFI）、IFI 設計新聞獎（IFI Design Journalism Award）及IFI 卓越設計大獎（IFI Design Distinction Awards）。（詳細得獎名單請見：https://ifiworld.org/gap/ifi-gap-winners/）   IFI 獎座由國際知名設計公司 Zaha Hadid Design 精心設計，並由頂級意大利天然石材品牌 CITCO 定制。獎座的流線型幾何設計充滿動感，以10款不同的石材來劃分設計類別，並運用同一款石材展示金、銀、銅獎的聯繫，表達合力創作出卓越設計的精神。 本次共收到來自38個國家及地區，近600份參賽作品。其中最高殊榮的IFI大獎由Gensler創辦人Arthur Gensler先生奪得，以表揚他在室內建築／設計領域所作出的傑出貢獻。Arthur Gensler同時也是加州大學伯克利分校和亞利桑那州立大學的客座教授，並獲選美國《室內設計雜誌》（Interior Design Magazine）的名人堂的特許成員。   同期舉行IFI全球會議及IFI全球會員代表大會。在歡迎儀式上，梁志天先生代表IFI與杜拜市簽署IFI 室內設計宣言，旨在推動政府和當地設計行業的聯繫，為雙方的合作提供建議。   梁志天在任主席期間，IFI與不同國家和城市簽署並落實了此宣言，包括日本旭川市、瑞士蘇黎世、上海、廣州、深圳等。至今，全球已有 127 個國家和城市簽署此宣言。   而在IFI第29屆全球會員代表大會上，匯聚了全球近 20 個國家及地區的業界協會代表參與，梁志天為IFI 57年歷史來首位華人主席，今任滿主席職務，正式交棒予 Titi Ogufere女士及新一屆理事會。 圖片及資料提供」梁志天設計集團 編輯」林慧慈

2019年金點設計獎甫於12月5日舉行頒獎典禮，公布30件「年度最佳設計獎」得主，並從中再選出兩件分別獲得「年度特別獎（循環設計/社會設計）」。來自台灣的HMM以「W Glass玻璃杯」榮獲年度最佳設計暨特別獎（循環設計）殊榮，且品牌在國外也日漸嶄露頭角，深受市場及消費者的喜愛，《室內》雜誌於本期報導中邀請HMM設計師劉嘉勝（小美）及品牌發展Michael，來與讀者分享品牌發展的點滴歷程，以及雋永經典的設計在他們心中是什麼模樣。     HMM產品設計－劉嘉勝 HMM是台灣在地品牌，2014年正式從廣告設計公司的業餘計劃獨立、努力朝著正經的方向轉型，希望透過對日常器物的重新詮釋，打造更為理想的「人－器互動」，專注於錘鍊獨特而人性化的細節，以貼近自然的素材、純熟的工匠技藝，演繹成生活中簡單而雋永的一道風景。劉嘉勝為HMM產品設計師，秉持對咖啡和設計生活的熱情，為HMM開發工作利及咖啡用系列，善於挑戰艱鉅的任務，HMM一系列獨特的產品語彙皆出自其概念，發揮產品創新結構，同時保有簡潔經典的設計。 重要得獎紀錄： 2014德國紅點榮譽獎 2017金點設計獎（年度最佳設計） 2018日本Topawards Asia包裝設計獎 2018文創精品獎－最佳產品設計 2019德國iF設計獎 2019文創精品獎 2019金點設計獎（年度最佳設計） 2019金點設計獎年度特別獎（循環設計） 由三個英文字組合而成的品牌名稱，背後內含著許多深意。設計師劉嘉勝（小美）表示，HMM是從廣告設計公司minimax獨立而出，目前已是2.0的版本，1.0版在當時其實僅是公司內部設計師的side project，大家製作一些跟日常生活有關的設計品並小量生產，爾後，在因緣際會下與某個廠商合作推出高音質耳機，得到熱烈迴響，遂開啟了hmm走向獨立品牌HMM的大門。現在的HMM三字定義為Human、Mechanic、Method，也就是所謂「人技法」，推出的所有商品均內含人的溫度、工匠的技藝、以及設計師的想法。 每一件既存器物，都能有更動人的詮釋 以「人技法」作為品牌發展的核心架構跟精神，小美認為「人」是當中很重要的關鍵角色，他所設計的物件力求朝向實用性的面向發展，希望可以讓日常生活更為便利且有質感。團隊擅長從觀察中找尋靈感，比如說品牌近期推出的「隨意板夾」即是觀察到大眾在使用板夾時面臨到諸多限制，遂透過可隨意吸附的夾子，改善直橫不易轉換的問題，並將板子、筆、夾子三個功能合為一體，秒拿即寫，兼顧創新與實用性。 另外，商品中亦飽含著台灣在地工匠的純熟技藝，具有靈魂和生命力，使其成為你我生活中的良伴。除此之外，如何精準地發掘市場缺口、或設法滿足消費者所重視的部分，則是HMM的長處，舉例來說，消費者在購買杯子的時候，首要的考量不是容量，而是視覺感，於是在杯子的製程上，他們對於感官效果、細節等處格外仔細。 有鑑於大家都喜歡購入「有故事」的東西，品牌的經營方向遂由此切入，每項商品都會花許多時間陳述設計背後的發展脈絡，再以影片等貼近時下動態趨勢的方式與大眾接軌，讓大家對理念、發想、製成過程更加理解，進一步增加話題性及消費者的品牌認同感。 若商品需要特別大量的溝通時，便會採取上募資平台的方式進行推廣，根據統計一般購物網站的停留時間大約僅有30秒，而群眾募資平台上卻可達約200秒，等於有相較其他網站更充裕的時間可以講故事，能充分說明產品屬性和細節；Michael則補充說到，他們企盼透過改良唾手可得的日常用品，帶給大家經典質感與舒適的氛圍，讓設計跟生活的距離不這麼遙遠。 有趣的是，小美顛覆外界對設計師大多注意外在物質的印象，刻意將自己維持在「最低限」的狀態，因為當人處於不滿足的情況下，就會想盡辦法要求自己突破，他不追求物質慾望、喜愛運動、出門在外盡量搭乘大眾運輸工具，從不同角度多觀察這個世界，藉此保持對設計的熱忱和靈感；再者在品牌的經營角色中，他除是設計師外，也身兼客服人員，能第一時間收到消費者的回饋或批評建議，亦有助於他彙整資訊，轉化成自身設計養分。 HMM至今大約創立5年，Michael認為這段日子中最大的收穫是人的成長，經營品牌很辛苦，不論是在銷售、商品製造、品管等，每件事情都需要做全盤的思考，人與人之間也須磨出一定的合作默契，才有可能肩並肩繼續往下走，另外，日以繼夜的研發過程、長途跋涉的參展等亦會帶來體力上的負荷，但挺過這些關卡後，他覺得團隊所有成員都蛻變成更好的人、變得比以前更堅強也更樂觀。 廢棄玻璃原料的新生 此次榮獲年度最佳設計獎暨特別獎的「W Glass玻璃杯」，是HMM與春池玻璃合作推出的產品，春池玻璃身為台灣最大的玻璃回收廠，一年可回收近10萬噸玻璃，全球僅次於瑞典，而春池也有感於日益嚴重的資源浪費問題，提出玻璃永續再生計劃「W Project」，讓設計職人以可被100%回收的玻璃進行創作，提升循環經濟的價值，更可為社會環境責任盡一份心力。 HMM的玻璃杯由台灣在地工匠手工製作，使用回收玻璃製造，將窯爐加熱到1400度，讓玻璃呈現液態膏狀後，採「壓鑄」方式製作，厚實杯底帶來渾厚美感，再輔以老師傅多年累積的經驗，用高溫噴槍修整細節。 設計概念以生生不息作為出發點，將時鐘的刻度轉化成十二角面的優雅稜角，暗喻時間的流動，玻璃染色工藝則賦予外觀熟成的琥珀色澤，一體成形的把手實用防燙，精算的高度帶來舒適握感，漸縮的圓形底部能讓杯身相互交疊，外方內圓便於清理。 小美提到，品牌推出的第一個商品「Mugr木柄杯」是長年熱銷單品，具有鑄鐵肌理的獨門泥漿釉在窯燒時很容易因為溫度的細微變化而產生瑕疵，且燒壞無法回收、只能丟棄，這讓團隊頗有罪惡感，於是便積極尋找其他替代性材質，讓民生用品能更有效地循環，而玻璃可達到零耗損的特性，可降低對環境的破壞。 Michael則表示歐洲市場非常在意環保，剛開始經營品牌時也收到許多指教，例如包裝、材質方面須修正，所以他們在設計的路上也是不斷摸索，希望找到之中的平衡點。 在2019年的紐約禮品展中，HMM以獨立參展的身分獲得大會頒發「最佳整體收藏獎」，小美表示他們致力於將台灣厲害的在地文化或工藝帶至國際市場上，未來也會持續發掘有潛力的加工工藝，並融入品牌的產品設計中，這過程就好像在創造一個文化般，雖然路途中困難重重，但HMM會一如初衷，帶著台灣在地職人與設計師的精神，踩著堅定的步伐持續向前邁進。 資料及圖片提供」HMM奇意果國際有限公司 採訪」陳映蓁

勤美術館自2012年成立，舉辦過許多貼近群眾的藝術文化活動，第一階段任務已於2018年底畫下句點，新的美術館將由國際知名建築師隈研吾大師操刀，為勤美草悟道街區注入新能量。 2019年初開始進行轉型工程整備期，邁向下一階段之時，勤美璞真文化藝術基金會以擅長的策展轉譯與美學設計力，推動一項革新計劃－工家美術館，甫於11月15日正式開幕，藉由打開圍籬，打造一座結合工地、共享概念和美術館創意的基地，亦是新型態工務所的示範場域，除升級工地環境外，更希望透過民眾和社區的參與，展開與工地文化對話的可能性。 建築在熙來攘往的草悟道街區十分引人注目，期望以開放的新型態工務所兼美術館的角色拉近人與人的距離。攝影：CMP PJ Foundation 隱身於工地圍籬內的勞動者們，是創建文明的偉大英雄，這股看不見的強大力量，驅動著城市不斷向前邁進，然而，在每片被圈圍起來的荒地裡，辛勤工作的工人們，卻往往因為圍籬，加深了與民眾之間的距離和隔閡，而工作環境也擺脫不了不安全的刻板印象，勤美璞真文化藝術基金會思索著是否能夠翻轉工地環境，為隱身於幕後的工作者提供舒適的休憩空間，甚至將工務所引入文化與創意，連結周遭街區，成為大眾彼此共享的生活場域，於是，「工家美術館」就此誕生。   「工」指工程；「家」則是一種歸屬感，而工家的台語「ㄍㄨㄥ ㄍㄟ」，則是共享之意。工家美術館基於過往深耕街區的能量，以無疆界美術館為初衷，並以友善工人的初心作為一切的出發點，打造出充滿工地意象的場所。勤美璞真文化藝術基金會執行長何承育表示：「如何讓台灣的工地文化被大家知道是工家美術館的起心動念，並嘗試把工地文化的信仰化為精神性的創作。」 美術館區域本質上仍是工地的一部份，但以實驗的精神，重新定義工地美學，在工人未使用之餘，打開空間，讓一般民眾也加入這場工地藝術活動，促進文化交流及在地認同，希冀透過建築、軟體等安排，再現更深層的文化與社會內涵。   眾多設計力共襄盛舉 構建美術館畫面 作為未來美術館的前導項目，工家美術館身負連結過去與展望未來的深刻意義，此次計劃集結台灣各領域創作者共同構建出最獨特的工地視野。 十禾設計的吳聲明建築師在18×18的方形基地中藉由虛（開放）與實（圍籬、牆面或戶外露台）的構成，串起鄰里生活圈，並保留基地原有的兩棵老榕樹，象徵著在地情感，也讓建築被綠意包圍；再以不斷向上層疊的階梯，讓人穿梭於樹木之中，與環境對話，企圖暗示我們所有的隔閡與不了解，都是因為對話不夠而產生，所以工家美術館的目標其實是產生相遇，讓正在創造未來美術館的工人們及民眾，在不同的分時概念下共享此地。 至於內裝設計則邀請無氏製作PiliWu-Design的吳孝儒操刀，他運用鷹架、浪板、三角錐等素材，將其轉化成具實用性的家具軟件，並符合堅固耐用、可隨意組合的特性，「形隨機能」的設計方式是他覺得十分有趣的地方；選用工地常見具警示作用的亮橘色作為空間主色調，再搭配多種具巧思的活潑亮點，如油漆桶吊燈、午休時間用水泥枕等，將工地師傅最熟悉的物件透過他們最不熟悉的語彙呈現，從中找到平衡點，並反轉大眾對既定場域的印象。   而視覺形象設計則完整點出工家的精神，生活起物googoods負責人莊騏鴻考量到工地予人一種未完待續的氛圍，故以未寫完、缺少筆畫的字來表現logo形態，期望藉由大眾的參與，進而完整美術館的全貌；他亦統籌了便當包裝、入口意象裝置、指引系統等，就地取材並融入工地特有的生活智慧。 而開館首檔展覽「荒島工神」則邀請攝影師鐘聖雄、平面設計師廖小子及服裝設計師李育昇共同合作，策展單位爬梳島國脈絡，結合傳統宗教、台灣文化等內容，並將神明文化映射在工地景觀中常見的電動旗手上，傳遞這塊土地的真實樣貌。藝術家Yen Shih Chieh以工地現場使用的機具、工人常聽的收音機為基本旋律，創作出契合空間主題的背景音樂；盂施甫藝術家的機械動力裝置「涼日」的圓形涼扇則為2樓帶來和煦微風；戴翰泓所創作的戶外公共藝術座椅「工地獸」使用鋼筋水泥等材料，期待能承載工地跟街區共同譜出的故事。 除提供舒適環境之外，工家也與台中在地餐飲團隊「好食慢慢」合作，製作出美味健康又飽足的工家便當，亦研發專屬的工地創意小食，與結合工地文化的特調飲品，供工地師傅與一般民眾享用。勤美璞真文化藝術基金會希望通過這項計劃，集結充沛能量，表現出最具設計思考的新型態工務所。 資料及圖片提供」勤美璞真文化藝術基金會 採訪、撰文」陳映蓁

近年我們時常在新聞媒體上看到海洋廢棄物對環境、生態帶來的巨大影響和危害，衝擊畫面總令人頗為震撼與鼻酸，工業社會帶來大量資源浪費與廢棄物，如何改善此一現象所產生的生態浩劫，是各領域刻不容緩的議題；我們身處於海島台灣，與海洋的距離更是近在咫尺，或可從你我的生活中著手，貫徹回收行為、選用環保材質物品等，為環境保護盡一份心。 本期金點設計獎系列報導專訪以「稻殼沙灘玩具組」獲得標章肯定，並入圍年度最佳設計的點睛設計總監韓世國，邀請他就循環材料與設計的專業，與讀者分享觀點。 韓世國 點睛設計創辦人，也是多所大學的兼任講師。多年實務設計經驗，擅長多種材質運用，獲獎經驗豐富，如金點設計獎、OTOP設計獎與德國紅點產品設計獎等。2011 年創立「DOT Design」品牌，目前約有60件 商品在市場上銷售，創作以生活的趣味為主，讓每個使用者，感受到設計的豐富與趣味性；2015年成立Design Labs，嘗試讓食物、茶葉、各種豐富的生活元素與設計結合，創造設計的無限可能。2019年起以循環材料產品設計為品牌主軸，關懷永續議題，展開具體計畫與行動。 現任： 點睛設計有限公司創辦人暨設計總監 中國文化大學、清華大學兼任講師   重要經歷： 2019年臺灣國際學生創意設計大賽產品設計決選評審暨召集人、沙灘玩具組Golden Pin Design Award、鳳梨纖維盤Golden Pin Design Award 2018年「經濟部工業局設計經濟力國際推動」計畫（計畫主持人）、竹叉匙 OTOP Product Design Awards、碎岩蠟燭 Golden Pin Design Award 2017 年至 2019年花蓮縣文化局文創產業個案輔導（計畫主持人）、德國紅點產品設計獎、點茶Chosen Tea 1869 OTOP Product Design Awards、點茶Chosen Tea 1869 Golden Pin Design Best of Best 2016年通過經濟部工業局能量登錄「DE 類設計服務機構」4項分項 點睛設計的命名，內含著希望自家品牌商品與更多台灣企業，能為生活增添畫龍點睛的感受，韓世國總監從事設計工作已逾21年，公司主要提供平面設計、包裝設計等服務，並於7年前開始推出自營品牌（Dot Design）商品。 韓世國將設計的價值視為根本，嘗試接觸各式不同的材料，並將其運用在商品中，或許有人會覺得這樣是否對材料的特性不夠專精，但對點睛設計而言，材料的專業在於每一個合作工廠或工藝家的本領發揮，設計功能主要是提升製成品的價值；這兩年來，團隊開始致力於環保材料的開發與結合，例如鳳梨纖維、香蕉莖、稻殼等，透過系列產品的推出，一再反映循環設計、循環經濟的概念，也是品牌近期的主要目標。   在地原料二次利用 友善地球 除從事設計工作外，韓世國亦長時間投入教育領域，他笑說「韓老師」是他對外的代稱，在教書過程中時常會針對學生提出的問題進行反思，加上容易接觸形形色色的人事物，讓他觸角更多元，也能更靈活的使用各式材料；近年的設計思維偏向「越在地越國際」，如何使在地元素及文化獲得更多關注和發展，是點睛設計欲探究的重點；台灣有許多厲害的傳統工藝，目前遭遇較大的瓶頸在於缺乏跟設計結合的機會，故難以讓大眾了解，韓世國因著自己的興趣和好奇心，主動跟各式材料洽詢合作機會，希冀改變既有產品設計的觀念和能見度，也希望透過設計力量傳遞良善的想法，讓社會跟環境變得更好。 「循環設計」一詞，意指從廢棄物中找尋可能性，從中提煉出一項新的材料製成產品，使用完畢可按照資源分類回收，並可自然分解，達到對環境無害、永續循環的境界，韓世國表示，台灣在處理循環材料這方面十分具有競爭力，再加上自己也想做「好的事」跟「對的事」，遂投入循環設計領域，經剖析發現大部分循環材料商品過於著重於材質面，應用於民生用品時，對手就是成本低廉且大量產製的塑膠製品，可能貴個5元、10元，就會大幅降低消費者的購買意願，轉而選擇塑膠品項，若無法單憑純粹的材料獲得市場青睞，設計工作者的功用即在於賦予物品吸引人購買的條件，藉此讓友善環境的經濟鏈得以持續運行。   此次榮獲金點設計獎標章肯定的「稻殼沙灘玩具組」，是以中部最大稻米工廠「三好米」，在製米過程產生的大量稻殼回收製作，在不添加塑膠的前提下，如何維持商品良好的強度，是設計團隊與合作工廠面臨的一大挑戰；為讓成份裡的天然稻榖粉末跟天然澱粉橋接，亦實驗了多種原料，在意材料是否可以百分之百降解，且循環設計的商品在高度、溫度、流動性等方面也有諸多限制，研發時曾進行多次測試和角力，也曾發生因為商品射出點不盡理想而更改模具等情況。 韓世國提到，放眼望去，海洋中大部分海廢都是塑膠瓶，若可以製造出能快速分解的瓶器，對環境最有助益，但現階段製作瓶器的技術尚未發展到位，他轉而思考什麼樣的品項是既可能被遺留在沙灘上，也能帶來教育意義；有鑑於量販店販售的玩具大多價格低廉，使用後隨手丟置在沙灘上、最終被捲入海裡成為難以處理的廢棄物的情形屢見不鮮，於是他決定推出稻殼沙灘玩具組，讓小朋友們在玩樂之餘也能關注環保議題。   點睛設計多次獲得金點設計獎的殊榮，2017年更以對環境友善的材料製成的山形禮盒奪下年度最佳設計獎，韓世國表示獲獎帶給他很大信心，讓他相信走循環設計這條路依舊能得到大眾的認可，也有助於推廣商品及理念，讓更多人知悉。 循環設計是件很美也很有意義的事情，但在台灣碰到最大的困境毫無疑問就是成本，韓世國不諱言投入此領域需花費更多心思，但得到的報酬卻不成正比，需要有滿腔熱血和理想才能支撐他持續耕耘，也因此他建議有意願踏入設計行業的人，凡事要保持熱情跟好奇心，面對每項專案都要專注投入，不將自己侷限於舒適圈，而是應勇於邁出步伐，並堅持下去，才有可能有所收穫。 資料及圖片提供」點睛設計 採訪」陳映蓁  

第二屆「台灣光環境獎」於2019年11月22日公布得獎名單，自5月報名開始，歷經初選與複選會議，公布3件決選入圍作品，範圍含括自小至大尺度的室內外照明，作品的內容跟類型截然不同，呈現了評選過程的客觀與包容性。並於9月現場評選後，11月在淡水雲門劇場舉辦頒獎典禮，宣布由台中花博竹跡館、高雄市立美術館脫穎而出，獲得本屆「台灣光環境獎」殊榮，同時頒發「評審團特別獎」予合歡山國際暗空公園，表揚其結合政府、業者與民間共同推動減光行動以保護自然星空的努力。 《室內》雜誌於314期專訪決選入圍團隊，此期除了報導頒獎典禮外，更專訪「中強光電文化藝術基金會」董事長姚政仲與評審團主席周鍊，以他們的視角，提出對於今年光環境獎的觀察。   姚政仲：帶有訊息的光 中強光電文化藝術基金會董事長姚政仲。 儘管甫邁入第二屆，台灣光環境獎的背後，其實深埋了中強光電文化藝術基金會近10年來的努力，透過與各地公、私單位合作的點亮計畫，以及深耕校園教育，無一不希望能使更多人意識到「光」的影響力與重要性，首屆光環境獎所引起的迴響，即為過往辛勤耕耘的成果。 董事長姚政仲分享，除了引起業界的廣大討論外，在去年光環境獎落幕後，台北市政府即召開對於公共光環境的座談討論，並規劃選定都市重要節點作點亮示範；而今年9月的「點亮十三層」更是另一公部門逐漸重視光環境的最佳證明。他認為，大眾印象中「公部門美學」五顏六色的燈光，其實是來自對於光的不了解，誤以為強烈、艷麗的燈光能引人注目，但藉由點亮計畫與地方政府的合作，使許多單位理解到，純淨且適度的燈光並不困難，且亦能使民眾喜愛，光環境獎的舉辦即為對於良好公共光環境的鼓勵以及宣揚，使大眾透過各地的實際案例，理解光與生活息息相關，並不僅限於崇高、大尺度建築才可使用。 而經過第一屆的推廣，更多業主與設計師認識並了解光環境獎所希望提倡的理念與標準，因此本次參賽作品愈加精實且多元，其中更有許多具有實際改善環境功能的作品。特別的是，作品的廣泛面向亦影響了評審討論深度，本次入圍的作品含括室內外，具有不同的環境、功能與照明表現，評審不會以相同的標準審視每一件作品，而是針對其所擁有的條件、需求、與周遭互動等，更加量身地討論每一個作品的不同。 自決選作品名單即可看出，有歷史空間如《迪化半日》，新科技照明運用如《高雄市立美術館》，或者室外公共地景《台中花博竹跡館》，姚政仲表示，光環境獎的核心即為透過「光」與環境、與人產生互動連結，因此任何空間、意義、設計方式，評審皆能客觀而公正地看待，他說明，參賽作品只要具備廣義的「公共空間」定義，環境具備一定的公共性，光環境獎便十分歡迎其報名。 《光間－流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》（沁弦國際設計提供，攝影：趙宇晨）   「先有一個好的環境，才有好的照明。」如同名稱「台灣光環境獎」，姚政仲表示，這並不是一項單純的照明設計競賽，設計、技術的精彩度並非唯一考量，而是更整體地探討光線、環境、生活、社會與人之間的互動。且環境並不止於建築空間，評審十分重視如何透過照明與自然生態互動，他也希望能看到更多作品，可以由更人文、更貼近土地的角度表現，使光不只有視覺上的美，而是能夠呈現訊息。 良好的光環境並非使人看見精心設計過的「光」，而是以光作為媒介，使人們注意到環境的美學，進而開始關注自身的周遭、城市、自然與生活品質。推動光環境美學多年，「台灣光環境獎」的萌芽，是對於此前努力的一次驗收，而今後光環境獎又能綻開什麼樣的花朵，令人期待。 周鍊：美學來自感知 台灣光環境獎評審團主席周鍊。 觀察今年光環境獎參賽作品，評審團主席周鍊認為，由於光環境獎仍處於開創階段，整體案件方向上大多與去年相似，但亦可見許多差異之處，最明顯的部分即為「室內光環境」案件數量增加，代表著有更多人意識到光對於生活及室內環境的影響。他說明，室內照明設計需同時兼顧環境、功能與心靈感受，對比室外「大環境」的照明更重視個人的「微環境」，因此若有更多設計師意識到室內光環境的重要性，對整體而言是極其正面的現象。 「光環境獎意義在於營造體系裡起的變化。」周鍊說明，由於不少案件皆需要兩年以上的時間完成，於設計案成果上並無法看出明顯差別，但在實務體系上，他相信已引起了一些變化。回顧首屆光環境獎所收到的迴響，周鍊期待能藉由獎項的舉辦，培養光環境團隊的感動、參與感及自主感，更多提出自身的看法與觀點，使照明設計不僅於單純的功能性與視覺性，而是更富含心靈的累積與文化沉澱，使技與藝達到平衡的展現。   周鍊亦提出另一個有趣的觀察，部分設計師會認為公部門的案件繁瑣桎梏、無個人發揮空間，但其實在不少公部門的設計案中，反而相較私人企業更願意提供在地設計團隊創意空間及實踐的機會，同時亦關注本土人才的培育。   《2018台中花博竹跡館》（偶得設計提供，攝影：夏新建築攝影工作室 / 楊士宏）   本次評選過程與方向皆與第一屆大致雷同，但新增多位來自建築、室內設計界的評審，不僅設計經驗豐富，也清楚光環境的社會地位及對大眾生活的影響，並深切相信視覺與心理的互動關係，以各自的專業對作品進行評選。周鍊提到，作品能否入圍是相當明確的，設計是否到位、是否能帶來視覺或心靈上的感動，評審皆能立即決斷，因此本次10件複選入圍作品皆符合光環境獎的主旨，即以光提升生活，但最終入圍決選僅有3件，周鍊認為在於設計及表現能力上的不足，具進步空間。 3件決選入圍作品皆為照明設計與建築營造團隊合作的精彩心血，為大眾提供了舒適且健康、多元而具內涵的光環境。其中針對《迪化半日》，評審深論許久，有數位評審委員認為這是一個值得鼓勵的多元設計行為案例，但另些評審委員則提出，入口的商業空間光環境在視覺感受上與大稻埕歷史街區無法融合，最終選擇另外兩件作品。 談到台灣在光環境觀念或產業面上的轉變，周鍊認為可以分為兩大方向，首先是公部門的主導參入，更加重視城市、公共空間、文化及古蹟的夜間光環境，而且能夠主動邀請照明專業人士加入，甚至交由設計師主導；其次則為產業界愈加尊重設計專業，使團隊之間的合作更加融洽。 周鍊建議，若要提升台灣光環境，對於設計師而言應當更注意自身的品味、品質與品行，即在人文與技藝上多所磨練經驗，並善待每次與人的相處；而針對大眾而言，更應該透過教育提升民眾的感知能力，使其能夠欣賞並體會良好的光。他舉例，「美學」（aesthetics）一詞的原意即為「感知」，期許台灣光環境未來發展能更注重追求內涵及內心，而非視覺上的「美」。 資料與圖片提供」中強光電文化藝術基金會 採訪」林慧慈

「第二屆台灣光環境獎」於2019年11月22日公布得獎名單，自5月報名開始，歷經初選與複選會議，公布3件決選入圍作品，範圍含括自小至大尺度的室內外照明，作品的內容跟類型截然不同，呈現了評選過程的客觀與包容性。並於9月現場評選後，11月在淡水雲門劇場舉辦頒獎典禮，宣布由台中花博竹跡館、高雄市立美術館脫穎而出，獲得本屆「台灣光環境獎」殊榮，同時頒發「評審團特別獎」予合歡山國際暗空公園，表揚其結合政府、業者與民間共同推動減光行動以保護自然星空的努力。 《室內》雜誌於314期專訪決選入圍團隊，此期除了報導頒獎典禮外，更專訪「中強光電文化藝術基金會」董事長姚政仲與評審團主席周鍊，以他們的視角，提出對於今年光環境獎的觀察。     頒獎典禮出席貴賓合照（中強光電文化藝術基金會提供） 台灣光環境獎 高雄美術館、台中花博竹跡館 本次決選入圍作品恰好皆與「展示」的議題有關，照明設計如何與展示的環境、內容對話，3件作品皆藉由不同的手法呈現出精彩的成果。最終實地評選過後，由《光間－流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》與《2018臺中花博竹跡館》兩件設計案獲得評審團肯定。 高雄市立美術館自最大的複合式展間104、105室開始，期許藉由空間的改造，以光為主軸，帶領美術館邁向當代性新型態美術館。評審團認為，本案妥善運用新科技，以光膜材料結合電腦控制系統，創造傳統燈具難以達到的展覽照明效果，且整體照明設計與空間改造緊密結合，將空間自傳統提升至現代，此外更藉由空間的界定，於走道部分揉合自然光及人造光線，在動線行進間亦形塑美術館流暢而愉悅的觀展體驗。   《光間－流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》（沁弦國際設計提供，攝影：趙宇晨） 負責照明設計的林靖祐設計師提到，本案最難得之處即為對於「光」的尊重，即便經費限縮亦不選擇刪減燈光經費，並給予照明設計相當大的發揮空間，與高美館及禾磊設計建築團隊的合作是一次可貴的經驗。 而《台中花博竹跡館》亦獲得評審團的高度讚揚，以「光的奏鳴曲與詩篇」比喻，欣賞其不論於白日夜晚皆出色的光影表現，日光穿越結構間隙，疊映出流動的光影，呼應造型律動感；夜幕落下後則以人造光鏤雕建築線條，展現地標意象，更透過照明吸引民眾親近。除了台灣光環境獎的肯定外，竹跡館亦獲得英國Lighting Design Awards、美國IES Illumination Award兩項國際照明設計獎的肯定，照明設計師陳怡彰談到，其中光環境獎的肯定別具意義，是唯一一個評審委員曾實地參訪，而不是僅憑照片呈現判定的獎項，也應證了偶得設計堅持以光串聯空間、環境與使用者的作法，並非不切實際的理想。 《2018台中花博竹跡館》（偶得設計提供，攝影：夏新建築攝影工作室 / 楊士宏）   評審團特別獎 合歡山國際暗空公園 今年的評審團特別獎則頒予「合歡山國際暗空公園」，由台灣星空守護聯盟與清境觀光協會、南投縣政府攜手推動。創始人劉志安先生表示，自己身為業餘天文同好，6年前南投縣政府於合歡山裝置LED告示牌的工程，使他們體認到台灣公部門與一般民眾對於星空保護、光害防治意識的不足，因而於社群上成立「台灣星空守護聯盟」，並與清境觀光協會合作，藉由多次舉辦觀星活動，培養民眾與觀光業者對於星空旅遊的興趣，與對友善環境光源的使用觀念。 後來南投縣政府注意到「暗空」對於環境及觀光的助益，便主動聯絡聯盟，希望能夠透過公部門的加入，一同推動南投合歡山國家公園成為國際性的星空保護區，透過燈具的改造、聯合民宿業者夜間定時關燈等減光行動，最終成功於2019年8月獲得國際暗天協會認證，成為台灣第一座國際暗空公園。而縣政府亦規畫在未來3至5年內將整個南投仁愛鄉的路燈全數加裝燈罩，消除向上光源以維護星空；民間業者也配合在不影響遊客行走安全的考量下，盡量減少不必要的室外光源，或者提早熄燈，還給星光該有的亮度。 《合歡山國際暗空公園》（中光電基金會提供，攝影：陳詠傑） 評審團認為，「合歡山國際暗空公園」結合公私部門的力量共同推動，以「暗天不暗地」的光害防治原則，有效控制光汙染，對台灣的光環境深具啟發性及指標性意義，因此評審團一致通過，頒發「評審團特別獎」表示肯定。規劃單位海西諮詢的林正修規劃師感謝評審的遠見與大度，願意將以照明設計為主的光環境獎頒發予提倡「減光」的暗空計畫，也藉此次機會向在場的設計師與建築團隊提倡「暗天不暗地」的思考，他指出世界正以年增2%的速度變得更白更亮，人工照明對生態系帶來重大負面影響，暗空計畫的推動，正反映著人類對光需求的反省，期待破除大眾越亮越好、越美的迷思。 資料與圖片提供」中強光電文化藝術基金會 採訪」林慧慈

談起「迪化半日」的案子，與陳宇晃設計師緣分相當深厚，設計者為多年好友許華山建築師，而業主尋覓已久的老屋，便是自己大嫂的老家。 《迪化半日》 本案為迪化街上的茶文化空間，第一進作為商業用途，展示並買賣茶具及陶藝品，經過中央庭院後，第二進則為茶屋空間，能在此休憩飲茶，也會舉辦茶文化相關活動。基地為百年古宅，具有歷史建物價值，第一進建物結構皆需避免更動損壞，同時整體氛圍也需融合於迪化街歷史街區之中。   設計師將此案的設計主軸區分為二，一是情感連結，以光呈現台灣熱情好客的「奉茶」文化，配合長型街屋特性，燈光自前而後越來越暗，希望營造越來越沉靜的氛圍，安定人的心靈；其次則為永續保存的概念，避免更動原先建築，大多選擇活動式櫃體，並活用基地原有的文物，如沙發及石臼等，以微光點亮，訴說空間原有的故事。 考量預算限制，設計師將照明迴路分區，提供業主依照室外光線手動調整燈光，特別的是，設計師規劃在夜間關閉天花照明，僅保留少數光源，使空間整體更加內斂沉穩。而戶外騎樓燈光亦降低亮度，僅打亮材質營造歷史感，使行人視覺能受到店內吸引，進而產生一探究竟的動機。 除了以明暗型塑氛圍外，此作照明的另一重點在於呈現茶具及展示品，將線型LED燈嵌於展示櫃層板下方以隱藏燈具，自上而下的照射則能修飾茶具，陶藝品部分則利用層櫃錯落空間，自旁打間接背景光，以突顯展品質感。   以「恰到好處」為設計準則，不缺乏亦不過於浪費，僅以適量的燈光點亮空間。陳宇晃認為，照明設計中最重要的部分即是「傾聽」，由於案件大多為團體作業，如何傾聽彼此的意見，同時尊重建築與環境，藉由光彰顯空間的故事與涵義，是照明設計師的職責。 他特別提及近期由台電主導的「點亮十三層」計畫，儘管目前台灣多數人對於照明的理解仍不足，但在中強光電基金會等單位的推廣下，越來越多人投入照明設計的領域，也帶動公部門的參與。陳宇晃也希望能透過此案，傳達照明設計的「簡單」，光與人們的生活息息相關，並不需要大尺度的空間或預算，只要找到適合的照明設計師，便能擁有良好的光環境品質。   資料及圖片提供」原碩照明、中強光電文化藝術基金會 攝影」游宏祥攝影工作室 / 吳國豪 採訪」林慧慈