由中強光電文化藝術基金會主辦的「台灣光環境獎」邁入第2屆，於7月截止報名，並於8月公布10件複選入圍作品，再於其中評選出3件作品入圍決選，最終將於11月底舉行頒獎典禮，公布得獎名單。本次決選作品遍布北、中、南，功能面向廣泛，且涵括室內外光環境之營造，《室內》雜誌於頒獎典禮前，專訪3件決選入圍作品照明設計師，分享其設計理念，並談談他們對於台灣光環境現況的看法。     《光間──流動的靜謐 高雄市立美術館展覽空間重塑》 提到美術館，許多人會聯想到的便是黑暗、安靜，而略帶點沉寂的空間，光束聚焦於牆面畫作上，或者自上而下投射雕像，高對比的光與陰影，其實並不利於欣賞藝術整體之美。 高雄市立美術館於2017年轉型行政法人後，期待展覽內容自傳統殿堂型藝術更加拓展，邁向當代性新型態美術館，為滿足展覽內容多元需求，空間的改造勢在必行。自104、105兩間最大的複合式展間始，由禾磊建築提出「光間」概念，並邀請沁弦設計參與照明設計。   林靖祐設計師提到，「光」在展覽空間中扮演相當重要的角色，除了營造整體氛圍外，亦需襯托展覽作品的最佳狀態， 此作以多迴路分段調控的「光膜」系統作為主軸，輔以空間設計，清楚界定不均質的自然日照與可控的人造光，使展品不會受到天候影響並能擁有均勻灑落的頂光。 不同於傳統聚光燈的「黑盒子」展覽型式，柔和的環境光除了提供空間中的基礎光照，更使「人」成為空間中「存在」的一部分，同時也使高美館成為國內公立美術館中首個採用科技光膜系統打造的新型態展覽空間，賦予觀者新的美術館體驗，進而與展覽產生不同互動與情感交流。   除了以天花光膜營造環境光外，亦輔以可單點調控的軌道燈作重點照明，使空間更適於配合各展覽主題及展品差異，且兩者皆可以 無線 wifi 調整不同亮度，方便展覽照明因應內容彈性呈現，並避免因空間尺度過大導致不利施作的問題。 設計師認為，當代的美術館應該提供簡單而純粹的空間，但保留無限可能性。美術館空間的主角為展品及觀眾，空間僅作為舞台，提供各藝術家與策展團隊恣意發揮，他舉例，自展間完成後的展覽，策展人不約而同地選擇將兩展間以一明一暗的方式配置，使展覽內容具有更多變化。 林靖祐分享，良好的光環境並非精雕細琢，而是以人為本，使空間中的人感到舒適，然而目前台灣公共空間普遍有過亮、 眩光、色溫不均等的問題，因此如何喚起大眾對於光環境的敏感度及要求，便成為重要且首要的任務，同時他也期待此次「光間」帶領高美館自殿堂走向融入式展覽體驗空間的改造，能為台灣大型藝術展覽空間光環境提供新的思考。   資料及圖片提供」沁弦國際設計、中強光電文化藝術基金會 攝影」趙宇晨 採訪」林慧慈

一年一度備受關注的金點設計獎（Golden Pin Design Award）已於日前公布標章得主名單，今年共有64件作品入圍「金點設計獎年度最佳設計獎」，並將於2019年12月5日頒獎典禮揭曉最終得獎結果；而《室內》雜誌作為金點設計獎官方媒體合作夥伴，也將進行一系列標章得主深度報導。本期將介紹由We GRAPHIC DESIGN（維莉圖像工作室）所創造的基隆和平島公園品牌識別系統項目，邀請負責人Willy與讀者聊聊她的創業歷程、以及在實務操作上的觀察想法。   We GRAPHIC DESIGN 「圖像是我們交流的方式」。We GRAPHIC DESIGN相信視覺語言應該是簡單、直接的，也相信視覺可以創造溝通方面的力量！工作室持續採用「設計思考」提供解決方向，世界無論如何快速變化，提供「以人類為中心」的方式應對所有環境變化，透過設計思考驅動概念，創建品牌標識、視覺藝術、導視設計、包裝設計、出版設計和內容創作，持續建立跨界合作執行解決方案；最大的優勢是透過積木概念構建每件專案所對應的人力及收費方案，強化客戶與團隊協調能力，激發共同協作的創造力和執行力，落實設計思考和實作執行的真實融合。 在進行品牌識別系統的規劃時，首先需要深刻了解企業組織架構、精神主旨等細節，充分了解背後的發展歷程與未來目標，才有可能從中找到突破點，設計出令人印象深刻的標誌。因此Willy初接觸委託時，會先提供一份公版文件給客戶填寫，讓彼此初步了解，確定簽約後，會再提供正式文件資料，並陪同客戶撰寫，在過程中清楚且循序漸進地領導問答，剖析客戶內心真正的想法，找出品牌發展的軌跡；Willy說，視覺設計需要吻合品牌的生存模式和競爭概念，才有可能延伸出更多細項發展，如何讓品牌在同性質的領域裡被消費者記住，進而產生影響力，是她覺得品牌識別系統最有魅力的地方。   和平島公園品牌識別系統二三事 以和平島公園一案為例，團隊希望朝「地質公園」的方向前進，期待藉由開放這個往昔為軍事管制區、以及因颱風侵襲而封閉的絕景秘境，活化整座城市的發展，因此在品牌定位上以「觀賞奇岩地景不分晝夜」作為地質公園的核心，並啟發標誌的發想源頭：從和平島這三個中文字中發展出相對應的「晝、夜、島」符碼，宛如永恆不滅的奇幻之美。標誌可組合，也可個別拆解靈活使用，「和」字中的太陽說明日出日落的絕美景觀；「平」字的星光隱喻綻放在星空下美麗的奇岩；「島」字中的島嶼則賦予海浪和島狀意象的連結，象徵大地孕育著豐沛生命力。公園經營團隊圍繞著與自然共存的理念，將解禁的秘境如曾被外國媒體選為全球最美日出之一的豆腐岩，和眾多隱藏版的奇岩怪石、海蝕地形，透過商標設計闡述和平島不分晝夜都很美麗的意蘊，大眾觀看這個視覺即可直覺性地聯想到和平島景象，強化品牌予人的記憶點。   「非常開心能為自己的故鄉基隆盡一份心力，將品牌識別的概念帶進這座港灣老城鎮，並希望藉由金點設計獎的傳播力，吸引更多有才華的人回鄉，活化在地，發展出更具未來和競爭力的城市願景。」爽朗的Willy在採訪時如此說道。和平島公園為OT案，政府投資興建完成後，委由民間機構營運，針對視覺形象部分，公園方在初期徵求許多設計師參與面談，大多數設計師提出所謂CIS概念（企業識別系統，在台灣目前大約僅著重於其中的視覺LOGO），而Willy團隊則提出「品牌識別系統」概念，著重於探討品牌的核心價值，並從中找尋與他人的差異，藉由視覺效果脫穎而出，確保具有高辨識度。表現一個品牌的途徑，不僅止於LOGO，而是透過承諾、品質、服務等多面向組合而成，Willy說她曾提供公園團隊一堂「品牌干我屁事」的課程，以簡報逐頁導出品牌觀念建立的重要性，例如當一個人穿著制服時，其行為舉止會讓外人對公司產生直覺聯想，由此可知真正的品牌價值是有形和無形的加乘，是全體員工必須維護的使命。   除了操刀和平島公園的LOGO設計外，亦針對伴手禮部分進行腦力激盪，她從「如何把和平島公園的地質人文，帶回家！」角度切入，打造出「史詩泡沫劇－仿書精裝岩石手工皂禮盒」，禮盒材質選用日本水漾紙，從400多年前為了爭奪和平島，西班牙給荷蘭的第一封戰帖延伸，揭示和平島從17世紀以來的殖民與軍事基地過往，透過簡述島嶼歷史，重現在地人文故事；而內容物則與基隆在地手工皂餅業者沐澧合作，取公園中頗負盛名的豆腐岩、蜂窩岩、燭心岩的造型，用天然原料手工製作出岩石皂，讓遊客可以將奇岩怪石帶著走，跳脫一般伴手禮的想法，不僅具有和平島公園專屬的代表性，亦兼顧了生活實用性和保存便利性，還原當地時空舞台的理念更讓禮盒榮獲2019年基隆十大伴手禮的肯定。Willy在經手品牌識別系統時會做通盤設想，讓所有周邊商品、指示規範、事務用品都以此為主軸呈現，企圖以文創方式展現基隆獨特的土地美學，持續傳播文化力量並強化地區經濟發展。 設計思考的養成 詢問Willy身為一位品牌識別系統設計師，需要具備的條件有哪些時，她以自身經歷為例，認為「設計思考」的培養非常重要，在每個委託案中，最精華的即是與客戶說明溝通的PPT簡報，簡報由兩部分構成：客戶現況&想到達的目的，兩者之間的鴻溝該如何被串聯，就是設計思考發揮作用的時刻。品牌識別系統就像是武器，明確且容易留在大眾腦海中的計劃才可行，Willy憑著過去十幾年任職於台灣前十大4A廣告代理商創意部門所累積的專業經驗和設計思維，從各領域、角度剖析不同解決方案的可行度與平衡性；執行專案時會採取「積木模式」，因應客戶所需，在每個環節加入不同跨界創作者共同參與，以多元思維詮釋創意想法，簡化意圖並加強品牌精神和圖像的連結，以達成客戶要求。   Willy提到在廣告公司時經常得同時間操作數個案子，蠟燭兩頭燒，如今身分轉換成設計師後，可以按照自身腳步和預定時程盡心完成每項委託，也因為跟客戶關係變得更直接緊密，亦從中獲得許多真摯的友誼。工作上的挑戰接踵而來，享受壓力也是日常一環，她建議有意願踏入此領域的人，要練就隨時偵測自己不足、並迅速補給的能力，也要保持正能量，避免讓工作情緒影響周遭的人；此外，她也分享自己是在39歲才踏上創業之路，鼓勵有志之士不要因為種種外在限制，而阻止內心對於設計的熱情，企盼有更多人才進場，推廣與設計共存的美好。   同場加映 AGAR-AGAR Brand Design We GRAPHIC DESIGN近期亦完成一個基隆傳產品牌的案例。台灣北部海岸的「原生藻類鳳尾石花菜」，從日治時代便以採集式經濟活動延續至今，為讓無形文化的觀念與時俱進，從事水產批發的基隆岑品事業創建了傳統產業活化重生計劃，致力於發掘基隆在地的獨特海洋食材，並以領先技術革新傳統工法，將原本採集後石花菜須經六泡六曬才能熬煮食用的限制，轉化為即拆即食的特產伴手禮，縮短產地與餐桌的距離，創造「在地人情味，以食材旅行」的體驗。品牌設計以「合文創字」作為核心，拆解原生藻類鳳尾石花菜的鳳、尾兩字，再重新組合而成，風格調性則參考早期日本琉球的海女採集歷史文化。       資料及圖片提供」維莉圖像工作室We GRAPHIC DESIGN  採訪」陳映蓁

「做這麼多年設計，我發現通常成功的設計案，都是在各種意外、巧合及不得已的狀況下創造出來的，越是艱困的條件，越能誕生出最好、最特別的設計。」朱志康如此說道。「超級南」，便是一連串的驚喜與驚嚇集結而成的心血作品。超級南，也是超級難，離開五光十色的大城市，如何使「設計展」走出同溫層，與大眾生活及土地連結，是本次展覽設計首要解決的問題。 「超級南」空間統籌朱志康設計師。 「我們的第一目標是不要只有同溫層來看設計展，要讓大家知道屏東多棒。」  展覽主軸「超級市場」，來自一次策展人聚會時的突發奇想，觥籌交錯間，負責「屏東西」的吳孝儒率先提出構思，一群人興奮地討論著，如何以最貼近生活的超市「顛覆」設計展帶給大眾的印象。然而，「日常」的設計或許才是最困難的部分，每個人都去過超市，但到底是哪些元素構成超市的核心呢？ 朱志康嘗試過許多失敗的方案：「貨架」置放於基地廠房之中，看起來如同倉庫般雜亂；「吊旗」無法令人第一時間聯想到超市；小攤位的劃分看起來更像夜市……百思不得解之下，設計團隊決定親身走一趟大賣場，才發現最重要的元素──手推車，而且是行進間的推車。滾輪叩囉叩囉的聲響加上鼎沸人聲，才真正完整了超市的形象。手推車總是放著滿滿喜愛的商品，如同將期待與歡樂也填得滿滿的，這正是朱志康希望帶給觀展者的感受。 此外，「去設計化」亦為一大主軸，朱志康認為，這次的展覽是要以設計的能力向大眾介紹屏東，不該固守典型美學而搶走展覽內容的風采，因此他花費許多時間在推翻自己的設計，試圖打造一種普羅大眾及設計師都能欣賞的美，朱志康形容自己是「自斷手腳」，但自結果看來，這個「沒有設計」的設計展確實成功地打破同溫層，在兩周展期內吸引了425萬的觀展人次，突破了台灣設計展有史以來的紀錄。 「這次經驗讓我發覺，只要有決心想做，老天爺真的會幫你。」 朱志康笑說，一開始完全沒料到屏東縣政府文化處會同意這個方案，畢竟要讓手推車動起來，對文化處而言也是一個巨大的挑戰，所以公部門的全力支持，令朱志康十分感謝：「我說我們時間不夠，縣長便協助將場地工期壓縮將近一半。他們知道他們的目標，也理解我們的想法，這還蠻感動的。」 為了做出手推車裝置，設計團隊找了從北到南大大小小的工廠，但礙於時間及預算，多數的工廠都不願意冒險，萬念俱灰之際，朱志康在友人的介紹下，找到了雙龍園布袋戲團的吳泳興團主，一位興趣是改裝布袋戲戲台的師傅，他所經手的戲台軌道，能承受人站立其上，輸送帶還能前進後退，因此師傅也相當有自信能完成這項「超級南」的任務。 空間統籌朱志康（左）、手推車執行製作吳泳興團主（中）、日光照明設計總監李其霖 （右） 或許是這樣天不怕地不怕的熱血感動了老天，儘管施工期間每天都有意想不到的狀況發生，「雲霄推車」仍如期完工。朱志康分享，當大家覺得這件事「很好玩」，便會有熱忱來克服困難，吳師傅如此，設計亦如此。而另外一位照明設計師的熱忱，也是促使此次設計展成功的關鍵之一。 如何擁有超市的氛圍，但除去超市的雜亂與俗氣，保留優雅美感，是一個巨大難題，朱志康找來李其霖設計師擔任燈光顧問，紙製的燈罩為李設計師學生時期的得意之作，加入進口黃色燈片調整日光燈色彩，造型亦為功能服務，上半部打亮基地天花結構，向下的光源僅露出局部，避免干擾各展區規劃的燈光，中央露出微光的內層則修飾了燈具造型，使展場氛圍在入夜後呈現不同面貌。 「設計就是要在吵吵鬧鬧的過程中，顛覆再顛覆才能前進。」 具有多年國際經驗，朱志康認為，台灣近年來的設計越來越好，在此次的設計展裡，他也看見許多年輕而優秀的設計師，且風格相當多元。他提到，10年前社會上普遍推崇同一種主流設計價值，也因此，設計師很容易被取代，但這2、3年來，朱志康看見某種「台灣味」隱隱然自土地萌芽而出，或許會經歷不斷地顛覆、重來的過程，但若台灣希望像德國、義大利那樣，擁有屬於自己的設計，這種階段性的陣痛便是必須。 朱志康也分享，有越來越多的業主願意在設計上冒險改變，例如他近期參與的台北陶朱隱園豪宅設計案，以及此次的屏東縣政府文化處。台灣的設計能力與環境其實不差，如果遇到願意給予信任及揮發空間的業主，朱志康鼓勵年輕的設計師應該勇敢嘗試、冒險，為設計開創亮點。 資料及圖片提供」台灣創意中心、朱志康空間規劃 攝影」李國民 採訪、撰文」林慧慈

2019台灣設計展於10月20日完美落幕，今年首度移師島嶼南端的屏東，以「超級南─超級南方‧非常台灣」為主題，將屏東的產業、人文、環境與發展，以「超級市場」的概念全數攤呈於貨架之上，等待大眾發掘。 除了位於台糖縣民公園的主展區外，亦規劃屏東菸葉廠、勝利星村創意生活園區為衛星展區，集結台灣一流策展團隊，透過設計帶領人們細數屏東的風土故事。本次《室內》雜誌前往屏東，紀錄展覽現場，並採訪空間統籌設計師朱志康，一探「超級南」始末。 主展區　帶來歡樂的超級市場 主展區擇址屏東台糖縣民公園，由屏東縣政府將原先廢棄的廠房建築修復、更新，成為約2000坪的廣闊展覽空間，今年的台灣設計展為其首次亮相。場內設置5大主題展區及1家設計賣店，此外，寬敞空間甚至有餘裕規劃休憩及用餐區，結合室外市集、燈光造景，成為民眾閒暇時可以走逛的「超級市場」，將大眾印象中有距離感的設計展，重新帶回日常生活之中。   緊扣「超級市場」主題，空間統籌朱志康設計師以「雲霄推車」裝置貫穿全場，自踏入展場後，手推車即不斷地在身邊環繞，營造動態視覺與環境音效的雙重感受，配合大賣場中常見的巨幅吊軸及不時響起的廣播，將設計展與超市結合，只不過這次架上陳列的不是商品，而是最生猛鮮活的屏東印象。 5大展區圍繞著「屏東」概念，「屏東西」展示農業大縣的特色產物、「屏東製」主打觀光工廠、「屏東YA」則以趣味方式呈現地方人文自然；以及更少見的屏東面貌─「屏動能」推廣具備運動能量的屏東人才及產業，並以「屏安村」嘗試回應台灣高齡化社會的難題與挑戰，發展「全齡共融」的美好想像。其中，「屏東西」及「屏東YA」的主題同樣延伸自「超市」概念，以下簡單介紹此２區：   屏東西 由「無氏製作」吳孝儒擔任策展人，以「紙箱」為核心，串聯「屏東學」、「屏東人」、「屏東選」3項軸心，透過檸檬、鳳梨、香蕉、咖啡、可可、紅藜等6種隱形冠軍農產，帶領民眾探索屏東農業從傳統走向超級的脈絡。一開始的6個褐色麻簾代表紙箱，而掀開簾幕的動作則如同時下流行的「開箱」過程，簾後則為另個敞開的箱體，四周箱板成為說明牌，展示該項農產的特色、生產過程、歷年數據等資料，一窺這些冠軍背後的人與地。 其後則為具未來感的白色空間，以超市中常見的透明塑膠簾幕、貨架，以及堆放的紙箱型塑氛圍，亦象徵著農產自摘採到販售、面對消費者的過程。精選在地特色品牌，運用設計思維梳理脈絡、轉化加值，重新串連設計觀點與地方產業。   屏東YA 由蚯蚓文化總經理游智維策畫，展區名稱來自大眾遊玩拍照必備的「YA」手勢，期待翻轉探索屏東的方式。去除景點名稱、地址等標籤，改以「轎子太強不晃會被撞到地上」、「爆量負能量吸收聖地」等幽默的標語，搭配一旁貨架上的圖文、影片或展品，只透露冰山一角，卻勾起民眾的好奇心。 游智維以水文作為屏東景點的規劃路徑，挖掘在地文化，透過當地人的角度表現在地故事與族群特色。整體規劃同樣扣合「超市」主題，以類別區分走道，「故事」即為商品，若對於景點有興趣，需拿起掛勾上的藍色紙卡至「收銀台」刷條碼，才會列印出關於當地的詳細資訊、文化、推薦玩法等，以全新的方式推廣屏東人文自然景觀。 衛星展區　屏東風土吟新生 除了主展區外，本次亦規劃勝利星村、屏東菸葉廠兩大衛星展區，以及屏東美術館、竹田西勢樂智園區等設計熱點，將設計能量推散至屏東各地，更找來方序中、雜學校的蘇仰志與魚肚白設計，以策展方式記錄下屏東的土地、人文與教育：   勝利星村 勝利星村為日治時期所興建的空軍宿舍群，古樸的檜木建築見證歷史興跌，以此為基地，策展人方序中將今年4月文博會時大受好評的屏東館帶回故鄉，重新定名為「屏東事」，展覽沿用文博會時的架構，以「吟、土、風、人」為主軸，卻因地點而多了專屬於屏東的浪漫。方序中提到，文博會中以遊戲的方式構思動線，促使民眾對屏東產生興趣，而此次「屏東事」則降低好奇元素，展品分置於不同空間內，規模縮小，但在整體動線及氛圍上更加輕緩悠閒。   屏東菸葉廠 具80年歷史的屏東菸葉廠具有文化資產價值，此次利用廠內空間規劃「屏東教育設計展──底家哦 tí jia ôh」、「菸葉廠加工機具保存展─下一步，菸起」、「國際青年設計交流展─Design Pumping」等3場具有教育性質的展覽。其中「底家哦 tí jia ôh」邀請雜學校執行長蘇仰志擔任策展人，運用設計呈現「在地教育」的主軸，展覽以奇幻故事包裝，結合天文、海洋與原民文化3項屏東特色，展場規劃如同一本精美的兒童繪本，鼓勵孩子從生活出發，向文化和自然環境學習。 資料及圖片提供」台灣創意中心、朱志康空間規劃、各策展單位　採訪、撰文」林慧慈

第二所靜修居停將繼續傳遞大自然奧妙、啟發創意思考及提倡可持續發展   由HDH Capital Management資助的社會企業HDHP再次與普立茲克獎得主合作，將邀請日本建築師西澤立衛設計第二所Shishi-Iwa House，並預計在2021年開業。 這次項目的理念與由建築大師坂茂所設計的系列首間精品酒店雷同，旨在為客人提供一個與親朋好友交流並激發創意的居停。西澤立衛所設計Shishi-Iwa House 向日本傳統房屋建築致敬，採用日本傳承的度量體制 – 尺貫法，並選用當地檜木、參考日式庭院設計。從建築至室內設計均由西澤立衛負責，確保整棟建築風格統一，打造出一個前所未有的建築鉅作。  在人與自然的互惠關係及可持續發展的前提下，酒店由10個相互連接的分樓所組成，並以耐用且芳香宜人的本地檜木為主要建築材料。自多個世紀以來，區內的神社、寺廟及宮殿均以檜木建成，賦予這種樹木一種神聖感。除此之外，傳統的尺貫法網格系統採用高效能且環保的施工技術，令大部分工序可事先進行及組合並運輸到現場裝合，減少廢物排放，有效將整個酒店建築過程的碳足跡減至最低。 酒店共設有8間尺寸不同的客房，方便個人及團體旅客。當中還有接待室和圖書室、公共休恬空間和開放式廚房、茶室、澡堂、餐廳等一系列公共設施。別樹一幟的建築結構為酒店提供多個不同私密度的公共空間，促進客人之間的交流。 坂茂所設計的Shishi-Iwa Houseu已經在2019年2月開業，強調自然、建築和人與人之間的聯繫；不單是一間讓客人休養生息的精品度假酒店，還為企業、社區和客人間提供一個交流及討論的場所。兩所分別由西澤立衛及坂茂所設計的Shishi-Iwa House屹立於同一街道上，方便客人共享公共空間，並同時感受兩位日本著名建築師別具一格的設計作品。 編輯」歐陽青昀 資料及圖片提供」CATCHON

KUBE是由OMA David Giaontten和Rem Koolhaas所設計的建築，KUBE位於K11 MUSEA旁，外型由一個金色立方體和巨型氣球構成，它是一個售賣亭﹑是供閒坐的地方﹑也是活動空間。OMA管理合夥人建築師David Giaontten表示：「KUBE是一個多用途裝置，希望將來到K11 MUSEA的人們與在海旁閒逛的人聯繫起來，讓他們專注於當下，共同體驗這個城市，捉住當中與他人偶然相遇的機會。」   KUBE有別於海旁零售與商業區的建築。金色立方體是本地工藝咖啡烘焙專門店 %ARABICA的售賣亭，立方體的氧化鋁立面會隨光線變化，在不同時分展現不同面貌，為人們帶來獨特體驗。金色立方體配置著一組石材立方體，可用作座椅及桌子，其組合方式有助人們無意間展開對話。 此配置也帶來舉行不同活動的可能—像以海港為背景的表演藝術，為K11 MUSEA以及城中的藝術設計熱點Victoria Dockside注入更多文化元素；當特別活動舉行時，KUBE會安裝上巨型紅色氣球，氣球從維港彼岸清晰可見，是一個「都市頂篷」，將參與活動的人聚合一起，又是一個「城市標誌」，將KUBE定位為讓人們偶遇、受啟發的地方。   KUBE座落的K11 MUSEA是由100位建築師、藝術家、設計師和其他創意人才共同努力的成果，被稱為「香港文化矽谷」。其獨特的文化產品包括精心策劃的藝術典藏，包括超過40件當代藝術品和每週的文化活動。K11 集團創辦人鄭志剛表示：「OMA團隊為K11 MUSEA設計的不單單是一個特色建築，更是一個象徵融合維港海濱文化、咖啡文化以及鄰近社區的新空間象徵。」希望透過多元的文化與日常活動令維港更生氣盎然。   資料及圖片提供」OMA、K11 MUSEA  編輯」歐陽青昀

2019年「遠東建築獎－舊屋改造特別獎」決選實地評勘甫於9月7日至8日落幕，主辦單位遠東集團徐元智先生紀念基金會與評審團兩天走訪了台北、台中、台東等地，實際造訪入圍的5件作品，並與建築師進行簡報和對談。《室內》雜誌獲邀隨行，並在旁聆聽評審會議，最終結果由「池上穀倉藝術館」奪得首獎，「實踐大學B棟建築改造案」獲佳作，「繼光工務所workstation JK」則為評審團特別獎。   遠東建築獎除持續提倡建築的突破與創新外，為關懷建築文化的傳承和活化，並期許藉由老舊建築的新生，倡導本土環境的永續發展，故第三度舉辦遠東建築獎－舊屋改造特別獎。 此次共有5件作品入圍決選名單，分別為：陳冠華「池上穀倉藝術館」、陳宇進與楊家凱「台中文化創意園區R04展示館」、賴人碩與吳建志「繼光工務所workstation JK」、王銘顯「鴻根雅筑」及沈庭增「實踐大學B棟建築改造案」。 此次決選評審團包括召集人暨主席教育部政務次長范巽綠、內政部建築研究所所長王榮進、杜文正設計事務所主持人杜文正、臺北市立美術館館長林平、新北市政府副市長陳純敬、九典聯合建築師事務所主持人張清華、境向聯合建築師事務所主持人蔡元良，而遠東集團董事長徐旭東、以及徐元智先生紀念基金會執行長黃茂德等人亦隨行。   首獎 池上穀倉藝術館：元智大學藝術與設計學系 陳冠華+大直設計 本屆獲得首獎的「池上穀倉藝術館」，2014年由台灣好基金會發起，美學大師蔣勳促成，池上農民梁正賢先生提供老穀倉，並委託陳冠華建築師進行改建。 陳冠華於簡報時表示，已有60年歷史的老穀倉，曾是池上居民耕種收穫的重心，卻因時代和環境轉變而廢棄，現改建成藝術館，其形式及本質應以「池上的生活及美學」為出發點，讓此處成為「聚集」、「整理」、「滾動」、「再生」的文化據點，他率領元智大學團隊長時間於池上深耕，藉由探訪當地的歷史軌跡、日常生活點滴等過程，描繪出穀倉重建的輪廓，再透過「參與式設計」的概念，廣邀在地居民一同參與，激發出更多設計靈感，也加深與社區的黏著度和共鳴。 建築師秉持著「池上的穀倉，大家的藝術館」想法，希望此處不僅可以成為池上居民的休憩之處，也可以提供造訪遊客有別於都市五光十色的華麗感受，整體建物盡量融入鄉野間，保留既有穀倉的木桁架，僅以必要金屬做結構補強，外觀上則以黑色斜瓦屋頂和低矮簷口作為主要意象，呼應池上農舍的樣貌，也隱喻舊屋改造的新舊融合和延續，材料選擇輕質水泥纖維瓦，減輕重量，並加強屋頂的抗震、抗風能力；空間上則新增西向圓窗、西南向角窗開口，強化與池上大街的連結，北向設置玻璃長廊，除作為主要入口外，也是過渡內外的中介場域，並將穀倉的封閉轉換為藝術館之開放性。 考量節能和永續經營，多處開設高天窗，採自然光漫射為展示光源，且引動空氣的自然循環；輕質屋瓦減低結構負荷，且以多層次方式鋪設，達到隔熱、隔音等效果。     佳作 實踐大學B棟建築改造案：沈庭增建築師事務所 / 沈庭增 本次榮獲佳作獎的實踐大學B棟建築改造案，前身為1975年完工的美工大樓，深受現代主義建築思潮影響，有清楚的樑柱系統、水平開窗及挑空的大廳等，經歷多次裝修後，建築體內外部的連結性逐漸被削弱，且失去原有水平性；建築南側的校園空間在這十多年間變成一片開放草原，建物本身卻維持著背向和封閉狀態，阻斷了人與草原及三棵楓香互動的機會。 沈庭增在改造時，規劃出建築物內外連結的新關係，他透過打開牆體、鋪設開放平台等手段，讓空間進行雙向延伸拓展，並增設高度2.5公尺的黑色鋼板簷體及透空金屬網牆，藉由輕盈穿透的構造，讓平台和建築之間彼此延伸，創造新的生活場域。沈庭增提到，改造的過程中所新增的附加物並非想覆蓋舊有建築的輪廓，而是重新思考建物與環境的關係，希望以有層次又柔和的手法，消弭新舊之間差異，帶出對話的可能性，並讓建築重回校園。 評審團特別獎 繼光工務所workstation JK：賴人碩建築師事務所 / 賴人碩 吳建志 「繼光工務所workstation JK」則獲評審團特別獎，基地位在台中市中區，是一個從日治時期便開始發展建設的老社區，隨著時代改變而日益沉寂。建物的殘破對建築團隊來說並非問題，反而是將其改造成適合工作和生活的場所的絕佳機會。 連接外部的1樓，建築師團隊當作社區街道的一部分，室內的磨石鋪面和落地窗也延續這樣的想法，宛若騎樓般完全開放，也被視為連結生活的場所，大量活動可以在此處上演；而2樓則是主要工作區域，空間上不做分隔，以大面積共用桌面的工作方式，讓數個小型事務所的設計者共享，讓交流和討論能自然而然發生，成為彼此學習、協同合作的工作場域。除讓老屋新生外，建築師也希望活化城區，帶來多重空間的當代新體驗，回應社會與建築之間的相互導引，並從中實踐。   入圍決選 鴻根雅筑：王銘顯建築師事務所 / 王銘顯 入圍決選的鴻根雅築因祝融關係，只有牌樓與兩旁紅磚牆保留下來，上五下二的特殊拱圈形式極具保存價值，加上業主對起家厝的情感，建築師遂決定保留舊有牆面及其語彙，能充分感受歷史氛圍。 室內主體興建的新建築物除重視空間機能佈局外，再透過材料接合和構造系統的整合，曲線造型的清水模板表現出嶄新風貌；室內最終由三道曲線構成，其中兩道形成斜屋頂設計，使屋頂呈現漸變模式，第三道則為承重牆，讓垂直或水平面都為曲面形式。在夜間照明上，希望在略顯蕭條的街景中，注入古典又前衛的光環境，在立面拱圈和人字屋簷的投射強調曲線線條，而在內部垂直動線上則輔以層次豐富的光影變化，宛若科幻電影場景。     台中文化創意園區R04展示館：台灣餘弦建築師事務所 / 陳宇進 楊家凱 R04整建計劃是對舊有建築保存及再利用提出了空間重生以及創造都市議題的新視野。建築前身是舊台中酒廠之洗瓶及裝瓶工廠，廠內遺留與國外購買的洗瓶機，在新計劃中，巨大的機器變成園區的公共藝術，建置於地下一樓，連結新舊記憶。 設計概念視展演館為給下一世紀台中人的瓶中船，建築團隊將原本工廠的輕型鋼架屋頂拆除，置換成一個有深度的新架構，企圖轉化瓶中船概念，將屋頂塑造成一個既是瓶、亦是船的新物件；室內空間乘載著大多數R04館的新機能，漂浮在舊建物內，藉此在舊建築內創造出一個相對的外在空間，成為園區開放場域的一部分。   評選過程紀實與結論 本屆「遠東建築獎－舊屋改造特別獎」的評選會議共分三輪不記名投票，「池上穀倉藝術館」於第一輪即獲得最高票，第二輪確定獲得首獎；在第三輪投票中「繼光工務所」以及「實踐大學B棟建築改造案」兩者票數難分軒輊，評審團認為繼光工務所型態特別，兼具人文和社區關懷，但卻較偏離建築設計本質，故給予特別獎，而實踐大學B棟建築改造案則獲佳作。首獎獎金50萬元，佳作與特別獎同為30萬元。   本次決選評審團與主辦單位合影，左起：蔡元良、杜文正、王榮進、范巽綠、徐旭東、林平、張清華、陳純敬及黃茂德。（吳劭璿攝影） 評審之一的北美館館長林平女士於會中提到，她期待在作品中看見過往老屋的歷史時間軌跡，再從老中看到當代新詮釋，不論是透過視覺或在地文化的淵源，建築在當代社會中應當扮演的角色為何？其意義是否能大於建築本身，都是值得探討的問題；蔡元良建築師則說，老屋再生最重要的是了解何為建築既存狀況，改造過程中如何保有未來發展的彈性，是否有「接續過去、展望未來」的觀念，則為評選標準。 綜觀本屆得獎作品，「社會性關懷」為精神主軸，例如池上穀倉藝術館保留在地性，又兼具前瞻性，透過社區和基金會的協力，讓老屋具備永續發展的願景；實踐大學B棟建築改造案則有著謙虛、與舊有建物對話的氣質，在新舊建築連結方面處理得十分細膩，整體利用減法概念呈現，給予新生命卻不抹滅舊有建物的美麗，也希望藉此獎項鼓勵學校考慮舊有建築的未來發展性；繼光工務所1樓開放給社區民眾使用，2樓作為6間事務所的共同辦公空間，與周邊社區緊密串連，讓社會實踐在此處產生可能性，其帶來的全新發展模式值得被推廣。 而評審團召集人暨主席范巽綠女士認為，老屋改造需要具有與「地方創生連結」的要素，以豐厚的改造內涵賦予舊建物新生，期許能藉此翻轉城市風景。 資料及圖片提供」徐元智先生紀念基金會、各建築師事務所 採訪、撰文」陳映蓁

以「華人人文，家庭溫暖」作為核心的居家用品品牌JIA Inc.品家家品，專注於提供優質的飲食烹飪產品體驗與服務。甫於2019年9月中下旬推出的「JIA虹彩鋼 賞味」系列商品，與素有「工業設計界一抹溫暖的微風」美譽的日本第一女工業設計師柴田文江（Fumie Shibata）合作，主打料理、上菜、收納、外帶一「器」呵成的創新飲食烹飪型態。《室內》雜誌受邀前往參加發表會，並與柴田女士進行專訪，聊聊她的設計思維和理念。 柴田文江Fumie Shibata Design Studio S創辦人，日本首屈一指的工業設計師，來自山梨縣，畢業於武藏野藝術大學。於日本東芝（Toshiba）設計中心工作數年後，創立自有設計工作室，產品設計跨足電子產品、醫療器材、文具、家具、餐具、生活用品、甚至膠囊旅店等，為眾多知名品牌提供設計服務，獲獎無數，包含德國iF設計大獎和日本Good Design設計大獎。 設計風格以細膩、溫柔著稱，被認為是「工業設計界一抹溫暖的微風」，即便經手冷硬的電子產品或醫療器材，都能展現出圓潤、貼心、友善的設計細節和態度。2014年起，受邀返回母校武藏野藝術大學擔任教授；2018年起擔任日本優良設計獎（Good Design Award）評審委員會主席。 日常中的料理和用餐時光，不僅要吃得健康美味，更應該充滿趣味且令人期待。「虹彩鋼 賞味」的鍋具碗盤組擁有多種尺寸和深度，模組化設計搭配完整周邊配件，讓使用者不再受限於飲食烹飪的器具和環境，反而有更多靈活樂趣和自主性。 市面上極度罕見的虹彩鋼製品須經過超過60道工序，並於超過攝氏800度高溫反覆燒製而成，不鏽鋼內胚結合琺瑯工藝，利用全新專利塗裝技術，免去傳統生產過程的電解、酸洗環節，更加環保且安全，也更加耐酸鹼、耐腐蝕；製成採靜電粉體噴塗，琺瑯瓷釉表面薄透均勻，污漬和細菌不易殘留，易於清潔。在設計上則希望打破對烹飪器皿的刻板印象，鍋具上桌後是極具美感的碗盤，碗盤其實也能上爐火加熱，彼此間不再有明確的界線。   何謂設計？ 柴田文江於專訪時提到她在接觸一項新商品的委託時，不單單注重形態和顏色等表象物質，如何賦予產品新的價值、為人們創造新的生活方式，是她所重視的要點；身為一位設計師，她每天都在定義何謂設計的意涵，對她而言，設計的存在是希望可以解決問題，她透過大量的實務經驗來實踐理念：藉由設計，讓大眾的生活更人性化與便利。 好的設計不僅只侷限於模樣外觀，而是必須具備「持續性」的觀念，一項物品應該可以長時間被拿來使用，而非單一次用過即丟，且亦須有「未來性」、「前瞻性」的輪廓，科技和技術進步得很快，她認為設計的價值就是串連兩者的智慧並應用於生活中，因此她力圖在設計師和消費者的角色間換位思考，並關注當代使用者的需求，帶來簡約細膩又多功能的各式商品。 例如本次聯名商品的英文名「Gather」即是由柴田文江命名，她希望突顯料理與用餐的相聚時光，強調「聚」的概念；而模組化的圓弧線條則為商品帶來系列感，搭配多功能配件即可完成多數料理手段，亦可做堆疊收納，適合現今的小坪數居住空間，讓生活不受侷限。   當提及如何維持對工作的熱忱時，柴田文江說其實沒有什麼訣竅，設計對她來說就是件再自然不過的事，無須特別維持，這股力量就已深刻內化成她的一部分，且她自認是個勇於接受挑戰的人，喜歡接觸許多不同類型的事物，也樂於跟他人相處交流，不封閉自己的眼界，多方觀察，對工作就會有源源不絕的想法。 而此次與JIA合作時，除了針對產品與團隊進行討論和發想外，在如何料理食物及保健等話題，亦有大量的切磋和交流，這是她覺得很有趣的地方；因著設計師這個角色，她得到許多不同的珍貴經驗，這些都可以作為養分，並在需要之時轉化成設計語彙。柴田文江自2018年起擔任日本Good Design評審委員會主席，針對未來設計趨勢，她表示從人的需求切入、優化人類生活是日後發展的兩大重點，設計若僅關注經濟性或合理性，反而會喪失其溫度，因此「人情味」一直是她所追求的精髓。 資料及圖片提供」JIA Inc.品家家品、Design Studio S 採訪」陳映蓁

每年秋季，是設計創意產業最忙碌的季節，各大國際展覽相繼展開，而每年都不斷推陳出新的倫敦設計節更是其中的重頭戲，2019年倫敦設計節在9月14日至22日盛大舉辦，為期8天的展會圍繞整個倫敦城市。 倫敦設計節自2003年由英國設計師 Sir John Sorrell和創意產業的倡導者Ben Evan CBE構思創辦以來，活動的宗旨是希望將倫敦推向領導全球設計產業的指標，今年進入第17屆的倫敦設計節，作為設計師的年度聚會，也是向大眾傳播設計的重要平台，2019年更將展場以及藝術裝置擴大遍佈於倫敦的各個角落，讓整座城市都一同慶祝這項國際設計的盛典；倫敦設計節總共有400多項活動，展覽主要集中在倫敦的11個區域，包含標誌性景點和廣場，並且在各大藝術中心舉辦論壇、藝術家和設計師的講座。   倫敦設計節的總策劃人Ben Eva說：「倫敦擁有世界最大的創意產業，設計是其中最重要的部分，而倫敦設計節在這個需要展示創意的年代，為設計、藝術提供了很好的舞台。」 2019年的倫敦設計節規劃了6大項目：地標項目、節慶委員會、裝置藝術、論壇及工作坊、維多利亞與艾伯特博物館項目、合作夥伴活動。其中與維多利亞與艾伯特博物館（Victoria and Albert Museum，簡稱V&A）的項目合作也邁入第11年，V&A 的負責人Dr Tristram Hunt表示，很榮幸V&A可以再次作為倫敦設計節的中心展場，並在展會中扮演重要角色。   倫敦設計節涵蓋各藝術設計領域的創作，今年的展會中可以看到5大亮點。   對大自然的陳述 TAKE THE PLUNGE / VOLUME CREATIVE IN COLLABORATION WITH VIRGIN VOYAGES TAKE THE PLUNGE的創作概念來自於對海洋的熱愛，裝置利用可回收的材料製成，TAKE THE PLUNGE描繪的是海底的日落風景，這個獨立的沉浸式空間，希望帶領參觀者進入一個獨特的二次元世界，帶著冒險的精神用全身的感官去感受海洋的快樂元素。     AI科技的應用 AFFINITY IN AUTONOMY / DESIGNED AND SUPPORTED BY SONY DESIGN AFFINITY IN AUTONOMY是一個機械鐘擺，主軸是希望將創新轉化為感知體驗，鐘擺可以偵測到人的存在，並轉化為動能呈現，這闡述了機器人技術的獨立性和自由意志—AI。AI近年被廣泛運用於各個領域，參與此項作品的SONY認為：人與科技技術之間的關係將透過時代發展而不斷變化，也希望反思科技與人的未來。 色彩與光線的關係 IRI-DESCENT / LIZ WEST IRI-DESCENT是一個以聚碳酸酯、鋁以及二向色薄膜包覆的150個骨架組成的懸掛式立方體，隨著觀賞者在中庭周圍、樓上樓下移動腳步，立方體會隨之改變顏色。創作者LIZ WEST因受工作環境中的輻射光以及各式光線的啟發而有的靈感，希望遊客用新的方式感知這個空間，同時觀察自我與色彩和光線之間的關係。 藝術與科技的互動 NON-PAVILION / STUDIO MICAT, THERE PROJECT AND SO PROUD STUDIO NON-PAVILION裝置闡述降低消費主義和生產水平的議題因為這是人類與自然世界及其資源共生的唯一途徑。裝置運用四根支撐角桿，角桿外包覆鏡面，內裡則是紅色霓虹，透過AR技術，參觀者可以使用智慧型裝置看到NON-PAVILION的不同形式。 環境與環保議題 SEA THINGS / SAM JACOBS SEA THINGS是位於V&A入口的大型裝置藝術，希望啟發大眾對於全球塑膠系統的反思，探討塑膠的生命週期，以及在未來產品設計的使用。裝置採用大型的雙向鏡像立方體，高高的懸掛在遊客頭頂的上方，結合動畫展示著海洋的廣闊無邊，也暗示著與人們面臨的挑戰一樣巨大；當遊客進入這充滿影響力的空間，會感受到裝置透過數位和物理展現的全球一次性塑膠危機。   上述的5大亮點，都擁有一個共同核心—人，每項作品都十分重視與「人」的互動關係，從人與環保、環境、科技、未來等層面的關係，創作者藉由藝術創作探討他們對於世界的感知。 撰文」歐陽青昀 資料及圖片提供」London Design Festival