2021年首度舉行的香港室內設計周，是由香港室內設計協會（HKIDA）主辦的設計界年度矚目盛事，透過展出香港知名室內設計師的作品，以及一系列參觀及研討活動，打造一個國際平台連結優秀的設計從業者，企圖替產業創造更多機遇。2025年第三屆香港室內設計周規劃於香港及義大利兩地舉行，呈現內容包括展覽、設計論壇等一系列多元化活動，旨在彰顯香港室內設計行業的卓越發展。   跨界合作 探索香港 其中，重點活動之一即為「Urban Reflection展覽」，這是一項跨領域的突破性合作，匯集了十位香港知名的室內設計師和家具製造商，他們攜手創造多件獨特的設計作品，涵蓋家具及燈飾。此計畫探索了香港城市景觀的深刻意義，在高密度生活和高聳摩天大樓中，光與影交織出多重面向的互動，這種動態不僅反映了城市的蓬勃活力，更突顯繁忙都市跟周遭環境之間錯縱複雜的關係。 Stoneflow Sofa。設計」Bean Buro、製造」達藝傢具有限公司。 柔竹燈Benboo。設計」Studio RYTE、製造」嘉立燈飾有限公司。   部分作品的設計理念融入了中西文化元素，結合竹子、傳統紙扇等東方獨有特色，彰顯了傳統工藝與現代設計的完美結合，展現文化底蘊與創新概念交融的新頁。另外，亦有部分作品除了講求形式和功能外，同時更體現可持續發展的原則，採用再生紗線及香港標誌性電車的再生玻璃等材料，傳達設計者對於環境保護跟資源價值的關注，詮釋了設計與生態之間的和諧，也對外宣揚了香港豐沛的創意及製造專長。 乙巳Yi Si。設計」一持工作室、製造」radd。   Egg-citing。設計」PAL Design Group、製造」西德寶富麗(遠東)有限公司。 Urban Reflection展覽將於2025年4月7日至13日，於義大利米蘭的LOFT @ Superstudio Più首度亮相；隨後也將於2025年6月19日至22日移師香港西九文化區，讓更多觀者有機會參與這場非凡的設計盛會。 O.N.N.O. COFFEE TABLE & O.N.N.O. DESK。設計」林子康設計有限公司、製造」廿一由八。   時代椅子Aeon Chair。設計」Gud Gud Studio、製造」弦制作(國際)有限公司。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 編輯」陳映蓁

適逢威廉．透納250周年誕辰，英國泰德美術館發起「Turner 250」一系列的紀念活動，在這當中，史上最大規模的威廉・透納全球巡迴展覽「威廉．透納特展：崇高的迴響」備受矚目，繼摩納哥、上海之後，將在2025年6月於台灣登陸。     藍色瑞吉山之日出（The Blue Rigi, Sunrise）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1842。     素有「光之畫家」美名的約瑟夫．馬洛德．威廉．透納（Joseph Mallord William Turner，1775-1851），憑藉對大自然的細膩觀察和大膽筆觸，生動捕捉大氣動態，他創新的筆法和著眼點，在18世紀以人物寫實為重心的畫壇掀起審美革命，重新定義了何謂「風景畫」，其影響力不僅讓他一躍成為新版20英鎊紙鈔上的封面人物，也啟發無數後世的印象畫派大師。     英國泰德美術館。     泰德美術館由亨利．泰德（Henry Tate）爵士創立，早年朝國家藝廊的方向發展，至今在英國已有四座美術館的規模。如今最具代表性的泰德現代美術館，內蘊威廉．透納臨終捐贈的數百件油畫、上萬件水彩及素描作品，更是世人矚目的焦點。     懸崖上的城堡廢墟風景畫（Landscape Composition with a Ruined Castle on a Cliff）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1792–3。     本展將帶來80件透納的真跡畫作，打破年代界線的主題式策展，列出7大展區：英國風景、阿爾卑斯山、歷史故事、威尼斯、海上風暴、海天之間、崇高美學，完整呈現透納的藝術生涯。除此之外，為了凸顯透納的劃時代，泰德美術館另精選近30件當代藝術家作品加入展出，全方位打造前所未有的威廉．透納特展。     「好棒啊！厄瑞波斯號捕鯨船！又一條魚！」（Hurrah! for the Whaler Erebus! Another Fish!）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1846。     重塑當代「高雅藝術」的認知   透納的父親是一位理髮師，幼時妹妹不幸早逝，母親深受打擊，因而被送往精神病院接受治療，家中經濟不堪重負，只好將年幼的透納交給舅舅撫養。投入創作的他曾受聘為多位建築師創作建築研究圖，爾後又與一位專業的地形製圖師合作，這些經歷為他早期的創作中增添不少精緻的建築主題。     三個海景（Three Seascapes）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1827。     擅長水彩和油畫的透納，由於四處旅居，喜愛描繪各地風景，他身處的18世紀社會主流推崇栩栩如生的精細筆法、描摹神話或聖經故事，且視水彩畫為粗淺的習作媒材，地位遠不如油畫。然而透納將水彩的透明疊色法和速寫性運筆融入油畫創作，運用創新的繪畫技巧、結合古典構圖，將當代審美取向融入自己的獨特表達，自技法和選材方面多方突破當代畫壇的限制。     布魯嫩，從琉森湖的視角：樣本研究畫（Brunnen, from the Lake of Lucerne Sample Study）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1843-5。     以英國的自然風貌為起點、到阿爾卑斯山的壯麗景色，而後漫遊海外，透過變幻莫測的風景隱喻他的情感表達和關注視角，即便是以景物為主體，他的畫作依然流露驚心動魄的戲劇性。     阿波羅和達芙妮的故事（Story of Apollo and Daphne）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1837。     掌控大自然的脈搏   透過在皇家藝術學院積累的履歷，透納的地位逐年穩固，也漸漸脫離古典風景畫的精細刻劃，轉向強調主觀感受與自然氛圍、大氣光影和自然崇高感的呈現，在這些作品中，海景約佔一半以上，包括捕鯨船、漁船、沉船和戰爭等等主題，描繪海洋的危險，以及人類在大自然面前的渺小無力。     威尼斯-安康聖母大教堂（Venice - Maria della Salute）約瑟夫•馬洛德•威廉•透納（Joseph Mallord William Turner），1844。     晚年的透納跳脫物件具體形象的框架，著眼更加宏觀的角度，探索空氣、光、速度等超越視覺的存在，並嘗試在平面的畫作中復刻這些抽象的質感。後世的藝術評論家約翰·拉斯金（John Ruskin，1819-1900）表示，他以前所未有的方式「逼真地掌握自然的脈搏」，這些體現透納晚期風格的作品，也為他贏得現代繪畫先知的美譽。 展中最受矚目的展品之一《藍色瑞吉山．日出》，便是他觀察一天的瑞吉山後，根據不同時段的觀察，畫下紅黑藍三幅系列作的其中之一，珍貴的不僅是畫作本身，為了加強保護珍貴展間，館方將減少畫作被光線照射的時間，因此會安排畫作「休眠」的時間，通常會間隔數年或至十數年再作展出，是以務必把握本展展出時間，體會透納的藝術之美。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」展覽。     「威廉．透納特展：崇高的迴響」 時間」2025年6月27日至2025年10月02日 地點」中正紀念堂一、二展廳   資料及圖片提供」聯合數位文創、泰德美術館 編輯」江瑜

誠品畫廊近日推出「劉小東：媽祖巡遊」個展，呈現藝術家劉小東於2024年來台參與大甲媽祖遶境的寫生巨作。作為首度在台灣展出該系列的重要作品，不僅同步展示創作過程中的手稿、日記以及紀錄片，更深入揭示宗教盛事所帶來的藝術啟發與情感共鳴。 展示藝術家之創作手稿，以細膩筆觸引觀者步入繞境現場。 千里步行 全台瘋媽祖 大甲媽祖遶境進香是台灣最具代表性的宗教活動之一，曾被Discovery（探索頻道）譽為與梵蒂岡聖誕彌撒、麥加朝聖並列的世界三大宗教盛事，長達九天八夜、全程340公里的遶境活動，每年吸引無數信眾和朝聖者參與，場面十分壯觀。   藝術家劉小東透過親身體驗台灣傳統宗教活動，以其擅長寫生的創作手法，描繪精彩每一幕。 劉小東隨媽祖隊伍行進四天四夜，在萬頭鑽動、擠得「看不到自己的腳」的人潮中，親歷這場信仰盛事，並在雲林與嘉義交界的崙子橋上，親身體驗抬轎的沉重感，他說道：「座駕很重，下來才知抬轎人為什麼都是有著厚肩膀，千斤重擔為眾人祈福」。藉由攝影、速寫、水彩與日記等方式，記錄著遶境沿途的熱烈場面，捕捉信徒的虔敬神情、鑼鼓陣頭的震撼，以及煙硝四起的熱鬧氛圍，並將這些體驗轉化為巨幅油畫《過橋》與《日巡》。   藝術家坐在路邊，拿起畫筆在素白畫紙上，揮灑出台灣鄉野的自然彩畫。 畫布上的媽祖巡遊 《過橋》與《日巡》聚焦於遶境隊伍中的信眾身影。在畫作中，背負神明竹轎的青年男子肩負信仰隨隊行走，展現個人與神明信仰間的至情流動。此外，劉小東將裝扮較都會化的年輕父母，攜手孩子齊走的景象擺放在畫面中心，道出媽祖遶境是不分城鄉地域的信仰盛事，後方群眾簇擁著媽祖鑾轎，人龍隊伍蜿蜒的背後是一片碧綠的農田、水圳、高壓電塔、鐵皮屋等日常鄉間景致，劉小東將現場的各種細節組織成完整的視覺敘事，交織出「媽祖巡遊」的暖心圖像。 《過橋》，2024，油彩／亞麻布。位於右側的年輕夫婦，以都會化的著衣風格彰顯宗教盛事不分族群年齡。   在「媽祖巡遊」中，劉小東特別想傳達「良善」的氛圍，亦是其對繪畫的期待：「生活中的煩惱與瑣碎，日常的不可預測和討厭，我是用瑣碎的筆觸去表達，像刀一樣，切掉這些麻煩，用繪畫把它給消解，我希望能達到跟生活最完美的契合，而不是真正去描繪生活中的麻煩。」劉小東的繪畫宛若日記，以畫筆書寫台灣的信仰文化，將宗教體驗轉化為充滿情感的藝術表達。 《日巡》，2024，油彩／亞麻布。背負著神明仙轎訴說著信仰在人們心中的輕柔流動。 作為當代最具代表性的現實主義畫家之一，劉小東（1963年生於遼寧）長年以寫生作為核心手法，透過親身踏訪不同地區，捕捉平凡人物與生活場景，將現實世界的觀察與情感融入畫布。此展不僅呈現其對台灣媽祖信仰的深刻體驗，亦延續對社會文化與人文風景的關懷。   藝術家劉小東以寫生作為核心創作，透過親身踏訪捕捉每刻日常之景。 劉小東「媽祖巡遊」 時間」2025年3月29日至2025年5月24日 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸店）｜台北市信義區菸廠路88號B1   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺

店面門口拼貼樹皮，保留台灣造型的窗口，傳遞「灣延美學」的意象。     台北市師大商圈，有一處鬧中取靜的城市角落，基因取源於北歐的寧靜氛圍與在地人文氣息，構築成名為JOSUIa的實體空間，內部化用馥閣集團累積20年的設計經驗，匯聚來自芬蘭、荷蘭、丹麥、日本、西班牙、德國、台灣等地的家居設計品牌，在此編織屬於I人（MBTI裡的INFP）的生活美學。     一樓展區，餐桌日常。     讀音源自台語「很漂亮」（jo suí a）的JOSUIa，適逢品牌一週年，以「ONE and」為題，論述「灣延美學」，舉辦為期一季的家居與設計展演，立意「集合生活中各種美」。     一樓展區，綠野仙蹤。     扎根台灣的多元延伸   台灣地勢變化豐富，同時承載曲折的歷史背景，發展出多元且包容的世界觀，JOSUIa的店面透過種種細節，回應所在地的風貌特點，上下兩層展間安排蜿蜒的動線，引領來賓在悠閒的心情下，從台灣在地元素出發，探索各國品牌家具與空間互動的可能性。     1F探索地圖。     B1探索地圖。     一樓透過落地窗，引入外景的陽光和綠意，呈現七大主題區域，包括綠野仙蹤、大隱於世、餐桌日常、城市公園、獨處時光、我的宇宙及心靈鏡頭。台灣KIMU柒木的大型紙牛奶燈、糖蔥燈與紙飯糰燈，與日光相呼應，令人彷彿於街頭行走時不意落入樹洞的愛麗絲，在這座城市秘境裡穿行。     一樓展區，城市公園。     一樓展區，心靈鏡頭。     移動至 B1，則鋪展海水藍的地面，以半透明的薄紗作分野，規劃六大場景，內涵流動之初、環繞之流、匯集之聚、深森之處、湖中舞台與恬然之章。徐徐涼風吹散地下一層滯悶的空氣，在薄紗飄盪間、JOSUIa獨家代理的芬蘭實木品牌NIKARI單品忽隱忽現，串聯海邊度假的想像。     一樓展區，我的宇宙。     地下一樓展區，湖中舞台。     展覽主區特別配置風靡全球的荷蘭國寶Miffy米飛兔及小夥伴Snuffy小狗飛飛，為空間注入玩心，拉近設計作品與大眾的距離；每個主題場景皆由不同品牌的家具合作組成，共同凝聚恬靜的生活氛圍。     地下一樓展區，匯集之聚。     芬蘭NIKARI ARKIPELAGO KVTT1戶外椅。     和諧並存的選品策劃   JOSUIa選品以原創設計為初衷，注重物件本身的原創特色與細節巧思，展場亮點可見JOSUIa獨家代理的芬蘭實木品牌NIKARI超過20件單品、及榮獲Dezeen Awards 2024年度最佳設計的FANEERI折疊椅。     芬蘭 NIKARI Basic 橢圓長桌。     芬蘭NIKARI Linea RMT6扶手單椅。     還有初次落地台北的荷蘭百年家具品牌ARTIFORT，備受矚目的跨世代經典之作F500系列休閒椅、Little Tulip單椅等。     荷蘭ARTIFORT Soft Facet休閒椅。     台灣KIMU柒木的大型紙牛奶燈、糖蔥燈與紙飯糰燈，以俏皮造型和多樣化擺放，自不同角度點亮一人起居充電的場景；ACORN橡果藝術全手工月球燈，配合展場鏡面的反射，讓觀眾放鬆身心，徜徉在充滿想像的私人小宇宙。     台灣KIMU紙牛奶燈。     台灣KIMU糖蔥燈。     一樓展間可見義式冰淇淋Old Bridge，作為JOSUIa首度跨界嘗試合作一個月的甜品快閃，限量推出兩款特色口味，「包種蹦米香」展現文山包種的甘醇茶韻，以蹦米香增添獨特香氣和口感；「蕃茄梅子」則化用夜市經典小吃糖葫蘆，呈現番茄和蜜餞的酸甜，融合義大利老牌Gelato與台灣印象，大膽創新驚艷老饕的味蕾。     義式冰淇淋Old Bridge，在展覽期間限量提供兩種與台灣文化相結合的特殊風味。     JOSUIa匯集每個品牌匠心獨具的創作故事，示範混搭共融的魅力，「ONE and」的思想核心，讓觀眾看見，美好可以跨越國籍，連結五感、個體和群眾，自然與城市，為生活開拓更遼闊的想像空間。     JOSUIa 週年策展《ONE and 灣延美學》 日期」2025年3月8日 - 2025年7月8日 時間」每日11:30-19:30（周一公休） 地點」台北市大安區金山南路二段227號（JUSUIa 設計選品） 資料及圖片提供」JOSUIa 採訪」江瑜

「存在與變化為生命與自然的本質。「變化」就是「存在」的無限延續，存在的實質就是無限的變化。」— 賴純純    臺北市立美術館近日推出「黑潮：賴純純回顧展」，展出藝術家賴純純橫跨各時期的複合媒材繪畫、立體雕塑、空間裝置，以及創作歷程的相關檔案與文件等作品，呈現其美學映照於當代藝術的過程。   展覽以「黑潮」為名，以黑色為主軸，搭配五彩色調形塑藝術家獨特的創作風格，引人入勝。 本次展覽標題以「黑潮」為名，呼應藝術家從1980年代起透過「黑」與多變色彩樹立自我風格，藉此傳達作品中深邃、多變卻一貫的特質。展覽透過四個子題梳理賴純純的創作脈絡「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」，試圖回望從低限主義的精神至個人主體的追求，再至海洋美學與人文脈絡之連結，與公共藝術的社會性等議題，多面相折射出對於文化、身份與生命的探索核心。   展覽以四個子題梳理賴純純的創作脈絡。圖為第一個子題「存在與變化」展覽現場。 堅持創作原創性 鮮明的個人色彩 「存在與變化」展示賴純純早年師承廖繼春，以及在日本、紐約學習時的繪畫作品，以及1980年代所開展出的個人風格。此時期創作深受林壽宇啟發，在造形與觀念上探索空間向度，其代表作《無去無來》（1986）以圓形切分的八塊壓克力板組合，並使用紅、綠、黃、黑等色形塑環境場域裝置，透過捨去雕塑的恆定而成就空間變化。   《無去無來》，1985，有機玻璃、環氧樹脂。 《讚美詩》(局部)，1985，保力龍、壓克力顏料、砂、木板。 此外，本次特別將曾獲「中華民國現代繪畫新展望」優選作品《讚美詩》拆分於各展間，回應黑潮的流動意象，並企圖打造有別過往布局的視覺風貌；觀者在行走游移中，可窺見一與多、有形與無限間的辯證。   《天儀》，1989，畫布、布、顏料、⽊、塑膠管。 「真空妙有」展示賴純純1990年代初受到東方美學，以及自然素材啟發的繪畫及裝置創作。這段期間主要以拼貼繪畫，如《天儀》（1989）等作雖結合中國書畫的卷軸形式，卻不拘泥於結構規範。立體作品則多從媒材出發，找尋自身與土地關聯。 《心器》，1997，塑鋼、鉛皮。 《心器》（1997）結合雕塑與行為展演，表現佛教心經「色即是空，空即是色」的教義；青、紅、黃、白、黑的佛像，象徵著元素五行及構成空間的五方，除表現出富有空間張力的敘事外，亦暗喻社會性的觀照與回返自我的沉潛。   煉色粹藝 探尋生命之源 「海洋與仙境」以三個展間呈現2000年之後重回色彩的種種創作。著重於顏料的獨立表現，呼應內在女性覺醒，以及藝術家在都蘭長住後，對自然更為嚮往的安住心境。太平洋以其純淨無盡的本質，示現宇宙的存在與變化。 《仙鏡奇緣》，2018，鏡版複合媒材。 《奇花仙境》，2019，空間裝置。 「閃亮的愛」系列，利用彩色環氧樹脂潑灑在鏡版之上構成的諸多畫作，將光線、水分、色彩、物融合於抽象畫面之中，展現出富饒、充滿生活感的肌理。《奇花仙境》（2019）等大型雕塑延續使用彩度及明度較高的原色，透過色彩本身的直觀性和表現性，藉此傳遞對於女性覺醒的自信，與似花朵般綻放的自然禮讚。   《黑潮》，2025，有機玻璃、不鏽鋼。 本次展覽同時展出兩件新作，包含與展覽同名之作《黑潮》與《黑潮流光：邊陲的無限可能》。《黑潮》利用心型的壓克力雕塑，回應自1995年起的系列創作，藉由媒材的透明特性，折射出色光的斑斕及海波的輕盈。 《黑潮流光：邊陲的無限可能》，2025，空間裝置。 《黑潮流光：邊陲的無限可能》則透過壓克力、漂流木、鋼雕與鏡面等組件，搭配光源塑造出空間肌理中的相互疊映與反射，同時體現當背倚山脈與面俯太平洋時，每日的都蘭景象不斷變幻，彷若消融了原有疆界，暗示一種更為自由、流動的自然意識。   從「自我」出發 參與公共實踐 「社會參與」配合藝術家的創作年表，梳理各時期的相關檔案與文件，並聚焦於SOCA現代藝術工作室。作為90年代盛極一時的「替代空間」濫觴，SOCA的創始核心成員、學員們先後活躍於藝術領域，對台灣前衛社群的引領、國際交流的促進具備先行作用。2000年之後，賴純純更透過各地公共藝術競圖開拓視野，不僅讓創作屢有新嘗試與挑戰，同時與這片土地的連繫日益緊密。此外，在同一時期發起「臺灣女性藝術協會」，作為社會參與的多元推動跡痕。   「社會參與」子題，表現藝術的多重形式與樣貌。 「我們的前面是什麼？」除作為藝術家早期創作的啟蒙觀點之一，亦是其創作生涯不斷探究的提問。賴純純的作品從不設限，藝術不僅是對生命的踐行，更是帶著理想投射自我與投身社會的堅定追求。   黑潮：賴純純回顧展 時間」2025年3月1日至5月25日 地點」臺北市立美術館二樓2A&2B 更多內容請見北美館官網及臉書專頁。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」林靖諺

忠泰美術館日前推出全新當代藝術展——《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》。美術館邀請新媒體藝術家姚仲涵攜手劇場獨立製作人吳季娟，以長期且緊密的對話展開跨領域共創，呈現姚仲涵不為人知的感性與故事性交織的創作新面向；作品亦邀請影像創作者、表演藝術家參與其中，延續姚仲涵聲光裝置的特色，帶來五件全新創作，將忠泰美術館空間化為一座充滿裝置、聲音、光影與影像的「混沌世界」。展期至2025年6月29日。 展覽主視覺。©忠泰美術館   跨域實驗性展覽 本展邀請了兩位無法被定義的「創作者」——姚仲涵與吳季娟展開長期對話交流與合作，兩人透過不斷提問、假設、拆解與重組，最終以共創形式顛覆大眾對跨界合作的既定認知。展覽中雖未直接呈現兩人合作過程的具體痕跡，但吳季娟計畫協作一角，其實隱身於具象作品背後的起點和過程，推動創作思維的碰撞與發展，讓姚仲涵的創作得以不斷打破界線，帶來新的可能性。 計畫協作吳季娟、藝術家姚仲涵。©忠泰美術館   姚仲涵與吳季娟以「混沌」與「序曲」為核心概念，探討人類在混沌與秩序間的生存之道，兩人由此衍生創作五件作品，而本展亦為一場由各方創作者共同開展的關於合作、誤差與理解的實驗，邀請大聲光電、影像創作者黃偉軒、表演藝術家卓楷程等共同參與，其中，姚仲涵透過作品試圖回應聲光創作中的抽象性，以及對於身體感缺失的思考。 《在混沌的世界中建立一點序曲　姚仲涵》一樓大廳。©忠泰美術館   一樓夾層展出創作過程。©忠泰美術館 探索混沌與秩序的交錯共存 姚仲涵首次嘗試以噴氣管與空壓機作為媒材，推出新作〈漸強、漸弱與打氣〉。作品擬人化地隱喻人生際遇的起伏變化，彈簧的擺動象徵混沌，而隱藏於作品背後的電子裝置設定，則規律運作，構築出秩序的框架。 裝置作品〈漸強、漸弱與打氣〉。©忠泰美術館 〈感覺噪音〉多頻道錄像作品中，則首次透過擊鼓介入創作，採集外部混沌的環境噪音，加入自身對於噪音的感知，轉化為具身體感與秩序性的聲響作品。展場中，大型喇叭播放藝術家創作時聽到的聲音，兩側電視螢幕則呈現車外收音的環境噪音；影像取景貼近日常，涵蓋藝術家在台灣與日本的生活圈及周邊街區，構築個人體驗與城市聲景交織的感知場域。 多頻道錄像作品〈感覺噪音〉。©忠泰美術館    另外，也首次挑戰故事文本創作，與影像創作者黃偉軒合作，完成首支影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉，藉由科幻末日題材構築《光電獸》系列作品的世界觀。故事述說著2525年太陽瀕臨死亡，地球面臨「缺光症」危機，人類最終透過啟動光電獸對抗黑暗；以全新敘事視角串聯過往創作，回應聲光藝術的抽象性，同時開啟影像語言的實驗探索。 影像作品〈光電獸宇宙 - 未來〉。©忠泰美術館   姚仲涵為人熟知的《光電獸》系列過往多在開放空間展出，聚焦於光源的流動。本展全新大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉則於室內空間呈現，藉由與忠泰美術館空間的對話，量身打造獨特的感知體驗。在此環境中，聲響更具包覆感，作品以影子為核心，延續對光影與聲響流動關係的探索，透過鋁管長度的秩序變化與光影交錯閃爍，深化光與影的對話與敘事可能。 大型裝置〈光電獸#41 - 混沌〉。©忠泰美術館   忠泰美術館期望邀請觀眾進入這個失序、隨機且開放的空間，感受創作者們共譜的序曲，並在混沌中找尋引領前行的節奏線索。      資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

「奧夫塞計畫Off-Site Project」為忠泰美術館2016年開館即啟動的長期藝術實踐計畫，邀請不同領域的創作者離開美術館既定的場域創作，於非典型的展演現場突破空間和制度的侷限，向外發散能量。2025年奧夫塞計畫推出《平田晃久建築展─物我交織的臨界》，是繼2019年《人間自然─平田晃久個展》後，建築師睽違六年再度來台展出。 《平田晃久建築展─物我交織的臨界》展覽主視覺。©忠泰美術館   平田晃久（Akihisa Hirata）作為日本中生代建築師代表人物之一，亦在台灣設計了不少作品，本次他帶來兩個核心建築概念「纏繞」與「迴響」，透過近40件珍貴草稿和模型，深入分享近年創作，同時展現其理論的延續和突破，呈現平田晃久對人類與自然融合的哲思，並從身體感知延伸至時空，探索建築的可能性。展期至2025年3月30日止，於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny免費參觀。   謙遜包容 萬物交織 平田晃久師承伊東豊雄，作品融合了人類與自然的哲學思考，兼具論述和創新設計的實力。忠泰美術館總監黃姍姍說道，爬梳平田晃久的創作軌跡，可以發現他並不滿足於現有的成就，而是不斷地在進化與前進，本次個展即為展示他現階段最新的想法和成果，期待提供觀者透過全新視角見證建築師的成長歷程。 展覽於NOKE忠泰樂生活三樓Uncanny展出。大階梯空間演繹「纏繞」主題。©忠泰美術館   平田晃久熱愛昆蟲，他曾說過：「人，在身而為人之前是一種動物、一種生物，同時人類也像是讓地表發酵的微生物般的存在。」他的設計一直都離不開人這樣的角色，因此，本次展覽以《物我交織的臨界》為題，探討在不斷轉變的人類生活與價值觀中，建築該如何回應未來的需求。平田晃久以最初的核心概念「纏繞的相容性」，將建築視為一個生態系統，成為人類與自然共生的有機場域；近年更發展出「迴響」概念，進一步探究人類的意識、感知、時空等非肉眼可見的物質，匯聚過去、現在與未來思想的連結與共鳴，試圖探索未來建築的可能性。 「迴響」主題展場照。©忠泰美術館   黃姍姍補充分享，本展雖然作為練馬區立美術館的巡迴展，但整體空間氛圍及作品配置，皆為平田晃久及其團隊特別量身打造，除了精彩的模型外，亦同步展出諸多平田的手繪原稿。   主題一：〈纏繞的相容性—身體的交織臨界〉 主題一中透過多個關鍵字展現其理念。「無法一眼望穿的空間」相連卻又未知的模糊邊界呼應現代人際關係；「皺褶」模擬如煙霧、珊瑚礁等能自我增生的自然幾何學原理，增加空間使用面積；「線條」如同樹枝化為鳥兒築巢之地，創造出綠意交纏的空間；「樹木」作為建築理想型態，成為萬物共生的據點；以及「發酵」讓人與建築、城市自然相融。本區展示了平田晃久的東京作品《Tree-ness House》，結合住宅跟藝廊，由方盒、皺褶、植栽組成宛如樹木般的型態，融合庭園與街道，共構一個立體的三度空間；位於台北的12層集合住宅《富富話合》同樣將自然引入都市，透過建築退縮的手法，替每戶打造寬敞陽台，並以屋簷及植栽調節陽光。 Tree-ness House。©Vincent HECHT   富富話合。©忠泰美術館 主題二：〈迴響—意識的交織臨界〉 植物藉由揮發物質，以類似香氣或聲音的感知進行溝通，平田晃久稱此為「迴響」。建築作為人類需求的產物，匯集了無數人的想法，形成潛在的連結與共鳴，這樣的行為也影響著當代建築的創作。例如，在設計《太田市美術館圖書館》的過程中，平田晃久多次舉辦工作坊，積極聽取市民跟相關人士的意見，將集體思考與回饋反覆融合，打造一個充滿集體意識的「迴響」空間，成為市民匯聚的文化據點。 太田市美術館圖書館。©Daici Ano 目前在台灣進行中的新作《國立臺灣大學百歲紀念館》，規劃包括博物館、多功能展演廳等多元機能，導入「Fragment」（斷片）元素，試圖在變化多端的展示空間和活動中激發互動，結合人類思維與AI人工智慧的形式，對「Fragment」型態進行研究，使其成為啟發各類展示與活動的催化劑。 國立臺灣大學百歲紀念館。©忠泰美術館   主題三：〈迴響之迴響—時空的交織臨界〉 平田進一步思考建築與不同時空的迴響如何對話。他認為，建築是跨越時空與意識的任意門，除了回應當代生活需求，同時能保留、傳承過去的記憶與感受。2024年開幕的東京原宿新地標《HARAKADO》以編織意象打造建築立面，以立體玻璃帷幕映照表參道街道櫸木、天空與神宮之森的自然綠意，亦呈現新建築和街區歷史共存的城市面貌。 HARAKADO。©KENYA CHIBA 《EXPO National Day Hall “Ray Garden”》則為2025年大阪世界博覽會設計，數道帶狀樓板依照關西地形的皺褶方向及展場的盛行風向構成，結合光線、風與綠意，展現地球作為生命體的活動特徵。 EXPO National Day Hall “Ray Garden”。 ©忠泰美術館     平田晃久© Marc Goodwin, Archmospheres 1971年出生於大阪府。平田晃久建築設計事務所代表，京都大學大學院工學研究科建築學專攻教授。畢業於京都大學工學部建築學科，同大學大學院工學研究科修了。畢業後進入伊東豊雄建築設計事務所。2005年起自立開業，設立平田晃久建築設計事務所。     資料及圖片提供」忠泰美術館 撰文」陳映蓁

《未央．夜》邀請八位藝術家匯集於TKG+ Projects，通過水彩、素描、油畫、雕塑、攝影、藝術裝置等形形色色的手法與媒材，傾訴他們對入夜後的世界的觀察和哲思。   TKG+於2009年成立，初以台灣當代錄像藝術為主要路線，切入媒體時代，致力於拓展影像在藝術領域的思考範疇，隨著畫廊經營的時間軌跡，TKG+進一步在畫廊以藝術家創作為核心、展覽為主體的運作基礎上，延伸藝術經濟體系。負責人暨藝術總監吳悅宇期望透過這座藝術空間回應時代變化，讓藝術與社會接軌，將藝術落實於生活。   夜晚或許是有些人在經歷一天繁忙後難得的休憩和自由時間，也或許有人的忙碌才剛剛開始， 在《未央．夜》中，可見藝術家如何詮釋這段時光：「王雅慧——一首詩」、「王慶蘋——冥冥中的彩排」、「周楷倫——隱市」、「邱承宏—— 夜與靈魂」、「洪郁雯—— 載夢」、「陳妍伶——窺探」、「智海——鹵素：明珠」、「劉致宏—— 迷湯」，八位藝術家的作品在展場中拼貼這段與白日相對的幽微幻夢，喚起觀者的無盡想像。     展覽作品   王雅慧《一首詩》   王雅慧的創作取材自生活經驗，將攤開的詩集置於桌上，來自作家筆記本原稿那一頁有別於過去翻閱的記憶，意外觸動了她，手寫的質感、歷經時間的詩集，置於工作室久未清理的黑色桌布上，種種元素在這一刻彎成一道迴圈，詩句與承載文字的媒介產生了共鳴。     王雅慧，一首詩，2020，半光面相紙鋁板裱褙、實木層板、書，73 x 09 x 20 cm。     王雅慧致力於研究影像媒材與觀者視野的邊界，探討現實與影像之間的重疊和落差，創作形式涵括錄像、裝置、攝影、繪畫，並在作品中思考，重力造成的型態、時間運行的軌跡、影像的視覺及記憶中的時空、事物的質感，乃至於人們對事物的成見，在這些不同階調的反射中，如何構成人類認知中的世界。   她關注東方的自然哲學中人與世界的關係與思維方式，嘗試將這樣的思路重新納入當代生活，相對於單純的拍攝，其影像作品更著重於解構風景，深入構圖的邏輯，化為多層次的敘事。     王慶蘋《冥冥中的彩排》   創作之於王慶蘋，就如同張著眼做夢，作為一色彩主義者，色與光是她的創作語言，通過繪畫和攝影，充分展現她運用色彩關係與色光特性建構形與色的繁複對話，激發作品張力與蘊意。結合抽象和有機象徵型態，在作品中建立多緯結構，令意象與非意象彼此穿插交會，讓觀者一窺藝術家靈魂深處的動靜變化。     王慶蘋，作品331號，靈動之物，2022，複合媒材（不透明壓克力水彩、油性粉彩筆、墨水）、水彩紙，23 x 31 cm。     其作品層次多重、充滿體驗性，藉視覺空間結構的交互震盪，創造豐富的動態與情緒張力，進而轉化為觀者感性經驗內涵與視覺隱喻，講求慢觀、浸淫與持續發現。豐富的色彩層次、象徵性筆觸及線條共同交織，在不斷流轉與游移的視角中，創造多元的視覺內涵與敘事可能。     陳妍伶《窺探》   陳妍伶講述了一個窺視者與被窺視者的故事，她創作了高矮不一的民房、守在街燈下形單影隻的人，從中透出的幽微燈光令人聯想到安德烈亞斯．古爾斯基的《巴黎．蒙帕納斯》（Montparnasse, Paris，Andreas Gursky）和法國攝影師羅曼．雅凱《天台故事II》（Romain Jacquet-Lagrèze，Concrete Stories II）作品裡的一格格小窗，藝術家放大了每一格入夜之後亮燈的窗，窺探別人的同時也把自己擺了進去。     陳妍伶，亮燈(2)，2024，複合媒材，牛奶紙板、LED 燈泡、木頭、模型娃娃、MP3播放器，15 x 25 x 14.5 cm。     從一扇扇小窗，勾起對屋內情景的好奇，夜晚令人褪去白日的武裝，在屬於自己的空間裡釋放被掩飾的天性，在賀照緹的紀錄片《睏袂之際》中，陳妍伶捕捉到白日奔波的人們在深夜獨自面對自己時，因恐懼而無法成眠的窒息感，而最終每個人都將孤單地睡去。     陳妍伶，邊緣，2024，複合媒材，木頭、模型娃娃、LED燈泡、磁鐵、電池，37.3 x 34.8 x 9.8 cm。     陳妍伶早期以錄像、超八厘米影片為主要創作，2012年之後開始收藏廢棄的木料、布料、金屬和雜誌，結合大量的手工縫紉為複合媒材進行創作。以人為核心，探討人的情緒和困境，以一種通透的視角，觀察旁人和自己的內心世界。     邱承宏《夜與靈魂》   邱承宏尋拾地震災難中倒塌建築的破碎建材，試圖在現實中重建夢境缺失錯落的斷簡殘編，以扭曲的鋼筋與混凝土，建構書架及書本造型的雕塑，在這些裂痕與斷口之間，嵌入來自周遭環境的光影與情緒，如同書架索引，隱含夢境中的低語與記憶片段，也映射出現實世界的掠影浮光。     邱承宏，夜與靈魂，2025，鋼樑、混凝土（地震倒塌之建築物殘骸）、水泥、鵝卵石、黑大理石、黑曜石、石墨、金屬夾具，226 x 272 x 76 cm。     邱承宏的創作多以裝置、雕塑的方式呈現，宛如在現實與幻想的邊界進行考古，他善於挖掘被遺忘的時空中曾經存在的身影，並透過抽象手法重新演繹那些被合理化及設計過的生存軌跡，將它們生動地重塑，藉此發展出藝術家獨有的記憶修補術。     洪郁雯《載夢》   洪郁雯運用跳脫框架的思維，打造她的微觀宇宙，巧妙融合傳統技法與各種媒材，超越常規和文化隔閡、探索藝術創作的邊界。她在本展中編織對夜的想像，似雲絮或薄霧般輕飄虛渺的作品，卻絲絲縷縷流動著金屬的微光閃閃，靜止於空氣中，在展場朦朧的光影籠罩下，彩漆銅線在空中糾纏不規則的線條與形狀，宛如黎明前將要逸散的夢境。     洪郁雯，載夢03，2025，彩漆銅線，80 x 127 x 18 cm。     自小旅居各國，洪郁雯受多元文化薰陶，將跨越多個文化圈的生活經驗融於其藝術中。她的創作展現如水一般，給人流動且不被定性的感覺，輕鬆超越界限和形式，同時保留其內在本質，其流動性反映了她多元化的觀點，蘊含道家思想相生互換的哲學。曾在台灣舉辦個展，並參與歐洲和加拿大的群展，是近年備受矚目的亞洲新秀。     周楷倫《隱市》   以繪畫與攝影為主要創作的周楷倫，有時先拍照再根據相片內容進行繪畫，有時先落筆，事後再進行拍攝，透過攝像和繪畫形式的相輔相成，進行當代視覺影像與繪畫的討論和思索。面對既有影像的重複辯證，既是強調個人的自我意識，也是藝術家在創作形式現代化與社會規則交相逼進的情境底下，針對「創作者」身分進行的反覆詰問。     周楷倫，休息的高鐵旅客，2024，炭精筆、紙，19.5 x 13.1 cm。     周楷倫表示，一直希望留下一些獨一無二且能夠求同存異的瞬間，讓自己與自身當下所處的環境周遭達到某種平衡狀態。身處碎片化的時代，周楷倫的創作轉化源於意識的攝影，在現實中取材拼貼精神的輪廓，回應藝術家身處現代社會的自我定位。     智海《鹵素：明珠》   1977年出生於舊香港的智海自過去收藏的幻燈片中取材，創作《鹵素》繪畫系列。這些幻燈片大多是1960-70年代香港的風景名勝，因年代久遠而褪色，剩下偏紅的單色調。     智海，鹵素51–啟德機場夜景，2025，油彩、麻布，24.5 x 33.5 cm。     將過往的風景投影於工作室的牆上，智海將這些不曾親歷的場景繪製為一系列油畫，再將畫作轉譯為幻燈片，並投影展出，作品內容聚焦於舊香港的城市夜景，題為《鹵素：明珠》。歷經載體的一再轉換，為這些僅存於舊香港人記憶中、曾被譽為「東方之珠」的都市場景，烙印最後的風華。   智海的創作涉及鉛筆畫、油畫、漫畫與獨立出版，題材廣泛，漫畫集包括《圖書館、我和我聖人》、《默示錄》、《大騎劫：漫畫香港文學》、《灰掐》等，作品譯有英、法、義及芬蘭文。     劉致宏《迷湯》   劉致宏的作品描繪了一個下著雨的傍晚，騎在老打檔車上沿著海岸巡遊前進，隨著天色漸深，自身也越發靠近海洋。安全島上瑣碎的裝飾燈、鎢絲燈泡的光逼出梅納反應（Maillard Reaction）的熱烈，隨細密的雨絲，暈開視線所及的每一點光源，沸騰的陽明山上蒸氣繚繞，榕樹與棕櫚葉被雨水洗得顏色清亮，海堤上釣魚的人們撒下點點螢光。     劉致宏，鎢絲燈泡，2015，油彩、畫布，19 x 27.5 cm。     劉致宏近年的創作持續關注當代生命經驗的捕捉，以日常的角度建構敘事，創作類型涵括了繪畫、陶瓷、裝置、複合材料、地景藝術、出版計畫等，並聚焦在「材料與能動性」、「語言形式轉化」與「在地關係連結」等面向。   自他的創作中，宛如從他的眼睛、跟著他的呼吸，一同沿著海岸奔馳，細雨澆頭，風和水氣撲面，略帶汗水的鹹味……一切感知，宛如將深夜的種種元素投入，細燉一鍋迷湯。     《未央．夜》 時間」2025.02.15-04.19 地點」TKG+ Projects (台北市內湖區瑞光路 548 巷 15 號 2F)     資料及圖片提供」TKG+ Projects 編輯」江瑜

林莉酈〈大眾澡堂-1〉44x80cm，絹本膠彩，2025。     2025的當代一畫廊，邀請兩位女性藝術家攜手以雙個展的形式，為其首檔展出揭開序幕。   林莉酈與胡晴雯的最新創作，通過水墨與膠彩反映現實的生活片段、和創作者游離於現實之外的精神世界。展出內涵20餘幅作品，呈現兩位藝術家相輔相成的創作脈絡，在物質性與精神性之間搭起一座橋樑，邀請觀者在光影與時間的流動中，感受生命的豐富與深邃。     胡晴雯〈透光〉45x100cm，銀箔、墨、鉛筆、盛上、紙，2024。     舊影重遊─林莉酈個展   林莉酈以平實筆調表現沉靜的心靈感受，取材自日常所見，作品呈現的室內空間、街景擺設以及植物盆栽，情感含蓄內斂，而不見任何引人注目的企圖；氤氳的灰調、搭配高彩度色質，與台灣膠彩畫習見的鮮麗大不相同，表現其個人獨到的色感與美學。     林莉酈〈前山浴室〉43x77，絹本膠彩，2025。     作品畫面充滿對日常事物的溫柔凝視，從童年田郊的純真記憶，到成年後的思索，融合自然、宗教與人造物的象徵，林莉酈從藝術家的角度，重新審視生活裡的每個細節，從中提煉生與死、開闊與封閉的矛盾，藉細膩筆觸將這些感受具象為畫面語言，讓觀者在作品中窺見物質世界背後的靜默與震動。     如影隨形─胡晴雯個展   胡晴雯偏好觀察光影與萬物互動的變化，使用金屬媒材突破傳統水墨主題的盲區，寫意筆法描繪抽象和流動的時光，利用硫磺水與銀箔產生交互作用，自然衍生線條和筆觸；並善用銀箔易氧化的特性，沉澱焦灼的色彩在畫面中留住了時間的軌跡，展現傳統與現代技法相輔相成的可能性。     胡晴雯〈朽葉〉30x30cm，銀箔、礦物性顏料、硫磺、紙，2024。     以光為核心，捕捉生活中片刻的感性經驗，將那些不經意流淌的瞬間凝結為悠長的詩意，觀察光影映照萬物表面、滲透萬物內裡的此消彼長，光的存在沉澱了心靈上的紊亂，成為藝術家的精神反射，也是創作中不可或缺的主題，胡晴雯通過描摹光影的善變與易逝，將這些特質轉化為對生命旅程的觀察與深思。       《舊影重遊 x 如影隨形》林莉酈 x 胡晴雯水墨雙個展 〈What Difference A Day Makes X Inseparable〉- Ink Paint Dup Solo Exhibition 日期」2025.02.07 — 2025.03.22 地點」台北市光復南路22巷32號1樓 營業時間」週一至週五10:00-18:00星期六13:00-18:00     資料及圖片提供」當代一畫廊 編輯」江瑜