在繁忙的生活中，總有一些片刻能讓人暫時停下腳步，一杯茶、一段靜默，或僅僅是凝視光影的移動，都足以讓心安定下來。以此為核心意象，策展人許哲瑜、郭中元與日本陶藝家大谷哲也共同策劃的《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》日本工藝家聯展，於台中大屯郡守官舍盛大展出。 參展工藝家與策展團隊合影。 策展團隊歷經一年多的踏查與紀錄，集結11位來自日本各地的工藝家，包含陶瓷、玻璃、剪刀、金工、木工、和紙、焙茶、和菓子及花藝等作家，跨領域探討工藝與日常生活的想像與力量，並同步出版專書。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   工藝與生活的交會 「Ippuku／一服」在日語裡意味著忙碌中的一段小歇。策展團隊走訪日本九州、金澤、新潟、能登半島，與工藝家們對話，發現「Ippuku」並不是單純的休憩，而是創作與生活交融的一種狀態──在工藝家的日常裡，休息即創作，創作亦是休息。  《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 展覽的出發點，不是遙遠的藝術理念，而是生活本身，以「生活即創作」為主軸，這些看似日常的物件，其實蘊含工藝家最專注的創作心境。角田淳從料理與家人餐桌出發設計器皿，大谷哲也以「白」詮釋極簡瓷器的澄澈，大谷桃子將田園風景轉化為器物紋樣；京都的ハタノワタル（Hatano Wataru）讓和紙溫潤延展於空間，來自能登半島的有永浩太以口吹玻璃展現透明與堅韌，多鹿治夫鋏製作所傳承各種生活工具歷史與創新，金澤的竹俣勇壱則以金工勾勒餐具的優雅姿態，所有的精彩皆呈現於每件作品中。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   和紙的柔光 其中，ハタノワタル（Hatano Wataru）的創作以日本傳統和紙文化為核心，但卻不侷限於傳統用途，而是將其拓展至建材與空間應用。大眾常認為紙材脆弱、遇水容易破，但他認為，和紙的本質就是「樹皮」的延續──經由多道製作程序再重生，正因如此，和紙其實是一種堅韌且充滿可能性的媒材。 ハタノワタル（Hatano Wataru）。   製紙過程。 製紙過程。 在空間應用上，和紙最動人之處在於光，等於將柔和的時間帶入其中。和紙會先吸納光線，再柔和地反射，形成一種獨特的光暈，他解釋道：「和紙讓光線變得不那麼直接，反而能將擺放於空間中的事物襯托得更漂亮。」有鑑於此，當和紙作為建材時，透過光影與材質特性的協作，不僅能營造溫潤氛圍，同時也讓物件和空間獲得了新的詮釋，既能呼應傳統文化，也能對話當代生活。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 除了創作，ハタノワタル（Hatano Wataru）也將心力投注於傳承，他的工坊目前已有八名學徒，期許未來能以團隊方式持續運作、推廣和紙文化；他強調，和紙作為日本傳統工藝，必須在當代被延續與拓展，而非僅僅停留在過往的記憶中。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 鏈結傳統與現代 策展人許哲瑜則回憶參訪ハタノワタル（Hatano Wataru）的工坊時，對於他從原料種植、製紙到作品完成皆一手包辦的流程印象深刻，完整掌握每一道環節。許哲瑜指出，ハタノワタル（Hatano Wataru）的價值不只在於製紙，更在於把傳統的媒材重新詮釋，運用在多元的生活層面中。「他在傳統與現代之間找到了平衡點」，策展人表示，隨著時代演進，越來越少人使用早期的自然材料，但ハタノワタル（Hatano Wataru）卻能在傳統技藝中注入當代對藝術的追尋，展現成熟且成功的轉譯力。他尤其欣賞和紙因光線而展現的多變表情──同一張和紙，在不同光線與天氣下皆能呈現截然不同的氛圍，這是其他建材較難達到的效果。  和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 和紙藝術品。   片刻停歇的光影 《Ippuku》不只是一場工藝聯展，更像是一場關於「如何生活」的提案，邀請觀者暫時停下腳步，透過器物感受溫度。這些作品之所以動人，是因為它們真正回到日常，提醒我們生活中仍可留白、能慢下來，找到屬於自己的「一服」片刻。   Ippuku：生活與工藝的片刻對話 日期」2025年10月1日至2025年11月16日 地點」台中市西區林森路40號（林森40 / 台中大屯郡守官舍）     資料及圖片提供」中島GLAb、藝術家Hatano Wataru 採訪」陳映蓁  

記得奧罕．帕慕克的《純真博物館》，故事主旨以男主角凱末爾對女主角芙頌的愛為核心，透過不斷收集她使用過的物品，以填補得而復失的遺憾；作者收集現實中對應的物件，蓋起一座真正的博物館，透過這些觸手可及的物件，就像故事中的情節落入現實。如果愛一個人，就連她遺落的菸蒂都是可愛的，只因那些菸蒂牽引過她不同時間和不同地點的情緒變化，看到那些遺落的物件，彷彿就看到通往特定回憶的鑰匙。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《軀幹》，2023，無聚氨酯泡膠塗佈於無酸紙，69.1 x 54公分。     臺北市立美術館兒童藝術教育中心（簡稱北美館兒藝中心）近期推出的展覽「痕跡悄悄話」，就像是屬於大眾回憶的「純真博物館」，策展靈感源自於日常中不經意留下的痕跡：床單的褶痕、地上的腳印、揉成一團的紙張，或衣物上的汙漬……這些常常為人忽略的細節，無聲地訴說著生活的軌跡。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《憂慮》，2023-2025，布料、發泡膠、鋼繩與金屬結構，330 x 174 x 180公分。     由館內策展人郭姿瑩策劃，邀請法國藝術家戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé），以及台灣藝術家劉書妤與蕭禹琦共同參與，以「痕跡」為主軸，作品涵蓋立體、陶土、錄像與空間裝置等多元形式，另外包含兩件委託創作。邀請觀者透過藝術的角度，重新凝視生活片段，在日常細節裡尋覓那些悄然留下的印記，細品那些無聲遺留在時光中的意義。     戴爾芬・普伊耶（Delphine Pouillé）《敏捷#4》，2016-2025，布料、發泡膠、塗層、環氧樹脂、木結構與人造草皮，100 x 135 x 179公分。     個體和外在環境的對話與連結   三位藝術家透過自身的生命經驗和獨特的眼光，將抽象的回憶轉化為具體的藝術裝置，引導大小觀眾與其互動，觸發自身的情感共鳴。如法國藝術家戴爾芬・普伊耶，她的作品聚焦於肢體移動與環境互動的軌跡，利用拓印與雕塑般的造型，定格瞬間的動態。作品《軀幹》和《憂慮》皆取材自引體向上的動作，呈現身體繃緊的肌肉張力。     蕭禹琦《棉被山景》（螢幕截圖），2020，錄像，3分10秒，循環播放。   《敏捷#4》則表現身體伏倒在橫桿上，彷彿摔倒或是力竭的瞬間。她先繪製圖案、剪出模板，再以發泡膠壓製身形，透過手作過程的手部力道差異，留下獨特痕跡，形成懸浮於二維與三維之間的人形印記，凝聚時間、動作與材料的交會。   蕭禹琦《蔓延攀爬》，2025，二手衣料、布料，尺寸依空間而定。     蕭禹琦的創作則捕捉日常中易被忽略的細節為靈感，以臥房為舞台，展現作品如錄像《棉被山景》，每天為起床後凌亂的棉被拍照，串聯每天不斷變化的「棉被山」，將時間的流動轉化為可見可感的影像。     劉書妤《裊裊：或者目送一顆蘋果》，2023，瓷土、色料、釉，10 x 10 x 10公分。   《蔓延攀爬》則是邀請觀眾共同參與的限地製作，也是為回應本展覽創作的委託新作，藝術家向大眾募集舊衣，將貼合身體的布料剪開、編織，重構為自牆面垂降到地面、如同瀑布般的布料地景，不僅富有視覺衝擊，同時也將眾人的舊衣背後的回憶、生活與思緒悄然交織。   劉書妤《漫遊者：地理》，2025，台灣陶土、八里山土、砂、木作、不鏽鋼網、紗布、聲音裝置，尺寸依空間而定。     《裊裊：或者目送一顆蘋果》創作靈感源自藝術家劉書妤在外公告別式期間，注視著煙霧一縷縷消散於空氣中，感受時間和生命無聲地流逝的經驗。以蘋果象徵時間與記憶，螺旋狀的蘋果皮造型仿擬繚繞的煙，從新鮮到腐壞的過程，映照出生命的脆弱與無常，也引發觀者對告別與失落的共鳴。     「痕跡悄悄話」展場照。   《漫遊者：地理》則以陶土版畫組構出城市風景，窗戶、磚牆、路標與欄杆……將心理狀態轉化為日常景象的立體地圖。對劉書妤而言，創作是一場「漫遊」——以身體與感官重新感知熟悉的街道，並將個人記憶與地方經驗凝結於作品中，讓平凡場景成為獨特而私密的思想痕跡。   「痕跡悄悄話」觀眾創作區。     展覽的動態延伸   在藝術家的作品展陳之外，本展還有特別為觀眾設置的互動創作區域，邀請展出藝術家戴爾芬・普伊耶與劉書妤將作品概念延伸，以及特別委託藝術家廖祈羽與張暉明共同設計「時間碰碰撞撞」體驗裝置空間，透過親身體驗貫徹展覽的核心主旨，邀請觀眾實際動手參與，從中探索行為與痕跡的關係。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     「痕跡悄悄話」體驗裝置空間。     展期間舉辦多場定時導覽、團體導覽、故事日，同時也和野孩子肢體劇場、展出藝術家蕭禹琦、劉書妤合作推出「我們曾經坐在這」默劇表演、「影子的房間」夜光工作坊及「我的美術館遊記」拓印工作坊等適合不同年齡層的工作坊與演出，透過更加多元化的形式，以及更加生動的表現，探索生活中的藝術。   「痕跡悄悄話」 展期」2025年9月27日至2026年2月22日 地點」臺北市立美術館 兒童藝術教育中心   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

時值初秋，新加坡濱海灣金沙會展中心再次迎來設計界焦點盛事。FIND－Design Fair Asia第四屆展覽於近期盛大落幕，匯聚來自22國、超過250個頂尖品牌，五座國家級展館，以及85位世界級講者，共同勾勒亞洲設計的未來藍圖。 「2025 FIND－Design Fair Asia亞洲設計展」主視覺。 作為新加坡設計周的重要環節，不僅是設計成果的展示場，更是數千名設計師、創新者與產業領袖進行深度對話、激盪創意的核心平台。從國際設計巨擘到嶄露頭角的在地創意工作者，FIND體現設計領域中全球化與本土性的共榮。   國家展館：設計文化的多元敘事 展場中，五座國家館以其獨特的文化底蘊與設計哲學，成為訪客探索世界設計脈動的窗口。   左：Fas Pendezza；右上：Il Giardino di Legno；右下：Swan。 義大利館彰顯「義大利製造」的極致工藝與創新精神，從FAS Pendezza精緻的經典遊戲桌、Il Giardino di Legno量身打造的戶外家具，到Swan永恆的軟裝家具與Composit的現代廚房與室內設計，義大利品牌持續引領卓越的全球潮流。特別的是，展館內陳列奢華皮革配件、織品、手工寢具、裝飾塗料及威尼斯玻璃等，充分展現傳統與創新並存、工藝與科技共舞的設計價值。   左上：Wasoo；左下：Mobella​；右上：PDM；右下：Res。 泰國館以「Living Thai Space: The Absence of Power」為題，呈現一場融合傳統、創新與永續性的動態展演。Mobella將舒適感與國際美學融入家具設計；PDM則將泰國文化轉譯為當代設計語言。RES展現鋁製工藝的專業，WASOO則以稻稈等生物材料突破永續設計邊界。 左：Maison Craft；右上：Bendi-Bangkok；右下：Sculpture。 此外，Maison Craft與在地社區合作，發揚自然材質的工藝傳統；Sculpture展出包括聞名世界的Sexy Chair在內的未來家具；Bendi-Bangkok則以永續實踐進行實木彎曲技術的創新，共同刻劃出當代泰國設計的豐富面貌。 Knights Craft。 印尼館以「Embracing the Earth Society」為核心概念，透過九家參展商展示該國文化活力、創新實力與永續理念，聚焦於尖端材料與中小企業的成果，反映印尼在全球設計舞台上日益重要的地位。 捷克家具品牌mmcite。 展會現場亦匯集來自捷克、香港、法國、日本及中國等地的優秀品牌，形成一股強大的全球創造力浪潮。捷克館的Hunat、mmcite等品牌，香港集合CSI Floorings等團體、法國Casamance、日本Anonimo Design與Sanyei Corporation、中國的Bonas與JNJ Mosaic等，均在此齊聚，共赴設計界盛事。   捷克玻璃工藝品牌Hunat。 另外，由獲獎工作室A Life by Design設計的FIND全球高峰會會場，本身即是一件沉浸式裝置藝術，其以「設計國度」為主題，運用新加坡代表性的紅色為主調，搭配季節色彩、未來感入口，以及超過千公尺的精細布料構組而成。Anonimo Design的漸變弦線屏幕、Events Partners的座椅，以及Mill利用回收材料製成的地毯與家具，共同將新加坡推向全球設計前沿，創造既具象徵意義又充滿轉化能量的空間。   Anonimo Design。 設計靈感在一個個精心打造的展位中具體成形。義大利品牌Danilo以其藝術性牆面飾材聞名，此次展位靈感源自森林的層次生態與羅馬競技場的宏偉，引領訪客深入其設計世界。牆面藝術專家Arte則將展位構思為一座自然綠洲，有機形態、綠意點綴與設計師家具共塑出精緻而溫馨的氛圍，促進探索與交流。   左上：AID；左下：Arte；右：Deluxe Systems。 思想交鋒：全球高峰會的深度對談 為期三天的FIND全球設計峰會，匯集了來自23國、超過80位業界領袖，針對建築、酒店、地產與創新等領域議題進行演講。議題涵蓋城市韌性、人工智慧創新、具意義的奢華設計與文化認同等。 從左至右依序：Mario Cucinella Architects創辦人Mario Cucinella、Keiji Ashizawa Design創辦人Keiji Ashizawa、Ramboll的全球設計總監Hossein Rezai-Jorabi、 札哈．哈蒂建築事務所（Zaha Hadid Architects）Simon Yu總監。 重磅講者包括Mario Cucinella探討「創造性同理心」、札哈．哈蒂建築事務所的Simon Yu論述「都市轉型：建築作為變革催化劑」、Ramboll的Hossein Rezai-Jorabi分享「一個過去，多種未來，多重現在」以及Keiji Ashizawa闡釋「量體的層疊：空間與物件的整體觀」。 左：Gensler常務經理Angela Spathonis；右上：EDG Design設計總監Erin Juhl；右下：SOM副主理人Shumin Zheng。 今年高峰會亦引入關鍵女性視角，如Gensler的Angela Spathonis、SOM的Shumin Zheng及EDG Design的Erin Juhl，共同探討設計如何回應當今社會、文化與環境的挑戰。國際照明設計師協會（IALD）、亞太空間設計師協會（APSDA）及新加坡室內設計師協會（SIDS）等專業組織亦帶來專題討論，從光線在空間中的塑造，到文化遺產推動科技永續，乃至彌合設計教育與業界實踐的落差，內容十分多元豐富。為支持專業發展，所有峰會環節均提供免費的SIDAC持續專業發展積分。   新銳發聲：EMERGE @ FIND的視野拓展 由新加坡設計理事會呈現、FIND支持的EMERGE @ FIND，本屆以「設計中的對話」為主題，迎來最大規模展覽，從東南亞擴展至泛亞洲舞台。新加坡品牌SUPERMAMA創辦人Edwin Low首度擔任聯合策展人，與Suzy Annetta共同策劃。 左：SUPERMAMA創辦人Edwin Low；右：Design Anthology總編輯Suzy Annetta。 展區匯集超過75位設計師與百件作品，迎來自中國、香港、日本、韓國及台灣的新聲音，與東南亞的知名創作者並列。其中七位設計師更獲選為年度「FIND社會先驅者」，包括韓國OK Kim、印尼Threadapeutic、菲律賓Meyte Chen等，為展區注入大膽新穎的觀點。   從左至右：韓國設計師OK Kim、印尼設計師AlvinT、菲律賓設計師Myte Chen。 FIND－Design Fair Asia的VIP買家計畫，專注於為頂尖設計、家具及燈飾品牌，與東南亞地區的優質買家進行精準商務匹配，透過客製化議程與預先安排的一對一會議，協助品牌與分銷商、設計公司、地產開發商及酒店業領袖建立深度連結，除了發掘新品，更能參與高峰會與導覽考察，掌握產業趨勢。在250個國際品牌支持下，展會成為全球品牌，向東盟及亞太地區邁進，創造顯著的商業價值。   2025 EMERGE@FIND參展作品。 資料及圖片提供」Fiera Milano、dmg events 編輯」林靖諺

利用影像記錄生活已經是日常中不可或缺的一部分，無數拍攝上傳的畫面，就此拼湊出一個人的小世界，然而無論是現實中抑或虛擬，保存的空間終究有限，在整理影像的去留時，一幕幕過往的回憶又觸動了多少心弦？     《新店 直到她跟鏡子說話，我們開始變成朋友》，2021，45 x 60cm。     《相機不見了》是攝影師陳建維在谷公館的首次個展，展覽內容一百多幅攝影作品，有些臉孔是他熟悉的親友，有些只是旅途中共享片刻擦肩的過客；有些場景熟悉一如台灣民眾的日常，有些畫面卻來自地球另一端，對觀眾來說連在網路上都不會刻意去查詢背後的資訊。這些零星的光影相互串連，橫貫2020至2025五年的時光，展現攝影師所踏足的國家與經歷的人事物，將喜怒哀樂定格於畫面中，成為永恆的風景。     《台北 嗨！法蘭～》，2022，120 x 60cm。     《台北 認識的小女孩長大了》，2022，45 x 60cm。     失而復得的紀錄   曾在音樂界、時尚名人圈拍攝眾多作品的攝影師陳建維，主修電影出身，後專職於平面攝影，在作品中融入電影般的敘事氛圍。本展以《相機不見了》同名創作命名，靈感源於他遺失相機的真實經歷，他形容當下的心情：「記憶像著急的跑馬燈」，過去曾經紀錄的種種畫面，那些曾經的光影、心跳與呼吸，一瞬間全都宛如當場蒸發。     《東京 以後盡可能不住在澀谷》，2023，60 x 45cm。     原來一台相機能裝下的，不只是影像，而是這幾年所記錄的自己，器材的遺失，不僅是物理上損失了一個工具，更象徵著個人視覺記憶的斷裂，失去相機的佐證，連帶記憶的細節也變得不再篤定。陳建維先生於心頭許願，如果失而復得，期待以此舉辦一場派對、或者準備一個擁抱，贈與陪伴自己多年的親朋好友，意外的是，隔天就在與家人翻找過數次的桌邊角落尋得相機的蹤影。     《台北 她問大人，不能多說點好話嗎》，2023，45 x 60cm。     如此戲劇性的失與得，觸動了陳建維攝影師。多年職涯，初期以拍攝人與土地為主的他，後逐漸延伸至流行雜誌、唱片、時尚與廣告等領域，跨過平實的民眾日常和炫目的商業場景，他都能從中找到激發強烈情緒與姿態的觀察角度。對陳建維攝影師來說，攝影不只是工作，更像是一場蒐集畫面的遊戲，在為作品起名的過程裡，他曾說：「相機是一種幻術，真正生活的人比較重要。」如此在鏡頭下捕捉無數光影的變幻，也拼湊人們在當中生活的真實。     《聖米歇爾 真正生活的人比較重要》，2023，90 x 120cm。     《墨爾本 山丘上的盤絲洞》，2023，60 x 120cm。     情感與記憶的重構   《相機不見了》是一場關於失去與重逢的影像敘事，也是一場重構視覺認知與縫合時間的行動，步入數位影像時代，人們一邊從拍攝的畫面中尋求真實，一邊又再加以精工修飾。當記錄的過程因突如其來的意外被迫中斷，記憶與觀看也隨之產生裂縫；影像的存在，見證了一段被打斷、又重新串起的記錄旅程，以記憶為軸，在整理影像的同時，對過往所發生過的一切進行再拼貼與再詮釋。     《墨爾本 我最喜歡的位子》，2023，45 x 60cm。     在這五年當中，陳建維攝影師將所見所聞編織成一首影像敘事詩，笑與淚在畫面背後的事件裡交錯，內容包含家人的失智、因此淡化雙方的衝突和對立，反而讓他與對方重拾親情，得以建立新的情感聯繫，成為可以互相微笑的朋友。還有在法國記錄好友謝淑薇重返網壇的心路歷程，以及騎著單車追逐陳彥博在巴黎公園訓練跑步的軌跡。跟曾寶儀是小學同學的他，曾相約一同去阿里山採藍莓，好友燦笑的臉龐，也為陳建維攝影展點綴了美麗的光彩……在這當中流動的情感與時光背景，也等待著與有過相同情感經驗的來賓與其產生共鳴。     《新店 他找了一整天的相機》，2024，80 x 120cm。 《萬里 消失的海邊泳池，有小黑在》，2024，60 x 90cm。     與其合作超過25年的音樂人李宗盛曾形容陳建維攝影師拍照偏向單純喜歡這件事，而非著重於留下自我的證明，在按下快門的瞬間，不知道且不理會，時間的長河將賦予這瞬間怎樣的意義。「失而復得」反映的是一種普遍而深刻的人類經驗，這些影像中的人與物已經隨時光長河沖刷至無法回返的彼岸，然而留下的記錄仍如許真實、觸手可及，創造第二次擁有和失去的可能性，是否仍舊保有最初的情感與意志，抑或已然成為新的記憶？     《彰化 有光》，2024，45 x 60cm。     照片中發生過的事件已然發生，但人們觀看的視角卻已經不同，經歷疫情爆發、解封，世界又恢復自由的日常，而生活仍在繼續、記錄不曾停止。   《相機不見了：陳建維》 展期」2025年8月30日至2025年11月1日 地點」谷公館 MICHAEL KU GALLERY（台北市敦化南路一段21號4樓之2）   資料及圖片提供」谷公館Michael Ku Gallery 編輯」江瑜

家具是人們生活的友伴，是刻劃生活溫度的承載器具。一件心愛的木家具，就像貼心的知己般，陪你度過歲月時光，溫柔承接你疲憊的身軀，給你安心的依靠。   在重視量產與速度的時代，台灣各地有一群真心熱愛木家具的匠人，日日親手打磨每一件木家具，呈現它最動人的紋理與姿態，給予每件家具獨特的靈魂，讓它們跳脫了一般家具的定位，升華為可長久傳家，蓄含生活故事的器物。   財團法人新光三越文教基金會與路力家器具攜手舉辦的2025木質生活展《未定的輪廓》，將台灣木作工坊與木作匠人的精彩作品同場並呈，9月26日至10月6日於新光三越台北信義新天地A9九樓宴會展演館，帶領觀眾進入木作人的世界，踏入一場融合產地故事、工坊製程，到創意設計的旅程。        木創作的感官旅程 2025木質生活展《未定的輪廓》帶領觀眾走進木家具的前身至成型，從沉浸式的參觀過程裡，感受木作人的世界，體會他們對木家具創作的執著與熱愛，從木香氣味到輪廓紋理，探訪手工木家具最動人的溫度。   展區一：尚未成形　回溯源頭的產地故事 走進原木的世界，回到雕琢前的真實面貌，從木種原貌、紋理到氣味，感受它最純樸的質感，各具特色的紋理與節點，呈現每塊木材獨一無二的特色。   展區二：未成之聲　工坊製程的沉浸式體驗 捕捉創作過程的瞬間，透過工坊內的聲音、景象、設計原稿的交織，重溫創作過程的一抺光景及木家具成型的瞬間。   展區三：日常輪廓　創意設計落實成型 精選品牌原創家具與小木器，展現它最具生命力的美好樣態，呈現每件手作的內涵與故事，實木不同的色澤和質感，傳遞工坊的創作哲學。 特色看點 木作職人不僅是木藝的創作者，更是促進自然原物與時光對話的書寫者，每件作品都注入了他們對於木頭的熱愛、對環境與時光的禮敬、對創作的堅持與鑽研，透過2025木質生活展《未定的輪廓》精選作品，並呈著他們的理念與個性。   雙手創造的美麗之物　路力家器具 重視細節、觸感的「路力家器具」，從設計到工藝，專注於家具的榫接與流暢曲線，細心傳遞實木溫潤質地與獨特紋理，讓它成為療癒人心與留存情感美麗收藏。 作品：Y4 休憩椅 - 單人款 介於沙發與餐椅之間，外露的結構設計，結合舒適面料的包覆，厚度僅不到5公分的曲面變化薄型背墊，呈現視覺輕盈且予人高舒適度的乘坐體驗。（路力家器具）   木工與木雕並治的結晶　木夫 「木夫」作品樸實、低調且溫潤，融合木工與木雕專長，重視留白與簡約線條，賦予木創作功能與詩意的平衡，讓自然原料隨著歲月積累蓄存溫度，化為生活裡最動人的陪伴。 作品：Woody 掛勾 造型簡單趣味，像是牆上冒出來的小鬼或是探出頭來的毛毛蟲。吊掛功能性之外，也以小型雕塑作品融入家中。（木夫）   用永續理念讓木作新生　even 重視自然永續的木藝工作室「even」，擅長讓回收木轉化新生，保留其歲月痕跡，將生活感觸融入家具與藝術之間，製作令人莞爾且友愛環境的個性作品。 作品：果樹盤 可擺放水果、點心或各種小物，為餐桌與空間增添可愛趣味。（even）   讓台灣檜木綻放新生　w2 wood work 「w2 woodwork」從台灣檜木出發，重視永續環保及木料循環利用，以「reuse + rebirth」的精神，把檜木的清新與自然帶進居家生活，連結人與土地的記憶。 作品：台灣檜木 格柵電視櫃 格柵門片有著散熱功用，同時將檜木香更好地傳散於居家，為生活中增添木質的美麗與香氣，予人來自森林的清新氣息。（w2 wood work）   實用本質精工入裡　微一設計 「微一設計」致力於將傳統工藝結合當代美學，採用天然木材結合車枳、雕刻、鑲嵌等技法，融合台南傳統的「茄苳入石柳」鑲嵌工藝，讓木製品不只有實用性，也是長存於生活的美麗愛物。 作品：花瓶鳥｜大．小 用木藝精工創作的花器，將花草化為鳥類頭冠，在變換花瓶鳥的髮型中，增添生活樂趣。（微一設計）   集結城市力量的推廣平台　優木良品 「優木良品」由嘉義市政府文化局推動，藉由木產品認證機制，為優質木產品與品牌形象加值，透過創新設計、生活論壇等多元切角，推廣臺灣木產業、木工藝與木教育領域，形塑臺灣木產品生活風景。   作品：STAND Series－C型邊桌・胡桃木 簡約線條與輕盈造型，讓木家具擺脫厚重印象，有了融入多種風格空間的可能。細節上呈現的榫接工藝與天然木紋理，訴說了它出眾的精緻質感。（優木良品—卓恩研究室）   作品：優木良品—來嘉座 以螺旋形路線及之字型折返鐵道呈現生動的視覺姿態，融合舒適與功能的單椅展現積層曲木的工藝與職人精神。（優木良品）     木工藝，有著歷久彌新的經典魅力，透過一代又一代的木藝匠人，傳承精要、探索新藝，媒合了傳統元素與當代美學，創造合於需求且具收藏樂趣的木作，讓自然與永續成為可親近可實踐的進行式，2025木質生活展《未定的輪廓》透過展覽忠實展現了台灣當代木作人的情感、溫度與那些值得收藏的品牌臉譜。   2025 木質生活展《未定的輪廓》 展期」2025年9月26日至10月6日 地點」新光三越臺北信義新天地A9 九樓宴會展演館 ※ 每日開放時間依百貨營業時間為主。 了解更多活動資訊：https://reurl.cc/EQm8Rn 

北師美術館與國家文化藝術基金會「策展人培力＠美術館」合作，2025年11月2日前推出由新生代策展團隊Nn̄g Project策劃的「亂流：半睡飛行夢」展覽。 展場照。攝影：dulub studio 在飛行成為日常的年代，天空同時覆載著航空科技、資訊網絡與人類情感的流動，策展人張文豪、黃羿瑄及黃銘樂以「天空、飛行、航空、機場」為出發點，邀集來自南韓、香港與台灣的九位藝術家，透過影像、聲音裝置、雕塑、繪畫、文件等媒材，探討當代飛行經驗如何體現於個人的身體、情感及記憶，同時也思索航空科技如何重塑社會景觀與在地文化。 展場照。攝影：dulub studio   展覽靈感源自英語諺語 The Sky’s the Limit（無可限量），策展團隊卻將其顛倒為 The Limit’s the Skies（極限就是天空），拋出提問：「當全球移動與資訊傳輸如呼吸般頻繁時，我們是否還能共享同一片天空？」在這個被衛星監控、訊號交織的時代，天空早已成為無形網格的一部分，而飛行經驗也不再只是浪漫自由的隱喻。 展場照。攝影：dulub studio   機場場域的再造 展覽以「機場」為策展核心，四件特別委託製作的新作圍繞「流動」展開，呼應機場作為跨界節點的複合意義──既是不同區域交會的運輸節點，也是許多法律與管理程序的執行地。 展場照。攝影：dulub studio   一樓大廳由台灣藝術家張庭甄以《祝福是不幸的尾巴》系列揭開序幕，模擬航班顯示器與虛構太空垃圾的起降時間，並結合聲音與報刊的裝置，建構出一個平行時空的「出發──抵達」場景。香港藝術家李鈺淇的動畫裝置《把我的眼睛沉入你的眼睛》將窗外雲海化作流動的內心劇場，讓觀者在視覺與情感的交錯中遊走；同樣來自香港的徐皓霖，則以《親愛的微風》記錄城市女子味如嚼蠟的夏日生活，結合底片攝影、數位影像拼貼等創作手法，檢視資本主義如何透過航空廣告與旅遊影像激發慾望、操縱消費。 張庭甄《祝福是不幸的尾巴》系列。攝影：dulub studio   李鈺淇《把我的眼睛沉入你的眼睛》。攝影：dulub studio 進入二樓，曾彥翔的裝置《Wet Edge of A Circle》利用幾何結構呼應塔台與航廈物件，營造靜止卻不斷延展的「流動」感；而林彥翔的兩組作品分別以成田與桃園兩座機場為起點，交織出個人視角與區域地緣、歷史記憶與當代空間再造之間的張力；新作《來自塔的預言》則追溯成田機場抗爭的歷史，將個人經驗、地緣政治與土地記憶疊合，讓飛行不僅僅是抽象的旅程，而是與現實衝突交織的辯證。 曾彥翔《Wet Edge of a Circle》。攝影：dulub studio   首次來台的南韓藝術家洪辰煊以影像裝置《午安，晚上好，晚安 v2.0》重現匿名影像網站的社群機制，挑戰演算法宰制的網路生態；勞麗麗的《飛行備忘》則將候鳥遷徙與田野影像並置，探索落地與飛行之間的情感協商。 洪辰煊，《午安，晚上好，晚安 v2.0》。   李秉璈的繪畫《滯緩與神遊：空船》則如旅途中隨筆般，以紙張與廣告片段拼貼出漂浮的時空。台灣藝術家羅懿君的作品更直接觸及物質與政治的交錯，將甘蔗、農具與健身器械轉化為《蔗渣飛彈》與《滑輪下拉機──紫電號》，指涉資源、戰爭與身體之間的矛盾平衡。 李秉璈，《滯緩與神遊：空船》。   在亂流中尋找航向 「亂流」不僅象徵飛行的突發狀態，更是策展團隊對當代處境的隱喻。當人們穿梭於跨境流動與資訊網絡之間，飛行已成為觀看社會景觀、身體狀態與文化記憶的折射鏡，展覽藉由機場的場域轉換，召喚觀者對「天空」的凝視與反思，重新丈量身體與情感的邊界，發掘感知的未竟之地。   亂流：半睡飛行夢 日期」2025年11月2日前 地點」北師美術館     資料及圖片提供」北師美術館 撰文」陳映蓁

來自英國的「光之雕塑家」安東尼．麥考爾（Anthony McCall），以「固體光」（Solid Light）藝術裝置聞名國際，被譽為跨越當代藝術與實驗電影的先驅，首度在台個展日前揭幕，內容涵蓋9件精彩作品、18件檔案文件，以及素描、攝影與錄像作品，展覽重點正是其近年備受國際肯定的「固體光」系列，完整呈現麥考爾從平面到立體、從二維到三維，乃至從電影到裝置的創作脈絡。     「光之雕塑家」安東尼・麥考爾首度在台個展，聚焦呈現麥考爾固體光系列代表作。     解構電影與雕塑   實驗電影自名稱回溯，「實驗」一詞就概括了整個領域的顯著特徵：例如非常規的敘事順序，故意的失焦、快速的剪輯，與畫面不同步的音軌等等，透過這些實驗性的拍攝手法，促使觀眾更加主動去思考觀看體驗，挑戰主流審美、探討電影的娛樂性和藝術性。作為一名實驗電影人，麥考爾自70年代就開始嘗試變化創作形式，受拍攝過程所啟發，他發覺經過攝影的框架與解讀，使作品呈現和觀眾所接收到的內容再一次出現了變化，以此延伸思考：是否能有一種創作方法，可以消解鏡頭語言的過渡，讓觀眾直觀地走進他所建構的作品畫面？     麥考爾固體光系列作品打破電影、雕塑與裝置的界線，在黑暗中帶領觀眾穿梭於光線、空間與時間之間，探索存在與感知的邊界，並與作品互動、融為一體。     展中必看的亮點之一《描述一個圓錐之線》（Line Describing a Cone），便是他在1973年搬遷至紐約定居、並投入「固體光」系列的首件作品，被視為當代藝術與實驗電影領域的重要里程碑，藝術家本人稱之為「第一部存在於真實三維空間中的電影」，捨棄主觀敘事，牽引觀眾與之互動。結合現代科技，此作以16厘米攝影機拍攝，一開始觀者會看見螢幕上呈現一個白點，緊接著以光為筆，描畫點、線、面，隨時間推進，延伸繪出完整的圓形線條，在螢幕與投影機之間的空間內，透過光束形塑立體的圓錐，打破抽象與具體的觀念。     探索光與時間的互動   展覽重點聚焦於橫向投影、結合聲音與空間感知的藝術裝置，在展場幽暗的環境中，利用投影光束和煙霧，呈現光的形體和可以觸摸的質地。除了《描述一個圓錐之線》(Line Describing a Cone)，亦呈現2000年後創作的3件橫向固體光系列作品，以及垂直投影之作，讓觀眾走入光中、融入作品的動態。同時，麥考爾的素描、攝影、手稿、錄像等作品，則自多維角度呈現其創作理念的不同面向。     《離去（靜默兩分鐘）》（Leaving (With Two-Minute Silence)）。當觀眾置身於黑暗空間中，在煙霧的輔助下，眼前的三維形體將更加清晰浮現，彷彿一座由光構成的雕塑。     若問藝術家如何看待自己的作品，麥考爾表示，他會採用Circle與Loop為其分類。Circle是結構型的循環，透過首尾相連的敘事，如《面對面I》（Face to Face 1, 2013）讓光等速重複的移動路徑，重點是讓觀眾自由穿梭在光牆間，自行決定體驗的始終；與之相對，Loop則有絕對的開始，此類項目以作品《離去(靜默兩分鐘)》(Leaving (With Two-Minute Silence)為代表，探索投影變化的節奏。在走進展場前，藝術家也提醒觀眾，不妨先看向投影機再轉身，自探索光錐所形塑的大型空間結構，再轉向研究螢幕上揭示的線描圖形，以便更加全面地將整體畫面收入視野。     視覺的革新體驗   綜觀安東尼．麥考爾的創作歷程，他橫跨繪畫、雕塑和攝影的領域，結合科技手法給予觀眾心靈上的觸動，不斷拓展藝術的邊界，這樣的挑戰精神不僅限於對外，也同樣對自身發起。一如展中的垂直投影作品《天光》（Sky Light），相較於其他作品橫向投影呼應電影播放的水平性，麥考爾轉而利用垂直投影，展現出另一種雕塑性的特質，此作以投射在基座上的方式呈現，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態，彷彿獨立演出的自然劇場。     垂直投影《天光》（Sky Light）模型，以投射在基座上的方式，展現固體光的雕塑性，結合雷聲與雨聲，營造出閃爍迷離的微型景觀與生態。     黑格爾曾說：「身在純粹的光明，就如處於純粹的黑暗中一樣，什麼也看不見。」麥考爾無意將自己的作品限定在某個標籤中，透過創作不斷探索固有思維的邊界。在他創作的世界裡，「固體光」因應所在環境與觀眾的肢體語言相互對話，交織生命的動態，光的推進與退卻，不僅是物理現象，也象徵著人與人之間的際遇與流動，每一刻的珍貴，既是因為當下的獨一無二，也因為它銜接著下一刻嶄新的未知。     資料及圖片提供」富邦美術館 採訪」江瑜

「間（MA）」，是一種日本的獨有美學，透過對於「留白」和「虛無」的概念，解構對空間的認知，在有限的現實空間中探究無限的可能性，而「間」的觀念，對於藝術形態的形成與構造影響深厚，在思想與現實的多維度碰撞中，創作者與觀者對於自身與現實的認知也在不斷更新。     展覽主視覺。     也趣藝廊於2025年9月的展覽《間 ま MA》迎來三位日本藝術家——栗棟美里(Misato KURIMUNE)、大﨑のぶゆき(Nobuyuki OSAKI)、安田知司(Tomoshi YASUDA)的共同展出，三人各有擅場，透過獨特的藝術視角、邀請觀者進入「間」的領域。在這場展覽中，「眼見為憑」的思想不再如呼吸般理所當然，看似靜止的藝術作品，在觀者的腳步移動間彷彿也活出自己的生命動態；一如日文「間」，並非單指一段空白、一個空間，而是一個語境、包羅萬象的變化，喚醒觀眾對日常的好奇心，從「理所當然」的縫隙間，再一次看到生活內蘊的無數驚奇。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #02_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2024年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #03_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm_Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     薛丁格的照片   栗棟美里 (Misato KURIMUNE，b.1988) 以最初拍攝的照片奠定構圖基礎，巧妙融合光柵、複合媒材與人工智慧等多樣技法，讓平面的圖像呈現多樣化的材質質感，以此拼貼探尋美、存在、時間和生命的本質，靈感取自互聯網，參考當代以「觀看」建立人際關係的行為本質進行分析，建立創作概念。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #04_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Display #05_UV print on clear acrylic plate, Image Size 67.6 x 120 x 0.5 cm, Framed Size 69.75 x 122.2 x 2.5 cm, 2025年。     她的作品邀請觀者移動腳步，觀察作品中隨著觀看角度不同而忽隱忽現的人物，開啟一場關於「觀看」與「存在」的哲學探索。透過視線範圍內的存在與否，延伸探討人們對數位影像與現實的直覺認知，更鼓勵觀者主動反思美與生命的定義，在這個資訊過載的時代，她試圖釐清影像與虛構的邊界，展現出技術與概念的雙重深度，反映當代藝術與媒體融合的現象。     栗棟美里Misato KURIMUNE, Images_Portrait #07_Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 35.5 x 20.4 cm, Framed Size 36.5 x 21.4 x 2.5 cm, 2021年。     對栗棟美里來說，「真正美麗的事物是什麼？關於所有存在和時間的本質，以及作為人類在這個維度中生活的探索又該如何衡量？」這些是她不斷叩問自身的議題，同時也是她希望大眾可以一起思考的部分，生命與世間萬物存在的有限性、以及希望盡可能在有限之內延長所有美好事物的私欲，促使她以持續探索藝術為目標而創作。     栗棟美里Misato KURIMUNE, You may be in this world. Or you may not be. Ink-jet print, lenticular lens, Image Size 95.6 x 54 cm, Framed Size 98.8 x 57.2 x 2.95 cm, 2020年。     當代認知的畫質   安田知司 (Tomoshi YASUDA，b.1985) 的作品以細膩而理性的筆法將影像像素化，再以傳統繪畫的方式逐格填色重建畫面，觀看體驗宛如拼圖，當觀者在遠觀與近視間來回移動，自遠處望來看似具象的畫面，在近距離觀察時卻又模糊為一片片抽象色塊，就像觀看影片時恣意調整畫質，在現實中體會到虛擬的動態感。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.054ppi, 118(friends), Oil on panel, wooden frame, 41 x 53 cm, 2023年。     安田知司的創作彷彿無聲地詢問：一幅畫的本質，究竟是畫布上由顏料構成的「畫面」，還是承載圖像的「畫布」這個媒介？透過解構手法，他再「觀畫」的行為過程中注入新的意識，不僅重新定義了視覺的組成，也隱約暗示當代社會在消費與認知機制之間的模糊邊界，讓觀眾重新思考創作的概念和價值。     安田知司Tomoshi YASUDA, 1.149ppi, 126(lady), Oil on canvas, 33.3 x 24.2 cm, 2025年。     安田知司Tomoshi YASUDA_Sequence color, 26(parent), Oil on acrylic board, wooden frame, Framed Size 86.8 x 69.6 x 6 cm, 2025年。     記憶暫留   大﨑のぶゆき (Nobuyuki OSAKI，b.1975) 以錄像、影像處理與裝置為主要的創作形式，嫻熟運用編輯、解構與延展手法處理錄像素材，使觀者身處於影像與現實、存在與遺忘之間的模糊地帶。他的作品與傳統攝影以清晰為美觀的標準相異，專注於捕捉宛如視覺暫留的影像，呈現彷彿「未完成地出現」，或「正在消失中」的狀態，讓影像成為時間的容器。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Portraits (Buenos Aires｜Portraits of Japanese immigrants) A_LCD screen, TV stand, video, audio of the interview...and others_Installation_2019_ed. 3+A.P 2 .     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Untitled album photo (Couple, Beach, 38E) 1_C-print, 120 x 80 cm, 2019, ed. 3+A.P 2 .     對大崎宣之而言，創作的核心並非完成單一件繪畫或錄像作品，而是透過其極度勞力密集的創作方法，去捕捉並視覺化那些不可見、不可觸及的流動瞬間，透過一幀幀畫面的延續，他的作品細膩且充滿詩意，搭建起一座綿延的橋樑、展開關於時間與記憶的深度冥想。     大﨑のぶゆきNobuyuki OSAKI_Sandial (-34°) 25-02_Paper, photographs, UV filtering acrylic cut at 34°, frame(glass), Framed Size 39.5 x 30.5 cm, 2025年。   資料及圖片提供」也趣藝廊 編輯」江瑜

位於台中市西區藝術文化氣息濃厚的「草悟道」的亞米藝術，自科博館園區、綠園道延伸至國美館，儼然成為中部藝文界的藝術聚落，以推動華人現當代藝術的發展為職志，提供一個讓創作者和欣賞者可以彼此互動的平台，積極挖掘台灣本土年輕藝術新銳，如藝術家蔡佑承的雕塑展——煉境。     《馬兒都知道》，陶、金箔，43 x 17 x 21cm（含底座高52cm），2025年。     本展內容囊括藝術家多年心血、在陶藝與鐵雕間的深刻探索，在不同的主題間穿梭，變化的不只是心境，同時也反映在不同時期的作品中。蔡佑承從陶土的柔軟與可塑性出發，透過指腹的感知賦予泥塑生命力，並在鑽研陶藝的過程中，觸類旁通了對於新的創作媒材的興趣。     《想象》，鐵、陶、瓷、金箔、複合媒材、特殊塗料，66.5 x 86 x 25cm，2025年。     《靈犀》，陶、金箔，43 x 19 x 25cm（含底座高48cm），2025年。     突破自我的媒材跨界   在台灣藝壇，鐵雕創作屬於相對少見的表現形式，相較於其他媒材，鐵雕不僅需投入大量體力與時間，更須仰賴高度專業的技術與設備支援，種種條件疊加的門檻及當中的辛勞，成就鐵雕作品的難能可貴，也使其在當代藝術中獨有一份特殊地位，不僅因為這個領域展現出藝術家對創作的執著與堅持，同時也為觀者帶來截然不同的感官體驗與思維觸動。     《千年之愛》，砂岩，37(H) x 30 x 26cm，2013年。     《內煉之境》，陶，28.5(H) x 23 x 16cm，2023年。     創作鐵雕，從來不只是浪漫的造型與對藝術的想像，在創作過程中，大部分時間更像是一場與金屬、火焰、重量與時間的搏鬥，鐵材的剛硬與冷峻，讓創作者每每在試圖塑形和調整自己的構思時，皆須觀測環境與用材的狀態、調整自身的手法，從切割、鍛敲、焊接到打磨，每一環節都蘊含極高的挑戰性與複雜性，與蔡佑承過往創作陶藝作品的經驗截然不同。     《心願之蛙》陶，37(H) x 30 x 20cm，2023年。     《共鳴之棲》陶，39(H) x 43 x 33cm，2015年。     隨著鍛造金屬閃爍刺激性的光與熱，也許只是雕塑過程中的一小部分，卻是無數次試驗與失敗的凝縮，新的挑戰同時也讓蔡佑承發掘新的創作方向與成就感，隨著技術成熟，他更進一步地嘗試結合陶藝與鐵雕，探索複合媒材的可能性，最終成功融合兩種材質的特性，並呈於作品中，訴說新的故事。每一道焊縫都是藝術家與金屬之間的對話，藉由傾聽鐵的回應，感受熱度、速度、角度是否契合；稍有不慎，整件作品就可能因此失去平衡或結構強度。這不僅是勞力的挑戰，更是技術與藝術判斷力的總和。     《回首之棲》陶，62(H) x 29 x 27cm，2023年。     《初心未寂》，陶、銅複合媒材，63(H) x 40 x 36cm，2025年。     反覆鍛造成材的創作理念   蔡佑承將佛法融入創作，透過作品傳達對生命的尊重與對自然的敬意，在他的作品中可見動物的形象、人性化的表情、手工質感的溫度，加上複合型用材，反映出對傳統與現代平衡的追求，以及對內心情感與思考的細膩刻畫。鐵雕不像泥土那樣柔軟可塑，也不如木材那般溫潤易切，它冷硬、沉重、易碎裂，在焊接時還需面對高溫閃光、火花飛濺，但正是在這樣的環境中，才能鍛造出堅韌的意志，透過熾熱情感為鋼鐵塑形、為冰冷金屬注入生命。     《應牛而行》，瓷、鐵、複合媒材、特殊塗料，52x53x37cm，2025年。     鐵雕源自於工藝，結合工匠的智慧和藝術家敏銳善感的心智，透過焊接的火花，燃燒創作者不屈不撓的執著。無論是陶藝還是鐵雕，蔡佑承的作品皆蘊含溫暖與和諧的力量，讓觀者在欣賞的過程中，體會心靈深處的平靜與慰藉，他的創作旅程是技藝與精神層面的雙重成長，引領觀眾見證一位藝術家在傳統與創新中不斷突破自我的歷程。     《觀行》，鐵件、木底座，108(H) x 46 x 20 cm，含底座高197cm，2025年。 資料及圖片提供」亞米藝術 編輯」江瑜