高雄市立美術館主辦的「2026高雄獎」，於今年邁入30周年里程碑，透過逐年擴大思想與創意的邊界，吸引多位海內外藝術家積極投入參與；決選評審團由召集人林宏璋領銜，攜手王俊傑、林平、陳貺怡、劉俊蘭等藝壇各項領域的重磅人物專業審查，最終評選出「首獎」3名、「何創時書法篆刻類特別獎」1名、「聚和國際環境永續特別獎」1名、「評審特別獎」5名。 陳亮璇作品〈橫山豐水〉。 「首獎」得主陳亮璇、張宸瑋及楊傑懷，創作橫跨在地農業與環境變遷、現代戰爭創傷以及透過鏡頭語言重新詮釋的歷史事件等等議題，透過影像剪輯與空間體驗，表現出藝術家對社會現象的個人觀察與理解。在眾所矚目的「首獎」之外，「何創時書法篆刻類特別獎」得主紀冠地，以及「聚和國際環境永續特別獎」得主簡莉芸，則分別以書寫結合現代藝術，突破傳統文字的表達，擴充新的審美角度與情感連結。 張宸瑋作品〈Volkswagen Transporter T5.gltf〉。 陳亮璇〈橫山豐水〉是一組利用單點透視、採三分割鏡頭的錄像作品，取材日本水梨在台嫁接的產銷歷程，配合展場空間象徵山陵起伏而堆疊的水果紙箱，3組鏡頭分別隱喻天空、人與土地的關係，影像在觀者眼中隨腳步移動而合而為一，完成視覺與身體感的「空間嫁接」。 楊傑懷作品〈Working Holiday〉。 張宸瑋〈Volkswagen Transporter T5.gltf〉則利用 3D 影像技術將毀損汽車的數位模型覆蓋於軟性布料，透過輕盈媒材反襯俄烏戰爭的沉重議題，省思個體與遠方災難的關係。楊傑懷〈Working Holiday〉結合敘事影像與實驗參與的藝術行動，記錄藝術家與「小幫手」將白色恐怖紀念園區牢房改造成「民宿房間」的過程，通過度假的想像連結1950年代綠島政治受難者的歷史背景，叩問體制內的自由。 何創時書法篆刻類特別獎，紀冠地作品〈落葉系列—秋意濃〉。 紀冠地〈落葉系列—秋意濃〉採用短線條草書，透過自由筆觸轉化張學友歌曲〈秋意濃〉，融入手寫質感和歌曲的情緒共鳴，形塑現代書寫的嶄新意境。 聚和國際環境永續特別獎，簡莉芸作品〈分岔的情境：遺忘與書寫〉。 簡莉芸〈分岔的情境：遺忘與書寫〉則以家人疾病的生命經驗為題，藉由身體感知和提取記憶再表達的過程，辯證提筆紀錄與記憶的關聯性，回應聯合國永續發展目標（SDGs）中「健康與福祉」的人文關懷。 《2026高雄獎》展間一隅。（攝影Studio Millspace） 「評審特別獎」分別由吳秉祈〈形鑄一切由我〉、洪瑄〈偶書〉、李婷歡〈水の間〉、温晉豪〈近而未至〉、阮柏遠〈創傷、故障與支撐物雕塑〉等藝術家囊括，有別於一般獎項透過一項作品呈現評審集體表決的共識，「評審特別獎」以媒材運用的成熟度、藝術創新性及作品的完整性等各個面向，由5位評審各自推選一件心目中的佳作。 《2026高雄獎》展間一隅。（攝影Studio Millspace） 值得一提的是，自上屆增設的「聚和國際環境永續特別獎」，本屆評選標準進一步擴大強調創作與聯合國永續發展目標（SDGs）指標精神的連結，彰顯「高雄獎」作為當代藝術平台的前瞻性與公共價值，重視藝術與在地環境的連結，邀請民眾見證新銳藝術家如何透過獨特視角與藝術手法，為大眾展開具思辨力與實驗性的創意對話。 《2026高雄獎》展間一隅。 （攝影Studio Millspace） 資料及圖片提供」高雄市立美術館  編輯」江瑜

臺中市立美術館（以下簡稱中美館）2026年4月12日前推出開館首展《萬物的邀約》，由中美館策展團隊攜手台灣策展人周伶芝、美國策展人艾蕾娜．克萊爾．費爾德曼（Alaina Claire Feldman），以及羅馬尼亞旅居南韓策展人安卡．繆雷．金（Anca Mihuleţ-Kim）一齊策劃，呈現來自全球20國、超過70組藝術家的作品，涵蓋錄像、繪畫、雕塑、裝置、檔案、書籍等多樣媒材形式，其中更包含24件委託創作及現地製作，嘗試在跨世代及跨文化間，開啟一場關於人與環境關係的探索。 綠美圖外觀。攝影：Iwan Baan。   地景、空間與自然的交織 本展考究區域地理與歷史脈絡，回應中央公園地景跟水湳機場的轉型歷程。共圍繞著五個子題：「畫一道海岸線」以多元媒介描繪自然，同時探問變動與治理意義；「幻生的寓言」透過寓言與神話的創作，描繪理解世界的路徑；「摺疊的風景」以「摺疊」的哲學概念討論空間、時間與身份的非線性結構；「擾動的記憶」檢視自然史與個人、集體經驗的交錯，重新思考眾生關係；「萬物初聲」編織面向未來的對話，探討共存與修復的可能。除了展場，作品也延伸至綠美圖公共空間，探觸公共與親密、治理與創造的邊界。 開館首展《萬物的邀約》展覽現場。攝影：Iwan Baan。   以藝術連結城市 此外，中美館亦同步亮相兩年一期的「公共空間委託創作計畫」，首屆計畫邀請南韓的梁慧圭（Haegue Yang）與台灣的林明弘（Michael Lin），分別以獨特的創作語彙，連結自身經驗並與建築展開深度對談。   梁慧圭的《流動奉獻－樹蔭三合》為她在台灣的首件委託創作，作品懸吊於中美館挑高27公尺的大廳，以倒懸的「宇宙之樹」回應世界各地敬樹與萬物有靈的文化傳統。金屬百葉簾片構築出如樹葉般輕薄層疊的立體結構，光線穿過細密格柵形成流動的光影印記，入夜後LED燈帶和點狀雷射則如螢火蟲微光。 梁慧圭《流動奉獻－樹蔭三合》。中美館委託創作。攝影：ANPIS FOTO王世邦。   林明弘的《再製》（Processed）則使用台灣花布中極具代表性的梅花圖騰，以兩組相異的手繪圖樣呈現，線條精確與刻意錯位重疊，表現出動態的「生產過程」，試圖引發觀眾思考文化如何被傳播、再製與理解。畫作被放置於入口大廳的兩座玻璃屋上方，必須行走於連通美術館跟圖書館的天橋方能一窺全貌，移動過程中梅花圖樣彼此疊合、分離，讓觀看行為成為創作的一環，與建築、身體、光影共同生成的豐富體驗。 林明弘《再製》（Processed）。中美館委託創作。攝影：ANPIS FOTO王世邦。     資料及圖片提供」臺中市立美術館 撰文」陳映蓁

菲律賓藝術家荷西．約翰．桑托斯三世（José John Santos III）首次於台北舉辦個展，透過路由藝術的展覽空間，呈現藝術家應用拼貼、繪畫、素描與樹脂澆鑄等多樣技法創造的精彩作品，從平面畫布到立體雕塑，將作品中「不在場」、「留白」的空隙，化為與具象物質相對並存的藝術材料之一，探討正負空間之間不斷變動的關係。 〈生產線〉，Assembly Line, 2025，樹脂澆鑄。 桑托斯1970年生於菲律賓馬尼拉，經過當地美學的悉心訓練、並於菲律賓大學美術學院任教數十年，早期繪畫作品以細膩的自然主義視覺與如夢似幻的意象聞名，寫實筆法與虛幻構圖使富有敘事性的作品展現強烈的神秘氣息。 〈形外之形1〉(The Shape Behind the Shape 1)，2025，油彩、壓克力、炭筆、轉印、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）、醋酸膠片與現成物拼貼。 在創作演進的歷程裡，他加入拼貼的手法，透過剪裁、黏貼、層疊與抹除的動作循環，不僅解構原始畫面，同時也是重塑新的整體結構；延伸使用樹脂澆鑄，觀察負空間（模具）與正空間（鑄件）形塑的關係，引導觀者思考作品中的每個組成存在於作品結構的必要性，回顧創作過程中取捨的元素，將其融入作品的表達。 〈空洞／誕生2〉(Hollow/Birth 2)，2025，curacha螃蟹模翻鑄之金屬雕塑。 「殘缺」的意義 不斷變化的創作媒材、實驗，桑托斯以創作挑戰外界和自身的認知，具象繪畫與素描，或者拼貼、繪畫、裝置等組合，他的作品始終以抽象面貌在敘事與形式之間保持開放與多重詮釋的可能，基於創作用材與日常物件的關聯性，不僅取材物件本身的歷史脈絡豐富作品的敘事內容，同時解構日常物件的型態和功能，轉化為新的意象。 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 透過欣賞展中作品，不難發現桑托斯對內外空間對比的關注，在拼貼與剪裁作品的過程中，被切割和取捨的媒材帶給他長期與廢棄材料共事的經驗，如《殘餘的存在》系列，剪出空洞的紙張，其「空洞」的形狀和內外視覺的穿透性，竟也成為一種新的效果，「殘餘」與「空缺」在此不再藏身於光鮮亮麗的作品背後，而是參與意義形塑的活躍角色。 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 跳脫不斷創新、使用新材料的慣性，桑托斯轉而自過往捨棄的素描與繪畫殘餘取材，並將其納入新的作品，延伸他對正負空間的探討。近年的他自創作中消耗的媒材與他對周邊環境的觀察相結合，闡釋「創造」與「破壞」之間的轉化關係。 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 他選擇牛隻與建築構件等重複出現的圖像成為象徵性的符號，一方面牛所付出的勞動力和其本身的生命皆用於供養人類，既創造了實質的負空間，同時也隱含道德層面的模糊性；而建築的建造，同時是生活的容器，也是人類解構、消耗大自然的元素所打造的拼圖。層層暗示環環相扣，在其創作中轉化為核心要素，突出人類主觀行為「消耗」的本質。   〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 「循環」的生成 對於自身創作的心理歷程和對創作的看法，桑托斯表示：「當你向內探索，自然而然就會展現出不同與獨特。藝術家必須誠實面對自己的感受，並具備將這些感受提煉、轉化為獨特視覺語言的能力。這些感受的結合，會使一個人的視覺語言成為原創而獨一無二的。我並不認為『為了與眾不同而獨特』是真正的創作態度，因為那樣可能流於矯飾與淺薄。我認為真正的獨特，是因為那正是你自身的本質所在。」 〈殘餘的存在〉(Residual Presence)，2025，油彩、哈內繆勒冷壓竹紙（265gsm）。 他的作品不僅是純粹指出單一現象進行批判，而是從自己的生命經驗中提取對人類行為的觀察，以此層層衍生對環境和群體的關心，針對一種現象的注視，他也不會僅僅侷限於當下，而是同時留意到這種現象的發生出於什麼原因、又將導向如何的後果。 藝術家荷西．約翰．桑托斯三世肖像。 參考其作品〈生產線〉（Assembly Line, 2025），此作由超過五百個螃蟹殼鑄件組成，此螃蟹是菲律賓南部的特產，被稱為「curacha」，在此被視為當地街頭小吃與珍饈佳餚的象徵，吃空蟹肉而殘餘的殼，對內是盛裝空白的容器，對外則組成作品的結構。 荷西．約翰．桑托斯的工作室。 桑托斯將日常被遺棄的瑣碎如螃蟹殼、鷹架、街牌與建築構件一一蒐集、解構，作為創作的模型，揭示了他對物件建構與解構間關係意義的興趣，這些殘留的物件說明一段生活動態的完成和一件新作品尚未開始打磨的胚胎，指向尚未被定義的過去與潛在的未來，成就桑托斯物件循環交替的生成狀態。 資料及圖片提供」路由藝術 編輯」江瑜

當代藝術的創作身影，總令人聯想到孤獨的個體在畫布或空間中奮力探索。然而，在那些鮮明的個人風格背後，往往隱藏著一段段共同呼吸、並肩前行的集體歲月。台北當代藝術館2026年開年大展「凹陷：我們的團體生活」，便如同一道溫柔的探照光，由策展人簡子傑策劃，聚焦2000年後台灣當代藝術中那些或緊密、或轉化、或消散的團體軌跡，探問他們如何在藝術家生命中刻下無形的印記。 展覽主視覺。 展覽以「凹陷」為題，精準捕捉藝術團體在歷史中那種既存在又隱沒的狀態。這並非一部完整的藝術團體族譜，而是邀請12組藝術家，以今日之眼回望昨日的集體現場。當視角從閃耀的個人，後移至一群人間的協作、爭論與共生，讓人們看見創作不僅是靈感的迸發，更是在與他人碰撞中逐漸成形的生命結晶。   共創現場 從團體行動到空間經營 展覽開場，賴志盛《二階堂》自天花板垂下的雙足，下方對應著可供圍坐的茶几，瞬間將觀眾     拉入「國家氧」團體那種充滿偶遇與遊戲性的美學情境。團體的共同創作《糙》與《Arther，未實現的計劃模型》，則坦率呈現了集體決策中必然的摩擦與實驗痕跡。 賴志盛《二階堂》。 國家氧《Arther，未實現的計劃模型》，圖片提供」國家氧（版權所有）。 這種從團體行動出發的實踐，同樣可見於「走路草農／藝團」打造的《在客廳裡成為靜物的時候》，將展間轉化為知識與情感共享的場域。而團體的形塑，也可能緊密連結於實體空間的經營。 走路草農／藝團《在客廳裡成為靜物的時候》，攝影」王世邦。 郭柏彥與李珮瑜源自「萬事屋」的作品，以自製貨幣等行動，探討價值與關係如何在特定場域中被建構；劉秋兒的《豆皮與圖抗系》則將其經營高雄「豆皮文藝咖啡館」15年的經驗，轉化為一幅幅蘊含文化混種與權力提問的招牌圖像與繪畫創作。 郭柏彥x李珮瑜《家和萬事屋》。  記憶的鍊金術 內化的養分 集體生活所積累的情感與記憶，往往成為創作中豐沛的敘事泉源。陳以軒透過《委託製作（單頻道版）》，讓影像工作者彼此角色互換，折射出創作者在現實連結中的多樣面貌；「你哥影視社」的蘇育賢，以《夢見自己是腹語師的我用腹語術說了場夢話》將瑣碎記憶編織成夢幻場景。 陳以軒《委託製作（單頻道版）》。 蘇育賢《夢見自己是腹語師的我用腹語術說了場夢話》。 「萬德男孩」的江忠倫，其作《溫柔鄉：兄弟》取材自家庭生活記憶，將兄弟共眠的雙層木床，幻化為一艘承載童年冒險的船舶。更耐人尋味的是「讓豬仔飛」的《老朋友》，以虛構成員拼接真實情誼，道盡團體在成員星散後，那種試圖維繫集體形貌的執著與惆悵。 江忠倫《溫柔鄉：兄弟》。   謝牧岐展出平面繪畫作品。 當喧囂的集體時光沉澱後，便內化為藝術家獨特的創作語言。謝牧岐在畫作上邀請團體成員簽名，讓《簽名球》與《凹陷的簽名球》成為關係的具象封存。崔廣宇的《幸福盲區》，靈感便來自「後八」時期那種隨興、鬆散卻充滿創造力的相處模式，坦言正是那些時光「塑造自己變成現在的模樣」。 崔廣宇《幸福盲區》。 而源自「魚刺客」對海洋關懷的林純用，以《抹香鯨骨架》回應環境之殤；涂維政則以《遺跡化石—巨人斯金納1號》延續「悍圖社」生猛的視覺能量，打造嵌合傳說與科幻的擬造考古現場。 林純用《抹香鯨骨架》；劉秋兒《豆皮與圖抗系》。 展覽如同一場深情的回望，既不歌頌團體榮光，亦不哀悼其消散，而是平靜地展示：那些曾經的共同生活，如同地質層中的積累，早已成為藝術家個人創作地貌中不可或缺的一部分。展覽期間的系列講座與工作坊，將持續擴展這場關於集體、記憶與創作之間永恆對話的維度，邀請人們一同感受，那份在各自前行路上，依然隱隱發燙的集體溫度。 涂維政《遺跡化石-巨人斯金納1號》。   《凹陷：我們的團體生活》 時間」2026年1月31日至5月3日 地點」台北當代藝術館 更多展覽內容請見台北當代藝術館官網查詢。   資料及圖片提供」台北當代藝術館 攝影」ANPIS FOTO 王世邦 編輯」林靖諺

在人工智能問世之後，人們的想像力通過更便捷的方式迅速整合成型，幾可亂真的虛擬影像在網路上快速流通，歷史與文化通過數據分析拆解、組合，再經由個人指令重塑新的視覺語言，挑戰幻想與現實的邊界。 英國藝術家馮．沃爾夫於工作室。（Photo by Nick Knight） 高雄市立美術館國際特展《馮．沃爾夫的花園堡壘》（Von Wolfe : The Garden Fortress）作為英國藝術家馮．沃爾夫（Von Wolfe）在亞洲的首次大型展覽，展中內容猶如一場以人類藝術史為主題所形塑的夢境，集結69件作品，橫跨近20年的創作歷程，透過人工智慧對於傳統油畫的創新詮釋，邀請觀眾走入一場古典與數位交織的藝術旅程。 馮．沃爾夫早期對畢卡索、現代主義的再詮釋作品。（Photo by Studio Millspace） 跨文化思辨和創作實踐 馮．沃爾夫出身藝術世家，秉持正統哲學訓練和古典藝術素養，以傳統油畫技法為媒介，透過視覺拼貼與跨文化挪用，重新編排藝術史中的經典圖像。在他的作品畫面中，不同文化語境相互穿插對話，源自不同時空的人物結合不同時代的構圖，呈現超現實的畫面，不僅挑戰觀眾對藝術分類的既定印象，也激發對文化、歷史與創作關係的省思。 馮．沃爾夫不僅專注於AI與油畫融合的實踐，也投入數位創作，讓畫中人物彷彿「活」了起來。（Photo by Studio Millspace） 哲學背景讓他在看待人工智能與創作的關係時別有一番見解，馮．沃爾夫擅長遊走於數位與實體之間，無論是畫布上的 筆觸或螢幕中的圖像，他皆能轉化重構，AI對他來說一如畫筆，同樣是輔助大腦將抽象的社會觀察與哲學思考具象於作品的工具。 美術館夜行邀請民眾走入夜間美術館，看見《馮．沃爾夫的花園堡壘》於夜晚中的另一面貌。(攝影：朱上均） 解構古典的科技表達 通過「浮世匯」、「名畫協奏曲」以及「AI共創篇章」三大展區，在觀眾眼前揭示了藝術家30年來持續創作的積累和蛻變，從早期以經典錯置詮釋詼諧創意，到近年結合AI科技與藝術的揉合運用，傳遞他對經典作品的致敬，以及對當代藝術界的提問。 〈自由馳騁〉（數位版）。 「浮世匯」藉畢卡索及浮世繪為創作基調，運用後現代主義中的「解構」與「挪用」手法，融合畢卡索的平面化視角與浮世繪大師喜多川英山、歌川國芳的畫作風格，創造出橫跨時間和物理界線的文化交流。「名畫協奏曲」緊隨其後，以文藝復興時期的達文西和眾位大師為靈感，從文化的「基因庫」提取藝術史上的經典作品元素，將古典圖像拆解、轉化，結合現代藝術的場景布局，組構全新的視覺篇章。 〈恐懼和戰慄〉。 2022 年藝術家在多元素材的磨礪中逐漸雕琢出「馮．沃爾夫風格」，表現於第三展區的主題——不僅引領觀眾思考AI時代是否成為了某種「新文藝復興」的再現，也透過每個展間將觀眾帶入不同的文化場景，展示現代的審美對經典的轉譯，以及創作者連結不同領域的手法。 展場照。（Photo by Nick Knight） 作者與觀者的概念對話 展名《花園堡壘》取自藝術家對展覽所在地的印象與理解，「花園」呼應美術館周邊的綠意，也讓人聯想到當年的海上冒險家對台灣驚呼「福爾摩沙」的心情；「堡壘」則隱喻台灣在國際地緣政治與科技產業中的關鍵角色，延伸欣賞展中同名作品〈花園堡壘〉描繪一座古典花園環繞著量子AI超級電腦的畫面，象徵未來知識所帶來的機遇與風險。 展場照。（Photo by Nick Knight）。 展中亦有AI生成的動態影像，宛如作品描繪的對象衍生出思想和靈魂，虛擬和現實的互動衝擊觀看者對創作與藝術的固有概念；承襲歷史的沉澱、放眼科技為大眾開拓的眼界，本展既是作者對自身經驗的回顧，亦是藝術家站在時代的轉捩點上，邀請觀者對藝術的反思。 資料及圖片提供」高雄市立美術館  編輯」江瑜 

機場是出境與入境、離開與回家之間的站點，桃園國際機場第三航廈北登機廊廳的公共藝術計畫《國境之門．島嶼寓言》，由跨域藝術家卓彥廷博士攜手其所創立的YEN TING CHO Studio共同創作，以數位藝術為媒介，連結在地文化和機場流動的空間特性。 〈圓漾盛舞〉由繽紛的色彩與渦卷紋的同心圓組成，創造出「動態」的視線流轉。 作品涵蓋「未來」、「科技」、「多元包容」、「峰迴路轉」、「平安觀」、「海陸相連」、「家」等七大主題，總長近300公尺，將桃園機場第三航廈北登機廊廳候機區化為藝術展廳，促使旅客在行進間得以自不同距離與角度中反覆閱讀台灣各面向的豐富文化。 〈科技島嶼〉運用藍、綠、靛、紫等冷色階，傳達理性與未來感交織的科技美學。 每件作品在可以各自獨立欣賞的同時，又彼此交織、共構「台灣」此一母題，透過抽象紋理和圖樣觸發觀者自身與在地互動的過往經驗或特定印象，引導旅客思考身分、歸屬與移動之間的關係。 以藝術迎向世界 因應每年成長的旅客人數，桃園機場啟動第三航廈的興建計畫，以東亞樞紐機場為目標，針對客容量、使用機能和美觀視覺等各方面進行優化，比如在主建築屋頂優雅的曲面造型即融入台灣的山脈與海洋，結合獨特的自然律動；以及增設空中聯絡橋串連主體航廈、北登機廊廳與南登機廊廳三個區域，便利轉乘，此外，第三航廈的北登機廊廳從第二航廈的D10登機門延伸配合登機門，採用玻璃景觀空橋設計，引入自然光營造明亮的候機空間。 〈飛翔幻境〉象徵台灣的多元文化，承載群眾希望，群起而飛。 YEN TING CHO Studio的創作以人機共創技術為核心，使用結合舞者動作捕捉、數據運算與數位影像技術，透過科技與人文的協作，將文化素材轉譯為不對稱且不重複的圖像結構，呈現半抽象的色彩和幾何語彙。本次展出的創作結合候機場的牆面，隨機場的日夜交替、光影變化作品展現的色彩表情，不僅和諧融入機場富有未來感的大膽用色和結構，同時也在精神上與建築外觀反映的台灣地貌相互對話。 七大敘事主題 作品以田野調查為基礎，將島嶼開放、先進與迎賓意象結合演算法，將之具象化為視覺圖景，展現科技島嶼所凝聚的「藝術、美學、人文創造力」，依序為來賓呈現〈圓漾盛舞〉、〈科技島嶼〉、〈飛翔幻境〉、〈山樂天光〉、〈流金光譜〉、〈縱橫波影〉和〈天際浮影〉等七件作品。 〈山樂天光〉將原住民音樂轉譯為山巒起伏的地形語彙，形塑出流動的視覺節奏。 以〈圓漾盛舞〉為起點，通過圓形視覺元素，點燃關於煙火、蕨類和圓桌等熱鬧圓滿的聯想，遠觀如百花綻放，傳遞熱情的歡迎。隨後由〈科技島嶼〉接棒，造型簡化晶圓的形體與光澤感，結合新竹「風城」意象，將科技轉化為如風般流動、輕盈而不可或缺的日常隱喻，源自對台灣作為科技島嶼發展的省思，呈現對「人文科技」與內在的探索。 〈山樂天光〉形塑出台灣山林多變的風貌與層疊光影。 乘著輕盈的科技之風，吹向下一個作品〈飛翔幻境〉，桃園機場周邊濕地為候鳥過境的棲息地，將千鳥圖像轉化飛機飛入雲霧之間的概念，象徵台灣的多元文化與移民匯集地的包容與多樣性。來到承載一切的起源，〈山樂天光〉描繪山徑間視角轉換的過程，將原住民音樂轉譯為山巒起伏的地形語彙，形塑出流動的視覺節奏，當柔和陽光灑落出境廊廳，旅人彷彿行走、置身於台灣的金色山脈之中。 〈流金光譜〉表現出台灣多元、融合之美，體現自身認同的肯定和祝福世界環境平安的韌性特質。 〈流金光譜〉吸收前作的金色陽光，導向芸芸眾生敬天愛人的信仰，宛如於天地之間仰望星空、抑或流動的時間長河，挹注世人追求「平安觀」情懷與環境共鳴的情感共融。回顧台灣海島特徵，〈縱橫波影〉深入台灣海洋、海港與重工業的變遷關係，直線與曲線交錯，軟硬兼具；直線波光震動，曲線顯海水的流動與韌性，斜線隱喻海與陸交錯相連。 〈縱橫波影〉整體表現海島出海拓疆的力量，在自然與科技力量之間前行。 〈天際浮影〉作為系列作品的終曲，描繪歸途返家、飛行降落前俯瞰台灣城市的瞬間；畫面近景為山巔夜色，中景展現都市燈火，遠景則以若隱若現的天際線收尾。作品融合數位技法與水墨橫軸視野，構築出島嶼敘事的廣闊空間，展現與世界互動的多重視覺可能。展出作品均採用雙關與轉譯手法，表現出面向未來嶼繽紛綻放的情緒錯綜，豐富國境之門承先啟後的精神內涵。 〈天際浮影〉近景為山巔夜色，中景展現都市燈火，遠景則以若隱若現的天際線收尾。 由展示走向日常 《國境之門．島嶼寓言》作為機場的常駐展覽，選用耐久材質因應機場高度流動和大幅日曬的空間特色和機能，以全幅尺度回應建築與動線，透過細節密度與層次變化，讓旅客不論是行走或坐臥皆可觀看作品，與此同時，現場大幅玻璃牆面以其剔透和倒映圖景的特質，帶來更多元的欣賞角度。 〈島嶼寓言〉精梳羊毛圍巾系列的成品之一，〈天際浮影〉，透過不同媒材和尺度，延伸設計者想要傳達的島嶼記憶。 經由YEN TING CHO Studio持續進行藝術創作與生活體驗之間的實驗，長期累積的策展思維與數位技術能力，成為跨媒介實踐的關鍵。2026年工作室推出〈島嶼寓言〉精梳羊毛圍巾系列，復刻展中的圖案與紋樣，轉譯至另一種生活尺度的形式，將公共說書由機場場域延展至日常生活，讓島嶼故事化為可被攜帶的記憶，與大眾的日常共織，進行更遼闊的傳述。 資料及圖片提供」YEN TING CHO Studio 編輯」江瑜

今年適逢國立歷史博物館建館70週年，在史博館洪世佑館長親自致函美景宮館長的積極推動，以及駐奧地利台北經濟文化代表處等單位協助促成下，與維也納美景宮合作舉辦一場以花為主題的畫展，成就館慶最具代表性的國際交流盛事。   古斯塔夫・克林姆珍稀真跡〈雨後〉(After the Rain)。     透過「花」這個主角，為觀眾呈現自17世紀至今的歐洲藝術家對自然美景的認知和詮釋，58件國寶級繪畫與2件大理石雕塑隨之落地台灣，內含一件奧地利象徵主義大師古斯塔夫・克林姆（Gustav Klimt）的珍貴真跡〈雨後〉(After the Rain)，猶如展開一卷鮮亮的歷史風景，首次在台完整呈現橫跨兩百年的維也納花卉藝術脈絡。   展場照。     台奧共創跨文化視野   美景宮位於奧地利首都維也納，是18世紀初歐洲最重要的宮殿之一，屬於以戰功青史留名的歐根親王（Prince Eugene of Savoy，1663-1736）。此地對公眾開放的時間可以追溯至1777年，當中收藏大量14、15 世紀的繪畫與雕塑作品，19世紀古典主義、畢德麥亞、歷史主義以及戶外寫生等繪畫作品，還有20世紀迄今的奧地利藝術家創作等等。   法蘭茲・維爾納・塔姆〈花卉、兔子與果實靜物〉( Still Life with Hare, Flowers, and Fruit )。     策展人表示，花卉在維也納藝術史中扮演關鍵角色，從巴洛克的繁麗、浪漫主義的抒情，到美好年代的華美與分離派的革新，每一幅作品都是屬於歐洲文化的生命紀錄。 內部陳列皆為館方精選的代表性傑作，不僅止於藝術表現，同時也是歐洲從植物學、象徵美學到新藝術（Art Nouveau）的百年演進，結合國立歷史博物館的文化底蘊，中歐與東亞兩種花卉傳統於此並置，為觀眾帶來豐富的跨文化視野。   展場照。     花卉藝術的歷史舞台   依循歷史發展層層遞進，本展聚焦六大藝術時期，引導來賓依序欣賞花卉形象之於巴洛克（1720-1780）、浪漫主義（1780-1850）、美好年代（1870-1900）、印象派（1880-1910）、分離派（1890-1910）乃至現代趨勢（1910-1920）的藝術演變，最後以克林姆的花園為靈感，透過數位投影科技的協作，打造沉浸式的展覽空間，邀請觀眾體驗百年前的大師創作視野。   約翰．巴提斯特．德雷克斯勒〈大型花卉靜物與鳥〉( Large Still Life with Flowers and Birds )。     花卉畫在17世紀的佛蘭德和荷蘭達到鼎盛，當時的畫家不僅追求技術上的完美，更融入了科學觀察與全球貿易的元素，確立了花卉靜物畫既具備美感，又擁有科學紀錄價值的地位。在18世紀以後的在巴洛克時期，藝術多作為宮廷裝是，象徵權力與宗教意涵，奠定精緻典雅的風格基礎。 隨靜物花卉繪畫與日常的連結逐漸緊密，人們的思想因而注入審美的品味，受浪漫主義思潮影響，對生命的型態有更多元的關注和欣賞角度，轉向對個人情感的抒發和自然流露的詩意，傾向寫實觀察和生活細節。   展場照。   直到時代來到國家發展的鼎盛時期，美好年代的創作一如花朵綻放至衰前最豔麗的時刻，結合浪漫情境與裝飾性的華麗，流露世紀末的感性與美學。 以此流暢銜接19世紀的印象主義，突破傳統畫家在室內創作的習慣，在作品裡融入自然的光影與戶外風景；分離派更進一步簡化寫實的描摹，透過象徵手法表現花卉與女性，倡導「藝術為生活服務」的創作概念，跨越自然再現，進入自身心理狀態的主觀再現，顯露現代主義之美的雛型。   埃貢・席勒〈向日葵I〉( Sunflowers I )。     第一次世界大戰後，人們對自我和社會的認知經過顛覆性的重塑，花卉畫的風格也趨向多元發展，融合個人情感與形式實驗，從寫實走向寫意，在靜物與花卉主題間探索色彩結構和自我的具象表現，既是內在的自省，也是對社會狀態的回應。   展場照。     中標：走進大師的視角   維也納現代主義（Wiener Moderne）早期的藝術被公認為美景宮最具代表性的館藏，尤以古斯塔夫‧克林姆的畫作最廣為人知，許多人對他的印象源於黃金和美麗女子的形象結合，而針對靜物的描繪，則向觀眾揭露他相對平和沉靜的一面。 費迪南德·格奧爾格·瓦爾德米勒〈水果、花與銀杯靜物〉( Still Life with Fruit, Flowers, and a Silver Cup )。 內容提煉了他在每逢夏季於薩爾茲堡（Salzburg）度假的美好記憶，以阿特湖（the Attersee）為背景所繪下的周邊花卉，如向日葵、罌粟花等等，透過他充滿個人風格的詮釋，色彩柔和夢幻，是很具代表性的新藝術畫作。 歐嘉・威辛格-弗洛里安〈盛開的罌粟花〉( Flowering Poppies )。   展區內的沉浸式空間「克林姆花園」，以數位投影科技重新詮釋大師筆下的金色世界，觀眾將化身為克林姆筆下的凝視者，窺見那片夢幻花海；光影、色彩與線條在投影間虛實交織，構築出他筆下的精神宇宙。當觀眾步入展間打造的窗口，現實與藝術的界線悄然模糊，彷彿真正走入克林姆的畫裡，與他一同凝視美的永恆。 《綻放 維也納美景宮百年花繪名作展 — 從瓦爾德米勒到克林姆》 時間」2025年12月5日至2026年3月22日 地點」國立歷史博物館1F & 2F展廳   資料及圖片提供」時藝多媒體 編輯」江瑜

「街事美術館」計畫，是臺北市立美術館（北美館）經過內部審視，選擇典藏作品賞析、回憶採集與居民述說記憶、歷史作為互動，邀請當地居民重探在地的文化面貌，與臺北市十二個行政區進行深度連結的藝術活動，以「臺北人的365日常」為主題，每年選擇一個行政區進行藝術推廣，打造區區「皆是」區區都有故事的「街事美術館」。   2025「街事美術館」主視覺圖。     今年，「街事美術館」聚焦自然資源豐富與人文薈萃的「士林區」，攜手座落於士林夜市旁的臺北表演藝術中心（北藝中心），通過遊樂的方式，帶領觀眾一起沉浸式的遊歷在地人心中的山光水色。北美館館長駱麗真指出：「過去幾年，北美館已與中正、大同、文山、北投等行政區合作。   此次感謝北藝中心提供連結三個劇場入口的核心地點進行展覽呈現，也感謝士林區在地居民一起參與共創對話和創意激盪；期望透過藝術家的作品視角，讓我們重新認識隱身於今日士林街景背後，居民世代流傳的故事與人文記憶。」   龍思良，《士林夜市》，水彩、紙，55 × 75.5 cm，1994年。     探索士林的生活舞台 策展者將士林設定位一座劇場，將芝山岩、大屯火山系的群巒，以及淡水河、基隆河、磺溪與內外雙溪匯流穿梭的諸多繁複地景，設定為敘事背景，士林居民的生活在此徐徐展開，通過認識在地的自然環境，進而延伸到居所、街道，商店和種種城市機能，引領觀眾不僅是欣賞藝術品的美，同時也是在欣賞士林人日常積累的生活記憶。   「2025街事美術館：遊山玩水」展場照。     特別值得注意的是，此次展覽展出藝術家龍思良《士林夜市》（1994）的數位微噴版本，龍思良的創作背景複雜，經過國立台灣師範大學的培訓，作畫除會用水彩筆、蠟筆等外、還會使用刀片、貼紙、膠帶，其畫作脫胎於印象派的誇張絢麗，同時結合攝影師的現代眼光。   本作巧妙使用水彩色調與國畫的構圖，栩栩如生地描繪了士林角落的攤販與街景，其筆下五光十色的熱鬧情景後隨2012年的都市計畫而遷往新址，迎來捷運淡水線通車，也是在同一年，龍思良先生離世，作品為此地歷史留下了昔日回憶的珍貴記錄。   「2025街事美術館：遊山玩水」展場照。     觀者與在地的互動橋樑   時代變遷，士林流動的人口也帶來環境的變化，「街事美術館：遊山玩水」成為這個地區的歷史、藝術與人際關係交織對話的展示平台，邀請水墨藝術家高安柏與劇場設計師林昭安，與總計17位社區夥伴協作，帶入「在水的另一方：當代水墨繪寫」和「我在山裡，晚點到 文本x物件x材質-劇場設計」兩大主題工作坊，以住民對於山林中、兒時悠遊於基隆廢河道的過往記憶為核心，最終採用動態形式呈現兩件現地藝術創作。   「2025街事美術館：遊山玩水」展場照。     展場動線上透過錯落的路徑，引領觀者沿著北藝中心內部的天橋和坡道行進，讓觀者身體力行的感受這份提取自在地住民的回憶，穿梭於逐級攀升下降的動線之中，是對過往的解構，也是打開現代訪客嘗試性與在地歷史產生聯繫的窗口，彷彿在立體展開的山水地形中漫步。   「2025街事美術館：遊山玩水」之「在水的另一方：當代水墨繪寫創作坊」。     長期研究水墨與自然表現的高安柏，從毛筆筆法、水墨山水與書法學習出發，結合走訪在地水痕的探索，隨著截彎取直與河道填平，水景雖已不再，卻仍留存於老照片與居民的記憶當中，這份作品把流傳於文字和抽象回憶中的紀錄具象化，帶領大眾跨時代感受那些消逝卻依舊流動於日常中的水文故事。   「2025街事美術館：遊山玩水」之「在水的另一方：當代水墨繪寫創作坊」。     而以微縮劇場箱進行舞台設計概念創作的林昭安，則與共創居民從自身的山林經驗出發，透過物件觀察、書寫與交換分享，為士林的山貌寫下專屬文本。   「2025街事美術館：遊山玩水」之「我在山裡，晚點到_文本x物件x材質-劇場設計工作坊」。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

自創「MASKBOY面具男孩」廣受喜愛的台灣藝術家劉正堃（Abei LIU），於近期在誠品生活松菸誠品畫廊，推出首次大規模畫廊個展「思緒漫遊 FRAGMENTS ODYSSEY」。 劉正堃個人藝術展「思緒漫遊FRAGMENTS ODYSSEY」，首度展出寬達2米的浮雕巨作與大型立體作品，融合數位與手作，突破原有風格。 展覽以「探索未知的旅程」喻其創作心境的轉折，透過多媒材敘事，帶領觀眾踏上一段充滿想像的荒島探險。劉正堃勇於突破，不僅遠赴曼谷蒐羅上百件二手T-shirt作為素材，更首度挑戰寬達兩米的浮雕巨作與大型立體作品，巧妙融合數位思維與手感溫度，呈現逾60件作品，其中40餘件為全新創作。 「Re.」系列：解構百件潮T 重組MASKBOY的荒島冒險 展覽核心聚焦於兩大創作系列：「Re.」系列與「亂入」系列。「Re.」系列源自藝術家對再造與重生的思考，靈感取自日本以和服布再製女兒節娃娃的傳統。 「Re.」系列作品，選擇他高中時期最著迷的T-shirt為創作素材。 劉正堃選擇高中時期最為著迷的T-shirt作為素材，因T-shirt在次文化中承載著認同、歸屬與訊息傳遞的功能，無論是運動、卡通、電影或樂團圖案，皆具深厚象徵意義。他將這些來自曼谷的百件二手潮T，精心拆解、重組，包覆於立體基底上，透過解構與拼貼，創造豐富的視覺層次與嶄新敘事。   劉正堃《來吧！》。 在此系列中，標誌性角色「MASKBOY」首次化身為兩米高的荒島探險家，在作品《來吧！》中肩扛木棍、昂首站立，帥氣迎向未知挑戰。其身體主要以灰階布料構成，局部巧妙點綴T-shirt圖案，形成色塊的趣味配置。另一件大型作品《Mask Fam's Odyssey》則描繪MASKBOY為生存而經歷激烈打鬥的場景，T-shirt圖案以更為破碎、流動的形式布局，形塑動態的視覺效果。 劉正堃《Mask Fam's Odyssey》。 此外，如《不只有我》、《要跟我做朋友嗎？》以及帶有指引與祝福意涵的多彩「Whisperocks呢喃石」系列，皆為這段虛構荒島旅程增添豐富元素。劉正堃希望作品能帶給觀者輕鬆直觀的感受，因此每位觀眾都能對這段冒險故事進行自我詮釋與想像。 劉正堃《要跟我做朋友嗎？》。 在部分作品中，亦加入了趣味細節，如《序章：航行在未知的路上》、《序章：隱藏在雲霧裡的島嶼》等，不僅保留T-shirt原有領標、羅紋領口等細節，更首次運用木框，增添畫面語彙的豐富性。   左上：劉正堃《序章：航行在未知的路上》；右下：劉正堃「Whisperocks呢喃石」系列。 「亂入」系列：刺繡巧思「亂入」旅途  第二大系列「亂入」，則展現藝術家另一種封存記憶的創作手法。劉正堃以旅途或生活中收集的DM、門票、海報、舊照片等充滿溫度的印刷物為基底，將熱愛的刺繡工藝與經典創作角色，如HUA HUA、MASKBOY等，「亂入」於這些現成物之上。 劉正堃《亂入系列－60年代Ferrari 275 P賽車老照片》。 劉正堃《亂入系列- 捷克童書附贈紙玩具小熊》。 例如使用在布拉格跳蚤市場搜集到的1950至1970年代老照片與明信片，在影像表面進行刺繡創作，同時保留背面手寫文字與郵戳等充滿年代感的痕跡。日本「國立新美術館」的海報、二手童書附贈的小熊遊戲紙板等，也都成為其二度創作的素材。這個過程不僅讓劉正堃享受手作刺繡的專注與滿足，更彷彿召喚旅行記憶，使其短暫而鮮明地重現眼前。 劉正堃《Unseen and Undiscovered – Alpine》。 本次個展中，一組以黑、白、灰三色構成的「Unseen and Undiscovered」主題作品，靈感源自劉正堃去年受邀參加「布拉格插畫藝術節」時，參觀當地國家博物館所見的生物標本與礦物陳列，並由此啟發自創「花」、「石頭」、「鳥首」三種元素進行排列組合，創造一系列既可愛又帶著未知感的新物種形象，在眾多鮮明立體作品中，展現沉靜而神秘的氣息。 劉正堃《新生活進行中》。 展覽如同藝術家創作生涯的一場重要航行。MASKBOY的荒島冒險，亦是劉正堃自身心境的寫照：在遲疑與不安中，讓思緒自由漫遊，持續前行，最終獲得踏實的勇氣。   劉正堃個展－思緒漫遊FRAGMENTS ODYSSEY 時間」2025年12月20日至2026年1月31日 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸B1） 開放時間」週二至週六11:00~19:00（週日、週一公休） 展覽詳情可至線上展廳瀏覽。   資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺