經個人對生命經驗的理解和重塑，再以美學的概念重現，「藝術品」成為一種將個人情緒和思想具象的載體，同時也是反映藝術家個人表達、與社會大眾對話的媒介。1998年，臺北市立美術館首次邀請外籍策展人策劃台北美術雙年展並更名為「台北雙年展」，經過多次展覽的舉辦過程，不斷審視、關注台灣當代藝術與社會議題重心的變化，同時也透過國際友人的參與，豐富展中的文化交流、提升台灣藝術的國際影響力，將台北納入亞洲乃至全球當代藝術的網絡。     2025台北雙年展主視覺。     第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球37個城市、72位藝術家的作品約150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等，以「思慕」作為為題，探討這項持續推動人類的內在驅力。     邱子晏，《偽飛行場》（錄像截圖），2025。     寇拉克里・阿讓諾度才，《愛在死亡之後》（錄像截圖），2025。     個體缺失和群體連結   從台灣錯綜複雜的歷史出發，策展人在策畫期間漫遊台北街頭，閱覽近年的文學和電影，以此觀察和理解台北近代變遷的風貌和居民的內心世界，自三件作品當中提取策展的靈感，並各自以當中的某一項物件為代表，延伸對於「思慕」之情的三種面向。     阿瓦羅・烏爾巴諾，《活畫》（裝置一隅），2024-25，紐約 Sculpture Center 展覽現場。圖像由藝術家及紐約 SculptureCenter，ChertLüdde（柏林），Travesia Cuatro（馬德里、墨西哥城、瓜達拉哈拉）提供。攝影：Charles Benton。     法特瑪・阿布杜哈迪，《留下的⋯⋯盡可能長存》，2025。絹印於透明網布、不鏽鋼懸吊結構、九層塔植栽，共18幅，每幅400 x 90公分。     其一是侯孝賢導演的電影《戲夢人生》（1993）中的「尪仔」，以此象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌。其次是陳映真短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的「日記」，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境。最後是吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的「單車」，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。     拉納・貝古姆，《No.1048 L網格》（局部），2020，Kate MacGarry Gallery 展覽現場。圖像由藝術家提供。攝影：Angus Mill。     尪仔代表的延續性、日記的內在世界，以及單車隱喻的追尋，三者鋪陳了本展的概念底色，交織呈現當代作品與北美館典藏作品，將近30件館藏作品分布於展場各處，令新委託創作及經典作品展開對話。     雅浸・金朝恩，《微創：侵碎之章》，2025。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。圖像由藝術家及François Ghebaly Gallery提供。     「思慕」的多元面相   散落於北美館三層樓空間的展品，特別以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔，此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡；展品彼此之間並無硬性分野，在自由且有序的動線上層層遞進、深入，讓觀者得以更自在地與其互動，同時理解雙年展的理念。     赫拉・比于塔詹，《摧毀你家，造一艘船，拯救生命》，2015。地毯印刷，尺寸依空間而定。圖像由藝術家及Green Art Gallery Dubai and EVA International–Ireland's Biennial提供。攝影：Miriam O' Connor。     一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品，透過不同藝術家的理解與表達方式，共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。地下一樓的作品聚焦於「身體」，將肢體視為見證與轉化發生的場域，該樓層宛如地下鏡像，令觀者在此深入自我內在，透過呼吸、重複與儀式逐漸將「思慕」凝聚成形。二樓展覽則將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題，追溯現代藝術脈絡，藉藝術手法重塑感知、詮釋與連結的渴望，以思慕為媒介，重構對世界的想像。     基里亞科斯・托波利迪斯，《書寫日記》，2024。壓克力顏料、油彩、照片轉印於畫布，150 x 170公分（含框153.3 x 173.3 x 4公分）。圖像由藝術家及Galerie Judin, Berlin提供。攝影：Trevor Good。   多年以來，台北雙年展努力秉持中立、不帶偏見的立場，為藝術家提供呈現作品最好的舞台，也與來自各地的策展人嘗試合作，試圖建立一個可以連結本地與國際社群的直接網絡，歡迎多元表達的藝術形式，未來的目標在於擴大對話涵蓋的可能性，讓更多角度的思想可以在此進行交流和碰撞，讓更多默默耕耘的藝術家可以被看見，同時也拓展在地對藝術的理解和視野。   資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

故宮博物院自1925年自服務皇室到轉而為民間大眾開放，歷經無數人事變遷與興亡，其意義不僅是一處觀光景點，更是以實物紀錄文化流變的重要載體，藏品以長篇銘文的青銅器、古代早期的名家書畫、善本古籍和官窯瓷器等蒐藏最具影響力，時間跨度涵蓋新石器時代至今長達8,000年。輾轉來台，歷經肇始播遷、北溝歲月、建院發展、深耕轉型四大階段，其中有75年在台灣落地生根。決意於今年舉辦三大特展，既是檢視過往一路走來看待藏品的解讀與變化，同時也是展望故宮文化未來的成長方向。     故宮百年院慶大展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」登場，書寫故宮的甲子傳承與萬年新頁。     「皕宋—故宮宋版圖書觀止」、「千年神遇—北宋西園雅集傳奇」及「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，三大特展以文物為核心，延伸展示文物背後的歷史背景，分別聚焦於院藏宋版圖書的學術價值、北宋文人藝術的傳奇，以及故宮在台灣多年來的成長歷程，期待透過展覽內容，引導民眾看見故宮多年耕耘的過程和研究成果，深入了解文物收藏與社會大眾之間的聯繫，以此宣告與全民共享的故宮將邁向全新篇章。     故宮「甲子萬年」特展精品薈萃，匯聚〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉等國寶，展現故宮百年典藏的深厚底蘊。     宋代出版的黃金時代   與歷史長河相較，個體的生命跨度太過渺小，透過文字的紀錄，才得以略窺一角過往無法追溯的真相、傳承人類的智慧結晶，隨雕版印刷技術成熟，宋代社會從「寫本時代」邁入「刻本時代」。「皕宋」一名，取自晚清「中國四大藏書樓」之一、由清代金石學家陸心源所建的「皕宋樓」，呼應其豐富的善本收藏，特展內容主要呈現故宮院藏的宋刊本圖書大觀，古籍雕版印刷均是由書法名家手書，配合刻工上板雕刻，是以，每一部雕版書都是書法家和雕刻家通力協作完成的藝術品。     「皕宋」特展是故宮百年展覽史上規模最大、文物級別最高的宋版圖書特展。     「皕宋」特展一共展出98部宋版古籍，為故宮史上規模最大、文物等級最高的宋版圖書特展，其中近半數為舉世僅存的孤本，珍稀程度前所未有。故宮文物修復團隊運用宋版圖書數位影像，採傳統楮皮紙直印輸出，親手復刻宋代「蝴蝶裝」裝訂形式，製作可供翻閱的複製樣本，配合過往出現在課本上、諸如《爾雅》、《論語》、《孝經》等大眾耳熟能詳的漢學經典，讓民眾直觀體驗古人閱讀時所感受到的體感，以及精神傳承。     故宮百年院慶鉅獻「皕宋」特展。     千年前的文人聚會   相傳北宋年間，駙馬王詵曾於汴京西園舉辦一場風雅聚會，如蘇軾、黃庭堅、李公麟、米芾等人皆為座上賓，會後由李公麟繪圖、米芾書文，以此紀念這場難得的「西園雅集」，雖然這場聚會考據至今仍虛實難辨，但是仍有許多創作以此為靈感，經由後人傳頌，凝聚時人對風雅韻事的憧憬，成為歷代雅集仿效的原型。     元 趙孟頫，《西園雅集圖》。     宋 李公麟，《五馬圖》(局部)，日本東京國立博物館藏。     「千年神遇－北宋西園雅集傳奇」特展將最廣為人知的宋代藝術家——蘇軾，做為策展核心和切入點，以文物展覽的形式重現傳說中的群星薈萃，展覽內容首先自書齋逸趣、宴飲酬酢、耆英雅聚等主題出發，隨後進一步深入以蘇軾為首，黃庭堅、李公麟、米芾等緊隨其後的作品精選，內含蘇軾的《書前赤壁賦》、黃庭堅的《自書松風閣詩》及米芾的《蜀素帖》，以及近年現世的夢幻真跡，李李公麟〈五馬圖〉，最終以這些宋代明星為基點，引領觀眾觀賞後世受其影響的書畫，如漣漪般層層蕩漾，延伸至整個東亞文化圈。     宋 蘇軾，《書次韻三舍人省上詩》。     故宮歷代典藏   來到故宮南北院聯展「甲子萬年：國立故宮博物院百年院慶特展」，此為年度院慶壓軸大展，聚焦故宮遷台75年、立足台北外雙溪至今60年歷程，藉由「開門見山」、「相遇寰宇」、「萬象交織」與「迎向未來」等四個單元，呈現典藏體系的建立與擴充、赴外展覽與國際交流、藏品研究與詮釋的進展，以及數位典藏歷程等面向。     故宮「甲子萬年」特展，以「故宮100+」為起點，邁向百年新故宮。     故宮總策展人余佩瑾副院長指出，展覽名稱「甲子萬年」，靈感取自清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，同時呼應以「時間」為主軸的策展理念，這件1744年因應甲子年到來所燒造的筆筒，亦具記年功能，上下兩層皆可轉動，讓天干與地支的組合能精確對應年份。     故宮「甲子萬年」特展，結合數位互動裝置，呈現故宮數位發展成果。     時光流轉，故宮百年典藏的深厚底蘊，其價值亦被再次重新定義，如〈北宋 汝窯 青瓷無紋水仙盆〉、〈北宋 定窯 白瓷嬰兒枕〉、《藏文寫本龍藏經》，唐人雙鉤廓填本傳世名蹟〈晉 王羲之 平安何如奉橘三帖〉等珍貴國寶，以及收藏於日本九州國立博物館〈北魏釋迦牟尼佛坐像〉與〈絹本著色觀音曼荼羅圖〉，皆因應本展得以現身於人前，橫跨時代的隔閡，重建歷史文化與當今社會的精神聯繫。     展覽名稱「甲子萬年」，靈感源自於清乾隆年間〈洋彩萬年甲子筆筒〉，象徵著時間循環與文化延續。   故宮百年院慶 地點：國立故宮博物院 北部院區 第一展覽館 時間：2025年10月04日至2026年01月04日   資料及圖片提供」國立故宮博物院 採訪」江瑜

在當代藝術與工藝的交匯處，臺南市美術館持續以策展建構對話橋樑。自2021年起，透過「工藝協奏曲：臺灣X金澤工藝交流展」、「逍．遙．遊當代工藝合創展」及「臺南X金澤雙城論壇」等系列活動，南美館不僅呼應台南作為工藝創作重鎮的歷史脈絡，更逐步搭起跨領域的交流網絡。今年秋季，南美館再度推進此一使命，特邀日本當代藝術重要推手秋元雄史擔任策展人，推出「皮膚と內臓：自己、世界、時間」展覽，以十位日本當代女性藝術家的工藝創作，開啟一場跨越感官與哲思的深度探索。 展覽現場。   多元媒材呈現生存意義 展覽以「皮膚與內臟」為隱喻，從身體最直接的感知出發，試圖組織起自我、世界與時間的複雜關係。這不僅是感官的啟蒙，更是存在的探問。藝術家們透過玻璃、漆藝、陶藝、織品、纖維等多元媒材，創造既神秘又具象徵性的作品型態，引領觀者在觸覺與視覺的交織中，思考現代人如何面對自我與世界的連結。這種創作精神，恰如草間彌生在自傳《無限之網》中所言：「不應該受到舊道德的束縛，要做自己喜歡的事」，展現在自由中追尋生存意義的藝術態度。 展覽室C第三子題「邂逅：與他人的共鳴」，陳列四位藝術家之作。   展覽的敘事結構巧妙借鏡動漫《葬送的芙莉蓮》中，主角於旅程中反思生命的隱喻，引導觀眾透過作品審視自身，並重新建構與他人、與「來世」的關係。從記憶的追尋到生命的律動，展覽分為四大子題，逐步展開對人類經驗的深層叩問。   從工藝感受生命流動 在「記憶與情感：過去與幻想」中，牟田陽日將傳統陶瓷圖像融入個人想像，投射出對自然的獨特觀照；小林萬里子以「生命的循環」為題，模糊人類與動植物的界線；綿結則運用原始技法，追尋一種超越時代與地域的根源之美。這些創作不僅是對過去的懷想，更是對幻想與現實之間流動狀態的捕捉。 小林萬里子作品《無盡的喜悅》。 佐佐木類作品《植物的記憶》系列。 進入「旅程：探索超越界限」，藝術家佐佐木類透過《植物的記憶》系列，記錄她與土地、旅行的對話，在採集與創作的過程中重新發現自我。而在「邂逅：與他人的共鳴」中，三嶋律惠與義大利穆拉諾島工匠合作，展現玻璃工藝在光線下的多變姿態；中田真裕透過色層堆疊留下時間軌跡，佐合道子與留守玲則分別從造形觀察與日常素材中，探問生命本質與物質特性。   三嶋律惠在燒製過程中，運用不同方式創造作品的多樣性。 佐合道子利用瓷土創作多種形態。 最終，「生與死：生命的律動與心理」回歸對生命本質的凝視。山下茜里剝除皮膚的表象，以鮮烈色彩描繪人類身體，直面「人為何物」的終極提問；宮田彩加則將帶有死亡預兆的MRI影像轉化為藝術，成為面對身體不確定時的心理回應。   展覽大廳放置山下茜里作品《渴望光明》，表現色彩鮮艷的人類身體。 展覽開幕式上，忠義國小太鼓隊與歌手林雨宣共同演繹《葬送的芙莉蓮》主題曲〈勇者〉，以鼓聲與歌聲象徵挑戰過後的旅程，與展覽主題相呼應，帶來直擊感官的震撼體驗。策展人秋元雄史與藝術家代表佐佐木類強調，展覽並非艱澀難懂，只要以自身感官細細體會，每位觀眾都能從中找到屬於自己的啟發。   宮田彩加作品靈感源於自身至醫院檢查的MRI核磁共振檢驗報告。 「皮膚と內臓」不僅是一場工藝展覽，更是一趟從身體感知出發，通往自我與世界深處的旅程。透過十位藝術家的創作，觀眾得以在記憶、旅程、邂逅與生死的交織中，感受生命的流動與存在的意義。   山下茜里的蠟染作品《超越肌膚》。 皮膚と內臓：自己、世界、時間 時間」2025年10月3日至2026年1月18日 地點」臺南市美術館2館展覽室A-D 詳情請見臺南市立美術館官網。   資料及圖片提供」臺南市立美術館 編輯」林靖諺

台北當代藝術館適逢25周年，邀請知名現代藝術團隊豪華朗機工於此舉辦首次個展「宇宙寫生」，豪華朗機工由張耿豪、張耿華、陳乂及林昆穎四名藝術家組成，歷經多次藝術活動，至今已有15年創作經驗，四人各有所長，透過討論和合作，創作內容橫跨繪畫、雕塑、音樂、錄像、文本和藝術裝置等領域的手法，以藝術語言反饋他們對社會的觀察、回應公共以及社會議題，也透過創作為不同領域之間創造新的連結。     《四合》，攝影：陳長志。     本次展出不僅是一次針對過去的審視和紀念，同時也是對未來的展望，展覽內容包括重新詮釋14件過去令觀眾印象深刻的經典作品，同時也有與台北當代藝術館合作所觸發的全新創作，以「萬物皆連結 It's all connected」為核心，提出三個主題進行遞進式的概念闡述。     《游泳》，攝影：陳長志。     開篇「連結的生命」中，為觀眾展示人與環境如何互為依存；其次「記憶的物件」，著重於時間與物質所留下的痕跡；最終收尾的「凝視的宇宙」，則以新作裝置開啟對未來的探索。期待透過沉浸式的展覽體驗，喚醒觀眾的感知，讓觀眾置身在跨媒體裝置和運算式技術所營造的語境中，重新審視自身和環境的關係，並延伸對未來世界的想像力。     《在屾》。     光與生命的串連   回顧團隊成立的最初，每一次合作、挑戰與轉變都成為養分，就像他們是由四個獨立的個體互相搭建而成，以此為起點，設置入口形象區的裝置作品《四合》，以緩慢律動的光影迎接觀者進入，彼此獨立的燈管在幽暗的環境中透過光源彼此牽引，最終在同一個框架中找到平衡，展現微妙而和諧的合作。     豪華朗機工於科教館的工作室。     《雨霾II》。     以個體與個體之間的關係，擴大到對更多人群的關懷，展出的第一站「連結的生命」透過燈管裝置模擬自然律動，呈現《游泳》和《風場II》，細長的發光體化為一片人工風林，在展場裡靜靜呼吸。從人類的角度繼續往環境的方向延伸，《在屾》、《雨霾II》和《冷凝》，透過藝術家蒐集的鋼筋廢料和海廢等廢棄物質，構築自然意象，表達山、海與氣候變遷下冰冷與柔軟的對話，喚起屬於台灣人共同的感官記憶，匯聚人類的感官和自然生態的變化，讓觀眾看到個體生命彼此之間的群體共性。     《冷凝》。     15年創作生涯的里程碑   來到第二個展區，依序審視一路走來的共創記憶，以繪畫與投影構築三個曾經的工作場域，透過觀察者的視角，邀請觀者在凝視中穿越，沉澱於豪華朗機工十五年的創作記憶，凝結成《15年工作室》這個時光的結晶。在此之後的「照顧計畫」系列，靈感源自2006年張耿豪、張耿華在當代館展出的《啄木鳥》，延續鳥與樹木互惠共生的意象，作品以影像與訪談呈現，橫跨展場三個樓梯間。     《照顧計劃 II 感知現場》。     以現在的嶄新眼光對過去的作品進行再詮釋，面對不同的場地和不同的心境，宛如在回憶的地基上構築更高的塔樓，望向更遠的風景。如2010年誕生的《日光域》，當年藉由=回收燈具重新聚合光源，作品一路迭代至今，於當代館推出全新版本《日光域XI—台北當代藝術館》。新版作品以回收平板電腦作為光的載體，映照當代人們被網路、社群與演算法環繞的處境，數位藍光宛如日光，再次引導觀眾在凝視中思索。     《風場II》。     以及始於十五年前的《天氣好不好我們都要飛》，當時的豪華朗機工與台新銀行文化藝術基金會共同企劃，以空白鳥圖紙邀請全台37,200位孩童描繪心中飛翔的夢想，如今這件大型集合創作再次展翅，象徵自由與勇氣不因時代而停歇，不僅令過去的記憶再次鮮活，同時也邀請觀眾加入共創，一起為小鳥繪製彩色翅膀。     《日光域XI–台北當代藝術館》。   《天氣好不好我們都要飛》。   會呼吸的宇宙場域   展覽尾聲在二樓最大的展間以《宇宙201》為敘事主題，結合《生光》、《物林》、《手識》三件相互聯動的核心作品，構築出一個會呼吸的宇宙場域，每個分開看都足以獨立閃耀的部分，於此同一片宇宙中運行。《生光》將聲音與光編織成一個可以被包覆的宇宙，邀請觀眾開啟全身的感知，跟聲音的頻率與光的震動一起呼吸；《物林》由漂流木打造而成，圍繞而彼此聯結的森林，而在林間深處，《手識》以仿生手掌作出觀眾熟悉的姿態，與《生光》的多重光場彼此互動，象徵人類的意識將人與自然、宇宙進行連結。     《很難很難》。      《宇宙201》。   這三件作品以抽象的概念為核心，共構震撼視覺的科幻場景，是豪華朗機工對「宇宙寫生」的深層思考，出於對2018年因病離世的張耿豪的思念，作品以詩意的現實幻境，使觀者意識到科技之中的溫度與靈性，生命與記憶在此延伸，化為展覽中最為深沉的心跳。     「宇宙寫生—豪華朗機工個展」 時間」2025年10月04日至2026年1月11日 地點」台北當代藝術館 資料及圖片提供」台北當代藝術館、豪華朗機工 編輯」江瑜

忠泰美術館今夏首度於台灣推出芬蘭國寶級建築師大型回顧展《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》，衛星展區日前於在 NOKE忠泰樂生活3樓Uncanny登場，進一步延伸探討展覽核心命題「創造即生活」。展期至2025年11月30日。 《創造即生活──愛諾、艾莉莎與阿爾瓦．阿爾托》衛星展區。©忠泰美術館   衛星展區聚焦阿爾托夫婦家具設計的實驗精神、專利技術與創新成果，並介紹其共同創立的設計品牌「Artek」。現場展出多件經典作品與設計結構物件，包括1930年代突破曲木技術極限的懸臂椅（The Cantilevered Chair）以及被譽為「圓凳之王」的60號圓凳（Stool 60）等，揭示他們如何以設計連結個人、家庭與國家文化價值，同時帶領觀者見證芬蘭現代設計跨越地域文化，延續發展近百年的雋永魅力。 衛星展區囊括了手工製品到量產家具的介紹。©忠泰美術館   家具是建築的縮影 阿爾托夫婦在建築創作中不僅關注空間形式，也透過材質與細節的實驗，賦予生活更豐富的質感和感知體驗。衛星展區呈現他們成立事務所初期、面對20世紀工業化浪潮下，家具設計的創新實踐，挑戰傳統木作技術，發展膠合板曲木工藝，突破木材彎曲極限，打造輕盈有機且具量產可能的家具。在1934至1965年間，阿爾托更以七項專利展現家具實驗技術突破，成為北歐現代家具發展的重要典範。 阿爾托發明的專利「L型支撐腳彎曲法」，有相當廣泛的應用，亦衍生出多樣變體。©忠泰美術館   對阿爾托夫婦而言，家具是建築的縮影，也是與日常最直接的對話。許多作品源於大型建築計畫，卻逐漸成為獨立經典，並透過他們於1935年創立的Artek公司推向全球，至今仍在生產並廣受喜愛。 Artek結合了「藝術」（Art）與「科技」（Technology）。©Alvar Aalto Foundation   Artek的名稱源自「藝術」（Art）與「科技」（Technology）的結合，由阿爾瓦與愛諾．阿爾托及其友人在赫爾辛基創立。Artek不僅管理阿爾托家具出口、推廣優質家居產品，也在店中舉辦現代藝術展覽，成為當時前衛的室內設計藝術中心。 可堆疊式的611號椅，後由愛諾改造為兒童款（右）。©忠泰美術館 愛諾同時也擔任Artek首任藝術總監，專注於室內設計，並將阿爾托家具的設計語彙轉化為現代產品風貌，奠定品牌的設計準則與形象，並於今年迎來成立90週年。   懸臂椅（The Cantilevered Chair） 懸臂椅系列401號椅，剖面呈現局部內裏。©忠泰美術館 於1932年北歐建築論壇首度亮相，以模具塑形的彎曲木材所製成的家具框架，這種框架可同時作為椅子的扶手和椅腳，又稱為「彈性木椅」。此設計衍生多款阿爾托家具，至今仍持續生產。 阿爾瓦．阿爾托在維堡圖書館測試懸臂椅設計。©Alvar Aalto Foundation   層架支撐（Shelf Bracket） 1935至1936年間設計出環形樺木支撐層架。©Alvar Aalto Foundation 阿爾托於1935至1936年間設計環形樺木支撐，由Artek進一步發展為多款式，廣泛應用於層架、衣帽架、壁掛收納與傘架，展現結構的多功能與延展性。 環形樺木支撐層架。©忠泰美術館   60號圓凳（Stool 60） 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳，採用專利曲木技術打造L型支撐腳，三腳結構即使在不平表面也能保持穩固，且可堆疊收納節省空間。簡潔的木質平面易於清潔，完美展現功能主義精神；而L型支撐腳亦持續衍生出Y型、X型、V型等多樣變體，成為品牌經典的設計語彙。 被譽為「圓凳之王」的60號圓凳。©忠泰美術館     資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」陳映蓁

在繁忙的生活中，總有一些片刻能讓人暫時停下腳步，一杯茶、一段靜默，或僅僅是凝視光影的移動，都足以讓心安定下來。以此為核心意象，策展人許哲瑜、郭中元與日本陶藝家大谷哲也共同策劃的《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》日本工藝家聯展，於台中大屯郡守官舍盛大展出。 參展工藝家與策展團隊合影。 策展團隊歷經一年多的踏查與紀錄，集結11位來自日本各地的工藝家，包含陶瓷、玻璃、剪刀、金工、木工、和紙、焙茶、和菓子及花藝等作家，跨領域探討工藝與日常生活的想像與力量，並同步出版專書。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   工藝與生活的交會 「Ippuku／一服」在日語裡意味著忙碌中的一段小歇。策展團隊走訪日本九州、金澤、新潟、能登半島，與工藝家們對話，發現「Ippuku」並不是單純的休憩，而是創作與生活交融的一種狀態──在工藝家的日常裡，休息即創作，創作亦是休息。  《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 展覽的出發點，不是遙遠的藝術理念，而是生活本身，以「生活即創作」為主軸，這些看似日常的物件，其實蘊含工藝家最專注的創作心境。角田淳從料理與家人餐桌出發設計器皿，大谷哲也以「白」詮釋極簡瓷器的澄澈，大谷桃子將田園風景轉化為器物紋樣；京都的ハタノワタル（Hatano Wataru）讓和紙溫潤延展於空間，來自能登半島的有永浩太以口吹玻璃展現透明與堅韌，多鹿治夫鋏製作所傳承各種生活工具歷史與創新，金澤的竹俣勇壱則以金工勾勒餐具的優雅姿態，所有的精彩皆呈現於每件作品中。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。 《Ippuku：生活與工藝的片刻對話》展覽現場。   和紙的柔光 其中，ハタノワタル（Hatano Wataru）的創作以日本傳統和紙文化為核心，但卻不侷限於傳統用途，而是將其拓展至建材與空間應用。大眾常認為紙材脆弱、遇水容易破，但他認為，和紙的本質就是「樹皮」的延續──經由多道製作程序再重生，正因如此，和紙其實是一種堅韌且充滿可能性的媒材。 ハタノワタル（Hatano Wataru）。   製紙過程。 製紙過程。 在空間應用上，和紙最動人之處在於光，等於將柔和的時間帶入其中。和紙會先吸納光線，再柔和地反射，形成一種獨特的光暈，他解釋道：「和紙讓光線變得不那麼直接，反而能將擺放於空間中的事物襯托得更漂亮。」有鑑於此，當和紙作為建材時，透過光影與材質特性的協作，不僅能營造溫潤氛圍，同時也讓物件和空間獲得了新的詮釋，既能呼應傳統文化，也能對話當代生活。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 除了創作，ハタノワタル（Hatano Wataru）也將心力投注於傳承，他的工坊目前已有八名學徒，期許未來能以團隊方式持續運作、推廣和紙文化；他強調，和紙作為日本傳統工藝，必須在當代被延續與拓展，而非僅僅停留在過往的記憶中。 和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 鏈結傳統與現代 策展人許哲瑜則回憶參訪ハタノワタル（Hatano Wataru）的工坊時，對於他從原料種植、製紙到作品完成皆一手包辦的流程印象深刻，完整掌握每一道環節。許哲瑜指出，ハタノワタル（Hatano Wataru）的價值不只在於製紙，更在於把傳統的媒材重新詮釋，運用在多元的生活層面中。「他在傳統與現代之間找到了平衡點」，策展人表示，隨著時代演進，越來越少人使用早期的自然材料，但ハタノワタル（Hatano Wataru）卻能在傳統技藝中注入當代對藝術的追尋，展現成熟且成功的轉譯力。他尤其欣賞和紙因光線而展現的多變表情──同一張和紙，在不同光線與天氣下皆能呈現截然不同的氛圍，這是其他建材較難達到的效果。  和紙運用於空間中。圖片由藝術家Hatano Wataru提供。 和紙藝術品。   片刻停歇的光影 《Ippuku》不只是一場工藝聯展，更像是一場關於「如何生活」的提案，邀請觀者暫時停下腳步，透過器物感受溫度。這些作品之所以動人，是因為它們真正回到日常，提醒我們生活中仍可留白、能慢下來，找到屬於自己的「一服」片刻。   Ippuku：生活與工藝的片刻對話 日期」2025年10月1日至2025年11月16日 地點」台中市西區林森路40號（林森40 / 台中大屯郡守官舍）     資料及圖片提供」中島GLAb、藝術家Hatano Wataru 採訪」陳映蓁  

理事長的話—寫在TID頒獎典禮之後     自2007年創辦以來，TID台灣室內設計大獎已經走過18個年頭。年輕時第一次領到獎的悸動，並不是加冕或被肯定的喜悅，而是心中明白：我可以繼續走這條路。也因此，我很清楚這是屬於設計師的榮耀舞台，是設計人心中的聖殿。   跟著前輩和趙哥（趙璽）學習 6 年，自己戰戰兢兢經營 2 年。我很開心看到這個舞台、這場典禮、這束聚光燈，能打在每一位上台領獎的設計師身上。這一刻正是我們想實現的目標——讓設計師被大眾看見，讓社會更加尊重這個專業。這是我努力提升室內設計師社會地位的初衷。   許多人以為「上台得獎」就是一切，但當我看著台下數百位設計師時，腦海裡浮現的卻是另一個場景：工地的粉塵與噪音、石灰和水泥的氣味、收音機播放的廣告聲、被泥灰磨破的圖紙邊角。設計師穿梭其中，蹲在地上與工班討論細節，搬運材料、協助施工，全身灰頭土臉是日常。出了差錯被罵首當其衝，現場工人疏忽也要立刻糾正。台灣的設計師，跟著工地團隊上山下海，親身經歷水深火熱。     這，才是設計師的日常   每一個案子的完成，往往凝聚數十甚至上百人的努力。設計師面對業主、工班、管委會、鄰居，總是第一個到現場、最後一個離開。不是因為我們是超人，而是因為我們必須盡全力，讓作品落地、讓夢想成真。   最讓我感動的是，年輕設計師不是為了舞台而來，而是為了挑戰自己的極限。就算疲憊，也要做出更好的作品；就算今天獲得掌聲，或今天沒有得獎，明天依然回到天昏地暗的工地，繼續做一個好設計師。這就是我在大家身上看到的氣魄與決心。   年復一年，當舞台燈光熄滅、布幕降下，我依然對台灣一代代前仆後繼的室內設計師充滿敬意。你們是讓台灣室內設計持續進步、被世界看見的關鍵，也是所有後進的榜樣。做一個好設計師，就是不斷挑戰限制、突破框架，才能創造更好的作品，推動社會進步。     這，就是 TID 的意義   它不只是讓設計師登上舞台，更是幫助每一位設計師在專業裡找到屬於自己的高光時刻，並持續引領台灣設計往前走。   最後，感謝咫想團隊，每年在有限的資源下創造無限可能（也先預告，預算依然有限、可能還要再「無限」）。感謝張基義院長為設計界挹注實質的支持，給我們最溫暖的後盾。感謝趙哥，我永遠的導師，引領我們一路走到今天。感謝秘書處忍受與包容我，完成每一個挑戰。感謝理監事們，在我心中你們永遠是舞台上的明星。因為有你們的熱情與專業，台灣才充滿希望。其他關心與支持我們的朋友與前輩，也一併致上最深的謝意。   撰文」CSID理事長林彥穎

台北表演藝術中心球劇場再次迎來室內設計界的年度盛事—第十八屆台灣室內設計大獎（Taiwan Interior Design Award, TID Award）頒獎典禮，現場齊聚台灣頂尖設計師、產學代表與來自亞太各國的貴賓，共同見證台灣設計產業的重要時刻，本屆TID大獎頒發了9個金獎、2個新銳設計師獎及評審團特別獎，充分展現台灣室內設計的多元與深度。   恰逢Asia-Pacific Space Designers Association (APSDA) 亞太空間設計師協會 GA 會員大會於台灣舉行，由中華民國室內設計協會（CSID）理事長林彥穎接任下一屆APSDA主席。林彥穎理事長表示：「能在台灣接下APSDA主席的重任，是一份榮譽，更是一份責任。未來我們將持續推動台灣設計與國際接軌，讓世界看到台灣設計的價值與力量。」這不僅象徵台灣設計產業向國際邁出關鍵一步，也展現CSID在亞太設計領域的專業影響力與領導地位。許多國際友人因此親臨現場，與台灣設計圈一同慶賀，豐富典禮的國際視野。   今年評審團特別獎授予Morpho-Design形構設計的「三重商工機械工廠改造」。評審團盛讚其打破傳統高職機械科「黑手」刻板印象，透過場域再造，在作品中昇華學生作業的意義，透過教學場地潛移默化地影響，培養兼具技術與品格的專才，讓人看見設計產業的文化傳承。   新銳設計師獎則花落平原集設計的「覓境．祕境」和艾洛設計的「山頂有風」，前者以細膩空間分配與自然光引入，打造舒適且高效的小宅居所；後者則以光影與形體的對話，呈現雕塑感與靜謐感並存的個人工作空間，成為創意與專注的容器。   秉持對於設計力量的信念，為社群之間創造連結，進一步改善大眾生活環境，2025 TID頒獎典禮不僅是榮耀的舞台，更是台灣設計邁向國際的重要里程碑，宣告台灣設計能量與國際交流的無限可能。 （獲獎名單依據TID Award及CSID官網公布為準）     TID 評審特別獎 三重商工 機械工廠改造 Morpho- Design 形構設計 / 方俊能 方俊傑 江佶洋 設計理念源於對職人工藝精神的尊重與重現，僅以數控技術獨立完成的入口雕塑裝置，傳遞數位加工技藝的藝術精神，將原車洗床教室轉型為自動化數控教室，兼具考場功能。中軸對稱的燈架將天花一分為二，行走於如運輸帶的光廊下，空中漂浮燈架劃分領域，也兼顧照明；手臂作業區上方挑空，引入大量自然光，側邊廊道化身藝廊，提升學生作品藝術價值。設計整合多元機能與抽象精神，讓空間精神帶動學生心靈，提升學子為所學技藝的自豪感與對未來創作的想像力。     新銳設計師獎 覓境．祕境 平原集設計 / 柯明恩 本案為短向採光，透過軟裝元素替代隔牆，配合拼貼與重疊手法，劃分場域，使光線能夠深入家中的每個場景。於轉折與收放之處，透過大小空間自然對比，形塑日常的輕與重，在尺度的變化中，置入漸變的風景，在每個場域嵌入以黑色的家具，為空間的連貫與自明性注腳，隱喻著連續空間中的公私有別，拼貼以不同的材質語彙，描繪生活情境的有機時序。     新銳設計師獎  山頂有風 艾洛設計 / 楊雪婉 「山頂有風」攝影藝術空間，坐落於大理洱海畔，在蒼山與洱海的交匯間，「AURORA DESIGN」團隊承襲地域文化脈絡，以簡約、純粹的設計語言，打造兼具藝術展覽、文化沙龍及創意工作坊功能的沉浸式空間。設計師尊重原建築結構，一方面以白色石磚外立面呼應洱海雲影，頎長開窗引風光入室，延續自然意境，模糊建築與環境的界限。另一方面在拍攝區與工作區大量運用自然採光，應用泥土、軟木、石材等自然材質，與在地環境相互呼應。     品牌傳達類品牌設計 金獎  金水361. META Space 康爾富照明股份有限公司 / 鄭遠揚 以空間作為溝通的載體，重新詮釋台電予人的印象，運用台電退役材料，將台電舊建物改造成具有展覽、咖啡、商店等功能的複合式體驗空間，遵循設計團隊走訪全台台電場域所見的專業景象，打造空間細節和使用方向。內含結合退役礙子與石英石技術開發的再生建材，以及其他台電退役材料再生的多樣性：如運用台電再生家具打造咖啡廳座位區、可以走進去的變電箱改裝裝置等，結合藝術裝置與實際使用，和山海環景的地理條件，表達台電與在地的連結。     商業空間類/零售空間 金獎 accessory 初向設計 / 曾國峰 王子昀 以品牌理念為設計核心，傳遞讓客人在配戴品牌飾品的同時觸發即刻假期的聯想，從而放鬆身心感受，期待在熙來攘往的商圈中，創造一個安穩的場所。半透的布幕圍塑場域，並開口讓內外產生有趣的窺看關係，透由行走路徑的體驗使空間與時間產生置換與抽離，空間中的道具以萬物皆平衡才存在為概念製作，宛如匠人的工作室，展現安定與寧靜的場景氛圍。     商業空間類/餐飲空間 金獎  無微 十幸制作 / 蔡昀修 趙玗 林宛蓁 陳炫積 案件位於高雄鳳山黃埔新村的咖啡店，為台灣最早期眷村。設計以「克制」為主要策略，保留建築原有的框架與居住格局，同時回應現今場域，將品牌精神與商業需求巧妙融入其中。入口處的霓虹燈裝置描繪了動態的「時間軌跡」，保留原有隔間及材質調性，將設計重心聚焦於家具。桌椅造型的靈感源由屋頂木桁架結構，也回應空間的多樣需求，透過不同的座椅高度和形式串連新與舊的對話，希望整體設計在歷史與滿足功能之間達成和諧。     政府單位整合設計 金獎  小芳堂 乙乙設計事業有限公司 / 吳聿 陳彥儒 簡琳儒 鐘啓彰 芳和實中隨教育模式創新陸續改造，唯獨歷史49年的穿堂遲未升級。隨現代化教育模式的變革，校園已成社區一部分，打造友善多元環境勢在必行。改造方向由外而內，首先移除原門扇，模糊校園與城市邊界，其次改造旋轉樓梯區凝聚空間核心，結合展示、公告與休憩功能，促進學生互動交流，最後於樓梯下植入以回收橡膠面材，連結綠地與廣場。透過介於遊樂場與藝術裝置之間的互動場景，回應芳和實中勇於探索與挑戰的勇氣。     公共空間/文化空間 金獎  醉語與光影的共舞-雲上美術館 竹工凡木設計研究室 / 邵唯晏 呂孟樺 這棟位於大型生態園區的雲上美術館原為酒廠的儲酒廠，特意保留四個既存的鋼製儲酒槽，承載企業精神和歷史故事。偌大建築以清水混凝土為主體結構，僅頂部凸出於屋頂花園外，室內透過牆面與天花上道道裂隙般的開口，串連天光流動的途徑；室外則在館外水池的反射照拂下，每塊混凝土結構都猶如一朵朵漂浮水面的祥雲，創造了實與虛之間的視覺情境轉換。採光和地景藝術的功能，回應了新舊對話、建築融合地景的設計策略。     居住空間/單層住宅 金獎  新的旅程 瑋奕國際設計工程有限公司 / 方信原 洪于茹 鄭乃慈 如何延續這座居所歷經50年光陰的獨特印記，是案件規劃的重點，經過分析過往的生活模式，定調主線規劃、動線規劃及場域界定、機能設定要素。原被視為缺陷的T字樑，透過十字形框架形塑斜面天花板，增加空間高度及層次。表面輔以回收檜木轉譯情感表達，大弧形牆面的規劃，使得空間的視覺延伸最大化，對稱結構與單一色系不同材質的協調運用，平衡整體調性，重啟生活與空間相伴的下一段旅程。     居住空間/複層住宅 金獎  觀樾天湖．靜嶼 朴悅設計 / 郭子偉 以專案獨特的湖景資源為核心，摒棄傳統豪宅的符號化表達，通過空間敘事與功能革新，結合「物理容器」與「精神載體」。空間規劃聚焦「療癒」與「交互」雙重維度：設計客廳與茶室等不同氛圍的家庭聚場，平衡熱鬧與私密；同時以藝術化手法重構社交場景，打造獨立動線確保多代生活互不干擾。設計細節強調「隱性奢華」，頂級材質配合智慧化系統的無聲嵌入，共同服務于居者的精神共鳴與生活質感回應對自然、藝術與身份的深層訴求。     居住空間/微型住宅 金獎  隨寓 德沃空間設計有限公司 / 蔡松霈 位於美術館蛋黃區的14坪公寓，承載著從事美學設計工作的業主對心靈棲居的渴望。設計師打破傳統隔間的框架，採用連續的圓弧線條，將各功能區自然串聯，營造光影通透、動線流暢的居住體驗。牆面與柱體以溫潤米色礦物塗料覆蓋，輔以木質、金屬及織品的搭配，在剛柔之間展現深邃質感。開放式環繞動線打破封閉格局，讓動線的每個環節都能體現自在韻味。在流動與留白中，塑造出一個既舒適又充滿詩意的居所，讓人徹底「隨寓而安」。     居住空間/獨棟住宅 金獎 大家的森林 查少峪建築空間研究室 / 查少峪 曾郁涵 日本有一句諺語「屋根の下」（under one roof），寓意將多元相異的事物匯聚於一處，而本案正是這句諺語的具象化，建築主體採用日本檜木，呈現充滿木質香氣的住家空間。主體結構使用清水模承重牆和檜木製CLT屋頂板，清水模的冷冽整齊性和木材的溫暖交織出空間的對比性質。隨著建築內部空間單元的變化，轉45度的曲面大屋頂會與正交系統的空間產生多元雙斜屋頂型態，隨光影移動，演繹生動豐富的日常面貌。   資料及圖片提供」中華民國室內設計協會CSID、本屆獲獎各大事務所 採訪」江瑜

在紛雜的世界中，複雜的商場上，總是有著這樣的一群人，在各自領域深耕有成，動力並非為了獨善其身，而是懷抱兼善社會的願景，他們以己身之力滋養孕育自己的土地。「楠弘」集團蘇振輝董事長，正是一位擁有特別靈魂的企業家，他自小我立念，到大我實現，默默為台灣社會付出，誠心的希望這片土地更加美好，一路點滴累積，書寫成這位企業家動人的故事。     楠弘集團蘇振輝董事長。     讓質精底蘊深植人心   蘇振輝董事長成長於嘉義偏鄉，個性早慧聰敏，因為希望給家人更好的生活，年紀輕輕就投入工作。年輕的異鄉遊子總是善感的，踏入社會後，深感城鄉資源差距懸殊，偏鄉資源缺乏，於是立下心願：日後事業有成、羽翼豐厚之時，希望回饋社會並將資源引進家鄉。     收藏藝術《炁之巡》，蕭勤作品。     在22歲時，他懷著無畏之心創業，一如台灣早期企業家們的勇敢堅韌，為了生意拎著行李箱穿梭於海內外各大城市，卻也在一次次的歐洲差旅中，逐漸開闊了自身的眼界，磨練對衛廚精品的精準眼光，理解美學對生活的深遠影響。 自1979年楠弘集團從高雄起家，至今已發展成全台七座城市，超過200多名員工的規模，代理品牌包含Villeroy & Boch, bulthaup, Dornbracht與GROHE，這些各具特色且底蘊深厚的品牌，無不透露出他在審美與工藝品味日益洗鍊的功底，不但一次次開拓台灣高端消費者對廚衛精品的眼界，也宣示著「楠弘」積極將歐洲美學與嚴謹工藝引進台灣市場，把歐洲的「質精」內涵深植人心，讓生活美學滲透台灣社會的企圖。     蘇振輝董事長與藝術家蕭勤合影。     用音樂藝術傳播理想   「楠弘」一名，寄寓著在南部生根茁壯，弘大理想願景的期許。在事業輝煌的同時，蘇振輝董事長並未忘懷創業之初許下的願望：將美好事物引入台灣，讓資源潤澤偏鄉。音樂、藝術、自然，不僅是他由衷的熱愛，也是他傳播理想的渠道。     2021年蘇振輝董事長獲頒文化部首屆文協獎章。     楠弘集團數十年來持續資助藝文活動，鼎力支持台灣藝文推廣，期許拋磚引玉，將美與善的精神傳遞給台灣大眾，而一切作為都源自於蘇振輝董事長心念台灣文化，希望為本土人才灌溉資源的心意。像是，長期贊助「台灣獨奏家交響樂團」，除了擔任團長積極為樂團媒合機會，給予音樂家展現才華的舞台，每年也舉辦多場巡迴演出，將音樂帶到各個城市。     2018年楠弘與「台灣獨奏家交響樂團」舉辦新年音樂會。     或者，帶領舞蹈團體深入偏鄉小學，讓偏鄉孩童認識肢體律動，感受舞蹈之美的滋養。又或，以實質的收藏行動支持藝術家，贊助藝術專冊編印，自主發起各種形式的藝文活動，帶領設計圈人士走入展演現場，浸享藝文美好。 方方面面都是集團用實際行動向藝術靈魂致意，表達由衷喜愛的行動，而藝文活動融入企業內涵的實績，也成了楠弘集團別具辨識的獨特標誌，集團員工不僅在潛移默化中持續豐實知識、提升自我，集團每位成員也有如承載美與善的種子，在生活的應對與舉止中，將美學傳播予他人。     2025年楠弘新年音樂會台北場蘇振輝董事長與熱情支持的設計師們合影。     這些「思行合一」，從自身作起，進而發揚的體現，均是因愛鄉心念而生的行動，它們純誠熱烈且不含雜質，當蘇振輝董事長談起「台灣獨奏家交響樂團」，談起藝術收藏與畫冊內容時，眼神閃耀的光芒，言談中對台灣藝文能量的自信，足以說明一切，它早已跳脫商業經營上投資報酬的現實考量，而是一位企業家心懷回饋，裨益他人的胸襟。     2025年楠弘新年音樂會高雄場邀請娜瑪夏偏鄉學童參加,為藝術教育扎根。     視大自然為師   蘇振輝董事長回憶，在一次鎮西堡山林活動，觸動他對自然的嚮往，猶記20多年前登上百岳，親見台灣壯闊動人的自然景致，當時的感動讓他立下推廣台灣的山林之美的心願，期望讓大眾認識台灣大地的生命力與美好。     楠弘集團號召藝文參觀活動，圖為2022年高美館《光展》。     有感於大眾對於台灣土地之美的忽視，蘇振輝董事長不僅加入陳玉峯教授開創的「山林書院」，參與「環境佈道」志業，持續傳播自然生態與土地倫理知識。也與朋友共創「地球公民基金會」，警示環境污染、鼓吹保護山林水地與自然永續。他也組織山林活動，帶領集團員工、好友們親近自然，重新認識台灣土地與山林，分享台灣原生的自然之美。     蘇振輝董事長參與地球公民基金會，推廣環境佈道。     他認為，大自然是生命的導師，無垠大地、山林古樹與自然力量，無不提醒著個人歲月有如大千世界的滄海一栗，僅是自然萬物中的短暫過客，應心懷謙卑、莫妄莫驕。登高時與自我對話的漫長過程，更讓他領悟凡事靜心勿躁的智慧，誠心盡力亦順隨緣份的豁達。因認知了生命的短暫，更加提醒自己珍惜時光，把握機會良善社會。     野鶴無糧天地寬   在訪談間，蘇振輝董事長分享一幅他喜愛的作品《野鶴無糧天地寬》，說到：野鶴雖然無人餵養牠，看似清苦，卻也跳脫了一地侷限，有寬廣天地任其遨遊，可享環境資源的生命力。生命的清寂或富裕，從不在虛浮表象中，而是在自我心證的滿足裡。     將藝文活動納入楠弘集團企業文化活動中，圖為2023年高美館《江賢二個展》。     回顧來時，或許最初一如野鶴般啟航，在遨遊天地後，卻也為家鄉帶回了不同的資源與視界。正如在複雜商場上持續無畏地破浪而行，背後動力並非為了獨善其身，而是懷抱兼善社會的心念，希望以己身之力滋養家鄉的企圖。蘇振輝董事長的理性經營、感性分享，對台灣情感的深厚關懷，展現了有別傳統的企業風範，孕養出楠弘集團最動人的精神內核。   資料及圖片提供」楠弘集團 採訪」室內雜誌編輯部