設計師于山認為，雖然事業的成長、興趣愛好的增加，每個階段對審美和生活不同的看法都會影響到家的狀態。但是無論如何，在他眼中的家至今仍像小時候的一床被子，用於窩藏最喜歡的玩具、零食，和未完成的作業；以最坦誠的態度，在設計中埋藏生活熱愛的細節，這是他對家的認同感。   這座住宅主要使用者是我和太太，我們期待生活空間周圍綠意環繞，內部可以滿足工作和生活上的需求。房子周邊住房密集，所以通過花園將周邊住戶隔開，規劃重點放在空間與自然的互動，特別設有一間附有泡澡功能的植物書房，除了臥室和衛浴間，其餘都是開放性的公共區域，安置平時的興趣與愛好。   我不拘泥於特定風格，希望將喜歡的事物和生活環境自然的融合，因為平日經常出差，希望家是一個可以讓自己在當中放鬆思考的地方，透過環境衍生新的想像，連結創新和生活感，如廚房天花透過漸變色的不鏽鋼模仿舊式廚房被油煙暈染的牆面狀態、吧台儲物融入捲門元素，增加開門的儀式感。 以二人生活為中心，重理原本的四房格局，不僅打通其餘隔間，還在側花園增設小木屋，區分前院的果樹區和後院的森林景觀區。針對室內外的互動，客廳捨棄窗簾，採用改良的日式雪見窗，卻除其餘風格上的裝飾元素，重點保留其滑動功能，豐富客廳觀景的形式。   廳區可以用於聚會，也可以是開放式的書房，讓收藏和音樂設備成為點綴，黑色萊姆石大幅鋪陳地坪，反襯室內的設計細節和戶外鮮明的自然景致；角落的透光櫃原本是一 位外國藝術家所做的透光屏風，經過改良後增加了收納功能，平衡裝飾性和實際功能， 配合其餘收藏形成一方端景。   因應招待親友來訪的需求而設計了幾個凳子，平時可以疊在一起收納，置於書房兩側，就像兩根立柱，表面紋理請過去設計香格里拉酒店結識的手工匠人雕刻。許多家具設計的靈感取材自裝修期間發生的趣事，比如曾有一對小鳥在花園入駐，我覺得很有靈性，就把書房的兩個吊燈和客廳的一個茶几做成他們的形狀，就像家也成為大自然的一部分。 這座住宅重視心理層面的鬆弛和空間的呼吸感，整體呈現工作與生活自然融合的狀態，讓想像力就如光、風和綠蔭在這座住宅裡流動那樣的自然。前廳不同造型的桌椅，在公共空間中區分不同使用方向的層次；主臥亦不乏巧思，床頭櫃結合可以摺疊的小桌，躺在床上也方便取物，這裡和我最喜歡的植物書房相連，在當中自由移動，充滿幸福的餘裕。   我和我的妻子是合拍的，她是我的軟裝設計師，她的參與很大程度上補全了我性格上不夠柔軟的一面，家裡很多地方能感受到我們思維上的對話，諸如理性和感性的交織，還有對生活的理解：不一定要高效，重要的是真誠的面對，才能體會其中的本質。 資料及圖片提供」無既萬溯室內設計重慶有限公司、于山、張盈 攝影」六文 採訪」室內雜誌編輯部

50 年前，科學家詹姆斯．洛夫洛克（James Lovelock）提出「蓋婭假說」，將地球 1 2 3 4 視為有生命的「活物」、一個有能力自我調節的生命有機體，然而，在他活躍的年代， 因為達爾文的演化論，人們更傾向生命會配合環境而演化，唯有人類才有能力改變和 創造環境。 《地球進行曲》，費里斯．賈布爾（Ferris Jabr），野人文化。 本書作者費里斯．賈布爾（Ferris Jabr）是一名美國的科學記者，長期為《紐約時報 雜誌》、《科學人》、《國家地理》等媒體撰稿，通過記者的好奇心、結合科學知識與詩人的筆觸，撰稿工作促使他投入研究「地球系統科學」這項基於人類近年逐步改變的世界觀、進而建立的學術領域，將地球上的所有生物與非生物的組成部分視為一 個持續活躍的整體，正視地球本身的生命力。 在地球的歷史長河中，生命究竟以何種方式、又在多大程度上改變了這顆星球？—費里斯．賈布爾（Ferris Jabr） 賈布爾列出岩石、海洋和大氣三大環境元素，作為論述架構，從裡到外、從微小到 宏大，舉出古往今來、生物和環境互動的種種案例，翻轉眾人眼中習以為常的世界， 結合作者親製「地球演化圓盤年表」，將35億年的地質與生物交織史詩化作一目了然 的視覺圖譜，為讀者描繪一個會呼吸、新陳代謝，甚至因發燒而啟動修復機制的活體星球。 從深埋地底的微小細菌、渺小卻主宰海洋的浮游生物，到教會河流「蜿蜒」的古老植物，乃至於改變氣候與地貌的巨型猛獁象，《地球進行曲》以「蓋婭假說」為本、 現代科學和種種事件為例，採用第一視角帶領讀者重新審視身邊的環境，土地、湖海 和空氣，即便不進食、不生長，不繁衍，仍與生物共同發展進化的脈動。 精彩內容搶先看 作者序 小時候，我以為自己能改變天氣。在加州郊區的炎炎夏日裡，庭園花草凋零枯萎，柏油路面燙得足以灼傷赤裸的肌膚。這時，我會畫一朵飽滿的藍色雨雲，然後一邊在草坪上繞著畫作遊行，一邊用灌溉水混入庭院修剪下來的枝葉，調成「魔法藥水」，潑灑在雲雨圖上。我說不定也吟唱過某種原始的咒語──那是一首通俗童謠的顛倒版本，因為我是要召雨，並不是要雨「快走開」。 在桑福德地下研究設施工作的地球生物學家瑪格妲萊納．奧斯本。 隨著年歲漸長，我對氣象學的認識也隨之成熟。在學校裡，我學到了水是如何從湖泊、河川和海洋蒸發，升入大氣層，冷卻並凝結成微小的水滴。這些飄動的水珠相互碰撞、彼此聚合，黏附在漂浮的塵埃上，並形成我們稱之為「雲」的棉絮狀物質，最終變得足夠沉重並回落到地面。當時我受到的教育是：降雨是大氣物理學的必然結果，是人類和其他生物被動接受的恩賜。 在南非比阿特麗克斯金礦一塊鐘乳石內發現的線蟲，深埋於地表下方約1.6公里。 然而就在幾年前，我得知了一項驚人的事實。這個事實徹底改變了我對天氣的思考方式，也顛覆了我對整個星球的認知，讓我重新感受到自孩提時代以來鮮少湧現的敬畏與無限可能。我學到的事實是：在許多情況下，生命不只是被動地接受雨水，生命會主動召喚雨水。 在南非科帕南金礦地下約1.38公里身處採集的纖小線蟲。 試想在亞馬遜雨林，這裡每年的降雨量約為二點四公尺，部分地區年降雨量甚至接近四點三公尺，超出美國本土年均降水量的五倍。這些滂沱大雨部分歸功於地理上的得天獨厚──赤道熾烈的陽光加速了海洋與陸地的水分蒸發；信風從海洋帶來了水氣；毗鄰的山脈則迫使氣流抬升、冷卻並凝結成雨。甘霖垂降之地，便是孕育雨林之所。 位於新墨西哥州萊丘吉亞洞窟的地下湖泊，研究人員在這裡找到了能將岩石轉變為土壤並蝕鑿出石灰岩穴室的微生物。 但這只道出了半數情節。在森林地表之下，植物根系和絲狀真菌構成了浩瀚的共生網絡，從土壤中汲取水分並輸送到樹幹、莖和葉片中。亞馬遜雨林中近四千億棵樹木在吸滿水分之後，會透過蒸散作用釋放多餘的水分，每天讓大氣中充滿了兩百億噸的水蒸氣。與此同時，各種植物還會泌出鹽分，並散發出一股股刺鼻的氣體化合物；嬌巧如紙傘或粗短如門把的蘑菇噴吐著一團團孢子，風將細菌、花粉粒，以及樹葉和樹皮碎屑捲入大氣當中。 位於南達科他州萊德市的霍姆斯塔克舊礦井，如今設立了美國最深的地下實驗室—桑福德地下研究設施。 森林的濕潤氣息，混雜著微小生命與有機殘留物，創造了理想的降雨條件。空氣中含有如此豐沛的水分，還有無數能讓水分附著凝結的微粒，雲層便迅速形成。某些空中浮游的細菌甚至能促使水滴凍結，使雲層增大、變重，讓雨水更容易傾倒而下。通常情況下，亞馬遜雨林一年內大約有一半的降雨是自己製造出來的。 資料及圖片提供」野人文化 編輯」江瑜

坐落於阿姆斯特丹東南隅的Bijlmerbajes監獄，是建於1970年代的舊建築。隨著城市發展，這片被高牆圍繞的封閉基地，逐漸成為市中心的一座孤島。如今，在房地產開發商AM與OMA建築事務所共同推動下，這座22,687坪的舊監獄，透過設計團隊所制定的「Bajes Kwartier」計畫，轉型為融合住宅、商業、文化與綠地的永續社區。 「The Martin」位於中央廣場，四個量體交錯疊合，形成具有動態感的建築輪廓。 Bijlmerbajes運作於1978年至2016年間，原本即以相對開放的管理理念支持受刑人復歸社會。園區由行政大樓、六座塔樓及中央廊道「Kalverstraat」所組成。OMA保留了監獄外牆、行政大樓及一座塔樓，並重新引入行人與自行車動線，讓長年封閉的基地重新與城市連結。昔日的「Kalverstraat」化身為串聯四大聚落的綠色軸線，僅存的塔樓則改造為展示都市農業的「綠塔」，成為垂直公園與觀景平台。相較於舊塔樓厚重的混凝土量體，新建築以多樣材質、開放立面與靈活輪廓展現全新的城市風貌。 「Bajes Kwartier」以永續社區為目標，整合住宅、商業、文化與綠地，包含行政大樓、六座塔樓及貫穿其中的Kalverstraat廊道。 三棟住宅 延續場域記憶 OMA負責規劃其中三棟的住宅建築，以設計回應場域歷史。其中，位於東北角的「The Jay」建於原規劃第七座塔樓預定地，歷經半世紀空置後終於完工。建築以白色預鑄混凝土與方窗立面，呼應未曾實現的塔樓，而其微凸的窗框比例則取材自舊監獄柵欄，塑造新舊融合的視覺景致。室內規劃中央走廊，並布置共享客廳、共同工作空間及鄰近古牆的花園，南向立面則整合太陽能板與植生牆，構建兼具交流與永續的社交環境。 「The Martin」以連續露台創造通透層次，與相鄰的舊監獄塔樓在量體與表情上形成明確對話。 坐落中央廣場的「The Martin」由四個交錯量體堆疊而成，層層露台塑造通透且立體的外觀，與舊監獄塔樓形成鮮明對比。環繞建築的陽台與玻璃欄杆展現開放的生活景象，室內則圍繞一個中央核心與兩座中庭配置，打造2至4房的多元住宅。6樓與9樓則設有屋頂露台及共享空間，增進住戶之間的交流，以及舉辦公共活動的可能性。 空間以中央核心與兩座中庭為軸，配置2至4房住宅，因應多元居住需求。 設計以舊建材再利用回應永續目標，綠意的介入，則為空間注入自然溫度與表情。 循環永續是「Bajes Kwartier」計畫的核心理念：拆除塔樓混凝土、鋼筋與牢房門等約98%的建材，回收再利用；社區則透過地底冷熱儲存、太陽能發電、有機廢棄物循環利用、雨水管理及完善的自行車設施，朝能源中和目標邁進，讓這座昔日象徵禁錮的監獄，蛻變為自由、開放且充滿生機的新世代城市社區。 建築以陽台與玻璃欄杆呈現通透感，屋頂露台與共享空間設置於6樓與9樓，為住戶提供交流與活動場所。 資料及圖片提供」OMA、Ossip van Duivenbode 編輯」林靖諺

人與人之間的溝通，或許面對面或以對話的形式、或許書諸於文字，以此達成資訊的交流，人聲的高底起伏代表人類社會約定成俗的語言規則，形成人類嘗試彼此理解對方的編碼和工具，卻不知是否有人也曾嘗試賦予語言以外的聲音承載意義的可能？ 塔瑞克．阿圖伊，《 十一拍聲搏》， 2020年，熱昇華墨水、黑膠唱片機研究、鈸、鑼、水滴聲與電腦生成聲音，尺寸依空間而定，私人收藏。 臺北市立美術館國際展覽「調：心境與聲景之間」邀集13位來自台灣、香港、印尼、越南、印度、中東及歐美等不同國家的藝術家，以聲音為主軸、藝術為形式，橫跨裝置、錄像、繪畫、聲響等多元創作，探索人類如何在變動的世界中重建感知與連結。 展場一隅。 新加坡策展人許芳慈於展中提出「聆水」、「聞息」及「聽壤」三大主題，分別以水、空氣與土地作為思考媒介，討論自然環境與人為事件彼此交織的關係。策展以聲音為起點，串起時間、空間與記憶，引領觀者重新理解生命、環境與政治之間細膩而複雜的關聯，在萬物彼此牽動的頻率中，尋找共享世界的可能。 蘇珊．舒普利，《 聽冰》， 2021年，4K錄像、彩色、立體聲，17分37秒。 以聲頻建立的橋樑 水既是生命的起源，也在地圖上勾勒土地的邊界，展覽以「聆水」為先聲，引導觀眾走近自然和人對話的開始。塔瑞克．阿圖伊《十一拍聲搏》取材阿拉伯塔拉布（Tarab）傳統音樂，組織滴管、揚聲器和水珠的流動，成為一種獨特樂器，循環構成十一拍節奏，讓觀者在近乎冥想的滴水節拍中感受時間的腳步。 芮娜．賽尼．卡拉特，《合唱一號》，2015-2019年，玻璃纖維彩繪、金屬、喇叭，5分11秒，單聲道音訊，244 × 173 × 142公分。 蘇珊．舒普利《聽冰》則將視角投向冰凍圈，紀錄冰川碎裂、融水奔流及封存數千年的氣泡因暖化而爆裂的聲響，同時邀請因冰川退縮而搬遷的喜馬拉雅居民共同聆聽，錄製為影片，讓在帝居民們從新的角度認識這個塑造他們一生遷徙過程的自然環境。 陳庭榕，《 我只在乎你（私語）》， 2018年，八聲道無伴奏人聲聲音裝置，聲音系統、喇叭、同步機制、熱浸鍍鋅板、黑鐵、紙漿（以每日可拿取的免費報紙製成），8分35秒（每15分鐘播放演奏），90 × 205 × 555公分，2018年Kunsthalle Wien 委託製作。 巴古斯．潘德加與今津景合作的《自然綠4.3創作之人造綠意》，利用活體植物的生物訊號驅動機械手臂持續作畫，選用大王椰子呼應台灣與印尼共享的熱帶景觀，也映照殖民歷史留下的文化痕跡。入口處袁旃《會走路的山》則以流動交疊的墨線描繪九二一地震後土地仍持續震顫的生命力，使傳統山水不再靜止，轉化為有呼吸節奏的有機生命。 今津景、巴古斯．潘德加，《 自然綠4.3創作之人造綠意》， 2025年 (2026年重製)，水性顏料、麻布、模組化合成器、電腦、大王椰子樹，尺寸依空間而定。 自然與人的共鳴 藉由呼吸的節奏，進入「聞息」的範圍，探討大氣中的聲音傳導如何承載情感與權力。哈吉拉．瓦希德《來自姐妹的家書（2015年11月16日）》取材自與家人往來的信件，背景映照巴塔克蘭劇院攻擊事件後、法國進入緊急狀態的歷史時刻，文字緩緩浮現於天空投影，使個人經驗與殖民、戰爭及國家暴力交錯相映，展現同一片歷史背景下的不同面相。 林其蔚，《 唸珠》， 2018年，聲音裝置，尺寸依空間而定，臺北市立美術館典藏。 勞倫斯．阿布．哈姆登《風之合奏》將薩克斯風演奏投映於低音喇叭表面，對比敘利亞戈蘭高地因風力發電設施引發的領土爭議，以風聲傳遞自然與人為衝突的兩面性，形塑作品聲景。陳庭榕《我只在乎你（私語）》依歷史紀錄仿造源自金門北山的播音牆，讓鄧麗君曾被用於心戰喊話的歌曲重新浮現，也提醒觀眾，聲音既能傳遞私人情感，也可能成為權力操作與意識形態傳播的工具。 阮純詩，《四十七天，無聲》，2024年，錄像、雙銀幕、鏡面；錄像：三頻道投影、16:9、16:9與5:2銀幕比例、黑白與彩色、聲音（立體聲），31分39秒。本作品由哈恩．內夫肯基金會、森美術館、香港M+以及新加坡美術館共同委託創作—2021年歐亞動態影像委製計畫。 此外，楊嘉輝《煙霧奏鳴曲》以日本寺院的宗教儀式為背景，透過煙霧流動與細微聲響，引導觀眾將注意力由實體轉向抽象，體會精神性與無常。林其蔚《唸珠》則以色珠構成樂譜，經由誦念錄音檔鋪陳背景，編織色彩、語言與聲音，成為空間雕塑，與畫家余承堯描繪山勢起伏、深受南管音樂影響的山水作品並置，形成視覺與聽覺交互映照的聯覺體驗。 聲音的多元轉化 「調：心境與聲景之間」引導來賓在展覽體驗中靜下心神，傾聽錄像、裝置、繪畫與聲響之間的彼此呼應，使觀展不再只是凝視作品，而是一場需要放慢步伐、反覆感受的身體經驗，同時亦與北美館所在場域形成耐人尋味的對話，白色展廳一如持續接收與發送訊號的感知場域，將自然、生態、歷史與社會交織成一片可被聆聽的聲景。 「調：心境與聲景之間」展覽主視覺。 從滴落的水珠、冰川崩裂的回音，到戰爭年代的廣播、植物微弱的生物訊號，本展提醒人們，世界始終充滿各種聲音，溝通不僅於發出自己的聲音、也在傾聽他者的表達，當人們放慢腳步，重新調整自身與環境的頻率，「調」便不只是展覽名稱，更是一種與他者共振、與萬物同行的生活姿態，也為當代藝術提供了一種理解生態與地緣關係的新視角。 資料及圖片提供」臺北市立美術館 編輯」江瑜

紀實攝影一詞出現在19世紀中葉，早期多以戰地攝影或是記錄飢荒等議題為主，重點在於透過真實、不加以美化的拍攝手法，用照片紀錄事件，特別是即將消失的社會現實、人類生存狀況，強調其社會學的文獻價值，為求可信、可靠的畫面，傳遞文字表述以外的事件細節。  「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」策展人張世倫，透過攝影作品、出版文獻、工作樣片、手稿及歷史檔案等多元媒材，梳理台灣紀實影像敘事與文化記憶。（新北市美術館提供，攝影：王世邦）  新北市美術館近日推出研究型展覽「民間／攝影：紀實影像的敘事生成」（Minjian / Photography : Documentary Vision and Its Realist Inflection），策展人張世倫將展示重點聚焦於台灣近百年紀實攝影發展，集結松山虔三、張才、黃則修、黃永松、姚孟嘉、張照堂、梁正居及林柏樑等八位重要攝影家的創作與文獻，提取「民間」作為關鍵字，探討攝影與社會互動演進的關係，以及鏡頭何以形塑屬於在地的影像敘事與文化記憶。  林柏樑，〈都市邊緣人—臺北二號水門〉，數位輸出，72 × 102 公分；〈私人備忘：都市邊緣人〉，13 × 18 公分，1989年。 反思民間文化視野 本展以「民間」作為核心概念，特意保留華語拼音「Minjian 」作為英文展名，而非直接以現代詞意翻譯為 folk、vernacular 或 popular，源於此處所引用的「民間」並非單純指涉民俗文化，而是介於官方與非官方之間，經由人民的食衣住行、教育和信仰共同交織，並橫跨時代變遷所形塑的文化空間，是以透過稱呼強調歷史脈絡與在地語境。  林柏樑，〈輕觸傳統的體溫—鹿港龍山寺〉，數位輸出，60.96 × 76.2 公分，1985年。 對歷史的觀測，多承襲官方史料和數據，經由專業的學者判斷與整理，雖事件紀載相對精確，但也存在視野受限。本展將審視歷史的鏡頭移動、從非官方的媒體取材，自日本殖民時期由日籍知識分子所創辦的月刊《民俗臺灣》之攝影師松山虔三的民間影像出發，延伸至張才、黃則修等戰後攝影家的街頭與地方紀實，以及張照堂充滿實驗性的影像創作。  姚孟嘉，〈南投埔里〉，銀鹽相片，60.96 × 50.8 公分，1977年。張照堂檔案庫提供。 從1938年到1980年代，通過站在不同時地、為不同立場發聲的媒體，以及為其服務的攝影師們，經歷不同民族在這塊土地上的碰撞、消化戰後的重建，為台灣紀實攝影提供了現代化的雛型。  展覽內容包含攝影家工作樣片、手稿、出版刊物及歷史檔案，展示影像從拍攝、編輯到出版流通的生成過程。（新北市美術館提供，攝影：王世邦） 攝影與環境的對話 展中所關注的對象不僅止於攝影捕捉的畫面隨時代審美而產生的結構性演變，同時並重攝影如何與出版文化、民俗調查、地方行腳等多重媒介形成合作關係，以及環境對攝影師定位所產生的影響。是以展覽呈現攝影家的工作樣片、創作手稿、雜誌原始版面與紀錄影片，以及工作樣片、手稿、出版刊物及歷史檔案，嘗與歷史畫面並置共存，試讓影像展示的內容不只定格在「一幕」，延伸重返其誕生的歷史現場。  張才作品一隅。（新北市美術館提供，攝影：王世邦）  透過作品與文獻的交互參照，讓觀眾看見影像從拍攝、編輯到出版流通的生成過程，還原紀實攝影逐步參與社會知識與集體記憶的建構過程，以眼之所見，成為信任的憑據，建立現代與歷史溝通的橋樑。  張照堂，〈北投〉，銀鹽照片，50.8 × 60.96 公分，1980年代初。 梁正居，〈南投八通關〉，銀鹽照片，50.8 × 50.8 公分，1983年。 超越時間的觀看角度  針對民間的研究和定義，必然建立在層層歷史的堆疊和演進的過程，也拓展了被傳統史觀所忽略的個體議題，本展以攝影為切入點，探討攝影師的職業背景、創作歷程、取材資訊以及發表平台，以此串連地方、共同體、知識生產與文化流動。  黃永松，〈作醮，龍潭（「醮」）〉，數位輸出，60.96 × 50.8 公分，1970年。英文漢聲出版股份有限公司授權重製。 台灣的紀實攝影並非某種既定的風格標籤，也不是模仿致敬海外藝術風格的複製創作，而是在殖民統治、戰後體制與現代化進程中，持續與現實碰撞、協商而得的歷史結果。攝影者們透過鏡頭與編輯的複合實踐，是自身與社會的對話、也是當下寄予未來的信件，在影像中儲存的畫面，折射攝影者的自我定位、觀看者的認知解讀，和他們身後的整個時代。  黃永松，〈持傘婦人，九份〉，數位輸出，60.96 × 50.8 公分，1972年。英文漢聲出版股份有限公司授權重製。 資料及圖片提供」新北市美術館 編輯」江瑜 

當世界運轉的速度超過感官能負荷的極限，人們開始在「慢下來」的渴望中，尋找能夠安放自身的角落。得然藝術始終相信「Art Can Touch Your Heart」不只是一個口號，更是一種空間態度、一種策展信念。這座畫廊長期透過跨文化策展，引介不同國度的藝術家，讓藝術不只進入收藏，更走入生活。今年夏季，得然藝術推出雙人展《Still, Not Still》，邀請德國藝術家Tobias Stutz與台灣攝影藝術家周有煦，在空間中共同構築關於凝視、時間與存在的靜謐對話。 展覽主視覺。德國藝術家Tobias Stutz與台灣攝影藝術家周有煦雙人展。   空間的缺席與在場 走進《Still, Not Still》的展覽空間，觀者首先感受到一種被精心收束的秩序。Tobias Stutz筆下的建築、泳池、窗景與陽台，以高度理性的幾何結構佔據牆面，那些空無一人的露台、安靜的水面、敞開卻無人倚靠的窗框，在空間中形成一道奇異張力。 展覽現場。牆面上的畫作以幾何結構框取建築場景，空蕩的陽台與平靜的水面，在空間中形成一種安靜而具張力的存在。 人雖然不在畫中，卻彷彿剛剛離開，或即將到來。建築成為容器，收納著缺席者的體溫與痕跡，當觀者站立其間，不知不覺便走進那片留白的場域，將自己的記憶與孤獨投射其上。空間在此處不是背景，而是主角，邀請觀者重新思考存在與空無之間，那份幽微而持續的關係。 Tobias Stutz 《Landscape Room II》, 60 x 140 cm, 2023。   光的凝視 時間的沉積 展覽的另一側，周有煦的攝影作品以另一種節奏呼吸。海洋的波紋、天空的層次、城市結構的邊緣，在他的鏡頭下並非壯麗的風景紀錄，而是一種觀看方式的呈現。光在這些影像中成為最沉默的敘事者，落在水面、撫過建築立面、滲入天空的縫隙，時間在自然與文明交會之處留下痕跡，變得清晰可見。當目光在這些作品上停留，空間裡的時間感亦隨之改變，每一次觀看都像是一場與自身經驗的對話，輕聲卻深刻。 周有煦《奧林帕斯的曙光》, 80cm x 60cm, 2026。   展覽主軸並非單純的靜止，而是一種介於靜止與流動之間的狀態。《Still, Not Still》的空間設計，讓兩位藝術家的作品彼此呼應卻不互相干擾。Tobias Stutz 的建築理性與周有煦的自然詩意，透過展牆距離與動線鋪排，形成呼吸般的觀展節奏。畫面看似凝結，實則會在過程中，引導情緒與感知持續產生細微變化。 光線在畫面中移動，映照水面、建築與天際，時間的痕跡因而清晰。 得然藝術創辦人Denise Tsai的策展意志，滲透在每一處燈光落下的角度、每一道視線穿過的間隙，讓空間本身成為一種邀請，讓觀者在安靜之中，重新感受那些平日容易被忽略的內在流動。   《Still, Not Still》 時間」2026年7月18日至2026年8月15日 地點」TARTCH得然藝術（台北市內湖區南京東路六段503號1樓） 開放時間」週二至週六10:00~18:30（週日、週一公休）   資料及圖片提供」TARTCH得然藝術 編輯」林靖諺

傳奇設計大師Jean-Michel Gathy與其Denniston設計團隊，於紐約、曼谷和東京三大全球都會核心，重新定義靜謐美學。這極富遠見的三部曲力作，將安縵（Aman）標誌性的寧和意境，及其姊妹品牌迦努（Janu）獨有的活力氣質，共同融入世界最具活力的都市之心：安縵紐約（Aman New York）、曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）與迦努東京（Janu Tokyo）。   每一處居所皆以獨特方式詮釋「靜謐」內涵，透過因地制宜的設計語言，細膩呼應在地環境；三者交互輝映，深刻體驗文化傳承、建築個性與沉浸式感官體驗之間的絕妙平衡。   Jean-Michel的設計手法行雲流水，貫通東西、融會古今，連結自然和建築之境。他秉持對感官的極致追求，光線、聲音、材質跟空間節奏皆經縝密安排，每一細節都致力於寧靜氛圍的營造。安縵紐約、曼谷奈樂安縵和迦努東京共同勾勒出一幅當代都市生活的理想藍圖，於城市的脈動跟喧囂中，精心為旅客打造精心時刻，構築從容有序的棲居。 安縵紐約：至臻傳承之境 安縵紐約透過對第五大道與57街交會處的歷史地標──皇冠大廈（Crown Building）進行細心修復及保護，於都市中心成就一方靜謐之境。設計方案在保留大廈巴黎美術學院派（布雜藝術風格Beaux-Arts）建築遺風的同時，巧妙融入安縵標誌性的寧靜感；室內空間以開闊格局鋪陳，色調柔和雅致，光線經悉心調控，營造舒緩身心的宜人憩所。 安縵紐約（Aman New York）   安縵紐約（Aman New York） 每間套房均配備真火壁爐，這在紐約可謂彌足珍貴，注入溫暖與親密氛圍；隔音性則藉由多層次材質和精緻細節處理強化。雙層挑空的空中大廳、靈動水景跟花園露台等布局共同在雲端上構築出怡然的逸境。 安縵紐約（Aman New York） 安縵紐約（Aman New York）   曼谷奈樂安縵：都市綠洲 從曼哈頓的高聳密林中抽身，Jean-Michel Gathy將目光投向曼谷的熱帶之境，曼谷奈樂安縵以深厚的自然連結和文化傳承為依託，打造一座深植於在地精神的棲所。基地坐落於奈樂園（Nai Lert Park）內，設計以一株逾百年的雄偉四樹木（Sompong tree）為核心，不僅形塑了建築格局，更採活化歷史之姿，賦予空間更深層的韻味。 曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）   曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok） 受鄰近傳統文化宅邸的啟發，本案將傳統泰式元素與現代典雅風格相融合，落地窗及開放式布局使室內和自然景觀形成持續不斷的對話；天然材質的運用、訂製工匠作品與精心甄選的古董陳設，營造一種超然於時間的寧和之地。 曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok）   曼谷奈樂安縵（Aman Nai Lert Bangkok） 迦努東京：都市靜修之地 行至東京，Jean-Michel Gathy再度切換設計語彙，以空間秩序取代有機寧靜，藉精準、靈活又具當代禪意的美學，重新詮釋都市靜謐。基地選址於麻布台之丘（Azabudai Hills），他構想此處是一處靈動且充滿活力的都市庇所，於東京蓬勃的能量中描繪從容澄明的空間樣貌。 迦努東京（Janu Tokyo）   迦努東京（Janu Tokyo） 以東西合璧為基調，利用簡練線條、溫潤大地色系和精緻材質，讓東方極簡跟西方精緻交織共生。全案的體驗核心在於推拉門及模組化隔斷的運用，使空間可隨需求微妙重組，並將收納隱於無形；光線調節自如，氛圍隨心而變，維繫井然脈絡跟寧和之感。綠意植被、天然肌理與有機紋飾則進一步強化建物與自然世界的連結，嘗試在節奏急促的東京，提供平衡涵養及正念的靜心之所。 迦努東京（Janu Tokyo） 迦努東京（Janu Tokyo）   安縵紐約、曼谷奈樂安縵與迦努東京，共同構成了Jean-Michel Gathy引人入勝的 「都市三部曲」，三處居所分別以不同視角詮釋「靜」：紐約的聲學深度，曼谷的自然與傳承，東京的空間精準，皆以對感官體驗、文化語境與人文關懷的深刻思考一以貫之。     資料及圖片提供」Petrie PR 編輯」陳映蓁

《2026好感空間展Experience Life》於日前圓滿落幕，今年以The Next House Show為策展主題，從「下一個世代的材料盛會，應該是什麼模樣？」出發，重新思考商展的觀看方式、交流形式與策展角色。4天展期觀展人數再創新高，吸引來自建築、室內設計、空間設計、材料、製造及生活產業等專業人士和設計愛好者共襄盛舉，展現台灣商業展覽正透過策展與美學思維，開啟產業交流的新樣貌。   以光影重新感受材料與空間 今年首度推出「關燈計畫」，邀請照明人協會擔任燈光顧問，重新規劃全館光環境，降低整體照度、強化重點照明及光影層次，引導觀者將注意力回歸展品本身。光與影的純粹對話讓材料質感、家具比例和整體氛圍能更鮮明地被感知，讓照明不只是工具，更成為策展敘事的一部分。   除了形式上的創新，本屆也匯聚多項跨域共創內容，從3D列印藝術、土泥積層大型裝置，到品牌攜手藝術家、建築師等共同完成的限定展演，讓設計、工藝、科技跟製造在共同交織出一座創造力無限的生活實驗場。透過策展整合，好感空間展突破傳統商展以產品展示為主的框架，讓創意、品牌價值和製造技術得以同步呈現，突顯台灣從材料研發、製造工藝到品牌設計的完整實力，為產業建立更多合作對話的可能。   影響力講堂 每年備受關注的「影響力講堂」則回到最原始的材料：木材。以木構空間承載一系列跨領域講座，議題涵蓋AI、城市更新、永續材料、工藝文化及北歐設計思維，邀集不同領域的實踐者分享觀點，讓知識交流成為體驗的重要環節，也回應本屆展覽對未來生活與空間的提問。   除了策展內容持續深化，今年也進一步拓展亞洲設計交流網絡，邀請來自亞太地區多個設計組織代表來台，藉由參展品牌媒合與深度參訪，促進台灣設計業與國際市場的合作契機。   好感空間展持續嘗試突破框架，以策展思維重新串接起人、品牌、材料和空間之間的關係，每一次觀展、每一場交流、每一則回饋都將成為下一屆展覽演進的重要養分，並持續以設計為媒介，拓展產業對話的可能，也讓更多人在展覽中找到屬於自己的生活好感。     資料及圖片提供」好感空間 撰文」陳映蓁

初夏時節，誠品畫廊迎來一場別開生面的藝術對話。曾獲台灣指標性藝術競賽「大墩獎」最高榮譽的藝術家謝福源，與首度來台舉辦個展的中國藝術家蘭昭形，於近期共同舉辦《謝福源、蘭昭形雙個展》。此次展覽是誠品畫廊與兩位當代藝術家的首度合作，匯集兩人近年來的創作精髓，共展出逾50件作品，其中包括超過10件首度發表的全新創作，邀請觀者一同見證他們在各自藝術路徑上的深刻堅持與思考軌跡。 曾獲台灣指標性藝術競賽榮譽「大墩獎」的謝福源首次於誠品畫廊展出。   謝福源：秩序與解構間 一筆一畫的詩意修行 藝術家謝福源，1992年生於台南，深厚的學院訓練與日本交換研習經驗，為其創作注入傳統水墨根基與跨文化視野。他長年沉浸於工筆繪畫，卻仍持續探索在當代語境中的轉化可能。 謝福源代表作「萭嶼」系列以緻密的工筆葉片為基礎單位，層層構築如島嶼般的視覺景觀。 其代表作「萭嶼」系列，便以最細僅約0.2公分的葉片作為基礎單位，透過長時間一筆一畫反覆勾勒、層層堆疊，構築出宛如島嶼般靜謐而壯闊的視覺景觀。那些緻密的筆觸，不只是技法的極致展現，更體現藝術家在細節中探索秩序與變動、平衡與張力的漫長修行，近距離欣賞，其細膩與詩意令人嘆為觀止。 謝福源《裂帛生綠》。   此次展出的16件平面作品，包含5件2026年創作的新作，清晰地呈現謝福源近年來的風格演變。其中《裂帛生綠》標誌著其創作方向的關鍵轉折，由過往精密的工筆語言，逐步走向更為自由的「逸筆」書寫。畫面中，筆勢更顯率性，並透過獨立、彎曲甚至猶疑的筆畫，以及一道大膽切分空間的垂直線，忠實記錄創作當下的情緒流動。 謝福源《築山庭》。謝福源自幼接受工筆繪畫訓練，持續探索傳統筆墨在當代語境中的轉化，其細膩筆觸近距離欣賞令人嘆為觀止。 色彩上，他加入了薄荷綠、藕粉與灰白等近似古典淺絳山水的色調，為向來理性的結構增添溫潤的情感層次。近年作品更可見他結合數位繪圖與水墨，保留草圖中原始、帶有衝突感的書寫痕跡，重新詮釋郭熙《早春圖》、李唐《萬壑松風圖》等北宋經典山水，在傳統與當代之間，展開全新的觀看方式。 謝福源《蘆雪聽禪》。 蘭昭形：跨媒材的哲思之旅 凝視時間與存在 相較於謝福源對工筆的深化與轉化，首度於台灣展出的藝術家蘭昭形，則以其跨媒材的創作實踐，展現另一種豐沛的藝術能量。1977年出生於山西，雕塑與油畫的學院背景，造就她對物質與形式的敏銳感知。此次展出40件作品，涵蓋水墨、油彩、壓克力顏料、雕塑、浮雕等多元形式。 蘭昭形《山中小屋》。透過不鏽鋼構築出簡潔而堅定的建築形象​。 蘭昭形《沉思 1》。   深受哲學與歷史議題吸引的她，作品常從時間、存在與文明的思考出發。雕塑《山中小屋》以不鏽鋼構築出簡潔堅定的建築形象，象徵著內在的心靈歸屬；浮雕《沉思1》則結合蜂蠟與木板，透過層層堆疊形成半透明且斑駁的肌理，彷彿將時間的流動感凝結於畫面之上。 蘭昭形首次於台灣舉辦展覽，展出作品涵蓋水墨、雕塑、浮雕與油畫創作。 在平面創作上，蘭昭形深受塞尚影響，重視形式結構與畫面節奏。她曾言：「我很喜歡排線，重複的行為本身會帶來一種均衡，讓我產生一種無目的的目的性愉悅。」這樣的傾向鮮明地反映於其風景畫中，筆下樹木常呈現失根而整齊排列的樣態，在秩序中潛藏著不安與探索張力，作品命名更常延伸其哲思脈絡，如同海德格所言的「林中路」，在未知中持續前行。 蘭昭形《少年時代》。 蘭昭形《噴火的人》。 除了風景，歷史人物亦是其創作核心，如描繪梵谷年輕時期的《少年時代》，以及以藝術家羅斯科為題材的《噴火的人》，展現其對藝術名家生命與精神的深刻詮釋。而工作室中的蘭花、植栽與日常物件，則在具象與抽象的轉換間，成為具有當代性的靜物語言；愛犬「毛豆」的身影亦多次出現，以簡練筆墨捕捉神態，為其充滿哲思的作品，增添一份對生命日常的溫暖凝視。 蘭昭形《毛豆》。 從謝福源筆下0.2公分的工筆葉片，到蘭昭形手中跨越水墨、油彩與鋼鐵的多元媒材，兩位藝術家以截然不同的路徑，共同抵達藝術創作的核心，那便是對極致的追求，以及對內在世界的深刻探問。這場雙個展，不僅是視覺的饗宴，更是一場關於時間、秩序與存在的詩意對話。 《蘭昭形、謝福源雙個展》 時間」2026年8月8日前 地點」誠品畫廊（誠品生活松菸B1） 開放時間」週二至週六11:00~19:00（週日、週一休館） 展覽詳情可至線上展廳瀏覽。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」林靖諺