藝術家陳慧嶠首次香港個展《在一片天空下》，於爍樂畫廊展開，展中集結藝術家自1997年以來的創作脈絡，從早期裝置《無形玩伴》到2018年大型裝置《床外的藍天》，以及2024年至2025年間全新發表的系列作品，包含《當球體融入牆上的色彩時...》、《轟炸機》與《星鏈》等。 《當球體融入牆上的色彩時⋯》（When the Spheres Merge in Colors for a Large Wall），乒乓球、冷軋鋼板、無塵氟碳烤漆，2024。 陳慧嶠作為台灣當代先鋒藝術家，創作橫跨裝置、刺繡、空間介入與文獻編纂，善於從日常極簡的媒材表達廣闊、抽象如天空、記憶與夢境等等議題，並結合詩文內容延伸觸動多元敘事和繁複隱喻，結合感官與詩意，轉化獨特視覺語言，傳遞藝術、日常與身心靈的連結。 《床外的藍天》（A Room with a View），床、樹脂棉、針、繡線、毛巾、鋁盆、鋼杯、肥皂(盒)、牙刷、牙膏、飛行小百科，2018。 這些誕生於不同時期的作品，依序呈現作者多年的創作歷程和變化的心境，宛如星星，除了自身的熠熠生輝、同時也彼此串聯成星座，在展覽中傳遞新的寓意。 〈德哈維蘭單引擎轟炸機〉〈齊伯林飛艇〉〈氣球炸彈〉〈原子彈胖子〉，樹脂棉、針、銀蔥線、紗布印刷、風扣板、不鏽鋼、壓克力板、玻璃，1997 / 2025。 策展靈感取源於辛波絲卡《在一顆小星星底下》，詩句中喃喃為自己的言語、快樂以及表達慣性而向萬物致歉，似乎一切有形式的存在或美好，背後都奠基於不可避免的傷害，引用這樣美麗而悲傷的作品，讓人一窺展覽夢幻或脆弱的作品畫面底下，是陳慧嶠斬釘截鐵的觀點：「渴望與暴力不可分割，進步已淪為支配。」 《床外的藍天》，床、樹脂棉、針、繡線、毛巾、鋁盆、鋼杯、肥皂(盒)、牙刷、牙膏、飛行小百科，2018。 以針線、棉花、乒乓球、LED等材質作為思想的載體，探問人類如何將天空化為戰場，白色與黑色的展場相對而立，彼此問答作夢。《當球體融入牆上的色彩時...》（2024）透過乒乓球的亮色和動態感，於牆面構成極簡的星座，光與色、點與面之間形成近乎靜默的張力，同時也暗指邊界、監控鏡頭，以及精準導彈的瞄準標記。 《當球體融入牆上的色彩時…》，乒乓球、冷軋鋼板、無塵氟碳烤漆，2024。 重點展出大型裝置藝術作品《床外的藍天》（2018），將一張張床鋪依照冬季大三角的天狼星、南河三、參宿四等星座方向排列，床的方位著重強調指向大犬座「軍星」的位置，將天體異想轉化為軍事秩序；每張床上均用針線繡出星座與罌粟花，宇宙的野心與戰爭的記憶共枕於同一張床單，一如飛翔的伊卡洛斯不僅心懷憧憬，同樣也揣著征服天空的傲慢。 《無形玩伴》，樹脂棉、乒乓球、玻璃，1997。 陳慧嶠的針線將日常工藝化為武器，刺繡不再是慰藉，而是控訴；床是造夢、愛欲、生與死的休憩之區，但正是在這最私密的場域，她用針線織出無垠藍天，以冷冽的第三視角進行審視，暴露希望與傷口的並存。 《星鏈》、《恆星》，LED、樹脂棉、針、銀蔥線、風扣板、不鏽鋼、壓克力板，2025。 資料及圖片提供」爍樂畫廊 陳慧嶠  編輯」江瑜

忠泰美術館近日推出全新當代藝術展《燼光之城──文明之後的迴響》，邀請來自菲律賓、斯里蘭卡、敘利亞、羅馬尼亞、多哥、韓國及台灣等11組國內外藝術家，以身處全球化影響之下、城市遭遇的挑戰和再生為主題，面對各地城市遭遇戰爭、氣候災變、產業轉型與家園變遷等結構性因素帶來的動盪與轉變，期以不同藝術家的獨特詮釋，帶領觀眾重新審視人類集體生存的未來可能。 菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦，全新現地創作的大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》。 《燼光之城》的展覽關注點不同於輿論主流所關心的歐美大都會，從敘利亞大馬士革的反烏托邦想像、西非電子垃圾處理場的殘酷現實，到台南產業轉型下的家園拆遷等，藝術家們透過錄像、影像、混合實境（MR）、大型現地裝置等媒材，呈現不同政經歷史條件下造就的城市危機。 台灣藝術家蔡坤霖最新現地創作《誰為始何為終》。 敘利亞藝術家艾哈姆．賈布爾的合成影像作品《大馬士托邦》系列。 以居民感受為出發點，讓城市的危機、同時也作為城市居民的生存危機展現在觀眾眼前，在全球性人口遷徙、移工潮與科技盛行的時代，人們追尋理想生活，對「世界級城市」懷有改變人生的幻想，對於城市崩毀的現狀和對改善的期望，即是全球共通的語言，即便展示異國的風景，也足以觸發觀眾心頭的共感。 台灣藝術家林書楷與紐約FuturePerfect Studio 創辦人韋恩．艾希莉的MR作品《幻影之城》。 一如菲律賓藝術家阿奎禮贊夫婦現地創作的大型裝置《居所：（在某處）另一個國家計畫》，利用紙箱堆疊出關於移動與離散的記憶，不僅與在地學生合作共創，作品中堆疊的建築形貌和使用媒材，也喚起在地觀眾對家鄉城市的回憶。還有斯里蘭卡藝術家阿布都．哈里克．阿濟茲（Abdul Halik Azeez）的《異鄉異客》，利用多件影像、家庭照片、口述史料等，探討斯里蘭卡在新自由主義轉型下的移工敘事與戰後都市變遷。 台灣藝術家致穎、德國格雷戈爾．卡斯帕、多哥Elom 20ce藝術家跨國合作《貨幣》計畫。 由忠泰美術館團隊整理所在地的「臺北東區故事」。 展場呈環形動線，每個展區所講述的故事都可以是觀眾的起點或終點，從城市居民在生活追趕下的浪遊、到戰火摧殘下拼貼的奇觀與神話，經演算法支配帶來超現實的虛構影像、還有掩蓋在日常底下的集體焦慮……《燼光之城》不僅反映了忠泰美術館開館以來的十年積累，同時也提供觀眾一個更加超然的視角，反思在習以為常的生活之外、社會環境的塑成與個體的關聯，使展覽不僅止於「美」的體感，還有人文關懷的傳遞。 忠泰美術館《燼光之城──文明之後的迴響》展覽主視覺。 資料及圖片提供」忠泰美術館  編輯」江瑜

阿根廷藝術家托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在台首次大型個展「共織宇宙」（Interwoven），透過沉浸式裝置、聲音作品與社群參與計劃，以藝術為媒介，邀請觀眾深入展場營造的環境，嘗試與空氣、蜘蛛、雲層、孢子、種子、暗物質以及宇宙等或微小、或透明、甚至僅存於概念上的存在，感知並非以人類為主體的新世界。 「熱力學的想像」展間一隅。（攝影：林軒朗） 多維感知宇宙結構 托馬斯．薩拉切諾1973年生於阿根廷、現居柏林，作品橫跨不同尺度與專業領域，從透過蜘蛛絲線傳遞、幾乎不可聽聞的振動，到漂浮雕塑的空氣靜力學，再到絲狀的宇宙之網。曾於多個重要國際機構展出，在全球完成21件永久性委託創作，並與美國國家航空暨太空總署（NASA）及聯合國氣候變遷大會等機構進行合作，多方拓展藝術可以抵達的邊界。 托馬斯．薩拉切諾藝術家個人照。（攝影：林軒朗） 本展以「生命之網」為主題，在藝術作品中內蘊生態社會正義的探討——思及不斷消耗的資源和土地、戰爭與掠奪，「永續」不再是一個單純的口號，而是關乎人類整個種族的存亡。 早在1970年代便已興起相關討論，將「自然」視為需要保護與修復的對象，並試圖讓世界回到工業化之前的純淨狀態；然而21世紀的學者指出人類不再只是影響環境，而已成為改變地球的地質力量，當人類與科技發展勢不可擋，當我們無法回到未受污染的世界，又該如何與這個世界、與其他生命形式共存？ 〈公平雲朵〉，2026。（攝影：林軒朗） 以此觀點立身，在薩拉切諾二十年來的創作歷程中，持續在觀察人類社會始終忽視的微小細節，透過與常人不同的生命尺度，去觀測世界的變遷，蜘蛛如何憑空織網？空氣如何在空中流動？沒有具體支撐的宇宙如何保持平衡？這些觀察和好奇，成為了他創作的起點。 生態科學與藝術的跨界 薩拉切諾的創作不僅限於觀察，更在於實踐，他聯合生物學家、物理學家，透過不斷觀察、實驗與合作，把那些平常看不見的連結，呈現在觀眾眼前；包含研究蜘蛛如何透過震動傳遞訊息，將生物的移動和產物轉化為作品的一部分，同時發起「親蛛症 」（ Arachnophilia）計劃，把蜘蛛視為創作夥伴，而不是被害怕的對象。 〈太陽能飛行博物館〉，2023-2026。（攝影：林冠名） 在這次展覽中，可以看到由多種蜘蛛共同編織而成的三維星叢〈關注之網〉，透過不同品種的蜘蛛移動、吐絲，與時間的累積，完成協作性編舞，一方面在幽暗中閃閃發亮的蛛絲，隱喻連結萬物的生態網；也透過不同性格和習性的蜘蛛協作，象徵即使在看似衝突或不相容的群體之間，仍有可能發展出共處與協作的模式。 〈如何將宇宙陷入蛛網〉，2025。（攝影：林軒朗） 他對蛛絲的異想延伸到大型裝置作品〈算法．韻律〉，利用繩索編織模仿蛛網的繁複結構，讓觀眾置身其中，親身感知每一個交匯的節點皆對應不同尺度的震盪頻率，進一步感受到蛛網和空間的寓意、小蜘蛛和人類亦是同在一個環境中生長的生命體。 〈算法．韻律〉，2017-2026。（攝影：林冠名） 除了蜘蛛，薩拉切諾也長期關注空氣與飛行。在本展中，「氣」並非單一的概念，而是展現多維層次的存在狀態，融合不同國家和文明對「氣」的解讀，藝術家推動「大氣世」（Aerocene）計劃，想像一種不依賴化石燃料的未來，具象於首次在台灣呈現的〈太陽能飛行博物館〉（Museo Aero Solar），由回收塑膠袋製成並僅依靠太陽熱能升空，展出重點不僅在作品，創作過程也是一項氣候行動，更是一種集體創作與合作的實踐。 〈與帕查一起飛入大氣世〉（影片截圖），2017-2023。（攝影：林冠名） 以小窺大、透過微末編織宇宙，薩拉切諾的作品始於個人的好奇，以個人的努力串起群體的關注，猶如將每個觀眾和合作夥伴都納入網中，在藝術裡注入社群的生命力，一如其作品〈公平雲朵〉（Fairclouds）計畫，透過描繪雲朵形狀的創作，不僅連結阿根廷社群守護水資源的行動，還有邀集新北市多所學校與地方社群共同參與，讓孩子們在校園、住家與街區拍攝當地的雲朵，形成一幅關於水、記憶與未來的集體圖景。 〈關注之網〉，2025。（攝影：林軒朗） 資料及圖片提供」新北市美術館  編輯」江瑜

台灣藝術家簡翊洪近期將於谷公館藝廊舉辦個展，通過長久以來的多次合作，不僅累積雙方創作、策展的經驗與合作的默契，同時也透過同樣的空間，逐步反映出藝術家不同時期的變化。 《Night Angel》，2026，水墨設色紙本，36.4 x 25.6cm。 這次展覽分為上下兩檔，上檔《小孤獨，處》一共展出簡翊洪十六件全新作品，為觀眾呈現他近期的想要表達的觀點、表現的手法和過往的沉澱；下檔《小孤獨，行》則精選過往各階段的系列作品，也透過作品延伸介紹他過往的展覽和創作軌跡，讓新的觀眾朋友也能透過展覽歸納的成長脈絡，完整且系統性地深入瞭解這位藝術家。 想像與現實之間 同時修習水墨與版畫的簡翊洪，如今選擇以水墨為主要媒材，是源於有感柔軟筆毛與蘸墨揮灑的方式，似乎更貼合其心之所向。他早期的創作以簡單重複出現的裸身男性人物予人深刻印象，水墨輕重提按的技法，點到為止的隱然描繪，勾勒中年與少年的形體，介於寫實和抽象之間，傳遞富於想像的幽默。 《淡水》，2026，水墨設色絹本，17.2 x 24.3cm。 取材傳統中式意象式的構圖，筆墨勾勒簡潔輪廓和素淡柔和的色調、描繪荒誕或超現實的場景，簡翊洪早期的作品透過裸露、抽象的人體，表達自身拙於言語談論的情感經驗，溢注在男孩（自我投射）與叔叔（喜好的形象）的奇想劇場；隨年歲日長，他的內心世界逐步穩定，對於內我的關照也逐步投向內心之外的世界。 《有香蕉的靜物》，2026，水墨設色絹本，18.3 x 27.9cm。 本展內容涵蓋風景、靜物與人物，尤其著重描繪水邊的景色，如花蓮的七星潭、台北的淡水、基隆的外木山，以及綠島的海邊。遙望海邊，也彷彿能看見自己；藝術如小舟，引領他乘船跨海、望向更廣闊的遠方，見識到水的美景如許千變萬化，參見《小孤獨》、《蘇半邊》和《划槳》等作品，取材於蘇州園林，更進一步啟發他在創作中對於空間的結構安排。 點到為止的輕盈筆觸 2021年，簡翊洪於泰國駐村，生活在城鄉之間，日間聯絡的收訊斷斷續續，夜裡亦經常徘徊徬徨於迷失、無法返家的夢境，離鄉背井的孤獨促使他更深入於跟自己的對話，「處」也因而成為這次展覽的核心狀態——「小孤獨，處」，展名於焉誕生。 《小孤獨》，2026，水墨設色紙本，41.1 x 28cm。 欣賞這個展覽，除了美的本質，同時也在逐步碰觸創作者過往散落的回憶，簡翊洪有多處駐村的經驗，累積數量龐大的隨筆，一如《落大雨》草稿，描繪颱風天門外的螞蟻試圖進入屋內，從最初的抗拒，到逐漸接受，讓生靈們都能一同避難。還有在泰國駐村期間完成的《落花》草圖，午後大雨過後的草地上散落的雞蛋花，生命在盛開與衰敗之間同時存在。 《落花》，2026，水墨設色絹本，45.6 x 37.1cm。 與畫紙相處，與顏料相處，與時間相處，也與那些難以言說的情緒相處，這些沒有明確指向和強烈性格的圖畫，卻留住了當時的情感，在一個強調即時連結與持續表達的時代裡，構成《小孤獨，處》的日常質地。 不完美的藝術 真實的生活 有別於過往略施淡彩的手法，在簡翊洪的新作中逐漸可以看到更為濃重的色彩，好比《人生若海》反覆堆疊的藍色波浪，描摹陪伴父親時情緒的波動、以及生命無常的慨歎；還有《有香蕉的靜物》，凝結在工作時觀察香蕉逐漸氧化變黑的飢餓感，讓畫面幾近隱約飄出藤黃與墨點散發的細微氣味……因應色彩的變化，使畫面以更厚重、富有存在感的塊面體現細節變化。 《鳳梨花》，2026，水墨設色絹本，35.5 x 25.5cm。 對比早期水墨溫筆和薄軟宣紙的轉譯，讓那些畫面中離經叛道的內容，都有了更容易被這世界接受的軟語聲調，如今的簡翊洪，雖在嘗試變化的階段、筆觸仍存猶疑、用色還未定調；然而那些不完美的痕跡、施力的餘韻，最重要不過是真實——正是在這樣的狀態裡，創作者脫離朦朧的表達，更靠近清晰的自己、更真實地與他人接近，更進一步細品相遇的意義。 《小孤獨，處》展覽主視覺。 時間」2026年4月11日至6月20日 地點」台北市敦化南路一段21號4樓之2 資料及圖片提供」谷公館 編輯」江瑜

《勒・柯比意：建築詩篇》世界巡迴展近日於淡江大學文錙藝術中心展出，本展獲得法國勒・柯比意基金會官方認證，至今已然走訪紐約、倫敦、巴塞隆納、上海、京都等全球40多座城市；為深化台灣與國際的文化交流，經台法學術交流協會、新加坡 RT+Q建築事務所及巴黎Lin International共同策劃，重點呈現法國勒・柯比意基金會獨家授權的122件建築模型。 淡江大學文錙藝術中心。 大師的思想軌跡 展覽內容整理了「現代建築之父」勒・柯比意的生平歷程、思想脈絡和空間邏輯，引導觀眾依序欣賞：「思想的源頭」、「光之聖所」、「光輝之城」、「理想之境」、「居住的經典」、「日常的設計」、「承載之所」、「城市的藍圖」和「微型居所」等九個展區，內含大師17件世界遺產部分、經典代表性建築，以及從未問世的建築設計。 二樓展區勒柯比意專書區。 世界公認20世紀最具影響力的建築師之一，勒．柯比意（Le Corbusier），一生致力於讓居住在擁擠都市的人們有更好的生活環境，其作品結合功能的理性結構與帶有情感張力的形式，脫胎自古典主義，簡潔輪廓、開放而流動的空間配置，為現代建築和都市設計帶來廣泛啟發與深刻影響。 展場平面圖。 以認識「勒・柯比意」本人為起點，延伸賞析其作，橫跨早期的住宅設計、比例與採光的實驗性探索，到後期城市烏托邦集合住宅及大規模都市願景的構想，經由不同時期的建築展示和歷史評價、宏觀的城市面貌和私人的家具細節，鉅細靡遺地逐步完善觀眾對這位建築大師的理解。 印度昌迪加爾立法議會大廈模型。原建築建於1953至1963年，全棟建築以清水混凝土蓋造，充分運用遮陽板和大面積水池，帶來光影的豐富變化。 置身相對開闊的一樓展廳，不僅會為教堂的神聖光影目眩神迷，還會看到前人對現代都市曾經的宏大想像，勒・柯比意在1920年代提出「新建築五點」，提出「底層架空」、「自由平面」、「自由立面」、「長條帶窗與屋頂花園」，至今仍可在現代都市的結構看到他的思想鑿痕，透過展場的空間安排與模型，將設計理論轉化為具象的建築實踐，以薩伏瓦別墅大模型為展示重點，現場復刻薩伏瓦別墅主臥浴室空間供人一窺其設計細節。 史坦-德蒙齊別墅模型。原建築建於1926至1928年，是勒．柯比意於1920年代最具紀念性、最豪華的住宅。 經典建築回顧 文錙藝術中心本身即是一個複層空間，策展團隊將原有的空間條件納入展示的一部分，精準調整展場動線與高度比例，在種種細節間向大師致敬。自入口處的外觀玻璃色塊和柱列的設計靈感取材「巴西學生公寓」，透過色彩與排列節奏界定場域路徑；而展場內的挑空區則借鑑「馬賽公寓」的樓中樓結構，利用上下移動觸發的感官體驗，讓觀眾親身體驗空間尺度與層次的變化。 昌迪加爾建築博物館模型。原建築由S.D. Sharma設計，師從勒．柯比意，1997年為紀念印度獨立50週年正式成立。 值得注意的是，展中呈現多個與光線共鳴的空間段落，具體呈現勒・柯比意在建築中處理自然光的標誌性創意。在「光之聖所」展區，策展團隊參考廊香教堂標誌性的開窗與採光設計，局部復刻其比例獨特的黃金比矩形窗戶，讓觀眾於展場親身體會大師如何以光為筆、細膩塑造廊香教堂獨特的神聖氛圍。 廊香教堂模型。原建築建於1954年，外型依山勢而建，弧形屋頂不僅保溫，同時以傾斜弧度將雨水導向蓄水池。 拾階而上，展場二樓展示諸多首次來台的大師設計案模型，透過這些未完成的計劃充分展現勒・柯比意豐沛的創造力、工作產能與設計思維發展歷程；配合共呈不同時期的建築大師、藝術名人和紅粉知己等等名言摘錄，表達對於柯比意的看法與挑戰，透過這些對話，展現大師在不同時空展現的面貌和公眾定位。 延伸展覽精神 在實體模型和展覽欣賞之餘，主辦單位特別規劃三場系列專題講座與學術座談，邀請建築學者與建築師共同對話，從理念本體、地域轉譯到歷史影響，深入探討勒・柯比意對當代建築與都市設計的啟發。從「建築，如何成為一首詩」、「現代性與地域性的對話」到「跨時代的啟發：勒・柯比意對當代建築的影響」，經由對勒・柯比意的認識，回到對當代建築的審視，並反思其在當代數位化與全球化時代中的啟發與挑戰。 展場局部復刻廊香教堂矩形窗戶。 通過觀察大師一路走來的人生，更進一步地認識一個人、一種思想的生成，和一個領域不斷演進的過程，從抽象的主張、主義，落實到具體的空間，而後漸漸擴大到影響一個世界，「勒．柯比意：建築詩篇」結合藝術、歷史與思想，以豐富層次展現這位現代建築巨匠的創作宇宙，也觸發觀眾對自身、對未來的構築，更多元的空間想像。 「勒・柯比意：建築詩篇」展覽主視覺。 資料及圖片提供」淡江大學 建築學系 編輯」江瑜

Bluerider ART台北．敦化空間將於近日隆重呈獻德國雕塑家沃夫岡．福拉德（Wolfgang Flad）個展《未來形》（FORMA FUTURA）。這場展覽匯集藝術家最新創作，從立體雕塑到牆上裝置共四個系列作品，展現其對當代雕塑形式與時間、物質、空間關係的持續探索。   主視覺。展覽舉辦在Bluerider ART全新展覽空間。 沃夫岡．福拉德以獨樹一幟的雕塑語言聞名，作品擺脫傳統雕塑的沉重感，運用木頭、金屬、玻璃與再生材質，形塑曼妙而不規則的有機形體，展現生命張力。藝術家曾於美國坦帕藝術博物館舉辦個展，作品獲德國斯圖加特美術館、瑞士蘇黎世藝術館、荷蘭烏得勒支中央博物館等重要機構及私人收藏，是當代雕塑界極具代表性的中生代藝術家。 德國雕塑醫術家沃夫岡．福拉德（Wolfgang Flad）。   展名《未來形》直指沃夫岡．福拉德對雕塑與時空關係的重新提問，並非科技或數位運算的冰冷預言，而是關於有機生命永續與再生的思考。藝術家將星系光年的宏觀尺度與細胞分裂的微觀世界，濃縮於當下的空間動態之中，使雕塑形式呈現流動與不確定性，邀請觀者進入超越物理時間限制的感知場域。   顛覆量體的雕塑革命 有別於西方古典雕塑強調崇高與紀念性的量體感，也不同於現代主義對封閉形式的極致追求，福拉德徹底顛覆「雕塑即量體」的傳統定義。他延續貧窮藝術大師朱塞佩．佩諾內對自然材質的敏銳感知，以及行動繪畫傑克遜．波洛克在畫面中鋪陳的動態能量。 木雕塑系列《結構》，骨架以膠合板與木材搭建，將大量藝術評論書刊粉碎成紙漿混合包覆，藉材料轉化隱喻對歷史與體制的重構。   創作技法上，藝術家以膠合板與木材建構骨架，將大量承載歷史與體制的藝術評論雜誌與書籍粉碎，製成紙漿混合體進行包覆。這種「再造」過程猶如讓時間倒轉的儀式，透過將過往文獻轉化為雕塑的血肉，經由層層上漆與打磨，賦予作品光滑或粗獷的肌理。藉由鏤空、纏繞與負空間的運用，雕塑不再是佔據空間的龐然大物，而是輕盈對抗地心引力、如神經網絡般蔓延的存在，將形式從功能限制中解放，化為三維空間中無限傳遞的線條與能量。 木雕塑系列《結構》，以再造手法層層上漆語打磨，呈現自然色澤與紋理，引領觀者感受萬物流動的意境。   藝術史學家馬克．威爾曼將沃夫岡．福拉德的作品，追溯至前蘇格拉底哲學家赫拉克利特的古老格言「萬物流動」。在其雕塑中，恆定與瞬間動態並存，觀者難以界定其起點與終點。那些如外星有機體或骨骼般交錯的結構，並非靜止物件，而是複雜的空間敘事，揭示物質在時間洪流中永恆變化的本質。   四個系列的交響對話 本次大幅展出四個新系列作品。木雕塑系列《結構》以木頭結合再生媒材，仿如骨骼與枝幹的異形交織，卻在重力與動態間達成平衡，於靜止中蘊藏生長潛勢，如太極拳般順應線條輕緩流動。牆上鋁系列《衝擊之力》將金屬表面侵蝕，凹陷肌理如漫長歲月沖刷，光潔拋光與粗獷質地對比，使時間、物質與自我於此交會。   左：木雕塑系列《結構》；右：《塵之繪畫》。 牆上玻璃系列《月面》呈現如億萬年侵蝕的地表質地，透過雙色玻璃與冷冽鏡面、流動色彩交錯，揭示人類對宇宙的渴望與返回自我的旅程。牆上系列《塵之繪畫》則以回收雕塑研磨殘料，層層堆疊成畫面結構，回應物質不滅的永恆命題。   玻璃系列《月面》以雙色、鏡面與流動色彩交錯，摹寫億萬年侵蝕地貌，在冷冽與暖意間，訴說對宇宙的渴望與向內探尋的歸途。 《沃夫岡．福拉德：未來形》是關於未來的視覺寓言。當人類世面臨物質過剩與環境危機的挑戰，藝術家以逆向轉化的創作姿態，示現可持續的未來美學，廢棄與新生不再二元對立，過去的文獻殘骸轉化為未來的生命基質。那些懸浮於虛實之間的有機形體，如同來自尚未抵達的時空維度，在空間中安靜呼吸、緩慢蔓延，邀請觀者凝視那些不可見的能量流動。 《沃夫岡．福拉德：未來形》 時間」2026年3月14日至5月10日 地點」Bluerider ART台北．敦化（台北市大安區敦化南路二段77號1樓） 展覽詳情請見Bluerider ART官網。   資料及圖片提供」Bluerider ART 編輯」林靖諺

全球木工機械與木質加工產業的重要展會「WOOD TAIWAN台灣國際木材加工暨家具製造展」，將於2026年4月23日至26日在台北南港展覽館1館登場，並已開放線上預先登記。由中華民國對外貿易發展協會（TAITRA）與台灣木工機械工業同業公會（TWMA）共同主辦，以「Craft Smart! 木藝智造」為核心概念，聚焦「綠色智造」、「永續生活」及「未來木材」三大主軸，揭示木產業在智慧化與低碳轉型趨勢下的發展方向。 WOOD TAIWAN主視覺。   展現產業鏈實力 隨著全球淨零轉型與低碳建築政策，木材因具備可再生、碳儲存與加工彈性高等優勢，逐漸成為建築和製造產業的重要材料選項。展會將從設備技術、加工系統到產品應用等面向，串聯完整產業鏈，呈現木產業在製程效率與環境永續之間的平衡與進化。  WOOD TAIWAN 2026將於4月23日至26日在台北南港展覽館1館登場。圖為2023展覽現場。   現場集結多家指標企業，展示木工機械跟加工設備的最新技術成果，恩德、洪業、勝源、龍德、廣穎等廠商將展現木工機械在智慧製造、自動化整合與高效率加工方面的最新突破；而手工具、五金配件與板材領域，鼎錩、城市精密、樂奇等企業則推出兼具加工精度、耐用性與應用彈性的關鍵產品。   新設展區 探索家具製造與AI技術整合 因應產業需求，本屆展覽新增「家具製造及木結構區」與「智慧製造及AI解決方案區」兩大主題展區。前者聚焦家具製程整合、木構建築系統和工程應用，體現木材在空間設計與建築應用中的潛力；後者則著重於數位化製造、智慧產線、製程優化及AI技術應用，協助企業提升生產效率並加速數位轉型。這些技術的導入，逐漸導入傳統木作產業的生產模式，使其更具彈性與競爭力，接軌國際市場。 涵蓋五大展區，包括機械設備、手工具及DIY、五金配件與板材、家具製造及木結構，以及智慧製造與AI解決方案。圖為2023展覽現場。   論壇與交流 促進產業合作 展覽期間亦將舉辦多場產業論壇跟交流活動，邀請產官學界專家深入剖析球木產業政策趨勢、技術創新與市場發展。而採購洽談會、買主之夜及產業交流活動更可與海外市場建立連結，拓展合作機會。 展會同步舉辦設計暨優良產品競賽、採購洽談會與國際論壇，促進產業交流與商機媒合。圖為2023展覽現場。   此外，「台灣木工機械設計暨優良產品競賽」也將於展期第二天進行評選，並於第三天公布得獎名單，觀者可近距離了解台灣在木工機械設計與技術創新方面的成果。整體而言，「WOOD TAIWAN 2026」不僅是展示木工設備與材料應用的平台，也反映出木業在智慧製造與永續發展上的轉型軌跡；展會將持續扮演連結產業與市場的重要節點，提供更多未來發展的可能。     WOOD TAIWAN台灣國際木材加工暨家具製造展 日期」2026年4月23日至26日 地點」台北南港展覽館1館     資料及圖片提供」中華民國對外貿易發展協會 撰文」陳映蓁

2026香港巴塞爾藝術展（Art Basel Hong Kong 2026）匯集來自41個國家與地區、約240間頂尖畫廊，邀請各地的藝術愛好者共襄盛舉，瞭解現時全球藝術市場風向。 誠品畫廊作為台灣第一家入選瑞士「巴塞爾國際藝術博覽會」（Art Basel）的專業畫廊，秉其專業眼光，今年由北京與台北團隊攜手協作，呈現熊秉明（1922–2002）與展望（1962–）兩位雕塑藝術家以幾何作造形的起點、立形體為思考概念的精彩創作，跨越時代與文化的作品背景、不約而同的創作理念，於展中相互輝映。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1959-1966，《立馬》。 國際藝術盛事 享譽全球的巴塞爾藝術展源自瑞士的藝廊商人，每年均會在巴塞爾、香港及邁阿密三地舉行。最初的構想旨在串聯零散的藝廊、藝術家與收藏家，結合商業的嚴謹和策展的雄心，匯聚歐洲各地的藝術家於此參展，在1970年代確立了此展作為藝術探新、實驗和國際交流平台的地位。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1962-1997，《方肚牛》 傳承至今，除了強化品質與社會責任的實踐，幫助藝廊培養新生代的藝術工作者，增加各項豐富的活動如競賽、出版刊物和演講等，同時也逐步拓寬藝術欣賞的眼界，與亞洲共構協作的橋樑。其創辦宗旨和演進方向，與誠品畫廊不謀而合，自2009年首次參展，誠品藝廊歷年來陸續於巴塞爾藝術展展出徐冰、劉小東、刁德谦等華人藝術家作品，向世界展現東方文化和獨特美學。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，熊秉明，1998，《大歸途》。 雕塑思想的多元位面 熊秉明作為20世紀代表性的東方藝術家之一，早年畢業於西南聯合大學哲學系，赴法攻讀哲學博士期間受雕塑家紀蒙（Marcel Gimond）啟發，轉而進入巴黎高等美術學院修習雕塑，其學藝淵博，多方涉獵詩文、哲學、書法和雕塑等，翻閱他漫長的創作生涯，作品中既有簡約抽象的焊接線條、亦存感性寫實的銅雕肌理。 展中可見其一《立馬》，以半圓體切面表現馬的臀部，使具象的馬身藉由幾何分割產生張力，呼應他提出的「穿空剔透」雕塑觀，以生命為實驗，將作品視為實驗結果，嘗試在抽離寫實形體的過程中，留住雕塑題材的生命精神。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2025，《三向圓切》。 同為東方當代雕塑的重要代表人物，展望（1962-）生於北京，畢業於中央美術學院雕塑系，於90年代中期率先提出「觀念性雕塑」的創作理念，將抽象概念視同實體素材，突破傳統形式界限，成為極具影響力的當代雕塑家，以其標誌性的「假山石」系列聞名。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2016-2021，《假山石165（六面假山石）》。 展望的作品深受紐約大都會博物館以及倫敦大英博物館等多個國際博物館肯定，結合媒材不鏽鋼的工業隱喻，運用「坍縮」、「穿行」、「迭加」、「嵌入」等創作手法，效仿組合自然界中岩石的萬千形態為主體，探討自然與幾何學之間的關係，並透過「粒子」與「無限」系列進一步將自然形體分割，在金屬塊體的變化間注入自身的思想。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2025，《黄金比1：1.618》。 跨越世代與文化語境 誠品畫廊經營「兩岸青年藝術家」計畫多年，促進兩岸藝文交流，也促成本次展覽的起源：展望與熊秉明雕塑《立馬》的偶然邂逅。同為藝術家的敏銳，和當時恰好正陷於幾何學與雕塑關係的思考，熊秉明於作品中的線條處理和其展現的自然型態，深深觸動了展望，也體現兩位藝術家在創作生涯中殊途同歸的思考走向。 誠品畫廊_2026香港巴塞爾藝術展，展望，2023，《粒子的樣 15》。 透過幾何型態對於雕塑造形的影響，以及思考的起點，熊秉明與展望於此交會，又交出不同的答卷，前者以幾何轉譯生命與人文，後者以幾何折射當代與存在；一位以銅塑造歷史的厚度，一位以不鏽鋼開啟空間的流動。藉由本次展覽，觀者可見兩人的作品並置於同一空間，形體語言跨越世代，在感知與形式、古典與當代時空，為觀眾呈現不同藝術家在雕塑思想上的多重向度，以香港巴塞爾藝術展為背景，觸發新的連結。 誠品畫廊北京台北攜手參展「2026香港巴塞爾藝術展」，策畫熊秉明、展望跨世代藝術家聯展。 資料及圖片提供」誠品畫廊 編輯」江瑜

透過特意打造、遍布全球的藝術廊，路易威登建立了一個以當代社會為核心、面向大眾的藝術網絡，藉由不同環境所孕育的創作，不斷解構、再創當代藝術的涵義，連結社會不同層面和領域，以藝術、對美的認知與情感為媒介，托起人與人之間的跨域溝通。 展場一隅。 適逢路易威登藝術廊成立20週年，以及路易威登基金會「Hors-les-murs牆外」國際巡展計畫10週年，美國藝術家傑夫．昆斯（Jeff Koons）的個展於大阪路易威登藝術廊（Espace Louis Vuitton Osaka）落地，以「繪畫與媚俗」（Paintings and Banality）為題，回顧他從1980年代早期標誌性系列到近期巨型繪畫的創作歷程，將日常消費品、廣告、卡通乃至色情圖像轉化為高端藝術，擁抱媚俗（kitsch）文化並探索流行文化與藝術史的融合。 《風景 (樹) II》（Landscape (Tree) II），油墨、紙，274.3 x 213.4 cm，2007年。 挑戰藝術品的定義與價值 「Hors-les-murs牆外」國際巡展計劃旨在將收藏於路易威登基金會內尚未公開的典藏作品，帶往東京、慕尼黑、威尼斯、北京、首爾與大阪等各地路易威登藝術廊，藉由展出活動，以期讓這些藏品可以接觸與實際與其他國家的文化產生碰撞和連結，實踐品牌向國際觀眾推廣藝術的使命。 美國藝術家傑夫．昆斯（Jeff Koons）。 傑夫．昆斯是美國當代著名波普藝術家，自1980年代以來在當代藝壇佔據獨特地位，他的作品特色在於靈活應用家居用品、廣告詞彙、兒童圖標和藝術史典故和相關元素，探索流行文化與高級文化之間的張力。本展重點探討了昆斯長年的創作歷程，為社會普遍定義為廢品的東西打上聚光燈，重新闡明日常物品和圖像的象徵意義和情感份量，從而賦予其嶄新價值。 《野孩子與小狗》（Wild Boy and Puppy），瓷器，96.5 x 100.3 x 59.7 cm，1988年。 在他的繪畫作品中，昆斯將拼貼概念進一步發展。從他早期的畫作，例如《手鐲》（Bracelet），到最近的「綠巨人貓王」（Hulk Elvis）系列，其中包括本次展出的《風景 (樹) II》（Landscape (Tree) II）和《猴子火車 (鳥)》（Monkey Train (Birds)），昆斯將不同的視覺元素組合成巨幅畫作。這些密集的構圖傳達了當代社會被圖像和符號飽和的程度。 《猴子火車 (鳥)》（Monkey Train (Birds)），油墨、紙，274.3 x 213.4 cm，2007年。 當代社會的文化元素 廣告、電視與商業文化，自1980年代開始逐步滲透大眾生活的日常，也逐步塑成社會價值觀的具象載體，昆斯擷取這些意象融入自己的創作，不僅是一種社會觀察，同時也是對藝術發出提問：既然藝術來自於生活，那麼為何要將藝術設置欣賞和創作的門檻？ 《小女孩》（Little Girl），鏡面、玻璃，160 x 163.8 x 7.6 cm，1988年。 《三球50/50水箱》（Three Ball 50/50 Tank），玻璃、鐵、蒸餾水、3個籃球，153.7 x 123.8 x 33.7 cm，1985年。 昆斯光怪陸離、大膽諷刺的作品常常引發藝術界的強烈爭議，利用意象和不同材質的剪接和拼貼，模糊了藝術、工業和大眾文化之間的界限，如取材漫畫《加菲貓》中的角色歐弟所創造的雕塑《野孩子與小狗》（Wild Boy and Puppy），透過卡通形象串起創作者和公眾的童年記憶、《三球 50/50 水箱》（Three Ball 50/50 Tank）象徵美國夢在水缸裡載浮載沉的籃球，這些作品透過真實材料建構抽象場景，讓人一瞥過去社會的公眾記憶。 《手鐲》（Bracelet），油墨、紙，265.1 x 355 cm，1995-1998年。 過去在新表現主義藝術盛行的年代，昆斯的創作一度備受冷落，他轉戰華爾街任職證券經紀人，商業的概念與對物件定價的經驗，賦予他不同於一般藝術家看待藝術品的眼光和角度。從裝有工業製品、大眾消費品或現成物品的玻璃或有機玻璃陳列櫃，再到技術精湛的雕塑、拼貼繪畫，展出作品一如拼圖，揭示了這位藝術家橫跨了四十年，歷經社會、個人的種種變遷，如何藉作品為觀者提供一面鏡子，反映構成他們個人和集體身份的要素，同時探索諸如美和愉悅等普遍概念。 展場一隅。 資料及圖片提供」大阪路易威登藝術廊 編輯」江瑜